Ópera

La palabra italiana opera significa «obra», tanto en el sentido del trabajo realizado como del resultado producido. La palabra italiana deriva del latín opera , sustantivo singular que significa «obra» y también plural del sustantivo opus . Según el Oxford English Dictionary , la palabra italiana se utilizó por primera vez en el sentido de «composición en la que se combinan poesía, danza y música» en 1639; el primer uso registrado en inglés con este sentido data de 1648. ^{[ 6 ]}

Dafne, de Jacopo Peri, fue la primera composición considerada ópera en el sentido actual. Fue escrita alrededor de 1597, inspirada en gran medida por un círculo selecto de humanistas florentinos letrados que se reunieron en la Camerata de' Bardi . Dafne representó un intento de revivir el drama griego clásico , en el marco del resurgimiento de la antigüedad característico del Renacimiento . Los miembros de la Camerata consideraban que las partes corales de los dramas griegos se cantaban originalmente, e incluso posiblemente el texto completo de todos los personajes; por lo tanto, la ópera se concibió como una forma de recuperar esta situación. Sin embargo, Dafne se ha perdido. Una obra posterior de Peri, Eurídice , de 1600, es la primera partitura de ópera que ha llegado hasta nuestros días. Sin embargo, el honor de ser la primera ópera que aún se representa regularmente corresponde a L'Orfeo de Claudio Monteverdi , compuesta para la corte de Mantua en 1607. ^{[ 7 ]} La corte de los Gonzaga en Mantua , empleadores de Monteverdi, desempeñó un papel significativo en el origen de la ópera, empleando no solo a cantantes de la corte del concerto delle donne (hasta 1598), sino también a una de las primeras "cantantes de ópera" propiamente dichas, Madama Europa . ^{[ 8 ]}

La primera ópera alemana fue Dafne , compuesta por Heinrich Schütz en 1627, pero la partitura no se ha conservado. La ópera italiana ejerció una gran influencia en los países de habla alemana hasta finales del siglo XVIII. Sin embargo, a pesar de esta influencia, se desarrollaron formas propias. En 1644, Sigmund Staden produjo el primer Singspiel , Seelewig , una forma popular de ópera en alemán en la que el canto se alterna con el diálogo hablado. A finales del siglo XVII y principios del XVIII, el Theater am Gänsemarkt de Hamburgo presentó óperas alemanas de Keiser , Telemann y Handel . No obstante, la mayoría de los principales compositores alemanes de la época, incluido el propio Handel, así como Graun , Hasse y, posteriormente, Gluck , optaron por escribir la mayoría de sus óperas en lenguas extranjeras, especialmente en italiano. A diferencia de la ópera italiana, que generalmente se componía para la clase aristocrática, la ópera alemana se componía generalmente para las masas y tendía a presentar melodías sencillas de estilo folclórico; no fue hasta la llegada de Mozart que la ópera alemana pudo igualar a su contraparte italiana en sofisticación musical. ^{[ 19 ]} La compañía teatral de Abel Seyler fue pionera en la ópera seria en alemán en la década de 1770, marcando una ruptura con el entretenimiento musical anterior, más sencillo. ^{[ 20 ] [ 21 ]}

Los Singspiele de Mozart , Die Entführung aus dem Serail (1782) y Die Zauberflöte (1791) supusieron un importante avance para el reconocimiento internacional de la ópera alemana. Esta tradición se desarrolló en el siglo XIX con su Fidelio ( 1805 ), inspirada por el clima de la Revolución Francesa . Carl Maria von Weber consolidó la ópera romántica alemana en oposición al predominio del bel canto italiano . Su Der Freischütz (1821) demuestra su genialidad para crear una atmósfera sobrenatural. Otros compositores de ópera de la época son Marschner , Schubert y Lortzing , pero la figura más significativa fue sin duda Wagner .

Wagner fue uno de los compositores más revolucionarios y controvertidos de la historia de la música. Bajo la influencia de Weber y Meyerbeer , desarrolló gradualmente un nuevo concepto de ópera como Gesamtkunstwerk (una "obra de arte completa"), una fusión de música, poesía y pintura. Aumentó considerablemente el papel y el poder de la orquesta, creando partituras con una compleja red de leitmotivs , temas recurrentes a menudo asociados con los personajes y conceptos del drama, cuyos prototipos se pueden escuchar en sus primeras óperas como El holandés errante , Tannhäuser y Lohengrin ; y estuvo dispuesto a transgredir las convenciones musicales establecidas, como la tonalidad , en su búsqueda de una mayor expresividad. En sus dramas musicales de madurez, Tristán e Isolda , Los maestros cantores de Núremberg , El anillo del nibelungo y Parsifal , abolió la distinción entre aria y recitativo en favor de un flujo continuo de "melodía infinita". Wagner también aportó una nueva dimensión filosófica a la ópera en sus obras, que generalmente se basaban en historias de leyendas germánicas o artúricas . Finalmente, Wagner construyó su propio teatro de ópera en Bayreuth , con parte del patrocinio de Luis II de Baviera , dedicado exclusivamente a la representación de sus propias obras en el estilo que él deseaba.

