Estudios de animación de Walt Disney

Walt Disney Animation Studios ( WDAS ), ^{[ 6 ]} a veces abreviado como Disney Animation , es un estudio de animación estadounidense que produce largometrajes y cortometrajes animados para The Walt Disney Company . El logotipo de producción actual del estudio presenta una escena de su primer dibujo animado con sonido sincronizado, Steamboat Willie (1928). Fundado el 16 de octubre de 1923 por los hermanos Walt y Roy O. Disney después del cierre de Laugh-O-Gram Studio , ^{[ 1 ]} es el estudio de animación más antiguo del mundo. Actualmente está organizado como una división de Walt Disney Studios y tiene su sede en el Roy E. Disney Animation Building en el lote de Walt Disney Studios en Burbank, California . ^{[ 7 ]} Desde su fundación, el estudio ha producido 64 largometrajes , desde Blancanieves y los siete enanitos (1937) —que también es el primer largometraje animado dibujado a mano— hasta Zootopia 2 (2025), ^{[ 8 ]} y cientos de cortometrajes .

Fundado como Disney Brothers Cartoon Studio ( DBCS ) en 1923, renombrado Walt Disney Studio ( WDS ) en 1926 e incorporado como Walt Disney Productions ( WDP ) en 1929, el estudio se dedicó a la producción de cortometrajes hasta que incursionó en la producción de largometrajes en 1934, dando como resultado Blancanieves y los siete enanitos , uno de los primeros largometrajes de animación y el primero producido en Estados Unidos. En 1986, durante una importante reestructuración corporativa, Walt Disney Productions, que había crecido desde un único estudio de animación hasta convertirse en un conglomerado mediático internacional , pasó a llamarse The Walt Disney Company y el estudio de animación se convirtió en Walt Disney Feature Animation ( WDFA ) para diferenciarlo de las demás divisiones de la compañía. Su nombre actual se adoptó en 2007, un año después de que Disney adquiriera Pixar Animation Studios .

Para muchas personas, Disney Animation es sinónimo de animación, ya que "en ningún otro medio las prácticas de una sola compañía han podido dominar las normas estéticas" en tal medida abrumadora. ^{[ 9 ]} El estudio fue reconocido como el principal estudio de animación estadounidense durante gran parte de su existencia ^{[ 10 ]} y fue "durante muchas décadas el líder mundial indiscutible en largometrajes animados"; ^{[ 11 ]} desarrolló muchas de las técnicas, conceptos y principios que se convirtieron en prácticas estándar de la animación tradicional . ^{[ 12 ]} El estudio también fue pionero en el arte del storyboard , que ahora es una técnica estándar utilizada tanto en la realización de películas animadas como de acción real, así como en programas de televisión y videojuegos. ^{[ 13 ]} El catálogo de largometrajes animados del estudio se encuentra entre los activos más notables de Disney, con las estrellas de sus cortos animados — Mickey Mouse , Minnie Mouse , Donald Duck , Daisy Duck , Goofy y Pluto — convirtiéndose en figuras reconocibles en la cultura popular y mascotas de The Walt Disney Company en su conjunto.

Cuatro de las películas del estudio — Frozen (2013), Frozen 2 (2019), Moana 2 (2024) y Zootopia 2 (2025) — se encuentran entre las 50 películas más taquilleras de todos los tiempos, siendo esta última la segunda película animada más taquillera de todos los tiempos y la película animada estadounidense más taquillera. Para 2013, el estudio declaró que no tenía ninguna película animada dibujada a mano en desarrollo debido al mejor desempeño en taquilla de sus películas animadas por computadora, y había despedido a una gran parte de sus animadores de dibujo a mano. ^{[ 14 ]}^{[ 15 ]} Sin embargo, el estudio declaró en 2019 y 2023 que está abierto a propuestas de cineastas para futuros proyectos de largometrajes dibujados a mano. ^{[ 16 ]}^{[ 17 ]} Además, en abril de 2022, Eric Goldberg , un animador de animación tradicional que ha trabajado con el estudio desde 1992, confirmó los planes dentro del estudio Disney para regresar a la animación tradicional. ^{[ 18 ]}

Historia

1923–1929: Primeros años

El edificio en Kingswell Avenue en Los Feliz que albergó el estudio desde 1923 hasta 1926. ^{[ 19 ]}

Walt Disney y Roy O. Disney , originarios de Kansas City, Missouri , fundaron Disney Brothers Cartoon Studio en Los Ángeles en 1923 tras la quiebra de Laugh-O-Gram Studio . Comenzaron produciendo una serie de cortometrajes mudos de Alice Comedies , pioneros del género de animación con actores reales . ^{[ 20 ]} Las Alice Comedies fueron adquiridas por Winkler Pictures de Margaret J. Winkler , quien se encargó de la producción y distribución de las películas del estudio. ^[²⁰^]^[²¹^] Al mudarse a California, los hermanos Disney comenzaron a trabajar en el garaje de su tío Robert Disney en 4406 Kingswell Avenue en el barrio de Los Feliz de Los Ángeles, luego, en octubre de 1923, lanzaron formalmente su estudio en una pequeña oficina en la parte trasera de una oficina de una agencia inmobiliaria en 4651 Kingswell Avenue. En febrero de 1924, el estudio se mudó a un espacio de oficinas propio en 4649 Kingswell Avenue. En 1925, Disney pagó un depósito por una nueva ubicación en 2719 Hyperion Avenue en el cercano barrio de Silver Lake , que pasó a ser conocido como Hyperion Studio para distinguirlo de las otras ubicaciones del estudio, y, en enero de 1926, el estudio se mudó allí y adoptó el nombre de Walt Disney Studio . ^[²²^]

