Benjamin Britten

Cuando tenía siete años, Britten fue enviado a una escuela para niñas , dirigida por las señoritas Astle. La hermana menor, Ethel, le dio clases de piano; más adelante, él afirmó que siempre estuvo agradecido por la excelencia de su enseñanza. ^{[ 17 ]} Al año siguiente, pasó a una escuela preparatoria , South Lodge , Lowestoft, como alumno externo . ^{[ 18 ]} El director, Thomas Sewell, era un disciplinario a la antigua; el joven Britten se indignó por los severos castigos corporales que se aplicaban con frecuencia, y más tarde dijo que su pacifismo de por vida probablemente tenía sus raíces en su reacción al régimen de la escuela. ^{[ 19 ]} Él mismo rara vez tuvo problemas con Sewell, un matemático, materia en la que Britten era un alumno brillante. La escuela no tenía tradición musical, y Britten continuó estudiando piano con Ethel Astle. Desde los diez años, tomó clases de viola con una amiga de su madre, Audrey Alston, quien había sido intérprete profesional antes de casarse. ^{[ 20 ]} En su tiempo libre componía prolíficamente. Cuando su Sinfonía Simple , basada en estas obras de juventud, fue grabada en 1956, Britten escribió este retrato de sí mismo joven para las notas de la carátula:

Érase una vez un niño de un colegio preparatorio.  ... Era un niño bastante normal  ... le encantaba el críquet, el fútbol no le gustaba mucho (aunque pateaba un buen córner); adoraba las matemáticas, se le daba bien la historia, le asustaba el latín desconocido; se portaba bastante bien, solo hacía travesuras lo suficiente, así que sus contactos con la vara o la zapatilla eran afortunadamente raros (aunque una expedición nocturna para acechar fantasmas dejó su huella); fue ascendiendo en el colegio lenta y constantemente, hasta que a los trece años alcanzó esa cima de importancia y grandeza, que nunca sería igualada en días posteriores: jefe de sexto, prefecto jefe y Victor Ludorum . Pero había algo curioso en este niño: componía música. Sus amigos lo aguantaban, sus enemigos lo molestaban un poco pero no por mucho tiempo (era bastante duro), el personal no podía objetar si su trabajo y sus juegos no se veían afectados. Componía mucha música, montones y montones de música. ^{[ 21 ]}

Audrey Alston animó a Britten a ir a conciertos sinfónicos en Norwich . En uno de ellos, durante el Festival trienal de Norfolk y Norwich en octubre de 1924, escuchó el poema orquestal de Frank Bridge, The Sea , dirigido por el compositor. Fue la primera pieza sustancial de música moderna que había escuchado, y, en sus propias palabras, quedó "impactado" por ella. ^{[ 22 ] [ 23 ]} Audrey Alston era amiga de Bridge; cuando regresó a Norwich para el siguiente festival en 1927, ella llevó a su alumno de casi 14 años a conocerlo. Bridge quedó impresionado con el chico, y después de que hubieran revisado juntos algunas de las composiciones de Britten, lo invitó a ir a Londres para tomar lecciones con él. ^{[ 24 ]} Robert Britten, apoyado por Thomas Sewell, dudaba de la sensatez de seguir una carrera como compositor; Se llegó a un compromiso por el cual Britten, como estaba previsto, asistiría a su escuela pública al año siguiente, pero haría viajes regulares de un día a Londres para estudiar composición con Bridge y piano con su colega Harold Samuel . ^{[ 25 ]}

Bridge inculcó a Britten la importancia de una atención escrupulosa a la técnica de la composición ^{[ b ]} y la máxima de que «debes encontrarte a ti mismo y ser fiel a lo que encontraste». ^{[ 27 ]} Las primeras obras importantes que Britten compuso mientras estudiaba con Bridge son el Cuarteto de cuerdas en fa mayor, terminado en abril de 1928, y las Quatre Chansons Françaises , un ciclo de canciones para voz aguda y orquesta. Los expertos discrepan sobre el alcance de la influencia de Bridge en la técnica de su alumno. Humphrey Carpenter y Michael Oliver consideran que las habilidades de Britten como orquestador fueron esencialmente autodidactas; ^{[ 28 ]} Donald Mitchell considera que Bridge tuvo una influencia importante en el ciclo. ^{[ 27 ]}

En septiembre de 1928, Britten ingresó como interno en la escuela Gresham's , en Holt, Norfolk . En ese momento se sentía infeliz allí, llegando incluso a escribir en su diario que contemplaba el suicidio o la fuga: ^{[ 29 ]} odiaba estar separado de su familia, sobre todo de su madre; despreciaba al profesor de música; y le horrorizaba la prevalencia del acoso escolar, aunque él no era la víctima. ^{[ 30 ] [ c ]} Permaneció allí durante dos años y en 1930 ganó una beca de composición en el Royal College of Music (RCM) de Londres; sus examinadores fueron los compositores John Ireland y Ralph Vaughan Williams y el profesor de armonía y contrapunto del colegio, SP Waddington. ^{[ 32 ]}

Britten estuvo en el RCM de 1930 a 1933, estudiando composición con Ireland y piano con Arthur Benjamin . Ganó el Premio Sullivan de composición, el Concurso Cobbett de música de cámara y fue dos veces ganador del Premio Ernest Farrar de composición. ^{[ 33 ]} A pesar de estos honores, no le impresionó demasiado la institución: encontraba a sus compañeros de estudios "amateurs y campechanos" y al personal "inclinado a sospechar que la brillantez técnica era superficial e insincera". ^{[ 34 ] [ d ]} Otro alumno de Ireland, el compositor Humphrey Searle , dijo que Ireland podía ser "un profesor inspirador para aquellos en su misma sintonía"; Britten no lo era y aprendió poco de él. ^{[ 36 ]} Continuó estudiando de forma privada con Bridge, aunque más tarde elogió a Ireland por "haberme guiado con mucha delicadeza durante una adolescencia musical muy, muy difícil". ^{[ 37 ]}

Britten también aprovechó su estancia en Londres para asistir a conciertos y familiarizarse mejor con la música de Stravinsky , Shostakovich y, sobre todo, Mahler . ^{[ e ]} Tenía la intención de realizar estudios de posgrado en Viena con Alban Berg , alumno de Arnold Schoenberg , pero finalmente sus padres lo disuadieron, siguiendo el consejo del personal del RCM. ^{[ 39 ]}

Las primeras composiciones de Britten que atrajeron gran atención fueron compuestas durante su estancia en el RCM: la Sinfonietta , Op. 1 (1932), el cuarteto para oboe Phantasy , Op. 2, dedicado a Léon Goossens, quien realizó el estreno en una transmisión de la BBC el 6 de agosto de 1933, y un conjunto de variaciones corales A Boy Was Born , escritas en 1933 para los BBC Singers , quienes las interpretaron por primera vez al año siguiente. ^{[ 40 ]} En este mismo período escribió Friday Afternoons , una colección de 12 canciones para los alumnos de la escuela Clive House, Prestatyn , donde su hermano era director. ^{[ 41 ]}

En febrero de 1935, a instancias de Bridge, Britten fue invitado a una entrevista de trabajo por el director musical de la BBC, Adrian Boult , y su asistente, Edward Clark . ^{[ 42 ]} Britten no estaba entusiasmado con la perspectiva de trabajar a tiempo completo en el departamento de música de la BBC y se sintió aliviado cuando, como resultado de la entrevista, recibió una invitación para componer la banda sonora de un documental, The King's Stamp , dirigido por Alberto Cavalcanti para la GPO Film Unit . ^{[ 43 ]}