La ópera nunca volvería a ser la misma después de Wagner, y para muchos compositores su legado resultó una pesada carga. Por otro lado, Richard Strauss aceptó las ideas wagnerianas, pero las llevó en direcciones totalmente nuevas, además de incorporar la nueva forma introducida por Verdi. Alcanzó la fama con la escandalosa Salomé y la oscura tragedia Elektra , en la que la tonalidad se llevó al límite. Luego, Strauss cambió de rumbo en su mayor éxito, El caballero de la rosa , donde Mozart y los valses vieneses se convirtieron en una influencia tan importante como la de Wagner. Strauss continuó produciendo un repertorio muy variado de obras operísticas, a menudo con libretos del poeta Hugo von Hofmannsthal . Otros compositores que hicieron contribuciones individuales a la ópera alemana a principios del siglo XX incluyen a Alexander von Zemlinsky , Erich Korngold , Franz Schreker , Paul Hindemith , Kurt Weill y el italiano Ferruccio Busoni . Las innovaciones operísticas de Arnold Schoenberg y sus sucesores se analizan en la sección sobre el modernismo . ^{[ 22 ]}

Durante finales del siglo XIX, el compositor austriaco Johann Strauss II , admirador de las operetas en francés compuestas por Jacques Offenbach , compuso varias operetas en alemán, la más famosa de las cuales fue Die Fledermaus . ^{[ 23 ]} Sin embargo, en lugar de copiar el estilo de Offenbach, las operetas de Strauss II tenían un marcado sabor vienés .

En rivalidad con las producciones de ópera italianas importadas, el compositor francés de origen italiano Jean-Baptiste Lully fundó una tradición francesa propia en la corte del rey Luis XIV . A pesar de su origen extranjero, Lully fundó una Academia de Música y monopolizó la ópera francesa a partir de 1672. Comenzando con Cadmus et Hermione , Lully y su libretista Quinault crearon la tragedia en música , un género en el que la música de danza y la escritura coral eran particularmente prominentes. Las óperas de Lully también muestran una preocupación por el recitativo expresivo que se ajustaba a los contornos del idioma francés. En el siglo XVIII, el sucesor más importante de Lully fue Jean-Philippe Rameau , quien compuso cinco tragedias en música, así como numerosas obras en otros géneros como la ópera-ballet , todas notables por su rica orquestación y audacia armónica. A pesar de la popularidad de la ópera seria italiana en gran parte de Europa durante el período barroco, la ópera italiana nunca logró afianzarse en Francia, donde su propia tradición operística nacional era más popular. ^{[ 24 ]} Tras la muerte de Rameau, el compositor bohemio-austríaco Gluck fue persuadido para producir seis óperas para los escenarios parisinos en la década de 1770. ^{[ 25 ]} Estas muestran la influencia de Rameau, pero simplificada y con mayor énfasis en el drama. Al mismo tiempo, a mediados del siglo XVIII, otro género ganaba popularidad en Francia: la ópera cómica . Esta era el equivalente del singspiel alemán , donde las arias se alternaban con diálogos hablados. Ejemplos notables de este estilo fueron producidos por Monsigny , Philidor y, sobre todo, Grétry . Durante el período revolucionario y napoleónico , compositores como Étienne Méhul , Luigi Cherubini y Gaspare Spontini , seguidores de Gluck, aportaron una nueva seriedad al género, que en cualquier caso nunca había sido del todo «cómico». Otro fenómeno de este período fue la "ópera propagandística" que celebraba los éxitos revolucionarios, como por ejemplo Le triomphe de la République (1793) de Gossec .

Hacia la década de 1820, la influencia gluckiana en Francia había dado paso a un gusto por el bel canto italiano , especialmente tras la llegada de Rossini a París. El Guillermo Tell de Rossini contribuyó a fundar el nuevo género de la gran ópera , cuyo exponente más famoso fue otro extranjero, Giacomo Meyerbeer . Las obras de Meyerbeer, como Los hugonotes , destacaban por su virtuosismo vocal y sus extraordinarios efectos escénicos. La ópera cómica, de tono más ligero , también gozó de un éxito rotundo en manos de Boïeldieu , Auber , Hérold y Adam . En este contexto, las óperas del compositor francés Hector Berlioz tuvieron dificultades para ser escuchadas. Su obra maestra épica, Los troyanos , culminación de la tradición gluckiana, no se representó íntegramente hasta casi cien años después.

