Cine negro

La estética del cine negro estuvo influenciada por el expresionismo alemán , un movimiento artístico de las décadas de 1910 y 1920 que abarcó teatro, música, fotografía, pintura, escultura y arquitectura, además del cine. Las oportunidades que ofrecía la floreciente industria cinematográfica de Hollywood y, posteriormente, la amenaza del nazismo, llevaron a la emigración de muchos artistas cinematográficos que trabajaban en Alemania y que habían participado en el movimiento expresionista o estudiado con sus practicantes. ^{[ 27 ]} M (1931), filmada pocos años antes de la partida del director Fritz Lang de Alemania, se encuentra entre las primeras películas de crimen de la era del sonido que combinan un estilo visual característico del cine negro con una trama de tipo noir, en la que el protagonista es un criminal (al igual que sus perseguidores más exitosos). Directores como Lang, Jacques Tourneur , Robert Siodmak y Michael Curtiz llevaron consigo a Hollywood un estilo de iluminación dramáticamente sombreado y un enfoque psicológicamente expresivo de la composición visual ( mise-en-scène ), donde realizaron algunos de los clásicos del cine negro más famosos. ^{[ 28 ]}

Para 1931, Curtiz ya llevaba media década en Hollywood, haciendo hasta seis películas al año. Películas suyas como 20,000 Years in Sing Sing (1932) y Private Detective 62 (1933) se encuentran entre las primeras películas sonoras de Hollywood que podrían clasificarse como noir; el académico Marc Vernet ofrece esta última como evidencia de que fechar el inicio del cine negro en 1940 o cualquier otro año es "arbitrario". ^{[ 29 ]} Los cineastas orientados al expresionismo tuvieron rienda suelta estilística en películas de terror de Universal como Drácula (1931), La momia (1932) —la primera fotografiada y la segunda dirigida por el formado en Berlín Karl Freund— y El gato negro (1934), dirigida por el emigrado austriaco Edgar G. Ulmer . ^{[ 30 ]} La película de terror de Universal que más se acerca al cine negro, tanto en historia como en sensibilidad, es El hombre invisible (1933), dirigida por el inglés James Whale y fotografiada por el estadounidense Arthur Edeson . Edeson fotografió posteriormente El halcón maltés (1941), considerada por muchos como la primera gran película de cine negro de la época clásica. ^{[ 31 ] [ 32 ]}

Josef von Sternberg dirigía en Hollywood durante el mismo período. Películas suyas como Shanghai Express (1932) y The Devil Is a Woman (1935), con su erotismo desbordante y estilo visual barroco, anticiparon elementos centrales del cine negro clásico. El éxito comercial y de crítica de Underworld (1927), película muda de Sternberg, fue en gran parte responsable de impulsar una tendencia de películas de gánsteres en Hollywood. ^{[ 33 ]} Películas exitosas de ese género como Little Caesar (1931), The Public Enemy (1931) y Scarface (1932) demostraron que había un público para dramas criminales con protagonistas moralmente reprobables. ^{[ 34 ]} Un antecedente cinematográfico importante, posiblemente influyente, del cine negro clásico fue el realismo poético francés de la década de 1930 , con su actitud romántica y fatalista y la celebración de héroes condenados. ^{[ 35 ]} La sensibilidad del movimiento se refleja en el drama de Warner Bros. Soy un fugitivo de una cuadrilla de presos (1932), precursor del cine negro. ^{[ 36 ]} Entre las películas no consideradas de cine negro, quizás ninguna tuvo un mayor efecto en el desarrollo del género que Ciudadano Kane (1941), dirigida por Orson Welles . Su complejidad visual y su intrincada estructura narrativa en voz en off se reflejan en docenas de clásicos del cine negro. ^{[ 37 ]}

El neorrealismo italiano de la década de 1940, con su énfasis en la autenticidad casi documental , fue una influencia reconocida en las tendencias que surgieron en el cine negro estadounidense. El fin de semana perdido (1945), dirigida por Billy Wilder , otro autor estadounidense nacido en Viena y formado en Berlín , cuenta la historia de un alcohólico de una manera que evoca el neorrealismo. ^{[ 38 ]} También ejemplifica el problema de la clasificación: una de las primeras películas estadounidenses en ser descrita como cine negro, ha desaparecido en gran medida de las consideraciones del campo. ^{[ 39 ]} El director Jules Dassin de La ciudad desnuda (1948) señaló a los neorrealistas como la inspiración para su uso de la fotografía de exteriores con extras no profesionales. Este enfoque semidocumental caracterizó un número sustancial de películas de cine negro a finales de la década de 1940 y principios de la de 1950. Junto con el neorrealismo, el estilo tenía un precedente estadounidense citado por Dassin, en La casa de la calle 92 (1945) del director Henry Hathaway , que demostró la influencia paralela del noticiero cinematográfico. ^{[ 40 ]}

La principal influencia literaria en el cine negro fue la escuela de novela negra estadounidense , liderada en sus inicios por escritores como Dashiell Hammett ( cuya primera novela, Cosecha roja , se publicó en 1929) y James M. Cain (cuya novela El cartero siempre llama dos veces apareció cinco años después), y popularizada en revistas pulp como Máscara negra . Los clásicos del cine negro El halcón maltés (1941) y La llave de cristal (1942) se basaron en novelas de Hammett; las novelas de Cain sirvieron de base para Perdición (1944), Mildred Pierce (1945), El cartero siempre llama dos veces (1946) y Ligeramente escarlata (1956; adaptada de La encantadora falsificación del amor ). Una década antes de la era clásica, un relato de Hammett sirvió de inspiración para el melodrama de gánsteres Calles de la ciudad (1931), dirigido por Rouben Mamoulian y fotografiado por Lee Garmes , quien colaboraba habitualmente con Sternberg. Estrenada un mes antes de M de Lang , Calles de la ciudad puede considerarse la primera gran película de cine negro; tanto su estilo como su historia presentaban muchas características propias del género. ^{[ 42 ]}

Raymond Chandler , quien debutó como novelista con El sueño eterno en 1939, pronto se convirtió en el autor más famoso de la escuela hardboiled. No solo las novelas de Chandler se convirtieron en importantes películas de noir —Asesinato, mi dulce (1944; adaptada de Adiós, mi amor ), El sueño eterno (1946) y La dama del lago (1947)—, sino que también fue un importante guionista del género, produciendo los guiones de Perdición , La dalia azul (1946) y Extraños en un tren (1951). Mientras que Chandler, al igual que Hammett, centró la mayoría de sus novelas y relatos en el personaje del detective privado, Cain presentó protagonistas menos heroicos y se centró más en la exposición psicológica que en la resolución de crímenes; ^{[ 43 ]} el enfoque de Cain ha llegado a identificarse con un subconjunto del género hardboiled denominado " ficción noir ". Durante gran parte de la década de 1940, uno de los autores más prolíficos y exitosos de este género de suspense, a menudo sombrío, fue Cornell Woolrich (a veces bajo el seudónimo de George Hopley o William Irish). Ningún otro escritor publicó obras que sirvieran de base para más películas de cine negro del período clásico que Woolrich: trece en total, incluyendo Black Angel (1946), Deadline at Dawn (1946) y Fear in the Night (1947). ^{[ 44 ]}

Otra fuente literaria crucial para el cine negro fue W. R. Burnett , cuya primera novela publicada fue Little Caesar , en 1929. Se convirtió en un éxito para Warner Bros. en 1931; al año siguiente, Burnett fue contratado para escribir los diálogos de Scarface , mientras que The Beast of the City (1932) se adaptó de uno de sus relatos. Al menos una obra de referencia importante identifica esta última como cine negro a pesar de su fecha temprana. ^{[ 45 ]} El enfoque narrativo característico de Burnett se situaba en algún punto intermedio entre el de los escritores de novela negra por excelencia y sus compatriotas de la ficción negra: sus protagonistas a menudo eran heroicos a su manera, que resultaba ser la del gánster. Durante la época clásica, su obra, ya sea como autor o guionista, fue la base de siete películas ahora ampliamente consideradas como cine negro, incluidas tres de las más famosas: High Sierra (1941), This Gun for Hire (1942) y The Asphalt Jungle (1950). ^{[ 46 ]}