Britten se convirtió en miembro del pequeño grupo de colaboradores habituales de la unidad de cine, otro de los cuales era W. H. Auden . Juntos trabajaron en los documentales Coal Face y Night Mail en 1935. ^{[ 44 ]} También colaboraron en el ciclo de canciones Our Hunting Fathers (1936), radical tanto en política como en tratamiento musical, y posteriormente en otras obras como Cabaret Songs , On This Island , Paul Bunyan e Hymn to St Cecilia . ^{[ 45 ]} Auden influyó considerablemente en Britten, animándolo a ampliar sus horizontes estéticos, intelectuales y políticos, y también a aceptar su homosexualidad. Auden era, como dice David Matthews , «alegremente y sin remordimientos promiscuo»; Britten, puritano y convencional por naturaleza, estaba sexualmente reprimido. ^{[ 46 ]}

En los tres años comprendidos entre 1935 y 1937, Britten compuso casi 40 partituras para teatro, cine y radio. ^{[ 47 ]} Entre la música cinematográfica de finales de la década de 1930, Matthews destaca Night Mail y Love from a Stranger (1937); de la música teatral, selecciona para su mención The Ascent of F6 (1936), On the Frontier (1938) y Johnson Over Jordan (1939); y de la música para radio, King Arthur (1937) y The Sword in the Stone (1939). ^{[ 48 ]}

En 1937, dos acontecimientos de enorme importancia marcaron la vida de Britten: la muerte de su madre y su encuentro con el tenor Peter Pears . Si bien Britten sentía una devoción extraordinaria por su madre y quedó devastado por su muerte, también parece haber sido una especie de liberación para él. ^{[ 49 ]} Solo después de eso comenzó a entablar relaciones emocionales con personas de su edad o más jóvenes. ^{[ 50 ]} Más adelante ese mismo año, conoció a Pears mientras ambos ayudaban a vaciar la casa de campo de un amigo común que había fallecido en un accidente aéreo. ^{[ 51 ]} Pears se convirtió rápidamente en la inspiración musical de Britten y en un amigo cercano (aunque por el momento platónico). La primera obra que Britten compuso para él fue una adaptación del poema de Emily Brontë , «Mil fuegos brillantes», para tenor y cuerdas. ^{[ 52 ]}

Durante 1937, Britten compuso una Marcha Pacifista con letra de Ronald Duncan para la Peace Pledge Union , de la cual, como pacifista, se había convertido en miembro activo; la obra no tuvo éxito y pronto fue retirada. ^{[ 53 ]} La más conocida de sus composiciones de este período es probablemente Variaciones sobre un tema de Frank Bridge para orquesta de cuerdas, descrita por Matthews como la primera obra de Britten en convertirse en un clásico popular. ^{[ 54 ]} Fue un éxito en Norteamérica, con interpretaciones en Toronto, Nueva York, Boston, Chicago y San Francisco, bajo la dirección de directores como John Barbirolli y Serge Koussevitzky . ^{[ 55 ]}

En abril de 1939, Britten y Pears zarparon hacia Norteamérica, dirigiéndose primero a Canadá y luego a Nueva York. Tenían varias razones para dejar Inglaterra, entre ellas la difícil posición de los pacifistas en una Europa cada vez más belicosa; el éxito que Frank Bridge había disfrutado en los EE. UU.; la partida de Auden y su amigo Christopher Isherwood a los EE. UU. desde Inglaterra tres meses antes; las críticas hostiles o despectivas de la música de Britten en la prensa inglesa; y las interpretaciones inadecuadas y poco ensayadas. ^{[ 27 ] [ 56 ]} Britten y Pears consumaron su relación y desde entonces hasta la muerte de Britten fueron socios tanto en sus vidas profesionales como personales. ^{[ 57 ]} Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, Britten y Pears acudieron en busca de consejo a la embajada británica en Washington y se les dijo que debían permanecer en los EE. UU. como embajadores artísticos. ^{[ 55 ]} Pears se inclinó a ignorar el consejo y regresar a Inglaterra; Britten también sintió el impulso de regresar, pero aceptó el consejo de la embajada y persuadió a Pears para que hiciera lo mismo. ^{[ 58 ]}

Britten, que ya era amigo del compositor Aaron Copland , conoció sus últimas obras, Billy the Kid y An Outdoor Overture , las cuales influyeron en su propia música. ^{[ 59 ]} En 1940, Britten compuso Seven Sonnets of Michelangelo , el primero de muchos ciclos de canciones para Pears. ^{[ 60 ]} Las obras orquestales de Britten de este período incluyen el Concierto para violín , Sinfonia da Requiem y An American Overture . En 1941, Britten produjo su primer drama musical, Paul Bunyan , una opereta , con libreto de Auden. ^{[ 56 ]} Durante su estancia en Estados Unidos, Britten tuvo su primer encuentro con la música gamelan balinesa , a través de transcripciones para dúo de piano realizadas por el compositor canadiense Colin McPhee . Los dos se conocieron en el verano de 1939 y posteriormente interpretaron varias transcripciones de McPhee para una grabación. ^{[ 61 ]} Este encuentro musical dio fruto en varias obras de inspiración balinesa más adelante en la carrera de Britten. ^{[ 62 ]}

El traslado a Estados Unidos no libró a Britten de la molestia de las críticas hostiles: si bien tanto Olin Downes , el decano de los críticos musicales neoyorquinos, como Irving Kolodin apreciaron su música, Virgil Thomson fue, como lo describe la musicóloga Suzanne Robinson, constantemente "severo y rencoroso". Thomson describió Les Illuminations (1940) como "poco más que una serie de 'efectos' superficiales y banales  ... pretencioso, banal y totalmente decepcionante", y fue igualmente despiadado con la voz de Pears. Robinson supone que Thomson estaba motivado por "una mezcla de rencor, orgullo nacional y celos profesionales". ^{[ 55 ]} Paul Bunyan recibió una desaprobación generalizada de la crítica, ^{[ 63 ]} y la Sinfonia da Requiem (ya rechazada por sus patrocinadores japoneses debido a su naturaleza abiertamente cristiana) tuvo una recepción mixta cuando Barbirolli y la Filarmónica de Nueva York la estrenaron en marzo de 1941. La reputación de la obra mejoró mucho cuando Koussevitzky la interpretó poco después. ^{[ 64 ]}

En 1942, Britten leyó por primera vez la obra del poeta George Crabbe . ^{[ 65 ]} The Borough , ambientada en la costa de Suffolk, cerca de la tierra natal de Britten, despertó en él tales anhelos por Inglaterra que supo que debía regresar. También supo que debía escribir una ópera basada en el poema de Crabbe sobre el pescador Peter Grimes. ^{[ 55 ]} Antes de que Britten partiera de los Estados Unidos, Koussevitzky, siempre generoso al alentar nuevos talentos, le ofreció un encargo de 1000 dólares para escribir la ópera. ^{[ 55 ] [ f ]} Britten y Pears regresaron a Inglaterra en abril de 1942. Durante la larga travesía transatlántica, Britten completó las obras corales A Ceremony of Carols y Hymn to St Cecilia . Esta última fue su última colaboración a gran escala con Auden. Britten se había distanciado de él, y Auden se convirtió en uno de los llamados "cadáveres" del compositor: antiguos íntimos de quienes cortó completamente el contacto una vez que dejaron de serle útiles o lo ofendieron de alguna manera. ^{[ 68 ]}

