ópera italiana

La música de Dafne se ha perdido, a excepción del libreto en verso de 455 líneas. La primera ópera de la que se conserva música se representó en 1600 en la boda de Enrique IV de Francia y María de Médici en el Palacio Pitti de Florencia . La ópera, Eurídice , con libreto de Rinuccini y música de Peri y Giulio Caccini , narraba la historia de Orfeo y Eurídice. El estilo de canto preferido por Peri y Caccini era una forma elevada de habla natural, un recitativo dramático acompañado de música instrumental de cuerda. El recitativo precedió así al desarrollo de las arias, aunque pronto se hizo costumbre incluir canciones e interludios instrumentales durante los silencios. Tanto Dafne como Eurídice incluían coros que comentaban la acción al final de cada acto, al estilo de la tragedia griega. El tema de Orfeo, el semidiós de la música, era comprensiblemente popular y atrajo a Claudio Monteverdi (1567-1643 ) , quien escribió su primera ópera , L'Orfeo (La fábula de Orfeo), en 1607 para la corte de Mantua .

Monteverdi insistió en una estrecha relación entre la letra y la música. Cuando Orfeo se representó en Mantua , con una orquesta de 38 instrumentos, se emplearon numerosos coros y recitativos para crear un drama vibrante. Fue una versión mucho más ambiciosa que las anteriores : más opulenta, con recitativos más variados y una escenografía más exótica , con clímax musicales más intensos que permitieron a los cantantes desplegar todo su virtuosismo. La ópera había alcanzado su primera etapa de madurez en manos de Monteverdi. Orfeo tiene además la particularidad de ser la ópera más antigua que se conserva y que aún se representa con regularidad.

En pocas décadas, la ópera se había extendido por toda Italia. En Roma , encontró un defensor en el prelado y libretista Giulio Rospigliosi (más tarde Papa Clemente IX). Los mecenas de Rospigliosi eran los Barberini.

Entre los compositores que trabajaron en este período se encuentran Luigi Rossi , Michelangelo Rossi , Marco Marazzoli , Domenico y Virgilio Mazzocchi , Stefano Landi .

Desde la década de 1630, el tema de las obras cambió enormemente: se prefieren las de la tradición pastoril y Arcadia a los poemas de caballería, generalmente de Ludovico Ariosto y Torquato Tasso , o las tomadas de la hagiografía y la commedia dell'arte cristiana .

Con el aumento del número de personajes, las óperas romanas se volvieron muy dramáticas y presentaban varios giros argumentales. Esto trajo consigo un nuevo método para fijar los versos del recitativo, más adecuado a las diversas situaciones que surgían de la rica trama y más cercano al habla cotidiana, repleto de incisos en detrimento del estilo paratáctico que tanto había caracterizado las primeras obras florentinas.

Las principales características de la ópera veneciana fueron: (1) mayor énfasis en las arias formales; (2) el inicio del estilo bel canto ("canto bello") y mayor atención a la elegancia vocal que a la expresión dramática; (3) menor uso de música coral y orquestal; (4) tramas complejas e improbables; (5) elaborada maquinaria escénica; y (6) breves introducciones instrumentales a modo de fanfarria, prototipos de la obertura posterior. ^{[ 5 ]}

La ópera tomó un nuevo e importante rumbo al llegar a la República de Venecia . Fue allí donde Benedetto Ferrari y Francesco Manelli inauguraron en 1637 el primer teatro de ópera público, el Teatro di San Cassiano . Su éxito alejó la ópera del mecenazgo aristocrático y la introdujo en el mundo comercial. En Venecia, el drama musical dejó de estar dirigido a una élite de aristócratas e intelectuales y adquirió el carácter de entretenimiento. Pronto surgieron muchos otros teatros de ópera en la ciudad, que representaban obras para un público de pago durante el Carnaval . Los teatros empleaban una orquesta muy pequeña para ahorrar dinero. Gran parte de su presupuesto se destinaba a atraer a las estrellas del momento; este fue el comienzo del reinado del castrato y la prima donna (la primera dama).

El principal compositor de la ópera veneciana temprana fue Monteverdi, quien se había mudado a la república desde Mantua en 1613, con compositores importantes posteriores como Francesco Cavalli , Antonio Cesti y Giovanni Legrenzi . ^{[ 5 ]} Monteverdi escribió tres obras para los teatros públicos: Il ritorno d'Ulisse in patria (1640), Le nozze d'Enea con Lavinia (1641, ahora perdida) y, la más famosa, L'incoronazione di Poppea (1642). Los temas de las nuevas óperas de Monteverdi y otros generalmente se tomaban de la historia romana o leyendas sobre Troya, para celebrar los ideales heroicos y la noble genealogía del estado veneciano. Sin embargo, no carecían de interés amoroso o comedia. La mayoría de las óperas constaban de tres actos, a diferencia de las óperas anteriores que normalmente tenían cinco. La mayor parte de la versificación seguía siendo recitativa, sin embargo, en momentos de gran tensión dramática a menudo había pasajes arioso conocidos como arie cavate . Bajo la tutela de los seguidores de Monteverdi, la distinción entre recitativo y aria se hizo más marcada y convencionalizada. Esto se evidencia en el estilo de los cuatro compositores más exitosos de la siguiente generación: Francesco Cavalli , Antonio Cesti , Giovanni Legrenzi y Alessandro Stradella .