En la segunda mitad del siglo XIX, Jacques Offenbach creó la opereta con obras ingeniosas y cínicas como Orfeo en los infiernos , así como la ópera Los cuentos de Hoffmann ; Charles Gounod cosechó un éxito rotundo con Fausto ; y Georges Bizet compuso Carmen , que, una vez que el público aprendió a aceptar su mezcla de romanticismo y realismo, se convirtió en la más popular de todas las óperas cómicas. Jules Massenet , Camille Saint-Saëns y Léo Delibes compusieron obras que aún forman parte del repertorio estándar, como Manon de Massenet , Samson et Dalila de Saint-Saëns y Lakmé de Delibes . Sus óperas conformaron otro género, la ópera lírica , una combinación de ópera cómica y gran ópera. Es menos grandiosa que la gran ópera, pero carece del diálogo hablado de la ópera cómica . Al mismo tiempo, la influencia de Richard Wagner se percibió como un desafío a la tradición francesa. Muchos críticos franceses rechazaron airadamente los dramas musicales de Wagner, mientras que numerosos compositores franceses los imitaron fielmente con resultados diversos. Quizás la respuesta más interesante provino de Claude Debussy . Al igual que en las obras de Wagner, la orquesta desempeña un papel protagónico en la singular ópera de Debussy, Pelléas et Mélisande (1902), y no hay arias propiamente dichas, solo recitativos. Sin embargo, el drama es sobrio, enigmático y completamente ajeno al estilo wagneriano.

Otros nombres destacados del siglo XX incluyen a Ravel , Dukas , Roussel , Honegger y Milhaud . Francis Poulenc es uno de los pocos compositores de posguerra de cualquier nacionalidad cuyas óperas (entre las que se incluye Diálogos de las Carmelitas ) han logrado consolidarse en el repertorio internacional. El extenso drama sacro de Olivier Messiaen , San Francisco de Asís (1983), también ha atraído una gran atención. ^{[ 26 ]}

En Inglaterra, el antecedente de la ópera fue la jig del siglo XVII . Esta era una pieza que se representaba al final de una obra de teatro. Con frecuencia era difamatoria y escandalosa, y consistía principalmente en diálogos con música compuesta a partir de melodías populares. En este sentido, las jigs anticipan las óperas de baladas del siglo XVIII. Al mismo tiempo, la mascarada francesa se afianzaba en la corte inglesa, con un esplendor aún más suntuoso y una escenografía sumamente realista que nunca antes vista. Íñigo Jones se convirtió en el diseñador por excelencia de estas producciones, y este estilo dominaría el escenario inglés durante tres siglos. Estas mascaradas incluían canciones y danzas. En Los amantes hechos hombres (1617) de Ben Jonson , «toda la mascarada se cantaba al estilo italiano, stilo recitativo». ^{[ 27 ]} La llegada de la Commonwealth inglesa provocó el cierre de los teatros y detuvo cualquier desarrollo que pudiera haber conducido al establecimiento de la ópera inglesa. Sin embargo, en 1656, el dramaturgo Sir William Davenant estrenó El asedio de Rodas . Dado que su teatro no tenía licencia para representar obras dramáticas, pidió a varios de los compositores más importantes ( Lawes , Cooke , Locke , Coleman y Hudson ) que musicalizaran fragmentos de la obra. A este éxito le siguieron La crueldad de los españoles en el Perú (1658) y La historia de Sir Francis Drake (1659). Estas obras fueron alentadas por Oliver Cromwell debido a su carácter crítico con España. Con la Restauración inglesa , los músicos extranjeros (especialmente los franceses) fueron recibidos con los brazos abiertos. En 1673, Thomas Shadwell estrenó Psique , inspirada en la comedia-ballet homónima de 1671 de Molière y Jean-Baptiste Lully . Ese mismo año, William Davenant estrenó La tempestad , la primera adaptación musical de una obra de Shakespeare (con música de Locke y Johnson). ^{[ 27 ]} Alrededor de 1683, John Blow compuso Venus y Adonis , considerada a menudo como la primera ópera verdaderamente en lengua inglesa.