Las décadas de 1940 y 1950 se consideran generalmente el período clásico del cine negro estadounidense. Si bien City Streets y otros melodramas criminales anteriores a la Segunda Guerra Mundial, como Fury (1936) y You Only Live Once (1937), ambos dirigidos por Fritz Lang, se clasifican como cine negro en toda regla en la enciclopedia de cine negro de Alain Silver y Elizabeth Ward, otros críticos tienden a describirlos como "proto-noir" o en términos similares. ^{[ 47 ]}

La película que ahora se cita con más frecuencia como el primer verdadero film noir es Stranger on the Third Floor (1940), dirigida por Boris Ingster , nacido en Letonia y formado en la Unión Soviética . ^{[ 48 ]} El emigrante húngaro Peter Lorre —quien había protagonizado M de Lang— figuraba como protagonista, aunque no interpretó el papel principal. (Más tarde interpretó papeles secundarios en varias otras películas formativas del noir estadounidense). Aunque con un presupuesto modesto, en el extremo superior de la escala de películas de serie B , Stranger on the Third Floor aún le hizo perder a su estudio, RKO , US$56,000 ( equivalente a US$1,286,936 en 2025 ), casi un tercio de su costo total. ^{[ 49 ]} La revista Variety consideró que el trabajo de Ingster era: "...demasiado estudiado y, cuando es original, carece del brillo [ sic ] para mantener la atención. Es una película demasiado artística para el público promedio y demasiado monótona para otros". ^{[ 50 ]} Stranger on the Third Floor no fue reconocida como el inicio de una tendencia, y mucho menos de un nuevo género, durante muchas décadas. ^{[ 48 ]}

La mayoría de las películas de cine negro del período clásico eran producciones de bajo y modesto presupuesto, sin grandes estrellas; películas de serie B, ya sea literal o espiritualmente. En este contexto de producción, guionistas, directores, directores de fotografía y otros profesionales gozaban de relativa libertad respecto a las típicas limitaciones de las grandes producciones. Existía una mayor experimentación visual que en el cine de Hollywood en general: el expresionismo, ahora estrechamente asociado al cine negro, y el estilo semidocumental que surgió posteriormente representan dos tendencias muy diferentes. Las estructuras narrativas a veces incluían intrincados flashbacks, poco comunes en las producciones comerciales ajenas al cine negro. En cuanto al contenido, la aplicación del Código de Producción garantizaba que ningún personaje cinematográfico pudiera salir impune de un asesinato ni ser visto compartiendo cama con nadie que no fuera su cónyuge; sin embargo, dentro de esos límites, muchas películas que hoy se identifican como cine negro presentan elementos argumentales y diálogos muy atrevidos para la época. ^{[ 52 ]}

Temáticamente, el cine negro fue excepcional por la relativa frecuencia con la que se centraba en retratos de mujeres de dudosa moralidad, un enfoque que se había vuelto raro en las películas de Hollywood después de mediados de la década de 1930 y el final de la era pre-Código . La película emblemática en este sentido fue Perdición , dirigida por Billy Wilder; sentando las bases estaba la femme fatale de Barbara Stanwyck , Phyllis Dietrichson, un claro guiño a Marlene Dietrich , quien había construido su extraordinaria carrera interpretando tales personajes para Sternberg. ^{[ 53 ]} Una película de primera categoría, el éxito comercial y las siete nominaciones al Oscar la convirtieron probablemente en la más influyente de los primeros filmes de cine negro. ^{[ 54 ]} Le siguieron una serie de ahora famosas "chicas malas" del cine negro, como las interpretadas por Rita Hayworth en Gilda (1946), Lana Turner en El cartero siempre llama dos veces (1946), Ava Gardner en Los asesinos (1946), ^{[ 55 ]} y Jane Greer en Retorno al pasado (1947). ^{[ 56 ]} La icónica contraparte del cine negro de la femme fatale, el detective privado, salió a la luz en películas como El halcón maltés (1941), con Humphrey Bogart como Sam Spade , y Asesinato, mi dulce (1944), con Dick Powell como Philip Marlowe .

La prevalencia del detective privado como personaje principal disminuyó en el cine negro de la década de 1950, un período durante el cual varios críticos describen el género como cada vez más enfocado en psicologías extremas y más exagerado en general. ^{[ 57 ]} Un ejemplo destacado es Kiss Me Deadly (1955); basada en una novela de Mickey Spillane , el autor más vendido de todos los autores de novela negra, aquí el protagonista es un detective privado, Mike Hammer . Como lo describe Paul Schrader , " la dirección provocativa de Robert Aldrich lleva el cine negro a su lado más sórdido y perversamente erótico. Hammer revoluciona el mundo del hampa en busca del 'gran objeto' [que] resulta ser —broma de bromas— una bomba atómica en explosión". ^{[ 58 ]} Touch of Evil (1958) de Orson Welles, de estilo barroco, se cita frecuentemente como el último cine negro del período clásico. ^{[ 59 ]} Algunos estudiosos creen que el cine negro nunca terminó realmente, sino que continuó transformándose incluso cuando el estilo visual característico del cine negro comenzó a parecer anticuado y las cambiantes condiciones de producción llevaron a Hollywood en diferentes direcciones; desde esta perspectiva, las películas posteriores a la década de 1950 en la tradición del cine negro se consideran parte de una continuidad con el cine negro clásico. ^{[ 60 ]} Sin embargo, la mayoría de los críticos consideran que las películas comparables realizadas fuera de la era clásica no son cine negro genuino. Consideran que el verdadero cine negro pertenece a un ciclo o período limitado temporal y geográficamente, y tratan las películas posteriores que evocan los clásicos como fundamentalmente diferentes debido a cambios generales en el estilo cinematográfico y a la conciencia posterior del cine negro como fuente histórica de alusión . ^{[ 61 ]} Estas películas posteriores a menudo se denominan neo-noir .

Si bien el primer noir, Stranger on the Third Floor , fue una película de serie B dirigida por un prácticamente desconocido, muchos de los film noirs que aún se recuerdan fueron producciones de primera categoría de cineastas conocidos. John Huston debutó como director con The Maltese Falcon (1941), y luego dirigió Key Largo (1948) y The Asphalt Jungle (1950). La opinión está dividida sobre el estatus de noir de varios thrillers de Alfred Hitchcock de la época; al menos cuatro califican por consenso: Shadow of a Doubt (1943), Notorious (1946), Strangers on a Train (1951) y The Wrong Man (1956), ^{[ 62 ]} El éxito de Otto Preminger con Laura (1944) lo hizo famoso y ayudó a demostrar la adaptabilidad del noir a una presentación de alto brillo de 20th Century-Fox . ^{[ 63 ] [ 64 ]} Entre los directores más célebres de Hollywood de la época, posiblemente ninguno trabajó más a menudo en el género negro que Preminger; entre sus otras películas de cine negro se incluyen Fallen Angel (1945), Whirlpool (1949), Where the Sidewalk Ends (1950) (todas para Fox) y Angel Face (1952). Media década después de Double Indemnity y The Lost Weekend , Billy Wilder realizó Sunset Boulevard (1950) y Ace in the Hole (1951), películas de cine negro que no eran tanto dramas criminales como sátiras sobre Hollywood y los medios de comunicación, respectivamente. In a Lonely Place (1950) fue el gran éxito de Nicholas Ray ; entre sus otras películas de cine negro se incluyen su ópera prima, They Live by Night (1948) y On Dangerous Ground (1952), destacadas por su tratamiento inusualmente comprensivo de personajes alienados de la sociedad. ^{[ 65 ]}