Tras llegar a Gran Bretaña, Britten y Pears solicitaron el reconocimiento como objetores de conciencia ; a Britten inicialmente solo se le permitió el servicio no combatiente en el ejército, pero en apelación obtuvo la exención incondicional. ^{[ 69 ]} Después de la muerte de su madre en 1937, usó el dinero que ella le legó para comprar Old Mill en Snape , Suffolk, que se convirtió en su casa de campo. Pasó gran parte de su tiempo allí en 1944 trabajando en la ópera Peter Grimes . Pears se unió a la Sadler's Wells Opera Company , cuya directora artística, la cantante Joan Cross , anunció su intención de reabrir la sede de la compañía en Londres con la ópera de Britten, dándose a sí misma y a Pears los papeles principales. ^{[ g ]} Hubo quejas de los miembros de la compañía sobre supuestos favoritismos y la "cacofonía" de la partitura de Britten, así como algunos comentarios homófobos mal reprimidos . ^{[ 71 ]} Peter Grimes se estrenó en junio de 1945 y fue aclamada por el público y la crítica; ^{[ 72 ]} su recaudación en taquilla igualó o superó la de La bohème y Madame Butterfly , que se representaron durante la misma temporada. ^{[ 73 ]} El administrador de la ópera, Lord Harewood, la llamó "la primera ópera británica genuinamente exitosa, aparte de Gilbert y Sullivan , desde Purcell ". ^{[ 74 ]} Desconsolados por las luchas internas en la compañía, Cross, Britten y Pears rompieron sus lazos con Sadler's Wells en diciembre de 1945, y fundaron lo que se convertiría en el English Opera Group . ^{[ 75 ]}

Un mes después del estreno de Peter Grimes , Britten y Yehudi Menuhin fueron a Alemania para ofrecer recitales a supervivientes de campos de concentración. ^{[ 76 ]} Lo que vieron, sobre todo en Belsen , impactó tanto a Britten que se negó a hablar de ello hasta casi el final de su vida, cuando le contó a Pears que había influido en todo lo que había escrito desde entonces. ^{[ 77 ]} Colin Matthews comenta que las dos siguientes obras que Britten compuso tras su regreso, el ciclo de canciones The Holy Sonnets of John Donne y el Segundo Cuarteto de Cuerdas, contrastan fuertemente con obras anteriores, más ligeras, como Les Illuminations . ^{[ 78 ]} Britten recuperó su joie de vivre para The Young Person's Guide to the Orchestra (1945), escrita para una película educativa, Instruments of the Orchestra , dirigida por Muir Mathieson y protagonizada por la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por Malcolm Sargent . ^{[ 79 ]} Se convirtió, y siguió siendo, su obra más interpretada y popular. ^{[ 80 ]}

La siguiente ópera de Britten, La violación de Lucrecia , se presentó en el primer Festival de Glyndebourne de la posguerra en 1946. Luego se llevó de gira a ciudades provinciales bajo el nombre de la "Glyndebourne English Opera Company", una alianza incómoda de Britten y sus asociados con John Christie , el propietario autocrático de Glyndebourne. ^{[ 81 ]} La gira perdió mucho dinero, y Christie anunció que no financiaría más giras. ^{[ 82 ]} Britten y sus asociados fundaron el English Opera Group; el libretista Eric Crozier y el diseñador John Piper se unieron a Britten como directores artísticos. El propósito expreso del grupo era producir y encargar nuevas óperas inglesas y otras obras, presentándolas por todo el país. ^{[ 83 ]} Britten escribió la ópera cómica Albert Herring para el grupo en 1947; Durante la gira de la nueva obra, a Pears se le ocurrió la idea de organizar un festival en el pequeño pueblo costero de Aldeburgh , en Suffolk , donde Britten se había mudado desde Snape a principios de año y que se convirtió en su principal lugar de residencia durante el resto de su vida. ^{[ 84 ]}

El Festival de Aldeburgh se inauguró en junio de 1948, con Britten, Pears y Crozier como directores. ^{[ 85 ]} Albert Herring tocó en el Jubilee Hall, y la nueva cantata de Britten para tenor, coro y orquesta, San Nicolás , se presentó en la iglesia parroquial. ^{[ 86 ]} El festival fue un éxito inmediato y se convirtió en un evento anual que ha continuado hasta el siglo XXI. ^{[ 87 ]} Nuevas obras de Britten figuraron en casi todos los festivales hasta su muerte en 1976, incluyendo los estrenos de sus óperas El sueño de una noche de verano en el Jubilee Hall en 1960 y Muerte en Venecia en el Snape Maltings Concert Hall en 1973. ^{[ 88 ]}

A diferencia de muchos compositores ingleses destacados, Britten no era conocido como profesor, ^{[ h ]} pero en 1949 aceptó a su único alumno particular, Arthur Oldham , quien estudió con él durante tres años. Oldham se mostró útil, actuando como asistente musical y arreglando Variaciones sobre un tema de Frank Bridge para orquesta completa para el ballet de Frederick Ashton Le Rêve de Léonor (1949), ^{[ 92 ]} pero más tarde describió la relación profesor-alumno como "¡un cinco por ciento beneficioso para [Britten] y un noventa y cinco por ciento para mí!" ^{[ 93 ]}

A lo largo de la década de 1950, Britten continuó escribiendo óperas. Billy Budd (1951) fue bien recibida en su estreno en Covent Garden y fue considerada por los críticos como un avance respecto a Peter Grimes . ^{[ 94 ]} Gloriana (1953), escrita para conmemorar la coronación de Isabel II , tuvo una fría acogida en el estreno de gala en presencia de la Reina y la élite británica en masa . La historia sombría de Isabel I en su decadencia, y la partitura de Britten —considerada por algunos miembros del público del estreno como «demasiado moderna» para tal gala ^{[ 95 ]} — no lograron superar lo que Matthews llama el «filisteísmo arraigado» de las clases dominantes. ^{[ 96 ] [ i ]} Aunque Gloriana tuvo éxito en taquilla, no hubo más producciones en Gran Bretaña durante otros 13 años. ^{[ 97 ]} Posteriormente fue reconocida como una de las mejores óperas de Britten. ^{[ 98 ]} El giro de tuerca del año siguiente fue un éxito rotundo; ^{[ 99 ]} junto con Peter Grimes se convirtió, y en 2013 seguía siendo, una de las dos óperas de Britten más representadas. ^{[ 100 ]}

En la década de 1950, el ministro del Interior , Sir David Maxwell Fyfe , «fervientemente antihomosexual» , ^{[ 101 ]} instó a la policía a hacer cumplir las leyes victorianas que ilegalizaban los actos homosexuales. ^{[ 102 ] [ j ]} Britten y Pears fueron objeto de escrutinio; Britten recibió la visita de agentes de policía en 1953 y quedó tan perturbado que discutió con su asistente, Imogen Holst, la posibilidad de que Pears tuviera que contraer un matrimonio simulado (con quién no está claro). Al final, no se hizo nada. ^{[ 103 ]}