El sucesor inmediato de Blow fue el más conocido Henry Purcell . A pesar del éxito de su obra maestra Dido y Eneas (1689), en la que la acción se ve impulsada por el uso de recitativos al estilo italiano, gran parte de la mejor obra de Purcell no se centró en la composición de óperas típicas, sino que solía trabajar dentro de las limitaciones del formato de semiópera , donde escenas aisladas y mascaradas se insertan en la estructura de una obra hablada, como Shakespeare en La Reina de las Hadas (1692) de Purcell y Beaumont y Fletcher en La Profetisa (1690) y Bonduca (1696). Los personajes principales de la obra no suelen participar en las escenas musicales, lo que significa que Purcell rara vez pudo desarrollar sus personajes a través de la canción. A pesar de estos obstáculos, su objetivo (y el de su colaborador John Dryden ) era establecer la ópera seria en Inglaterra, pero estas esperanzas se desvanecieron con la temprana muerte de Purcell a los 36 años.

Tras Purcell, la popularidad de la ópera en Inglaterra decayó durante varias décadas. Un renovado interés por la ópera se produjo en la década de 1730, atribuido en gran medida a Thomas Arne , tanto por sus propias composiciones como por haber alertado a Handel sobre las posibilidades comerciales de las obras de gran envergadura en inglés. Arne fue el primer compositor inglés en experimentar con la ópera cómica cantada al estilo italiano, siendo su mayor éxito Thomas and Sally en 1760. Su ópera Artaxerxes (1762) fue el primer intento de ambientar una ópera seria completa en inglés y fue un éxito rotundo, manteniéndose en cartelera hasta la década de 1830. Aunque Arne imitó muchos elementos de la ópera italiana, fue quizás el único compositor inglés de la época capaz de trascender las influencias italianas y crear su propia voz, única y distintivamente inglesa. Su ópera de baladas modernizada, Love in a Village (1762), dio inicio a una moda de ópera pastiche que perduró hasta bien entrado el siglo XIX. Charles Burney escribió que Arne introdujo "una melodía ligera, etérea, original y agradable, totalmente diferente de la de Purcell o Handel, a quienes todos los compositores ingleses habían plagiado o imitado".

Además de Arne, la otra figura dominante en la ópera inglesa de la época fue George Frideric Handel , cuyas óperas serias llenaron los escenarios operísticos londinenses durante décadas e influyeron en la mayoría de los compositores ingleses, como John Frederick Lampe , quien componía inspirándose en modelos italianos. Esta situación se mantuvo a lo largo de los siglos XVIII y XIX, incluso en la obra de Michael William Balfe , y las óperas de los grandes compositores italianos, así como las de Mozart, Beethoven y Meyerbeer, continuaron dominando el panorama musical inglés.

Las únicas excepciones fueron las óperas de baladas , como La ópera del mendigo de John Gay (1728), los burlescos musicales , las operetas europeas y las óperas ligeras de finales de la época victoriana , en particular las óperas del Savoy de WS Gilbert y Arthur Sullivan , todos los cuales tipos de entretenimientos musicales frecuentemente parodiaban las convenciones operísticas; estos géneros contribuyeron significativamente al surgimiento del arte separado pero estrechamente relacionado del teatro musical a finales del siglo XIX. Sullivan escribió solo una gran ópera, Ivanhoe (siguiendo los esfuerzos de varios jóvenes compositores ingleses a partir de 1876 aproximadamente), ^{[ 27 ]} pero afirmó que incluso sus óperas ligeras constituían parte de una escuela de ópera "inglesa", destinada a suplantar las operetas francesas (generalmente representadas en malas traducciones) que habían dominado el escenario londinense desde mediados del siglo XIX hasta la década de 1870. El Daily Telegraph de Londres estuvo de acuerdo, describiendo a The Yeomen of the Guard como "una auténtica ópera inglesa, precursora de muchas otras, esperemos, y posiblemente significativa de un avance hacia un escenario lírico nacional". ^{[ 28 ]} Sullivan produjo algunas óperas ligeras en la década de 1890 que eran de naturaleza más seria que las de la serie G&S, incluyendo Haddon Hall y The Beauty Stone , pero Ivanhoe (que se representó durante 155 funciones consecutivas, utilizando elencos alternos, un récord hasta la producción de Baz Luhrmann de La bohème de 2002/2003 con 228 funciones en Broadway ) ^{[ 29 ]} sobrevive como su única gran ópera .