Orson Welles tuvo problemas notorios con la financiación, pero sus tres películas de cine negro contaron con un buen presupuesto: La dama de Shanghái (1947) recibió un respaldo de primer nivel y de "prestigio", mientras que El extraño (1946), su película más convencional, y Sed de mal (1958), una obra inconfundiblemente personal, fueron financiadas a niveles más bajos, pero aún acordes con los estrenos principales. ^{[ 66 ]} Al igual que El extraño , La mujer en la ventana (1944) de Fritz Lang fue una producción de la independiente International Pictures. La siguiente película de Lang, Scarlet Street (1945), fue una de las pocas películas clásicas de cine negro que fueron oficialmente censuradas: llena de insinuaciones eróticas, fue prohibida temporalmente en Milwaukee, Atlanta y el estado de Nueva York. ^{[ 67 ]} Scarlet Street fue una producción semiindependiente, copatrocinada por Universal y Diana Productions de Lang, de la cual la coprotagonista de la película, Joan Bennett , era la segunda mayor accionista. Lang, Bennett y su esposo, el veterano de Universal y jefe de producción de Diana, Walter Wanger , hicieron Secret Beyond the Door (1948) de manera similar. ^{[ 68 ]}

Antes de abandonar Estados Unidos mientras estaba sujeto a la lista negra de Hollywood , Jules Dassin realizó dos clásicos del cine negro que también se situaron en la línea divisoria entre las grandes productoras e independientes: Brute Force (1947) y la influyente película de estilo documental The Naked City (1948) fueron desarrolladas por el productor Mark Hellinger , quien tenía un contrato "interno/externo" con Universal similar al de Wanger. ^{[ 69 ]} Años antes, trabajando en Warner Bros., Hellinger había producido tres películas para Raoul Walsh , los proto-noirs They Drive by Night (1940), Manpower (1941) y High Sierra (1941), ahora considerada una obra fundamental en el desarrollo del cine negro. ^{[ 70 ]} Walsh no tuvo un gran nombre durante su medio siglo como director, pero sus películas de cine negro The Man I Love (1947), White Heat (1949) y The Enforcer (1951) contaron con estrellas de primera línea y se consideran ejemplos importantes del ciclo. ^{[ 71 ]} Otros directores asociados con películas de cine negro de primer nivel de Hollywood incluyen a Edward Dmytryk ( Murder, My Sweet (1944), Crossfire (1947)), el primer director importante de cine negro en caer presa de la lista negra de la industria, así como a Henry Hathaway ( The Dark Corner (1946), Kiss of Death (1947)) y John Farrow ( The Big Clock (1948), Night Has a Thousand Eyes (1948)).

La mayoría de las películas de Hollywood consideradas clásicos del cine negro caen en la categoría de películas de serie B. ^{[ 72 ]} Algunas eran de serie B en el sentido más preciso, producidas para ser proyectadas al final de programas dobles por una unidad de bajo presupuesto de uno de los grandes estudios o por una de las compañías más pequeñas de Poverty Row , desde la relativamente acomodada Monogram hasta empresas más inestables como Producers Releasing Corporation (PRC) . Jacques Tourneur había realizado más de treinta películas de serie B de Hollywood (algunas ahora muy valoradas, la mayoría olvidadas) antes de dirigir la película de serie A Out of the Past , descrita por el académico Robert Ottoson como "el ne plus ultra del cine negro de los años cuarenta". ^{[ 73 ]} Las películas con presupuestos un escalón más arriba en la escalera, conocidas como "intermedias" por la industria, podían ser tratadas como películas de serie A o B dependiendo de las circunstancias. Monogram creó Allied Artists a finales de la década de 1940 para centrarse en este tipo de producción. Robert Wise ( Born to Kill [1947], The Set-Up [1949]) y Anthony Mann ( T-Men [1947] y Raw Deal [1948]) realizaron cada uno una serie de impresionantes películas intermedias, muchas de ellas de cine negro, antes de pasar a trabajar de forma constante en producciones de gran presupuesto. Mann realizó algunos de sus trabajos más célebres con el director de fotografía John Alton , un especialista en lo que James Naremore llamó "momentos hipnóticos de luz en la oscuridad". ^{[ 74 ]} He Walked by Night (1948), filmada por Alton aunque acreditada únicamente a Alfred Werker, dirigida en gran parte por Mann, demuestra su maestría técnica y ejemplifica la tendencia de finales de la década de 1940 de dramas criminales " procedimentales policiales ". Fue estrenada, como otras películas de cine negro de Mann-Alton, por la pequeña compañía Eagle-Lion ; Fue la inspiración para la serie Dragnet , que debutó en la radio en 1949 y en la televisión en 1951. ^{[ 75 ]}

Varios directores asociados al cine negro construyeron obras respetadas principalmente en el nivel de películas de serie B/intermedias. Las brutales y visualmente enérgicas películas de Samuel Fuller , como Pickup on South Street (1953) y Underworld USA (1961), le valieron una reputación única; sus defensores lo elogian como "primitivo" y "bárbaro". ^{[ 77 ] [ 78 ]} Joseph H. Lewis dirigió películas negras tan diversas como Gun Crazy (1950) y The Big Combo (1955). La primera, cuyo guion fue escrito por el incluido en la lista negra Dalton Trumbo , disfrazado por un testaferro, presenta una secuencia de atraco a un banco mostrada en una toma continua de más de tres minutos que fue influyente. ^{[ 79 ]} The Big Combo fue filmada por John Alton y llevó el estilo oscuro del cine negro a sus límites extremos. ^{[ 80 ]} Las películas más distintivas de Phil Karlson ( The Phenix City Story [1955] y The Brothers Rico [1957]) cuentan historias de vicio organizado a una escala monstruosa. ^{[ 81 ]} El trabajo de otros directores en este nivel de la industria, como Felix E. Feist ( The Devil Thumbs a Ride [1947], Tomorrow Is Another Day [1951]), se ha vuelto oscuro. Edgar G. Ulmer pasó la mayor parte de su carrera en Hollywood trabajando en estudios B y de vez en cuando en proyectos que alcanzaron un estatus intermedio; en su mayor parte, en B inconfundibles. En 1945, mientras estaba en PRC, dirigió un clásico de culto del cine negro, Detour . ^{[ 82 ]} Otros filmes noir de Ulmer incluyen Strange Illusion (1945), también para PRC; Ruthless (1948), para Eagle-Lion, que había adquirido PRC el año anterior, y Murder Is My Beat (1955), para Allied Artists.

Varias películas de cine negro de bajo y modesto presupuesto fueron realizadas por compañías independientes, a menudo propiedad de actores, que contrataban con estudios más grandes para su distribución. Hugo Haas, quien se desempeñó como productor, guionista, director y actor principal, realizó películas como Pickup (1951), The Other Woman (1954) y Jacques Tourneur, The Fearmakers (1958) . Fue de esta manera que la consumada actriz de cine negro Ida Lupino se estableció como la única directora femenina en Hollywood durante finales de la década de 1940 y gran parte de la década de 1950. Ella no aparece en la película más conocida que dirigió, The Hitch-Hiker (1953), desarrollada por su compañía, The Filmakers, con el apoyo y la distribución de RKO. ^{[ 83 ]} Es uno de los siete clásicos del cine negro producidos en gran parte fuera de los grandes estudios que han sido elegidos para el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos . De los otros, uno fue un lanzamiento de un estudio pequeño: Detour . Cuatro fueron producciones independientes distribuidas por United Artists , el "estudio sin estudio": Gun Crazy ; Kiss Me Deadly ; DOA (1950), dirigida por Rudolph Maté y Sweet Smell of Success (1957), dirigida por Alexander Mackendrick . Una fue una producción independiente distribuida por MGM , el líder de la industria: Force of Evil (1948), dirigida por Abraham Polonsky y protagonizada por John Garfield , ambos incluidos en la lista negra en la década de 1950. ^{[ 84 ]} La producción independiente generalmente implicaba circunstancias restringidas, pero Sweet Smell of Success , a pesar de los planes del equipo de producción, claramente no se hizo con poco presupuesto, aunque, como muchos otros apreciados filmes de cine negro de gran presupuesto, podría decirse que tiene un alma de película de serie B. ^{[ 85 ]}