An increasingly important influence on Britten was the music of the East, an interest that was fostered by a tour there with Pears in 1956, when Britten once again encountered the music of the Balinese gamelan^[104] and saw for the first time Japanese Noh plays, which he called "some of the most wonderful drama I have ever seen."^[105] These eastern influences were seen and heard in the ballet The Prince of the Pagodas (1957) and later in two of the three semi-operatic "Parables for Church Performance": Curlew River (1964), The Burning Fiery Furnace (1966) and The Prodigal Son (1968).^[106]

He was invited to a competition to compose the future anthem of the Federation of Malaya (now Malaysia) in 1956. He attempted a composition after several couple of days which he described as "curious" and "unsuccessful". The committee returned the score with suggestions that he could make it "sound more Malaysian", but to no avail.^[107]

By the 1960s, the Aldeburgh Festival was outgrowing its customary venues, and plans to build a new concert hall in Aldeburgh were not progressing. When redundant Victorian maltings buildings in the village of Snape, six miles inland, became available for hire, Britten realised that the largest of them could be converted into a concert hall and opera house. The 830-seat Snape Maltings hall was opened by the Queen at the start of the twentieth Aldeburgh Festival on 2 June 1967; it was immediately hailed as one of the best concert halls in the country.^[108] The hall was destroyed by fire in 1969, but Britten was determined that it would be rebuilt in time for the following year's festival, which it was. The Queen again attended the opening performance in 1970.^[109]

El Maltings proporcionó al festival un espacio que podía albergar cómodamente grandes obras orquestales y óperas. Britten dirigió la primera interpretación fuera de Rusia de la Decimocuarta Sinfonía de Shostakovich en Snape en 1970. ^{[ 110 ]} Shostakovich, amigo suyo desde 1960, le dedicó la sinfonía; ^{[ 111 ]} él mismo fue el destinatario de El hijo pródigo . ^{[ 112 ]} Otros dos músicos rusos cercanos a Britten que actuaban regularmente en el festival fueron el pianista Sviatoslav Richter y el violonchelista Mstislav Rostropovich . Britten compuso sus suites para violonchelo , Sinfonía para violonchelo y Sonata para violonchelo para Rostropovich, quien las estrenó en el Festival de Aldeburgh. ^{[ 113 ]}

Una de las obras más conocidas de Britten, el Réquiem de Guerra , se estrenó en 1962. Cuatro años antes, le habían pedido que compusiera una obra para la consagración de la nueva Catedral de Coventry , un edificio modernista diseñado por Basil Spence . La antigua catedral había quedado en ruinas tras un bombardeo aéreo en la ciudad en 1940, en el que murieron cientos de personas. ^{[ 114 ]} Britten decidió que su obra conmemoraría a los caídos en ambas Guerras Mundiales con una partitura a gran escala para solistas, coro, conjunto de cámara y orquesta. Su texto intercalaba la tradicional Misa de Réquiem con poemas de Wilfred Owen . Matthews escribe: «Con el Réquiem de Guerra, Britten alcanzó la cima de su reputación: fue aclamado casi universalmente como una obra maestra». ^{[ 115 ]} Shostakovich le dijo a Rostropovich que creía que era «la mayor obra del siglo XX». ^{[ 116 ]}

En 1967, la BBC encargó a Britten la composición de una ópera especialmente para televisión. Owen Wingrave se basó, al igual que The Turn of the Screw , en un cuento de fantasmas de Henry James . ^{[ 56 ]} En la década de 1960, Britten notó que la composición era mucho más lenta que en su prolífica juventud; le dijo al compositor Nicholas Maw , de 28 años : «Haz todo lo que puedas ahora, porque se vuelve mucho, mucho más difícil a medida que envejeces». ^{[ 117 ]} No completó la partitura de la nueva ópera hasta agosto de 1970. ^{[ 56 ]} Owen Wingrave se emitió por primera vez en Gran Bretaña en mayo de 1971, cuando también se televisó en Austria, Bélgica, Dinamarca, Francia, Alemania, Irlanda, los Países Bajos, Noruega, Suecia, Suiza, Estados Unidos y Yugoslavia. ^{[ 118 ]}

En septiembre de 1970, Britten le pidió a Myfanwy Piper , quien había adaptado para él dos relatos de Henry James, que convirtiera otro relato en prosa en un libreto. Se trataba de la novela corta de Thomas Mann , Muerte en Venecia , un tema que llevaba tiempo considerando. ^{[ 119 ]} En una etapa temprana de la composición, sus médicos le dijeron a Britten que una operación de corazón era esencial si quería vivir más de dos años. Estaba decidido a terminar la ópera y trabajó con urgencia para completarla antes de ingresar en el hospital para la cirugía. ^{[ 120 ]} Su colega de muchos años, Colin Graham, escribió:

Quizás de todas sus obras, esta fue la que más penetró en el alma de Britten: existen extraordinarias corrientes cruzadas de afinidad entre él mismo, su estado de salud y su mente, Thomas Mann, Aschenbach (el protagonista moribundo de Mann) y Peter Pears, quien debió haber tenido que desgarrarse en tres para reconstituirse como el personaje principal. ^{[ 120 ]}

Tras finalizar la ópera, Britten ingresó en el Hospital Nacional del Corazón y fue operado en mayo de 1973 para reemplazar una válvula cardíaca defectuosa. La operación fue exitosa, pero sufrió un leve derrame cerebral que afectó su mano derecha. Esto puso fin a su carrera como intérprete. ^{[ 56 ]} Durante su estancia en el hospital, Britten entabló amistad con una enfermera jefe, Rita Thomson ; ella se trasladó a Aldeburgh en 1974 y lo cuidó hasta su muerte. ^{[ 121 ]}

Britten's last works include the Suite on English Folk Tunes "A Time There Was" (1974); the Third String Quartet (1975), which drew on material from Death in Venice; and the dramatic cantata Phaedra (1975), written for Janet Baker.^[122]

In June 1976, the last year of his life, Britten accepted a life peerage – the first composer so honoured – becoming Baron Britten, of Aldeburgh in the County of Suffolk.^[123][k] After the 1976 Aldeburgh Festival, Britten and Pears travelled to Norway, where Britten began writing Praise We Great Men, for voices and orchestra based on a poem by Edith Sitwell.^[126] He returned to Aldeburgh in August, and wrote Welcome Ode for children's choir and orchestra.^[127] In November, Britten realised that he could no longer compose.^[128] On his 63rd birthday, 22 November, at his request Rita Thomson organised a champagne party and invited his friends and his sisters Barbara and Beth, to say their goodbyes to the dying composer.^[129] When Rostropovich made his farewell visit a few days later, Britten gave him what he had written of Praise We Great Men.^[129]

Britten died of congestive heart failure on 4 December 1976. His funeral service was held at Aldeburgh Parish Church three days later,^[129] and he was buried in its churchyard, with a gravestone carved by Reynolds Stone.^[130] The authorities at Westminster Abbey had offered burial there, but Britten had made it clear that he wished his grave to be side by side with that, in due course, of Pears.^[131] A memorial service was held at the Abbey on 10 March 1977, at which the congregation was headed by Queen Elizabeth The Queen Mother.^[132]