En el siglo XX, la ópera inglesa comenzó a afirmar una mayor independencia, con obras de Ralph Vaughan Williams y, en particular, de Benjamin Britten , quien, en una serie de obras que aún forman parte del repertorio habitual, reveló un excelente talento para el drama y una musicalidad magnífica. Más recientemente, Sir Harrison Birtwistle se ha consolidado como uno de los compositores contemporáneos más importantes de Gran Bretaña, desde su primera ópera, Punch and Judy, hasta su más reciente éxito de crítica con The Minotaur . En la primera década del siglo XXI, el libretista de una ópera temprana de Birtwistle, Michael Nyman , se ha centrado en la composición de óperas, entre ellas Facing Goya , Man and Boy: Dada y Love Counts . Hoy en día, compositores como Thomas Adès continúan exportando ópera inglesa al extranjero. ^{[ 30 ]}

También en el siglo XX, compositores estadounidenses como George Gershwin ( Porgy and Bess ), Scott Joplin ( Treemonisha ), Leonard Bernstein ( Candide ), Gian Carlo Menotti , Douglas Moore y Carlisle Floyd comenzaron a componer óperas en inglés con toques de estilos musicales populares. Les siguieron compositores como Philip Glass ( Einstein on the Beach ), Mark Adamo , John Corigliano ( The Ghosts of Versailles ), Robert Moran , John Adams ( Nixon in China ), André Previn y Jake Heggie . Muchos compositores de ópera contemporáneos del siglo XXI han surgido, como Missy Mazzoli , Kevin Puts , Tom Cipullo , Huang Ruo , David T. Little , Terence Blanchard , Jennifer Higdon , Tobias Picker , Michael Ching , Anthony Davis y Ricky Ian Gordon .

La ópera llegó a Rusia en la década de 1730 gracias a las compañías operísticas italianas y pronto se convirtió en una parte importante del entretenimiento de la corte imperial y la aristocracia rusas . Muchos compositores extranjeros, como Baldassare Galuppi , Giovanni Paisiello , Giuseppe Sarti y Domenico Cimarosa (entre otros), fueron invitados a Rusia para componer nuevas óperas, principalmente en italiano. Simultáneamente, algunos músicos rusos de origen ucraniano, como Maxim Berezovsky y Dmitry Bortniansky, fueron enviados al extranjero para aprender a escribir óperas. La primera ópera escrita en ruso fue Tsefal i Prokris, del compositor italiano Francesco Araja (1755). El desarrollo de la ópera en ruso fue impulsado por los compositores rusos Vasily Pashkevich , Yevstigney Fomin y Alexey Verstovsky .

Sin embargo, el verdadero nacimiento de la ópera rusa llegó con Mikhail Glinka y sus dos grandes óperas: Una vida por el zar (1836) y Ruslán y Liudmila (1842). Después de él, durante el siglo XIX en Rusia, se escribieron obras maestras operísticas como Rusalka y El huésped de piedra de Alexander Dargomyzhsky , Boris Godunov y Khovanshchina de Modest Mussorgsky , El príncipe Igor de Alexander Borodin , Eugenio Oneguin y La dama de picas de Pyotr Tchaikovsky , y La doncella de nieve y Sadko de Nikolai Rimsky-Korsakov . Estos desarrollos reflejaron el crecimiento del nacionalismo ruso en todo el espectro artístico, como parte del movimiento eslavófilo más general.

En el siglo XX, las tradiciones de la ópera rusa fueron desarrolladas por muchos compositores, entre ellos Sergei Rachmaninoff en sus obras El caballero avaro y Francesca da Rimini , Igor Stravinsky en Le Rossignol , Mavra , Edipo rey y El progreso del libertino , Sergei Prokofiev en El jugador , El amor de las tres naranjas , El ángel de fuego , Compromiso en un monasterio y Guerra y paz ; así como Dmitri Shostakovich en La nariz y Lady Macbeth del distrito de Mtsensk , Edison Denisov en L'écume des jours y Alfred Schnittke en La vida de un idiota e Historia de D. Johann Fausten . ^{[ 31 ]}

Los compositores checos también desarrollaron un floreciente movimiento operístico nacional propio en el siglo XIX, comenzando con Bedřich Smetana , quien escribió ocho óperas, entre ellas la internacionalmente popular La novia vendida . Las ocho óperas de Smetana sentaron las bases del repertorio operístico checo, pero de ellas solo La novia vendida se representa regularmente fuera de su país natal. Tras llegar a Viena en 1892 y a Londres en 1895, rápidamente se incorporó al repertorio de todas las principales compañías de ópera del mundo.