Quizás ningún director mostró mejor ese espíritu que el alemán Robert Siodmak , quien ya había realizado una veintena de películas antes de su llegada a Hollywood en 1940. Trabajando principalmente en largometrajes de serie A, realizó ocho películas consideradas ahora como clásicos del cine negro (una cifra igualada solo por Lang y Mann). ^{[ 86 ]} Además de The Killers , el debut de Burt Lancaster y una coproducción de Hellinger/Universal, otras contribuciones importantes de Siodmak al género incluyen Phantom Lady de 1944 (una adaptación de primera categoría de B y Woolrich), la irónicamente titulada Christmas Holiday (1944) y Cry of the City (1948). Criss Cross (1949), con Lancaster nuevamente como protagonista, ejemplifica cómo Siodmak llevó las virtudes de la película de serie B al cine negro de serie A. Además de las restricciones relativamente menos estrictas en cuanto a personajes y mensajes en producciones de bajo presupuesto, la naturaleza de las producciones de serie B se prestaba al estilo noir por razones económicas: la iluminación tenue ahorraba electricidad y ayudaba a disimular decorados baratos (la niebla y el humo también contribuían a ello). El rodaje nocturno solía ser consecuencia de los apresurados calendarios de producción. Las tramas con motivaciones oscuras y transiciones intrigantemente elípticas a veces eran resultado de guiones escritos a toda prisa. No siempre había suficiente tiempo ni dinero para rodar todas las escenas. En Criss Cross , Siodmak logró estos efectos, envolviéndolos en Yvonne De Carlo , quien interpretó a la más comprensible de las femmes fatales; Dan Duryea , en uno de sus muchos papeles de villano carismático; y Lancaster como un obrero común convertido en ladrón armado, condenado por una obsesión romántica. ^{[ 87 ]}

Si bien es difícil trazar una línea divisoria entre algunas de las películas noir de principios de la década de 1960, como Blast of Silence (1961) y Cape Fear (1962), y las noir de finales de la década de 1950, surgieron nuevas tendencias en la era posclásica. The Manchurian Candidate (1962), dirigida por John Frankenheimer , Shock Corridor (1963), dirigida por Samuel Fuller , y Brainstorm (1965), dirigida por el experimentado actor de carácter noir William Conrad , tratan el tema de la desposesión mental dentro de marcos estilísticos y tonales derivados del cine noir clásico. ^{[ 105 ]} The Manchurian Candidate examinó la situación de los prisioneros de guerra estadounidenses (POW) durante la Guerra de Corea . Los incidentes que ocurrieron durante la guerra, así como los de la posguerra, sirvieron de inspiración para un subgénero de "noir de la Guerra Fría". ^{[ 106 ] [ 107 ]} La serie de televisión El Fugitivo (1963–67) llevó temas y atmósfera clásicos del cine negro a la pequeña pantalla durante una larga emisión. ^{[ 105 ]}

En otra línea, comenzaron a aparecer películas que reconocían conscientemente las convenciones del cine negro clásico como arquetipos históricos para ser revividos, rechazados o reinventados. Estos esfuerzos tipifican lo que llegó a conocerse como neo-noir. ^{[ 109 ]} Aunque varios clásicos del cine negro tardío, Kiss Me Deadly (1955) en particular, eran profundamente conscientes de sí mismos y postradicionales en su concepción, ninguno delató sus intenciones tan evidentemente como para ser comentado por los críticos estadounidenses de la época. ^{[ 110 ]} La primera película importante en trabajar abiertamente este ángulo fue À bout de souffle ( Sin aliento ; 1960) del director francés Jean-Luc Godard , que rinde sus respetos literales a Bogart y sus películas de crimen al tiempo que exhibe un nuevo estilo audaz para un nuevo tiempo. ^{[ 111 ]} En Estados Unidos, Arthur Penn ( Mickey One de 1965 , inspirada en Tirez sur le pianiste de Truffaut y otras películas de la Nouvelle Vague francesa ), John Boorman ( Point Blank de 1967 , igualmente involucrada, aunque en las aguas más profundas de la Nouvelle Vague ) y Alan J. Pakula ( Klute de 1971 ) dirigieron películas que se relacionaban conscientemente con el cine negro original, invitando al público a participar en el juego. ^{[ 112 ]}

Una afiliación manifiesta con las tradiciones del cine negro —que, por su naturaleza, permite inferir diferentes tipos de comentarios sobre ellas— también puede proporcionar la base para críticas explícitas de esas tradiciones. En 1973, el director Robert Altman desafió la piedad del cine negro con The Long Goodbye . Basada en la novela de Raymond Chandler, presenta a uno de los personajes más famosos de Bogart, pero de manera iconoclasta : Philip Marlowe, el prototipo del detective duro, es reinterpretado como un inadaptado desventurado, casi ridículamente desconectado de las costumbres y la moral contemporáneas. ^{[ 113 ]} Mientras que la subversión de Altman del mito del cine negro fue tan irreverente que escandalizó a algunos críticos contemporáneos, ^{[ 114 ]} casi al mismo tiempo Woody Allen rendía un homenaje afectuoso, a veces idolátrico, al modo clásico con Play It Again, Sam (1972). La película de " blaxploitation " Shaft (1971), en la que Richard Roundtree interpreta al detective privado afroamericano que da título a la película, John Shaft , toma elementos del cine negro clásico.

La más aclamada de las películas neo-noir de la época fue Chinatown , de Roman Polanski , de 1974. ^{[ 115 ]} Escrita por Robert Towne , está ambientada en Los Ángeles de la década de 1930, un escenario habitual del cine negro que retrocede unos años, lo que hace que la crucial pérdida de la inocencia en la historia sea aún más cruel. Mientras que Polanski y Towne llevaron el cine negro a un apogeo oscuro al mirar hacia atrás, el director Martin Scorsese y el guionista Paul Schrader trajeron la actitud del cine negro al presente con Taxi Driver (1976), una visión vibrante y sangrienta de la América del bicentenario. ^{[ 116 ]} En 1978, Walter Hill escribió y dirigió The Driver , una película de persecución como la que podría haber imaginado Jean-Pierre Melville en un tono especialmente abstracto. ^{[ 117 ]}

Hill ya era una figura central en el cine negro de los años 70 de una manera más directa, habiendo escrito el guion de The Getaway (1972) del director Sam Peckinpah , adaptando una novela del maestro de la literatura pulp Jim Thompson , así como para dos películas de detectives: un guion original para Hickey & Boggs (1972) y una adaptación de una novela de Ross Macdonald , el principal descendiente literario de Hammett y Chandler, para The Drowning Pool (1975). De hecho, algunos de los mejores filmes de cine negro de los años 70 fueron remakes sin guiños a los clásicos, "neo" en su mayoría por defecto: la desgarradora Thieves Like Us (1974), dirigida por Altman a partir de la misma fuente que They Live by Night de Ray , y Farewell, My Lovely (1975), la historia de Chandler llevada clásicamente como Murder, My Sweet , rehecha aquí con Robert Mitchum en su último papel notable en el cine negro. ^{[ 118 ]} Las series policíacas, frecuentes en la televisión estadounidense durante ese período, actualizaron la tradición del género negro de diferentes maneras, pero el programa que evocaba el tono más noir fue un crossover de terror con toques de humor desaliñado al estilo de Long Goodbye : Kolchak: The Night Stalker (1974–75), que presentaba a un reportero de un periódico de Chicago que investigaba sucesos extraños, generalmente sobrenaturales. ^{[ 119 ]}