La vida musical temprana de Britten estuvo dominada por los maestros clásicos; la ambición de su madre era que se convirtiera en el " Cuarto B ", después de Bach , Beethoven y Brahms . ^{[ 161 ]} Britten afirmaría más tarde que su desarrollo inicial como compositor se vio sofocado por la reverencia hacia estos maestros: "Entre los trece y los dieciséis años conocía cada nota de Beethoven y Brahms. Recuerdo haber recibido la partitura completa de Fidelio para mi decimocuarto cumpleaños  ... Pero creo que, en cierto modo, nunca los perdoné por haberme desviado de mi propio pensamiento e inclinaciones naturales". ^{[ 162 ]} Desarrolló una particular animosidad hacia Brahms, cuya música para piano había tenido en gran estima; en 1952 confesó que tocaba toda la música de Brahms de vez en cuando, "para ver si tenía razón sobre él; ¡normalmente descubro que subestimé la última vez lo mala que era!". ^{[ 56 ]}

A través de su asociación con Frank Bridge, los horizontes musicales de Britten se expandieron. ^{[ 24 ]} Descubrió la música de Debussy y Ravel que, escribe Matthews, "le dio un modelo para un sonido orquestal". ^{[ 163 ]} Bridge también llevó a Britten a la música de Schoenberg y Berg; la muerte de este último en 1935 afectó profundamente a Britten. Una carta de ese momento revela sus pensamientos sobre la escena musical contemporánea: "Los verdaderos músicos son tan pocos y distantes entre sí, ¿no? Aparte de los Berg, Stravinsky, Schoenberg y Bridge, uno se queda un poco perplejo para los nombres, ¿no?", añadiendo, como una idea posterior: "Shostakóvich, tal vez, posiblemente". ^{[ 56 ]} Para entonces, Britten había desarrollado una hostilidad duradera hacia la Escuela Pastoral Inglesa representada por Vaughan Williams e Ireland, cuya obra comparaba desfavorablemente con los "brillantes arreglos de canciones folclóricas de Percy Grainger"; Grainger se convirtió en la inspiración de muchos de los arreglos folk posteriores de Britten. ^{[ 164 ]} Britten también quedó impresionado por Delius y pensó que Brigg Fair era "delicioso" cuando lo escuchó en 1931. ^{[ 165 ]} También en ese año escuchó La consagración de la primavera de Stravinsky , que encontró "desconcertante y aterradora", pero al mismo tiempo "increíblemente maravillosa y cautivadora". La Sinfonía de los Salmos y Petrushka del mismo compositor fueron elogiadas en términos similares. ^{[ 56 ]} Él y Stravinsky desarrollaron más tarde una antipatía mutua basada en los celos y la desconfianza. ^{[ 166 ]}

Además de su creciente afinidad por las obras de los maestros del siglo XX, Britten —junto con su contemporáneo Michael Tippett— se dedicó a la música inglesa de finales del siglo XVII y principios del XVIII, en particular a la obra de Purcell . ^{[ 167 ]} Al definir su misión como compositor de ópera, Britten escribió: «Uno de mis principales objetivos es intentar devolver a la música en lengua inglesa un brillo, una libertad y una vitalidad que han sido curiosamente escasas desde la muerte de Purcell». ^{[ 168 ]} Entre los compositores más afines a Britten —incluso más que Purcell— se encontraba Mahler , cuya Cuarta Sinfonía escuchó en septiembre de 1930. En aquel entonces, la música de Mahler era poco apreciada y rara vez se interpretaba en las salas de conciertos inglesas. ^{[ 169 ]} Britten escribió más tarde sobre cómo le impresionó la instrumentación de esta obra: «...  completamente limpia y transparente  ... el material era extraordinario y las formas melódicas muy originales, con tal tensión rítmica y armónica de principio a fin». ^{[ 38 ]} Pronto descubrió otras obras de Mahler, en particular Das Lied von der Erde ; le escribió a un amigo sobre el final de Das Lied : «Es cruel, ¿sabes?, que la música sea tan bella». ^{[ 170 ] [ o ]} Aparte de la influencia general de Mahler en el estilo compositivo de Britten, la incorporación por parte de Britten de melodías populares (como, por ejemplo, en Muerte en Venecia ) es una herencia directa del compositor mayor. ^{[ 172 ]}

La Fundación Britten-Pears considera las óperas del compositor "quizás la parte más sustancial e importante de su legado compositivo". ^{[ 173 ]} Las óperas de Britten están firmemente establecidas en el repertorio internacional: según Operabase , se representan en todo el mundo más que las de cualquier otro compositor nacido en el siglo XX, ^{[ 174 ]} y solo Puccini y Richard Strauss lo superan si la lista se extiende a todas las óperas compuestas después de 1900. ^{[ 175 ]}

La opereta temprana Paul Bunyan se distingue de las obras operísticas posteriores de Britten. Philip Brett la describe como «un intento paternalista de evocar el espíritu de una nación que no era la suya por parte de W. H. Auden, en el que Britten fue un cómplice algo deslumbrado». ^{[ 176 ]} Al público estadounidense le gustó, pero a la crítica no, ^{[ p ]} y cayó en el olvido hasta que el interés resurgió hacia el final de la vida del compositor. ^{[ 56 ]}

Las óperas posteriores de Britten abarcan desde obras de gran envergadura escritas para compañías de ópera completas, hasta óperas de cámara para ser interpretadas por pequeños conjuntos de ópera itinerantes o en iglesias y escuelas. En la categoría de gran envergadura se encuentran Peter Grimes (1945), Billy Budd (1951), Gloriana (1953), Sueño de una noche de verano (1960) y Muerte en Venecia (1973). De las óperas restantes, La violación de Lucrecia (1946), Albert Herring (1947), El pequeño deshollinador (1949) y Otra vuelta de tuerca (1954) fueron escritas para pequeñas compañías de ópera. Noye's Fludde (1958), Curlew River (1964), El horno ardiente (1966) y El hijo pródigo (1968) fueron para ser representadas en iglesias, y se estrenaron en la iglesia de San Bartolomé, Orford . La obra profana La vanidad dorada estaba destinada a ser representada en escuelas. Owen Wingrave , escrita para televisión, fue presentada por primera vez en vivo por la Royal Opera en Covent Garden en 1973, dos años después de su estreno televisivo. ^{[ 56 ]}

Los críticos musicales han comentado con frecuencia el tema recurrente en las óperas de Britten, desde Peter Grimes en adelante: el del individuo aislado en conflicto con una sociedad hostil. ^{[ 178 ]} Se debate hasta qué punto esto reflejaba la percepción que Britten tenía de sí mismo, pacifista y homosexual, en la Inglaterra de las décadas de 1930, 1940 y 1950. ^{[ 179 ]} Otro tema recurrente es la corrupción de la inocencia, que se aprecia con mayor claridad en The Turn of the Screw . ^{[ 180 ]}

Durante los 28 años que transcurrieron entre Peter Grimes y Muerte en Venecia, el estilo musical de Britten cambió, al introducir elementos de atonalismo —aunque siguió siendo esencialmente un compositor tonal— y de música oriental, en particular sonidos de gamelán, pero también armonías orientales. ^{[ 56 ]} En Sueño de una noche de verano, la instrumentación orquestal varía para adaptarse a la naturaleza de cada grupo de personajes: «los brillantes sonidos percusivos de arpas, teclados y percusión para el mundo de las hadas, cuerdas y viento cálidos para las parejas de amantes, y viento madera y metal graves para los artesanos». ^{[ 181 ]} En Muerte en Venecia , Britten convierte a Tadzio y su familia en bailarines silenciosos, «acompañados por los coloridos y brillantes sonidos de percusión afinada para enfatizar su lejanía». ^{[ 182 ]}