Las nueve óperas de Antonín Dvořák , a excepción de la primera, tienen libretos en checo y fueron concebidas para transmitir el espíritu nacional checo, al igual que algunas de sus obras corales. La más exitosa de todas es Rusalka , que contiene la conocida aria "Měsíčku na nebi hlubokém" ("Canción a la Luna"); se representa con frecuencia en escenarios de ópera contemporáneos fuera de la República Checa . Esto se debe a la irregularidad de su inventiva y libretos, y quizás también a sus exigencias escénicas: El Jacobino , Armida , Vanda y Dimitrij requieren escenarios lo suficientemente grandes como para representar ejércitos invasores.

Leoš Janáček alcanzó reconocimiento internacional en el siglo XX por sus obras innovadoras. Sus obras posteriores, de madurez, incorporan sus estudios previos de música folclórica nacional en una síntesis moderna y sumamente original, que se evidencia por primera vez en la ópera Jenůfa , estrenada en 1904 en Brno . El éxito de Jenůfa (a menudo llamada la " ópera nacional de Moravia ") en Praga en 1916 le abrió las puertas de los grandes escenarios operísticos del mundo. Las obras posteriores de Janáček son las más célebres. Entre ellas se incluyen óperas como Káťa Kabanová y La zorrita astuta , la Sinfonietta y la Misa glagolítica .

España también produjo su propia forma distintiva de ópera, conocida como zarzuela , que tuvo dos períodos de auge distintos: uno desde mediados del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII, y otro que comenzó alrededor de 1850. Desde finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX, la ópera italiana fue inmensamente popular en España, desplazando la forma autóctona .

En la Europa del Este rusa, comenzaron a surgir varias óperas nacionales. La ópera ucraniana fue desarrollada por Semen Hulak-Artemovsky (1813-1873), cuya obra más famosa, Zaporozhets za Dunayem (Un cosaco más allá del Danubio), se representa regularmente en todo el mundo. Otros compositores de ópera ucraniana incluyen a Mykola Lysenko ( Taras Bulba y Natalka Poltavka ), Heorhiy Maiboroda y Yuliy Meitus . A principios de siglo, también comenzó a surgir un movimiento de ópera nacional distintivo en Georgia bajo el liderazgo de Zacharia Paliashvili , quien fusionó canciones y relatos folclóricos locales con temas clásicos del Romanticismo del siglo XIX .

La figura clave de la ópera nacional húngara en el siglo XIX fue Ferenc Erkel , cuyas obras trataban principalmente temas históricos. Entre sus óperas más representadas se encuentran Hunyadi László y Bánk bán . La ópera húngara moderna más famosa es El castillo del duque Barba Azul de Béla Bartók .

La ópera Straszny Dwór (en español The Haunted Manor ) de Stanisław Moniuszko (1861-1864) representa un punto culminante de la ópera nacional polaca del siglo XIX . ^{[ 32 ]} En el siglo XX, otras óperas creadas por compositores polacos incluyeron King Roger de Karol Szymanowski y Ubu Rex de Krzysztof Penderecki .

La primera ópera conocida procedente de Turquía (el Imperio Otomano ) fue Arshak II , una ópera armenia compuesta por el compositor de origen armenio Tigran Chukhajian en 1868 y representada parcialmente en 1873. Su estreno completo tuvo lugar en Armenia en 1945.

Los primeros años de la Unión Soviética vieron el surgimiento de nuevas óperas nacionales, como Koroğlu (1937) del compositor azerbaiyano Uzeyir Hajibeyov . La primera ópera kirguisa, Ai-Churek , se estrenó en Moscú en el Teatro Bolshói el 26 de mayo de 1939, durante la Década de las Artes Kirguisas. Fue compuesta por Vladimir Vlasov , Abdylas Maldybaev y Vladimir Fere . El libreto fue escrito por Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov y Kybanychbek Malikov. La ópera está basada en la epopeya heroica kirguisa Manas . ^{[ 33 ] [ 34 ]}

En Irán, la ópera cobró mayor relevancia tras la introducción de la música clásica occidental a finales del siglo XIX. Sin embargo, no fue hasta mediados del siglo XX cuando los compositores iraníes comenzaron a experimentar con este género, especialmente gracias a la construcción del Roudaki Hall en 1967, que posibilitó la puesta en escena de una gran variedad de obras. Quizás la ópera iraní más famosa sea Rostam y Sohrab, de Loris Tjeknavorian, cuyo estreno no se produjo hasta principios de la década de 2000.