El cambio de década trajo el blanco y negro de Scorsese, Toro salvaje (1980, coescrito por Schrader). Una obra maestra reconocida —en 2007 el American Film Institute la clasificó como la mejor película estadounidense de la década de 1980 y la cuarta mejor de todos los tiempos— cuenta la historia de la autodestrucción moral de un boxeador que recuerda tanto en tema como en ambiente visual dramas noir como Cuerpo y alma (1947) y Campeón (1949). ^{[ 121 ]} De 1981, Fuego en el cuerpo , escrita y dirigida por Lawrence Kasdan , evoca un conjunto diferente de elementos clásicos del noir, esta vez en un ambiente húmedo y cargado de erotismo en Florida. Su éxito confirmó la viabilidad comercial del neo-noir en un momento en que los grandes estudios de Hollywood se volvían cada vez más reacios al riesgo. La popularización del neo-noir es evidente en películas como Viuda negra (1987), Destrozada (1991) y Análisis final (1992). ^{[ 122 ]} Pocas películas neo-noir han recaudado más dinero o actualizado con más ingenio la tradición del doble sentido del cine negro que Instinto básico (1992), dirigida por Paul Verhoeven y escrita por Joe Eszterhas . ^{[ 123 ]} La película también demuestra cómo la paleta policromática del neo-noir puede reproducir muchos de los efectos expresionistas del cine negro clásico en blanco y negro. ^{[ 120 ]}

Al igual que Chinatown , su predecesora más compleja, LA Confidential (1997), ganadora del Oscar y dirigida por Curtis Hanson , basada en la novela de James Ellroy , demuestra la tendencia opuesta: el cine negro deliberadamente retro; su historia de policías corruptos y mujeres fatales parece sacada directamente de una película de 1953, año en que está ambientada. ^{[ 124 ]} El director David Fincher siguió al inmensamente exitoso neo-noir Seven (1995) con una película que se convirtió en un clásico de culto después de su decepcionante estreno original: Fight Club (1999), una mezcla sui generis de estética noir, comedia perversa, contenido especulativo e intención satírica. ^{[ 125 ]}

Trabajando generalmente con presupuestos mucho más pequeños, los hermanos Joel y Ethan Coen han creado una de las obras más extensas influenciadas por el noir clásico, con películas como Blood Simple (1984) ^{[ 127 ]} y Fargo (1996), esta última considerada por algunos una obra suprema en el modo neo-noir. ^{[ 128 ]} Los Coen cruzan el noir con otras tradiciones genéricas en el drama de gánsteres Miller's Crossing (1990) —basado libremente en las novelas de Dashiell Hammett Red Harvest y The Glass Key— y la comedia The Big Lebowski (1998), un tributo a Chandler y un homenaje a la versión de Altman de The Long Goodbye . ^{[ 129 ]} La obra característica de David Lynch combina tropos del film noir con escenarios impulsados ​​por personajes perturbados como el criminal sociópata interpretado por Dennis Hopper en Blue Velvet (1986) y el protagonista delirante de Lost Highway (1997). El ciclo de Twin Peaks , tanto la serie de televisión (1990-91) como la película Fire Walk with Me (1992), somete una trama detectivesca a una sucesión de espasmos extraños. David Cronenberg también mezcla surrealismo y cine negro en Naked Lunch (1991), inspirada en la novela de William S. Burroughs .

Quizás ningún neo-noir estadounidense refleje mejor el espíritu clásico de las películas B de cine negro que los del director y guionista Quentin Tarantino . ^{[ 130 ]} Sus neo-noirs como Reservoir Dogs (1992) y Pulp Fiction (1994) muestran una sensibilidad implacablemente autorreflexiva, a veces irónica, similar al trabajo de los directores de la Nueva Ola y los Coen. Otras películas de la época fácilmente identificables como neo-noir (algunas retro, otras más actuales) incluyen Kill Me Again (1989), Red Rock West (1992) y The Last Seduction (1993) del director John Dahl ; cuatro adaptaciones de novelas de Jim Thompson: The Kill-Off (1989), After Dark, My Sweet (1990), The Grifters (1990) y la nueva versión de The Getaway (1994); y muchas más, incluyendo adaptaciones de la obra de otros importantes escritores de ficción negra: The Hot Spot (1990), de Hell Hath No Fury , de Charles Williams ; Miami Blues (1990), de la novela de Charles Willeford ; y Out of Sight (1998), de la novela de Elmore Leonard . ^{[ 131 ]} Varias películas del director y guionista David Mamet incluyen elementos de cine negro: House of Games (1987), Homicide (1991), ^{[ 132 ]} The Spanish Prisoner (1997) y Heist (2001). ^{[ 133 ]} En televisión, Moonlighting (1985–89) rindió homenaje al cine negro clásico al tiempo que demostró una apreciación inusual del sentido del humor que a menudo se encuentra en el ciclo original. ^{[ 131 ]} Entre 1983 y 1989, el detective privado Mike Hammer, personaje de Mickey Spillane , fue interpretado con ingenio y humor por Stacy Keach en una serie y varias películas para televisión independientes (un relanzamiento fallido tuvo lugar entre 1997 y 1998). La miniserie británica The Singing Detective (1986), escrita por Dennis Potter , narra la historia de un escritor de misterio llamado Philip Marlow; considerada por muchos como una de las mejores obras neo-noir en cualquier medio, algunos críticos la sitúan entre las mejores producciones televisivas de todos los tiempos. ^{[ 134 ]}

Entre los autores de grandes presupuestos, Michael Mann ha trabajado frecuentemente en un estilo neo-noir, con películas como Thief (1981) ^{[ 132 ]} y Heat (1995) y las series de televisión Miami Vice (1984–89) y Crime Story (1986–88). La obra de Mann ejemplifica una vertiente primaria del neo-noir, o como se le llama cariñosamente, "neon noir", ^{[ 135 ] [ 136 ]} en la que se revisitan temas y tropos clásicos en un entorno contemporáneo con un estilo visual actualizado y una banda sonora musical basada en el rock o el hip-hop . ^{[ 137 ]}

El cine neon-noir toma prestadas y refleja muchas de las características del cine negro: la presencia de crimen y violencia, personajes y tramas complejas, misterio y ambivalencia moral, todo lo cual entra en juego en el subgénero neon-noir. Pero más allá de exhibir los rasgos superficiales del género, el neon-noir enfatiza la sociocrítica del cine negro, evocando las dimensiones socioculturales específicas del período de entreguerras, cuando el cine negro alcanzó su apogeo; una época de crisis existencial global, depresión y migración masiva de la población rural a las ciudades. Los planos largos o montajes de paisajes urbanos, a menudo representados como oscuros y amenazantes, sugieren lo que Dueck denominó una «perspectiva social sombría» ^{[ 138 ]} , proporcionando una crítica al capitalismo y consumismo globales . Otras características incluyen el uso de técnicas de iluminación altamente estilizadas como el claroscuro , y letreros de neón y edificios brillantemente iluminados que brindan una sensación de alienación y atrapamiento .

Al destacar el uso de la iluminación artificial y de neón en el cine negro de los años 40 y 50, las películas de neón-noir acentúan esta estética con colores vibrantes y luz manipulada para resaltar sus críticas socioculturales y sus referencias a la cultura contemporánea y pop. De este modo, las películas de neón-noir presentan temas como la decadencia urbana, el consumismo y el capitalismo, el existencialismo , la sexualidad y las cuestiones de raza y violencia en la cultura contemporánea, no solo en Estados Unidos, sino en todo el mundo globalizado.

El neon-noir busca recuperar el noir contemporáneo, algo diluido bajo el paraguas del neo-noir, para explorar la cultura: clase, raza, género, patriarcado y capitalismo. El neon-noir presenta una exploración existencial de la sociedad en un mundo hipertecnológico y globalizado. Al ilustrar la sociedad como decadente y consumista , y la identidad como confusa y ansiosa, el neon-noir reposiciona el noir contemporáneo en el contexto de la decadencia urbana , con frecuencia presentando escenas ambientadas en lugares clandestinos de la ciudad: burdeles, clubes nocturnos, casinos, bares de striptease, casas de empeño y lavanderías.