Ya en 1948, el analista musical Hans Keller , al resumir el impacto de Britten en la ópera del siglo XX hasta ese momento, comparó su contribución con la de Mozart en el siglo XVIII: «En algunos aspectos, Mozart puede considerarse un fundador (un "segundo fundador") de la ópera. Lo mismo puede decirse hoy, en lo que respecta al ámbito británico moderno —quizás no solo británico—, de Britten». ^{[ 183 ]} Además de sus propias óperas originales, Britten, junto con Imogen Holst, revisó extensamente Dido y Eneas (1951) y La Reina de las Hadas (1967) de Purcell. Las interpretaciones de Britten de Purcell acercaron a Purcell, entonces olvidado, a un público más amplio, pero ellas mismas han sido olvidadas desde el predominio de la tendencia hacia la práctica de la interpretación auténtica. ^{[ 184 ]} Su revisión de 1948 de La ópera del mendigo equivale a una recomposición total, conservando las melodías originales pero dándoles nuevos y muy sofisticados acompañamientos orquestales. ^{[ 185 ]}

A lo largo de su carrera, Britten se sintió atraído por la forma del ciclo de canciones. En 1928, a los 14 años, compuso un ciclo orquestal, Quatre chansons françaises , con textos de Victor Hugo y Paul Verlaine . Brett comenta que, si bien la obra está muy influenciada por Wagner, por un lado, y por los manierismos franceses, por otro, «la melodía diatónica, de estilo infantil, para el niño triste con la madre tuberculosa en "L'enfance" es totalmente característica». ^{[ 56 ]} Tras la influencia de Auden, Britten compuso Our Hunting Fathers (1936), aparentemente una protesta contra la caza del zorro, pero que también alude alegóricamente al estado político contemporáneo de Europa. La obra nunca ha sido popular; en 1948, el crítico Colin Mason lamentó su olvido y la calificó como una de las obras más importantes de Britten. En opinión de Mason, el ciclo es "tan emocionante como Les Illuminations y ofrece muchos anticipos interesantes y agradables de los mejores momentos de sus obras posteriores". ^{[ 186 ]}

El primero de los ciclos de canciones de Britten en alcanzar gran popularidad fue Les Illuminations (1940), para voz aguda (originalmente soprano, luego cantada con mayor frecuencia por tenores) ^{[ q ]} con acompañamiento de orquesta de cuerdas, con letra de Arthur Rimbaud . La música de Britten refleja el erotismo de los poemas de Rimbaud; Copland comentó sobre la sección "Antique" que no sabía cómo Britten se atrevía a escribir la melodía. ^{[ 56 ]} "Antique" estaba dedicada a "KHWS", o Wulff Scherchen , el primer amor romántico de Britten. Matthews considera la pieza la obra maestra culminante de los primeros años de Britten. ^{[ 187 ]} Para cuando Britten escribió su siguiente ciclo, Seven Sonnets of Michelangelo (1942) para tenor y piano, Pears se había convertido en su pareja y musa; en palabras de Matthews, Britten escribió el ciclo como "su declaración de amor a Peter". ^{[ 187 ]} También encuentra la sensualidad de los versos que musicaliza, aunque en su estructura se asemeja a un ciclo de canciones convencional del siglo XIX. Mason establece una distinción entre este y los ciclos anteriores de Britten, porque aquí cada canción es independiente y no tiene conexión temática con ninguna de las demás. ^{[ 186 ]}

La Serenata para tenor, trompa y cuerdas (1943) musicaliza versos de diversos poetas, todos con el tema de la noche. Aunque Britten describió el ciclo como «algo sin importancia, pero bastante agradable, creo», fue inmediatamente aclamado como una obra maestra y, junto con Peter Grimes, lo consagró como uno de los compositores más destacados de su época. ^{[ 27 ]} Mason la describe como «una obra bellamente unificada sobre poemas completamente disímiles, unidos por el método sinfónico más superficial pero más efectivo y, por lo tanto, más adecuado. Parte de la música es pura pintura de palabras , parte de ella pintura de ambiente, de la clase más sutil». ^{[ 188 ]} Dos años después, tras presenciar los horrores de Belsen , Britten compuso Los santos sonetos de John Donne . La técnica de Britten en este ciclo abarca desde la atonalidad en la primera canción hasta una tonalidad firme más adelante, con un acorde de si mayor resuelto en el clímax de «Muerte, no te enorgullezcas». ^{[ 76 ]}

Nocturne (1958) es el último de los ciclos orquestales. Como en Serenade , Britten musicalizó textos de diversos poetas, entre los que se incluyen Shakespeare , Coleridge , Keats , Shelley , Tennyson y Wilfred Owen . ^{[ 56 ]} Todo el ciclo tiene un tono más oscuro que Serenade , con ecos previos del War Requiem . ^{[ 189 ]} Todas las canciones tienen orquestaciones sutilmente diferentes, con una parte obbligato prominente para un instrumento distinto en cada una. ^{[ 189 ]} Entre los ciclos de canciones posteriores de Britten con acompañamiento de piano se encuentra Songs and Proverbs of William Blake , compuesto para el barítono Dietrich Fischer-Dieskau . Este presenta todos sus poemas en un flujo continuo de música; Brett escribe que «entrelaza una composición a modo de ritornello de los siete proverbios con siete canciones que pintan un cuadro cada vez más sombrío de la existencia humana». ^{[ 56 ]} Un ciclo de Pushkin, El eco del poeta (1965), fue escrito para Galina Vishnevskaya y muestra un lado más robusto y extrovertido del compositor. ^{[ 56 ]} Aunque escrito ostensiblemente en la tradición de los ciclos de canciones europeos, se inspira atmosféricamente en la polifonía de la música del sudeste asiático. ^{[ 27 ]} ¿Quiénes son estos niños? (1969), que musicaliza 12 versos de William Soutar , se encuentra entre los ciclos más sombríos de Britten. Después de que ya no pudo tocar el piano, Britten compuso un ciclo de música de Robert Burns , Un cumpleaños Hansel (1976), para voz y arpa. ^{[ 56 ]}

Nicholas Maw dijo de la música vocal de Britten: «Su sensibilidad para la poesía (no solo la inglesa) y las inflexiones del lenguaje lo convierten, creo, en el mayor intérprete musical del inglés». ^{[ 117 ]} Una de las obras más conocidas en las que Britten musicalizó poesía fue el Réquiem de Guerra (1962). Intercala la misa de réquiem en latín , cantada por soprano y coro, con composiciones de obras del poeta de la Primera Guerra Mundial Wilfred Owen , cantadas por tenor y barítono . Al final, ambos elementos se combinan, ya que el último verso de «Strange meeting» de Owen se mezcla con el In paradisum de la misa. Matthews describe la conclusión de la obra como «una gran ola de bendición [que] recuerda el final de la Sinfonia da Requiem y su similar mengua en el mar que simboliza tanto la reconciliación como la muerte». ^{[ 190 ]} Ese mismo año, compuso Un himno a San Columba para coro y órgano, musicalizando un poema del santo del siglo VI . ^{[ 191 ]} Otras obras para voces y orquesta incluyen la Missa Brevis y la Cantata academica (ambas de 1959) sobre temas religiosos, Cruzada infantil con un texto de Bertolt Brecht sobre un grupo de niños en la Polonia de la guerra , para ser interpretada por niños (1969), y la cantata tardía Fedra (1975), una historia de amor y muerte predestinados modelada a partir de las cantatas italianas de Handel . ^{[ 192 ]}