La ópera clásica contemporánea china , una forma en idioma chino de ópera de estilo occidental que es distinta de la ópera tradicional china , ha tenido óperas que se remontan a La chica de cabello blanco en 1945. ^{[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ]}

En Latinoamérica, la ópera surgió como resultado de la colonización europea. La primera ópera escrita en América fue La púrpura de la rosa , de 1701, de Tomás de Torrejón y Velasco , compositor peruano nacido en España; una década después, Partenope , de 1711 , del mexicano Manuel de Zumaya , fue la primera ópera escrita por un compositor nacido en Latinoamérica (la música se ha perdido). La primera ópera brasileña con libreto en portugués fue A Noite de São João , de Elias Álvares Lobo . Sin embargo, Antônio Carlos Gomes es generalmente considerado el compositor brasileño más destacado, con un éxito relativo en Italia gracias a sus óperas de temática brasileña con libretos en italiano, como Il Guarany . La ópera en Argentina se desarrolló en el siglo XX tras la inauguración del Teatro Colón en Buenos Aires, con la ópera Aurora , de Ettore Panizza , fuertemente influenciada por la tradición italiana debido a la inmigración. Otros compositores importantes de Argentina son Felipe Boero y Alberto Ginastera .

En algunas salas de conciertos y teatros modernos donde se representan óperas, se utiliza un tipo sutil de refuerzo electrónico de sonido llamado mejora acústica . Si bien ninguna de las principales casas de ópera «…utiliza el refuerzo de sonido tradicional, al estilo de Broadway, en el que la mayoría, si no todos, los cantantes están equipados con micrófonos inalámbricos conectados a una serie de altavoces antiestéticos distribuidos por todo el teatro», muchas utilizan un sistema de refuerzo de sonido para la mejora acústica y para realzar sutilmente las voces fuera del escenario, los cantantes infantiles, los diálogos en escena y los efectos de sonido (por ejemplo, las campanas de la iglesia en Tosca o los efectos de trueno en las óperas wagnerianas). ^{[ 49 ]}

Los cantantes y los papeles que interpretan se clasifican según el tipo de voz , en función de la tesitura , la agilidad, la potencia y el timbre de sus voces. Los cantantes masculinos se clasifican según su registro vocal como bajo , bajo-barítono , barítono , baritenor , tenor y contratenor , y las cantantes femeninas como contralto , mezzosoprano y soprano . (Los hombres a veces cantan en los registros vocales "femeninos", en cuyo caso se les denomina sopranistas o contratenores. El contratenor es común en la ópera, donde a veces interpreta papeles escritos para castrati —hombres castrados a una edad temprana específicamente para darles un registro vocal más alto—). Los cantantes se clasifican además según su potencia vocal; por ejemplo, una soprano puede describirse como soprano lírica, coloratura , soubrette , spinto o soprano dramática. Estos términos, si bien no describen completamente una voz de canto, asocian la voz del cantante con los papeles más adecuados a sus características vocales.

Otra subclasificación se puede establecer según las habilidades o requisitos interpretativos; por ejemplo, el bajo bufo, que a menudo debe ser especialista en monólogos cómicos además de actor de comedia. Esto se analiza en detalle en el sistema Fach de los países de habla alemana, donde históricamente la ópera y el teatro hablado solían ser representados por la misma compañía de repertorio .

La voz de un cantante puede cambiar drásticamente a lo largo de su vida, rara vez alcanzando la madurez vocal hasta la tercera década, y a veces no hasta la mediana edad. Dos tipos de voz franceses, premier dugazon y deuxième dugazon , recibieron su nombre de etapas sucesivas en la carrera de Louise-Rosalie Lefebvre (Madame Dugazon). Otros términos originados en el sistema de selección de estrellas de los teatros parisinos son baryton-martin y soprano halcón .

Lo siguiente es solo una breve descripción general. Para los artículos principales, consulte soprano , mezzosoprano , contralto , tenor , barítono , bajo , contratenor y castrato .

La voz de soprano se ha utilizado tradicionalmente como la voz predilecta para la protagonista femenina de la ópera desde la segunda mitad del siglo XVIII. Anteriormente, era común que ese papel lo cantara cualquier voz femenina, o incluso un castrato . El énfasis actual en un amplio registro vocal fue principalmente una invención del período clásico . Antes de eso, la prioridad era el virtuosismo vocal, no el registro, y los papeles de soprano rara vez superaban un La agudo ( Handel , por ejemplo, solo escribió un papel que llegaba hasta un Do agudo ), aunque se decía que el castrato Farinelli poseía un Re agudo (su registro grave también era extraordinario, llegando hasta el Do de tenor). La mezzosoprano, término de origen relativamente reciente, también posee un amplio repertorio, que abarca desde el papel principal femenino en Dido y Eneas de Purcell hasta roles de gran envergadura como Brangäne en Tristán e Isolda de Wagner (ambos papeles son interpretados a veces por sopranos; existe una considerable variación entre estos dos tipos de voz). Para la contralto, el rango de papeles es más limitado, lo que ha dado lugar a la broma interna de que las contraltos solo cantan papeles de "brujas, arpías y mujeres con pantalones ". En los últimos años, muchos de los "papeles de pantalón" de la época barroca, originalmente escritos para mujeres y cantados originalmente por castrati, han sido reasignados a contratenores.