El neon-noir se popularizó en los años 70 y 80 con películas como Taxi Driver (1976), Blade Runner (1982), ^{[ 139 ]} y películas de David Lynch , como Blue Velvet (1986) y más tarde, Lost Highway (1997). Otros títulos de esta época incluyeron Blow Out (1981) de Brian De Palma y el debut de los hermanos Coen , Blood Simple (1984). ^{[ 140 ] [ 141 ]} Más recientemente, películas como la altamente provocativa Spring Breakers (2012) de Harmony Korine , ^{[ 142 ]} y Trance (2013) de Danny Boyle se han destacado especialmente por su representación del cine negro con infusión de neón; Mientras que Trance fue celebrada por «mezclar los ingredientes (del noir) como arena de colores en un frasco», Spring Breakers produjo una serie de críticas notorias ^{[ 143 ]} que se referían a su estética de «sueño febril» y a su «explosión de excesos cubierta de neón» (Kohn). ^{[ 144 ]}

El neon-noir puede considerarse una respuesta al uso excesivo del término neo-noir. Si bien este término busca reintroducir el cine negro en el panorama contemporáneo, a menudo se le ha criticado por diluir el género. El autor Robert Arnett comentó sobre su alcance "amorfo": "cualquier película que presente a un detective o un crimen califica". ^{[ 145 ]} El neon-noir, más específicamente, busca revivir la sensibilidad del cine negro de una manera más precisa, centrándose en el comentario sociocultural y una estética hiperestilizada.

Los hermanos Coen vuelven a hacer referencia a la tradición del cine negro con El hombre que no estaba allí (2001); un melodrama criminal en blanco y negro ambientado en 1949; incluye una escena aparentemente escenificada para imitar una de Retorno al pasado . Mulholland Drive (2001) de Lynch continuó en su estilo característico, convirtiendo el clásico escenario del cine negro de Los Ángeles en el escenario de un rompecabezas psicológico con tintes noir. El debut en blanco y negro del director británico Christopher Nolan , Following (1998), fue un claro homenaje al cine negro clásico. Durante la primera década del nuevo siglo, fue uno de los principales directores de Hollywood del neo-noir con la aclamada Memento (2000) y el remake de Insomnia (2002). ^{[ 146 ]}

La película The Pledge (2001) del director Sean Penn , aunque adaptada de una novela muy autorreferencial de Friedrich Dürrenmatt , juega al noir de forma relativamente directa, con un efecto devastador . ^{[ 147 ]} El guionista David Ayer actualizó el clásico relato noir del policía malo, tipificado por Shield for Murder (1954) y Rogue Cop (1954), con sus guiones para Training Day (2001) y, adaptando una historia de James Ellroy, Dark Blue (2002); más tarde escribió y dirigió la aún más oscura Harsh Times (2006). Collateral (2004) de Michael Mann presenta una actuación de Tom Cruise como un asesino en el linaje de Le Samouraï . Los tormentos de The Machinist (2004), dirigida por Brad Anderson , evocan tanto Fight Club como Memento . ^{[ 148 ]} En 2005, Shane Black dirigió Kiss Kiss Bang Bang , basando su guion en parte en una novela policíaca de Brett Halliday , quien publicó sus primeros relatos en la década de 1920. La película juega con una conciencia no solo del cine negro clásico, sino también de la propia reflexividad del neo-noir. ^{[ 149 ]}

Con películas ultraviolentas como Sympathy for Mr. Vengeance (2002) y Thirst (2009), Park Chan-wook de Corea del Sur ha sido el director más prominente fuera de los Estados Unidos que ha trabajado regularmente en un modo noir en el nuevo milenio. ^{[ 150 ]} El neo-noir más exitoso comercialmente de este período ha sido Sin City (2005), dirigida por Robert Rodriguez en un extravagante y estilizado blanco y negro con salpicaduras de color. ^{[ 151 ]} La película está basada en una serie de cómics creados por Frank Miller (acreditado como codirector de la película), que a su vez están abiertamente endeudados con las obras de Spillane y otros autores de misterio pulp . ^{[ 152 ] [ 153 ]} De manera similar, las novelas gráficas proporcionan la base para Road to Perdition (2002), dirigida por Sam Mendes , y A History of Violence (2005), dirigida por David Cronenberg ; Esta última fue votada como la mejor película del año en la encuesta anual de Village Voice . ^{[ 154 ]} Brick (2005), del escritor y director Rian Johnson , que presenta a estudiantes de secundaria actuales hablando una versión del argot del cine negro de la década de 1930, ganó el Premio Especial del Jurado a la Originalidad de Visión en el Festival de Cine de Sundance . La serie de televisión Veronica Mars (2004–07, 2019) y la película Veronica Mars (2014) también aportaron un giro orientado a los jóvenes al cine negro. Ejemplos de este tipo de cruce de géneros han sido denominados "teen noir". ^{[ 155 ] [ 156 ]}

Las películas neo-noir estrenadas en la década de 2010 incluyen I Saw the Devil (2010) de Kim Jee-woon , Point Blank (2010) de Fred Cavaye, The Yellow Sea (2010) de Na Hong-jin , Drive (2011) de Nicolas Winding Refn , ^{[ 157 ]} Bastards (2013) de Claire Denis ^{[ 158 ] [ 159 ]} y Nightcrawler (2014) de Dan Gilroy .

El canal Science Channel emitió la serie documental científica de 2021, Killers of the Cosmos, en un formato que describe como "cine negro espacial". En la serie, el actor Aidan Gillen, en forma animada, actúa como presentador, interpretando a un investigador privado que se encarga de "casos" en los que "caza" amenazas letales para la humanidad provenientes del cosmos . Las secuencias animadas combinan las características del cine negro con las de una novela gráfica de ficción pulp ambientada a mediados del siglo XX, y enlazan segmentos documentales convencionales de acción real en los que expertos describen los fenómenos potencialmente mortales. ^{[ 160 ] [ 161 ] [ 162 ] [ 163 ]}

En la era posclásica, una tendencia significativa en los cruces con el cine negro ha involucrado la ciencia ficción . En Alphaville (1965) de Jean-Luc Godard, Lemmy Caution es el nombre del detective privado de la vieja escuela en la ciudad del mañana. The Groundstar Conspiracy (1972) se centra en otro investigador implacable y un amnésico llamado Welles. Soylent Green (1973), el primer gran ejemplo estadounidense, retrata un mundo distópico de un futuro cercano a través de una trama de detectives de cine negro; protagonizada por Charlton Heston (el protagonista de Touch of Evil ), también cuenta con los clásicos del cine negro Joseph Cotten, Edward G. Robinson y Whit Bissell . La película fue dirigida por Richard Fleischer , quien dos décadas antes había dirigido varios buenos filmes de cine negro de serie B, incluyendo Armored Car Robbery (1950) y The Narrow Margin (1952). ^{[ 166 ]}

La perspectiva cínica y estilizada del cine negro clásico tuvo un efecto formativo en el género cyberpunk de ciencia ficción que surgió a principios de la década de 1980; la película más directamente influyente en el cyberpunk fue Blade Runner (1982), dirigida por Ridley Scott , que rinde un evocador homenaje al modo clásico del cine negro ^{[ 167 ]} (Scott dirigió posteriormente el conmovedor melodrama criminal noir de 1987 Someone to Watch Over Me ). El académico Jamaluddin Bin Aziz ha observado cómo "la sombra de Philip Marlowe perdura" en otras películas de "futuro cine negro" como 12 Monkeys (1995), Dark City (1998) y Minority Report (2002). ^{[ 168 ]} El debut de Fincher en largometrajes fue Alien 3 (1992), que evocó la clásica película de cárcel noir Brute Force .