Las obras de menor escala para voz acompañada incluyen los cinco Cánticos , compuestos entre 1947 y 1974. Están escritos para una variedad de voces (tenor en los cinco; contratenor o alto en el II y IV y barítono en el IV) y acompañamientos (piano en el I al IV, trompa en el III y arpa en el V). ^{[ 193 ]} El primero, Cántico I: Mi amado es mío y yo soy suyo , es una musicalización del poema del siglo XVII de Francis Quarles "A Divine Rapture", ^{[ 194 ]} y según Britten fue modelado a partir de los Divine Hymns de Purcell . ^{[ 195 ]} Matthews lo describe como una de las obras más serenas del compositor, que "termina en un estado de ánimo de felicidad imperturbable que pronto se volvería raro en la música de Britten". ^{[ 194 ]} El segundo Cántico fue escrito en 1952, entre Billy Budd y Gloriana , sobre el tema de la obediencia de Abraham a la Autoridad Divina en el sacrificio ofrecido de su hijo Isaac . ^{[ 196 ] [ r ]} "Cántico III" de 1954 es una musicalización del poema de guerra de Edith Sitwell "Still Falls the Rain", compuesto justo después de The Turn of the Screw con el que está asociado estructural y estilísticamente. El ciclo de doce notas en los primeros cinco compases de la parte de piano del Cántico introdujo una característica que posteriormente se convirtió en una parte regular de la técnica compositiva de Britten. ^{[ 198 ]} Cántico IV: El viaje de los Reyes Magos , estrenado en 1971, está basado en el poema de T.S. Eliot " El viaje de los Reyes Magos ". Es musicalmente cercano a The Burning Fiery Furnace de 1966; Matthews se refiere a él como una "pieza complementaria" de la obra anterior. ^{[ 199 ]} El último Cántico V: La muerte de San Narciso fue otra musicalización de Eliot, su poema juvenil "Muerte de San Narciso". Aunque Britten tenía poca idea de qué trataba el poema, ^{[ 200 ]} el musicólogo Arnold Whittall encuentra el texto "casi aterradoramente apropiado  ... para un compositor consciente de su propia enfermedad". ^{[ 201 ]} Matthews ve a Narciso como "otra figura del mundo mágico de sueños y belleza ideal [de Britten]". ^{[ 202 ]}

El estudioso de Britten, Donald Mitchell, escribió: "Es fácil, debido al alcance, la estatura y el gran volumen de las óperas, y la riqueza de la música vocal de todo tipo, prestar insuficiente atención a las muchas obras que Britten escribió en otros géneros, específicamente no vocales". ^{[ 27 ]} Maw dijo de Britten: "Es uno de los grandes compositores orquestales del siglo XX  ... Su orquestación tiene una individualidad, una incisividad y una integración con el material musical que solo logran los más grandes compositores". ^{[ 117 ]} Entre las obras orquestales más conocidas de Britten se encuentran las Variaciones sobre un tema de Frank Bridge (1937), la Sinfonía da Requiem (1940), los Cuatro interludios marinos (1945) y La guía del joven para la orquesta (1945). Las Variaciones, un afectuoso homenaje al maestro de Britten, abarcan desde parodias cómicas de clichés operísticos italianos y valses vieneses hasta una marcha ostentosa, que refleja el auge del militarismo en Europa, y una marcha fúnebre mahleriana; la pieza termina con un exuberante final fugado . ^{[ 203 ]} La Sinfonía pasa de un Lacrymosa inicial lleno de miedo y lamentación a un feroz Dies irae y luego a un Requiem aeternam final , descrito por el crítico Herbert Glass como "el 'descanso eterno' más incómodo posible". ^{[ 204 ]} Mason considera la Sinfonía un fracaso: "menos entretenida de lo habitual, porque su objetivo no es principalmente entretener sino expresarse sinfónicamente. Fracasa porque no es ni pintoresca ni formalmente sinfónica". ^{[ 186 ]} Los Interludios del Mar , adaptados por Britten de la partitura completa de Peter Grimes , hacen una suite de concierto que representa el mar y el Borough en el que se desarrolla la ópera; El carácter de la música contrasta fuertemente entre "Dawn", "Sunday Morning", "Moonlight" y "Storm". El comentarista Howard Posner observa que no hay un solo compás en los interludios, por muy bello que sea, que esté libre de presagios. ^{[ 205 ]} The Young Person's Guide , basado en un tema de Purcell, muestra las secciones y grupos individuales de la orquesta y ganó gran popularidad desde el principio. ^{[ 206 ] [ 207 ]} Christopher Headington llama a la obra "música exuberante y sencilla, orquestada con claridad y vigor [que] encaja bien en la obra de Britten ." ^{[ 206 ]}David Matthews lo llama "un brillante ejercicio educativo". ^{[ 207 ] [ s ]}

A diferencia de sus predecesores ingleses como Elgar y Vaughan Williams, y de compositores de Europa continental a quienes admiraba, como Mahler y Shostakovich, Britten no era un sinfonista clásico. Su obra juvenil , la Simple Symphony (1934), tiene una estructura sinfónica convencional, respetando la forma sonata y el patrón tradicional de cuatro movimientos, pero de sus obras maduras, la Spring Symphony (1949) es más un ciclo de canciones que una verdadera sinfonía, ^{[ 56 ]} y la concertante Cello Symphony (1963) es un intento de equilibrar el concierto y la sinfonía tradicionales. A lo largo de sus cuatro movimientos, la Cello Symphony transita desde una apertura profundamente pesimista hasta un final de radiante felicidad, poco común en Britten en este punto. ^{[ 209 ]} El compositor la consideraba «lo mejor que he escrito». ^{[ 210 ]}

El Concierto para piano (1938) fue criticado inicialmente por ser demasiado alegre y virtuoso. En 1945, Britten lo revisó, reemplazando un tercer movimiento nervioso con una passacaglia más sombría que, en opinión de Matthews, le da más profundidad a la obra y hace que el aparente triunfo del final sea más ambivalente. ^{[ 211 ]} El Concierto para violín (1939), terminado en las primeras semanas de la Primera Guerra Mundial, tiene elementos virtuosos, pero estos se equilibran con pasajes líricos y elegíacos, "sin duda reflejando la creciente preocupación de Britten por la escalada de las hostilidades mundiales". ^{[ 212 ]} Ninguno de los dos conciertos se encuentra entre las obras más populares de Britten, pero en el siglo XXI el Concierto para violín, que es técnicamente difícil, se ha interpretado con más frecuencia que antes, tanto en salas de concierto como en grabaciones, ^{[ 212 ]} y tiene intérpretes y defensores entusiastas, en particular la violinista Janine Jansen . ^{[ 213 ]}

La música incidental de Britten para teatro, cine y radio, gran parte de ella inédita, fue objeto de un ensayo de William Mann , publicado en 1952 en la primera evaluación crítica detallada de la música de Britten hasta la fecha. ^{[ 214 ]} De estas piezas, la música para una obra de radio, The Rescue , de Edward Sackville-West , es elogiada por el musicólogo Lewis Foreman como "de tal estatura y carácter individual que merece un lugar habitual junto a las demás partituras dramáticas de [Britten]". ^{[ 215 ]} Mann encuentra en esta partitura ecos previos del segundo acto de Billy Budd , ^{[ 216 ]} mientras que Foreman observa que Britten "parece haber hecho alusiones pasajeras a The Rescue en su última ópera, Muerte en Venecia " . ^{[ 215 ]}