La voz de tenor, desde la época clásica en adelante, se ha asignado tradicionalmente al papel de protagonista masculino. Muchos de los papeles de tenor más exigentes del repertorio se escribieron durante la época del bel canto , como la secuencia de 9 do por encima del do central de Donizetti en La fille du régiment . Con Wagner llegó un énfasis en la potencia vocal para sus papeles protagonistas, y esta categoría vocal se describió como Heldentenor ; esta voz heroica tuvo su contraparte más italianizada en papeles como Calaf en Turandot de Puccini . Los bajos tienen una larga historia en la ópera, habiéndose utilizado en la ópera seria en papeles secundarios, y a veces para alivio cómico (además de proporcionar un contraste con la preponderancia de voces agudas en este género). El repertorio de bajo es amplio y variado, extendiéndose desde la comedia de Leporello en Don Giovanni hasta la nobleza de Wotan en El ciclo del anillo de Wagner , hasta el conflictivo rey Felipe de Don Carlos de Verdi . Entre el bajo y el tenor se encuentra el barítono, cuyo timbre también varía, por ejemplo, desde Guglielmo en Così fan tutte de Mozart hasta Posa en Don Carlos de Verdi ; la denominación "barítono" no se estandarizó hasta mediados del siglo XIX.

Las primeras representaciones de ópera eran demasiado infrecuentes para que los cantantes pudieran vivir exclusivamente de este género, pero con el nacimiento de la ópera comercial a mediados del siglo XVII, comenzaron a surgir intérpretes profesionales. El papel del héroe masculino solía confiarse a un castrato , y en el siglo XVIII, cuando la ópera italiana se representaba por toda Europa, los castrati más destacados, que poseían un virtuosismo vocal extraordinario, como Senesino y Farinelli , se convirtieron en estrellas internacionales. La carrera de la primera gran estrella femenina (o prima donna ), Anna Renzi , se remonta a mediados del siglo XVII. En el siglo XVIII, varias sopranos italianas alcanzaron renombre internacional y a menudo protagonizaron una feroz rivalidad, como fue el caso de Faustina Bordoni y Francesca Cuzzoni , quienes se enzarzaron en una pelea a puñetazos durante una representación de una ópera de Handel. A los franceses no les gustaban los castrati, prefiriendo que sus héroes masculinos fueran cantados por un haute-contre (un tenor agudo), de los cuales Joseph Legros (1739–1793) fue un ejemplo destacado. ^{[ 50 ]}

Aunque el patrocinio de la ópera ha disminuido en el último siglo en favor de otras artes y medios (como musicales, cine, radio, televisión y grabaciones), los medios de comunicación y la llegada de la grabación han apoyado la popularidad de muchos cantantes famosos, entre ellos Anna Netrebko , Maria Callas , Enrico Caruso , Amelita Galli-Curci , Kirsten Flagstad , Mario Del Monaco , Renata Tebaldi , Risë Stevens , Alfredo Kraus , Franco Corelli , Montserrat Caballé , Joan Sutherland , Birgit Nilsson , Nellie Melba , Rosa Ponselle , Beniamino Gigli , Jussi Björling , Feodor Chaliapin , Cecilia Bartoli , Elena Obraztsova , Renée Fleming , Galina Vishnevskaya , Marilyn Horne , Bryn Terfel , Dmitri Hvorostovsky y Los tres tenores ( Luciano Pavarotti) , Plácido Domingo , José Carreras ).

Fuentes

• Apel, Willi , ed. (1969). Diccionario Harvard de Música (2.ª  ed.). Cambridge, Massachusetts: Belknap Press de Harvard University Press. ISBN 0-674-37501-7.
• Cooke, Mervyn (2005). The Cambridge Companion to Twentieth-Century Opera . Cambridge: Cambridge University Press . ISBN 0-521-78009-8.Véase también la vista previa parcial de Google Libros .
• Parker, Roger , ed. (1994). The Oxford Illustrated History of Opera . Oxford y Nueva York: Oxford University Press. ISBN 0-19-816282-0– vía Internet Archive .
  • Tyrrell, John . "7. Ópera rusa, checa, polaca y húngara hasta 1900". En Parker (1994) .