Crash (1996) de David Cronenberg , una adaptación de la novela especulativa de JG Ballard , ha sido descrita como un "film noir en tonos de moretones". ^{[ 169 ]} El héroe es el objetivo de una investigación en Gattaca (1997), que fusiona motivos del film noir con un escenario deudor de Un mundo feliz . El piso trece (1999), al igual que Blade Runner , es un homenaje explícito al noir clásico, en este caso involucrando especulaciones sobre la realidad virtual . La ciencia ficción, el noir y el anime se unen en las películas japonesas de los 90 Ghost in the Shell (1995) y Ghost in the Shell 2: Innocence (2004), ambas dirigidas por Mamoru Oshii . ^{[ 170 ]} The Animatrix (2003), basada y ambientada en el mundo de la trilogía de películas Matrix , contiene un cortometraje de anime en estilo noir clásico titulado "A Detective Story". ^{[ 171 ]} Las series de televisión de anime con temas de ciencia ficción noir incluyen Noir (2001) ^{[ 170 ]} y Cowboy Bebop (1998). ^{[ 172 ]}

La película Ex Machina de 2015 le da un toque sutil de cine negro al mito de Frankenstein , con la androide sensible Ava como una potencial femme fatale , su creador Nathan encarnando el tropo del esposo o padre abusivo, y su posible rescatador Caleb como un "vagabundo despistado" cautivado por Ava. ^{[ 173 ]}

Un subgénero de la ficción negra se ha denominado "noir rural" en los EE. UU.; ^{[ 174 ] [ 175 ]} y a veces "noir del interior" en Australia. ^{[ 176 ] [ 177 ]} Muchas novelas de noir rural se han adaptado al cine y a series de televisión en ambos países, como Ozark , No Country for Old Men , ^{[ 174 ]} y Big Sky en los EE. UU., ^{[ 178 ]} y Troppo , The Dry (y su secuela Force of Nature: The Dry 2 ), Scrublands , ^{[ 176 ]} y High Country (2024) en Australia. ^{[ 179 ]}

En Australia, el género outback noir incluye cada vez más temas relacionados con los indígenas australianos , ^{[ 176 ]} como el despojo de tierras a los pueblos aborígenes ^{[ 180 ]} y el racismo . El cineasta Ivan Sen es conocido por explorar estos temas en su serie de televisión Mystery Road y en la película homónima con su precuela Goldstone , ^{[ 181 ]} y en su película más reciente y premiada Limbo (2023). ^{[ 182 ] [ 183 ]}

Los esquemas de iluminación tenue de muchos clásicos del cine negro se asocian con marcados contrastes de luz y oscuridad y dramáticos patrones de sombras, un estilo conocido como claroscuro (término adoptado de la pintura renacentista). ^[c] Las sombras de las persianas venecianas o las barras de la barandilla, proyectadas sobre un actor, una pared o todo un decorado, son un elemento visual icónico del cine negro y ya se habían convertido en un cliché mucho antes de la era neo-noir. Los rostros de los personajes pueden estar parcial o totalmente ocultos por la oscuridad, una rareza relativa en la cinematografía convencional de Hollywood. Si bien la cinematografía en blanco y negro es considerada por muchos como uno de los atributos esenciales del cine negro clásico, las películas en color Leave Her to Heaven (1945) y Niagara (1953) se incluyen habitualmente en las filmografías de cine negro, mientras que Slightly Scarlet (1956), Party Girl (1958) y Vertigo (1958) son clasificadas como cine negro por distintos grupos de críticos. ^{[ 205 ]}

El cine negro también es conocido por su uso de planos contrapicados , planos generales y planos inclinados o de ángulo holandés . Otros recursos de desorientación relativamente comunes en el cine negro incluyen planos de personas reflejadas en uno o más espejos, planos a través de vidrios curvos o esmerilados u otros objetos distorsionadores (como durante la escena de estrangulamiento en Extraños en un tren ) y secuencias de efectos especiales de naturaleza a veces extraña. A menudo se empleaba el rodaje nocturno , en contraposición a la norma de Hollywood de rodaje diurno . ^{[ 206 ]} Desde mediados de la década de 1940 en adelante, el rodaje en exteriores se volvió cada vez más frecuente en el cine negro. ^{[ 207 ]}

En un análisis del enfoque visual de Kiss Me Deadly , un ejemplo tardío y conscientemente estilizado del cine negro clásico, el crítico Alain Silver describe cómo las decisiones cinematográficas enfatizan los temas y el ambiente de la historia. En una escena, los personajes, vistos a través de una "confusión de formas angulares", aparecen así "atrapados en un vórtice tangible o encerrados en una trampa". Silver argumenta que "la luz lateral se usa  ... para reflejar la ambivalencia de los personajes", mientras que los planos de los personajes iluminados desde abajo "se ajustan a una convención de expresión visual que asocia las sombras proyectadas hacia arriba del rostro con lo antinatural y ominoso". ^{[ 208 ]}

Ciertos avances tecnológicos en el material fílmico permitieron que el cine negro lograra su aspecto distintivo. A partir de 1935, Eastman Kodak lanzó un nuevo material fílmico de mayor velocidad , que se utilizó particularmente en documentales y noticieros donde se requería filmación en exteriores. ^{[ 209 ] [ 210 ]} Los directores de fotografía pronto se percataron del potencial de esta nueva tecnología y comenzaron a usarla. ^{[ 211 ] [ 212 ]} La ventaja de este nuevo material fílmico era que, debido a que capturaba la luz más rápido, las celdas de la película podían absorber más luz con cada exposición , eliminando la necesidad de inundar el set con luz. Así, los directores de fotografía podían ser mucho más expresivos en su iluminación, permitiendo escenas más oscuras dominadas por sombras. ^{[ 213 ]} Sin embargo, en la década de 1950, el material fílmico de nitrato, muy inestable , fue reemplazado universalmente por el acetato, mucho más estable, conocido como " película de seguridad ". La desventaja, sin embargo, fue que este material fílmico producía una imagen con un contraste significativamente menor. De este modo, las imágenes en blanco y negro de alto contraste que eran esenciales para el cine negro desaparecieron efectivamente con las imágenes en escala de grises del acetato, lo que obligó a enfatizar los demás elementos del cine negro. ^{[ 214 ]}

Las películas de cine negro suelen tener tramas inusualmente enrevesadas, que frecuentemente incluyen flashbacks y otras técnicas de edición que interrumpen y a veces oscurecen la secuencia narrativa . Enmarcar toda la narrativa principal como un flashback también es un recurso estándar. La narración en voz en off, a veces utilizada como recurso de estructuración, llegó a considerarse un sello distintivo del cine negro; mientras que el cine negro clásico generalmente se asocia con la narración en primera persona (es decir, por el protagonista), Stephen Neale señala que la narración en tercera persona es común entre los cines negros de estilo semidocumental. ^{[ 216 ]} Películas neo-noir tan variadas como The Element of Crime (surrealista), After Dark, My Sweet (retro) y Kiss Kiss Bang Bang (meta) han empleado la combinación de flashback/voz en off.

Durante la época clásica se intentaron a veces experimentos audaces en la narrativa cinematográfica: La dama del lago , por ejemplo, está filmada completamente desde el punto de vista del protagonista Philip Marlowe; el rostro de la estrella (y director) Robert Montgomery solo se ve en espejos. ^{[ 217 ]} La persecución (1946) toma el onirismo y el fatalismo como base para su sistema narrativo fantástico, que evoca ciertas historias de terror, pero con pocos precedentes en el contexto de un género supuestamente realista. De diferentes maneras, tanto Sunset Boulevard como DOA son historias contadas por hombres muertos. El cine negro contemporáneo ha estado a la vanguardia de la experimentación estructural en el cine popular, como lo ejemplifican películas como Pulp Fiction , El club de la lucha y Memento . ^{[ 218 ]}