En la Mancomunidad Polaco-Lituana, la tradición de la producción operística comenzó en Varsovia en 1628 con la representación de Galatea (compositor incierto), la primera ópera italiana producida fuera de Italia. Poco después, la corte estrenó La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina , ópera de Francesca Caccini , que ella había escrito para el príncipe Władysław Vasa tres años antes, cuando este se encontraba en Italia. Otro hito, esta es la ópera más antigua que se conserva escrita por una mujer. Gli amori di Aci e Galatea , de Santi Orlandi, también se representó en 1628. Durante el reinado de Władysław (como Władysław IV), supervisó la producción de al menos diez óperas a finales de la década de 1630 y durante la de 1640, convirtiendo a Varsovia en un centro de este arte. Se desconoce la identidad de los compositores de estas óperas: podrían haber sido polacos que trabajaban bajo las órdenes de Marco Scacchi en la capilla real, o bien italianos contratados por Władysław. En 1635 se representó un drama musical (como se conocía entonces a la ópera italiana seria) titulado Giuditta , basado en la historia bíblica de Judit . El compositor fue probablemente Virgilio Puccitelli.

Las óperas de Cavalli fueron representadas por compañías itinerantes de toda Italia con un éxito rotundo. De hecho, su Giasone fue la ópera más popular del siglo XVII, aunque algunos críticos se escandalizaron por su mezcla de tragedia y farsa. La fama de Cavalli se extendió por toda Europa. Una de sus especialidades era dotar a sus heroínas de " lamentos en bajo continuo ". Estas eran arias melancólicas cantadas sobre una línea de bajo descendente y tuvieron una gran influencia en Henry Purcell , cuyo "When I am laid in earth" de Dido y Eneas es probablemente el ejemplo más célebre de esta forma. La reputación de Cavalli hizo que el cardenal Mazarino lo invitara a Francia en 1660 para componer una ópera para la boda del rey Luis XIV con María Teresa de España. La ópera italiana ya se había representado en Francia en la década de 1640 con una acogida desigual, y la expedición de Cavalli al extranjero terminó en desastre. El público francés no respondió bien a la reposición de Xerse (1660) ni a la ópera especialmente compuesta Ercole amante (1662), prefiriendo los ballets que había insertado entre los actos un compositor florentino, Jean-Baptiste Lully , y Cavalli juró no volver a componer jamás otra ópera.

Cesti tuvo más fortuna cuando le pidieron que escribiera una ópera para la corte de los Habsburgo en Viena en 1668. Il pomo d'oro era tan grandiosa que la representación tuvo que extenderse a lo largo de dos días. Fue un éxito rotundo y marcó el comienzo del dominio de la ópera italiana al norte de los Alpes. A finales del siglo XVII, los compositores alemanes e ingleses intentaron establecer sus propias tradiciones autóctonas, pero a principios del siglo XVIII cedieron terreno a la ópera italiana importada, que se convirtió en el estilo internacional en manos de compositores como Handel . Solo Francia resistió (y su tradición operística había sido fundada por el italiano Lully). Esto marcó la pauta hasta bien entrado el siglo XIX: la tradición italiana era la internacional y sus principales exponentes (por ejemplo, Handel, Hasse, Gluck y Mozart) a menudo no eran nativos de Italia. Los compositores que querían desarrollar sus propias formas nacionales de ópera generalmente tenían que luchar contra la ópera italiana. Así, a principios del siglo XIX, tanto Carl Maria von Weber en Alemania como Hector Berlioz en Francia sintieron que debían desafiar la enorme influencia del italiano Rossini .

A finales del siglo XVII, algunos críticos creían necesaria una nueva forma de ópera, más elevada. Sus ideas darían origen a un género, la ópera seria (literalmente «ópera seria»), ^{[ 6 ]} que se convertiría en dominante en Italia y gran parte del resto de Europa hasta finales del siglo XVIII. La influencia de esta nueva actitud se puede apreciar en las obras de los compositores Carlo Francesco Pollarolo ^{[ 7 ]} y el enormemente prolífico Alessandro Scarlatti . ^{[ 8 ]}

Durante el siglo XVIII, la vida artística y cultural en Italia estuvo fuertemente influenciada por los ideales estéticos y poéticos de los miembros de la Accademia dell'Arcadia . Los poetas arcadianos introdujeron muchos cambios en el drama musical serio en italiano, entre ellos: ^{[ 9 ]}

• la simplificación de la trama;
• la eliminación de elementos cómicos;
• la reducción del número de arias;
• una predilección por argumentos extraídos de la tragedia clásica antigua o de la tragedia francesa moderna, en los que se ensalzaban los valores de la lealtad, la amistad y la virtud, y se celebraba el poder absoluto del soberano.