La estrecha amistad de Britten con Rostropovich inspiró la Sonata para violonchelo (1961) y tres suites para violonchelo solo (1964–71). ^{[ 217 ]} Los cuartetos de cuerda figuraron a lo largo de la carrera compositiva de Britten, desde una obra de estudiante en 1928 hasta su Tercer Cuarteto de cuerda (1975). El Segundo Cuarteto , de 1945, fue escrito en homenaje a Purcell; Mason lo consideró la obra instrumental más importante de Britten hasta la fecha. ^{[ 188 ]} Refiriéndose a esta obra, Keller escribe sobre la facilidad con la que Britten, relativamente temprano en su carrera compositiva, resuelve "el problema de la sonata moderna: el logro de la simetría y la unidad dentro de un círculo ternario extendido basado en más de un tema". Keller compara la habilidad innovadora del Cuarteto con la del Concierto para viola de Walton . ^{[ 218 ]} El tercer Cuarteto fue la última obra importante de Britten; El crítico Colin Anderson dijo de ella en 2007: "uno de los mayores logros de Britten, con interesantes alusiones a Bartók y Shostakovich, y escrita con una economía que revela una profundidad de emoción que puede ser bastante escalofriante. ^{[ 219 ]} Las Variaciones Géminis (1965), para flauta, violín y dúo de piano, se basaron en un tema de Zoltán Kodály y fueron escritas como una pieza virtuosa para los gemelos Jeney de 13 años, prodigios musicales a quienes Britten había conocido en Budapest el año anterior. ^{[ 220 ]} Para Osian Ellis , Britten escribió la Suite para arpa (1969), que Joan Chissell en The Times describió como "una pequeña obra maestra de fantasía concentrada". ^{[ 221 ]} Nocturnal after John Dowland (1963) ^para guitarra solista fue escrita para Julian Bream y ha sido elogiada por Benjamin Dwyer por su "complejidad semántica, argumento musical prolongado y profundidad filosófica". ^{222 ]}

Los colegas compositores de Britten tenían opiniones divididas sobre él. Para Tippett, era «simplemente la persona más musical que jamás haya conocido», con una maestría técnica «increíble»; ^{[ 223 ]} algunos contemporáneos, sin embargo, eran menos efusivos. En opinión de Tippett, Walton y otros estaban convencidos de que Britten y Pears eran líderes de una conspiración homosexual en la música, ^{[ ] una creencia que} Tippett descarta como ridícula, inspirada por los celos hacia los éxitos de Britten en la posguerra. ^{[ 225 ]} Leonard Bernstein consideraba a Britten «un hombre en desacuerdo con el mundo», y dijo de su música: «Si la escuchas, no solo superficialmente, te das cuenta de algo muy oscuro». ^{[ 226 ]} El tenor Robert Tear , quien estuvo estrechamente vinculado a Britten en la última etapa de la carrera del compositor, expresó una idea similar: «Había un gran abismo en su alma  ... Cayó en el valle de la sombra de la muerte y no pudo salir». ^{[ 227 ]}

En la década posterior a la muerte de Britten, su posición como compositor en Gran Bretaña quedó en cierta medida eclipsada por la de Tippett, quien aún vivía. ^{[ 228 ]} El cineasta Tony Palmer pensó que el ascenso temporal de Tippett podría deberse a las personalidades contrastantes de ambos compositores: Tippett tenía más calidez y había hecho menos enemigos. En cualquier caso, este fue un fenómeno efímero; los seguidores de Tippett, como el compositor Robert Saxton, pronto redescubrieron su entusiasmo por Britten, cuya audiencia aumentó constantemente durante los últimos años del siglo XX. ^{[ 227 ]} Britten ha tenido pocos imitadores; Brett lo describe como «inimitable, poseedor de  ... una voz y un sonido demasiado peligrosos para imitar». ^{[ 56 ]} Sin embargo, tras su muerte, Britten fue elogiado por la generación más joven de compositores ingleses para quienes, en palabras de Oliver Knussen , se convirtió en «una figura paterna fenomenal». ^{[ 227 ]} Brett cree que influyó en cierta medida en todos los compositores británicos posteriores: «Es una figura clave en el desarrollo de la cultura musical británica en la segunda mitad del siglo XX, y su efecto en todo, desde la ópera hasta la revitalización de la educación musical, es difícil de sobreestimar». ^{[ 56 ]}

Whittall cree que una de las razones de la perdurable popularidad de Britten es el «conservadurismo progresista» de su música. Generalmente evitaba la vanguardia y no desafiaba las convenciones como lo hacían contemporáneos como Tippett. ^{[ 229 ]} Quizás, dice Brett, «la marea que arrasó con el serialismo, la atonalidad y la mayoría de las formas de modernismo musical, e introdujo el neorromanticismo, el minimalismo y otros modos de expresión relacionados con la tonalidad, trajo consigo un renovado interés por compositores que habían estado desfasados ​​con su tiempo». ^{[ 56 ]} Britten definió su misión como compositor en términos muy simples: los compositores deberían aspirar a «complacer a la gente de hoy con la mayor seriedad posible». ^{[ 230 ]}

En septiembre de 2012, para conmemorar el próximo centenario del compositor, la Fundación Britten-Pears lanzó «Britten 100», una colaboración de organizaciones líderes en las artes escénicas, la edición, la radiodifusión, el cine, la academia y el patrimonio. ^{[ 273 ]} Entre los eventos se encontraban el estreno de la película Benjamin Britten – Paz y Conflicto , ^{[ 274 ]} y una exposición del centenario en la Biblioteca Británica . ^{[ 275 ]} La Real Casa de la Moneda emitió una moneda de 50 peniques para conmemorar el centenario, siendo la primera vez que un compositor aparece en una moneda británica. ^{[ 276 ]}

Se ofrecieron representaciones conmemorativas del centenario del Réquiem de Guerra en dieciocho lugares de Gran Bretaña. Las producciones de ópera incluyeron Owen Wingrave en Aldeburgh, Billy Budd en Glyndebourne, Muerte en Venecia por la English National Opera , Gloriana por la Royal Opera y Peter Grimes , Muerte en Venecia y El sueño de una noche de verano por Opera North . ^{[ 277 ]} Peter Grimes se representó en la playa de Aldeburgh, inaugurando el Festival de Aldeburgh de 2013 en junio de 2013, con Steuart Bedford dirigiendo y cantantes del Coro de Opera North y el Coro de la Guildhall School of Music and Drama , ^{[ 278 ]} descrito por The Guardian como "un logro extraordinario y seguramente irrepetible". ^{[ 279 ]}

A nivel internacional, el aniversario se conmemoró con interpretaciones del Réquiem de Guerra , Peter Grimes y otras obras en cuatro continentes. En Estados Unidos, los eventos del centenario se describieron como "de costa a costa", con un festival de Britten en el Carnegie Hall y actuaciones en la Filarmónica de Nueva York , la Ópera Metropolitana y la Ópera de Los Ángeles . ^{[ 280 ]}