El crimen, generalmente el asesinato, es un elemento de casi todas las películas de cine negro; además de la codicia habitual, los celos suelen ser la motivación criminal. La investigación de un crimen —llevada a cabo por un detective privado, un detective de policía (a veces actuando solo) o un aficionado preocupado— es la trama básica más frecuente, aunque dista mucho de ser la dominante. En otras tramas comunes, los protagonistas se ven implicados en robos o estafas , o en conspiraciones homicidas que a menudo involucran adulterio. Las falsas sospechas y acusaciones de crimen son elementos frecuentes de la trama, al igual que las traiciones y los engaños. Según J. David Slocum, «los protagonistas asumen las identidades literales de hombres muertos en casi el quince por ciento de todas las películas de cine negro». ^{[ 219 ]} La amnesia es bastante epidémica: «la versión del cine negro del resfriado común», en palabras del historiador de cine Lee Server . ^{[ 220 ]}

Las películas de cine negro tienden a girar en torno a héroes más imperfectos y moralmente cuestionables que la norma, a menudo chivos expiatorios de una u otra índole. Muchos críticos describen a los protagonistas característicos del cine negro como « alienados »; ^{[ 222 ]} en palabras de Silver y Ward, «llenos de amargura existencial ». ^{[ 223 ]} Ciertos personajes arquetípicos aparecen en muchas películas de cine negro: detectives duros, mujeres fatales, policías corruptos, maridos celosos, intrépidos peritos de seguros y escritores en la ruina. Entre los personajes de todo tipo, fumar cigarrillos es algo común. ^{[ 224 ]} Desde comentaristas históricos hasta películas neo-noir y efímeros de la cultura pop, el detective privado y la mujer fatal han sido adoptados como las figuras por excelencia del cine negro, aunque no aparecen en la mayoría de las películas que ahora se consideran clásicos del género. De las veintiséis películas de cine negro del Registro Nacional de Cine, solo en cuatro el protagonista interpreta a un detective privado: El halcón maltés , El sueño eterno , Retorno al pasado y Bésame mortalmente . Solo otras cuatro se ajustan claramente al género de detectives: Laura , Los asesinos , La ciudad desnuda y Sed de mal . Generalmente hay un elemento de consumo de drogas o alcohol, particularmente como parte del método del detective para resolver el crimen; por ejemplo, el personaje de Mike Hammer en la película de 1955 Bésame mortalmente, quien entra en un bar diciendo: "Dame un bourbon doble y deja la botella". Chaumeton y Borde han argumentado que el cine negro surgió de la "literatura de las drogas y el alcohol". ^{[ 225 ]}

El cine negro se asocia a menudo con un entorno urbano, y algunas ciudades —Los Ángeles, San Francisco, Nueva York y Chicago, en particular— son escenario de muchas películas clásicas. Para muchos críticos, la ciudad se presenta en el cine negro como un «laberinto». ^{[ 226 ]} Bares, salones, clubes nocturnos y garitos de juego son frecuentemente el escenario de la acción. Los clímax de un número considerable de películas de cine negro tienen lugar en entornos visualmente complejos, a menudo industriales, como refinerías, fábricas, estaciones de tren y centrales eléctricas; el ejemplo más famoso es el explosivo final de White Heat , ambientado en una planta química. ^{[ 227 ]} En la imaginación popular (y, con bastante frecuencia, también en la crítica), en el cine negro siempre es de noche y siempre llueve. ^{[ 228 ]}

Una tendencia importante dentro del cine negro contemporáneo —denominada "film soleil" por el crítico DK Holm— apunta precisamente en la dirección opuesta, con historias de engaño, seducción y corrupción que explotan escenarios luminosos y soleados, típicamente el desierto o el mar abierto, para lograr un efecto impactante. Entre los precedentes significativos de las épocas clásica y posclásica temprana se incluyen La dama de Shanghái ; Inferno (1953), protagonizada por Robert Ryan ; la adaptación francesa de El talentoso Sr. Ripley de Patricia Highsmith , Plein soleil ( Purple Noon en Estados Unidos, más precisamente Blazing Sun o Full Sun en otros lugares; 1960); y la versión de Los asesinos (1964) del director Don Siegel . La tendencia alcanzó su punto álgido a finales de los años 80 y durante los 90, con películas como Dead Calm (1989), After Dark, My Sweet (1990), The Hot Spot (1990), Delusion (1991), Red Rock West (1993) y la serie de televisión Miami Vice . ^{[ 229 ]}

El cine negro se describe a menudo como esencialmente pesimista. ^{[ 230 ]} Las historias de cine negro consideradas más características hablan de personas atrapadas en situaciones no deseadas (que, en general, no causaron, pero de las que son responsables de agravar), luchando contra un destino aleatorio e indiferente, y frecuentemente condenadas. Se considera que las películas representan un mundo inherentemente corrupto. ^{[ 231 ]} Muchos críticos han asociado el cine negro clásico con el panorama social estadounidense de la época, en particular, con una sensación de mayor ansiedad y alienación que se dice que siguió a la Segunda Guerra Mundial. En opinión del autor Nicholas Christopher , "es como si la guerra, y las erupciones sociales en su posguerra, hubieran liberado demonios que habían estado embotellados en la psique nacional". ^{[ 232 ]} Se suele decir que el cine negro, especialmente el de la década de 1950 y el apogeo del Miedo Rojo , refleja la paranoia cultural; Kiss Me Deadly es la película de cine negro que se cita con mayor frecuencia como prueba de esta afirmación. ^{[ 233 ]}

Se suele decir que el cine negro se define por la "ambigüedad moral" ^{[ 234 ] [ 235 ],} sin embargo, el Código de Producción obligó a casi todos los clásicos del cine negro a que la virtud inquebrantable fuera finalmente recompensada y el vicio, en ausencia de vergüenza y redención, severamente castigado (por muy dramáticamente inverosímil que pudiera ser la interpretación final de la justicia obligatoria). Un número considerable de películas de cine negro más recientes desafían tales convenciones: el vicio emerge triunfante en películas tan diversas como la sombría Chinatown y la irreverente Hot Spot . ^{[ 236 ]}

El cine negro ha sido interpretado frecuentemente por los estudiosos como un reflejo de las ansiedades psicológicas y sociales de los Estados Unidos de la posguerra, particularmente en su énfasis en la alienación, la ambigüedad moral y la desilusión. ^{[ 237 ]}

El tono del cine negro se considera generalmente sombrío; algunos críticos lo perciben como aún más oscuro, "abrumadoramente negro", según Robert Ottoson. ^{[ 238 ]} El influyente crítico (y cineasta) Paul Schrader escribió en un ensayo fundamental de 1972 que " el cine negro se define por el tono", un tono que parece percibir como "desesperanzador". ^{[ 239 ]} Al describir la adaptación de Perdición, el analista de cine negro Foster Hirsch describe el "tono desesperanzador requerido" logrado por los cineastas, que parece caracterizar su visión del cine negro en su conjunto. ^{[ 240 ]} Por otro lado, películas de cine negro definitivas como El sueño eterno , La dama de Shanghái , Calle Escarlata y la propia Perdición son famosas por sus diálogos duros, a menudo impregnados de insinuaciones sexuales y humor autorreferencial. ^{[ 241 ]}

La música del cine negro era típicamente orquestal, según la norma de Hollywood, pero a menudo con disonancias añadidas. ^{[ 242 ]} Muchos de los compositores principales, como los directores y los camarógrafos, eran emigrantes europeos, por ejemplo, Max Steiner ( El sueño eterno , Mildred Pierce ), Miklós Rózsa ( Doble indemnización , Los asesinos , Criss Cross ) y Franz Waxman ( Furia , El ocaso de mi infancia , La noche y la ciudad ). Doble indemnización es una banda sonora fundamental, inicialmente disgustada al director musical de Paramount por su dureza, pero respaldada firmemente por el director Billy Wilder y el jefe del estudio Buddy DeSylva . ^{[ 243 ]} Existe una impresión popular generalizada de que el saxofón de jazz "despreciable" y el bajo pizzicato constituyen el sonido del cine negro, pero esas características surgieron mucho más tarde, como en la música de finales de la década de 1950 de Henry Mancini para Sed de mal y la serie de televisión Peter Gunn . La banda sonora de Bernard Herrmann para Taxi Driver hace un uso intensivo del saxofón.