Pietro Metastasio fue, sin duda, el libretista más exitoso de la época, y mantuvo su prestigio hasta bien entrado el siglo XIX. Pertenecía a la Academia Arcadia y se adhería firmemente a sus teorías. Un libreto de Metastasio solía ser musicalizado por veinte o treinta compositores diferentes, y el público llegaba a memorizar los textos de sus dramas. ^{[ 10 ]}

En el siglo XVII, las óperas cómicas se representaban solo ocasionalmente y no se estableció una tradición estable. El género cómico de la ópera bufa nació en Nápoles a principios del siglo XVIII y comenzó a extenderse por toda Italia después de 1730.

La ópera bufa se distinguía de la ópera seria por numerosas características:

• la importancia que se le da a la acción escénica y la consiguiente necesidad de que la música siga los cambios del drama, enfatizando la expresividad de las palabras;
• la elección de cantantes que también eran excelentes actores, capaces de interpretar el drama de manera convincente;
• una reducción en el uso de decorados y maquinaria escénica, así como en el número de músicos de orquesta;
• el uso de un pequeño elenco de personajes (al menos en la forma breve de ópera cómica conocida como intermezzo ) y tramas simples (un buen ejemplo es La serva padrona de Pergolesi , 1733);
• Libretos inspirados en la commedia dell'arte , con temas realistas, lenguaje coloquial y expresiones argot;
• En lo que respecta al canto: el rechazo total del virtuosismo vocal; una tendencia a una pronunciación incorrecta de las palabras; la presencia frecuente de tics rítmicos y melódicos; el uso de onomatopeyas e interjecciones;
• la exclusión de los castrados . ^{[ 11 ]}

En la segunda mitad del siglo XVIII, la ópera cómica debió su éxito a la colaboración entre el dramaturgo Carlo Goldoni y el compositor Baldassare Galuppi . Gracias a Galuppi, la ópera cómica adquirió mucha más dignidad que durante la época del intermezzo. Las óperas se dividieron entonces en dos o tres actos, dando lugar a libretos de mayor extensión, que se diferenciaban significativamente de los de principios del siglo XVIII por la complejidad de sus argumentos y la psicología de sus personajes. Estos incluían ahora figuras serias en lugar de caricaturas exageradas, y las óperas presentaban argumentos centrados en el conflicto entre las clases sociales, además de incorporar ideas autorreferenciales. La obra más famosa de Goldoni y Galuppi en colaboración es Il filosofo di campagna (1754).

La colaboración entre Goldoni y otro famoso compositor, Niccolò Piccinni, dio origen, con La Cecchina (1760), a un nuevo género: la ópera semiseria . Esta contaba con dos personajes bufos , dos nobles y dos personajes intermedios.

La farsa en un acto influyó significativamente en el desarrollo de la ópera cómica. Este tipo de drama musical, inicialmente considerado una versión condensada de una ópera cómica más extensa, se consolidó con el tiempo como un género propio. Se caracterizaba por: el virtuosismo vocal; un uso más refinado de la orquesta; la gran importancia que se le daba a la producción; y la presencia de malentendidos y sorpresas a lo largo de la trama.

La ópera seria tenía sus debilidades y sus críticos; el gusto por el embellecimiento por parte de los cantantes magníficamente formados y el uso del espectáculo como sustituto de la pureza y la unidad dramáticas provocaron ataques. El Ensayo sobre la ópera (1755) de Francesco Algarotti resultó ser una inspiración para las reformas de Christoph Willibald Gluck . Este defendía que la ópera seria debía volver a lo esencial y que todos los elementos —música (instrumental y vocal), ballet y puesta en escena— debían estar subordinados al drama principal. Varios compositores de la época, entre ellos Niccolò Jommelli y Tommaso Traetta , intentaron poner en práctica estos ideales. En 1765, Melchior Grimm publicó «Poème lyrique» , un influyente artículo para la Encyclopédie sobre libretos líricos y de ópera . ^{[ 12 ] [ 13 ] [ 14 ] [ 15 ] [ 16 ]}

Sin embargo, el primero en alcanzar un éxito rotundo y dejar una huella imborrable en la historia de la ópera fue Gluck. Gluck buscaba lograr una «bella sencillez». Esto se aprecia en la primera de sus óperas de «reforma», Orfeo y Eurídice , donde las líneas vocales, carentes del virtuosismo de las obras de (por ejemplo) Handel, se ven respaldadas por armonías sencillas y una presencia orquestal notablemente más rica de lo habitual.

Las reformas de Gluck han tenido repercusión a lo largo de la historia de la ópera. Weber, Mozart y Wagner, en particular, se vieron influenciados por sus ideales. Mozart, en muchos sentidos sucesor de Gluck, combinó un magnífico sentido del drama, la armonía, la melodía y el contrapunto para componer una serie de comedias, entre las que destacan Las bodas de Fígaro , Don Giovanni y Così fan tutte (en colaboración con Lorenzo Da Ponte ), que siguen figurando entre las óperas más queridas, populares y conocidas de la actualidad. Sin embargo, la contribución de Mozart a la ópera seria fue más ambigua; en su época, este género estaba en decadencia, y a pesar de obras tan brillantes como Idomeneo y La clemenza di Tito , no logró revitalizarlo.

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