En aquel entonces, Walt Disney Studios se encargaba exclusivamente de los servicios de animación, mientras que Winkler Pictures se ocupaba de todos los demás aspectos de la producción; Winkler finalmente abandonó sus servicios de distribución y encontró un distribuidor en Universal Pictures . La serie completamente animada Oswald the Lucky Rabbit , que comenzó en 1927, fue un gran éxito para Universal Pictures, lo que disparó la reputación del estudio. Charles Mintz quería obligar a Disney a aceptar un pago por adelantado menor por cada corto de Oswald como medida de reducción de costos. Disney se negó y, dado que Universal poseía los derechos de Oswald en lugar de Disney, Mintz estableció su propio estudio de animación para producir los dibujos animados de Oswald . La mayor parte del personal de Disney fue contratado por Mintz para que se trasladara a su nuevo estudio una vez que expiró el contrato de Disney para Oswald a mediados de 1928. ^{[ 23 ]}

Trabajando en secreto mientras el resto del personal terminaba los Oswalds restantes por contrato, Disney y su animador jefe Ub Iwerks dirigieron a un pequeño grupo de empleados leales en la producción de dibujos animados protagonizados por un nuevo personaje llamado Mickey Mouse , renombrando la compañía como Disney Cartoons en el proceso. ^{[ 24 ]} Los dos primeros dibujos animados de Mickey Mouse , Plane Crazy y The Galloping Gaucho , se estrenaron en funciones limitadas durante el verano de 1928. Sin embargo, para el tercer dibujo animado de Mickey , Disney produjo una banda sonora, colaborando con el músico Carl Stalling y el empresario Pat Powers de Celebrity Productions, quien le proporcionó a Disney su proceso de sonido en película "Cinephone" pirata. Posteriormente, el tercer dibujo animado de Mickey Mouse , Steamboat Willie , se convirtió en el primer dibujo animado de Disney con sonido sincronizado y fue un gran éxito tras su debut en noviembre de 1928 en el West 57th Theatre de la ciudad de Nueva York. ^{[ 25 ]} La serie de dibujos animados sonoros de Mickey Mouse , distribuida por Celebrity Productions, se convirtió rápidamente en la serie de dibujos animados más popular de Estados Unidos. ^{[ 26 ]}^{[ 27 ]}

El baile del esqueleto , el primer cortometraje de laserie Silly Symphonies.

Una segunda serie de dibujos animados sonoros de Disney, Silly Symphonies , debutó en 1929 con The Skeleton Dance . ^{[ 28 ]} En total, se estrenaron cinco cortos diferentes de la serie Silly Symphonies a finales de 1929. Todos fueron musicalizados por Stalling y contaron con animación de Iwerks.

1929–1940: Reincorporación, Silly Symphonies y Blancanieves y los siete enanitos

En 1929, las disputas financieras entre Disney y Powers llevaron a que la compañía de producción de animación de Disney, reconstituida el 16 de diciembre de 1929 como Walt Disney Productions , firmara un nuevo contrato de distribución con Columbia Pictures . ^{[ 29 ]}^{[ 30 ]}^{[ 31 ]} Powers, a cambio, firmó con el estudio de Ub Iwerks , aunque regresaría a Disney en 1940. ^{[ 32 ]}

Columbia distribuyó los cortos de Disney durante dos años antes de que el estudio Disney firmara un nuevo acuerdo de distribución con United Artists en 1932. Ese mismo año, Disney firmó un acuerdo exclusivo de dos años con Technicolor para utilizar su nuevo proceso de película en color de 3 tiras , ^{[ 33 ]} que permitía una reproducción de color más completa donde los procesadores de película en color anteriores no podían. ^{[ 34 ]} El resultado fue el corto de Silly Symphony Flowers and Trees , la primera película estrenada comercialmente en Technicolor completo. ^{[ 34 ]}^{[ 35 ]} Flowers and Trees fue un gran éxito ^{[ 34 ]}^{[ 36 ]} y todas las Silly Symphonies se produjeron posteriormente en Technicolor. ^{[ 37 ]}^{[ 38 ]}

A principios de la década de 1930, Walt Disney se dio cuenta de que el éxito de las películas animadas dependía de contar historias emocionalmente impactantes que atraparan al público y no lo soltaran, ^{[ 39 ]}^{[ 40 ]} y esta comprensión lo llevó a crear un "departamento de historias" separado con artistas de guion gráfico dedicados al desarrollo de la historia. ^{[ 41 ]} Con personajes bien desarrollados y una historia interesante, el cortometraje de Technicolor Silly Symphony de 1933 , Los tres cerditos, se convirtió en un gran éxito de taquilla y de la cultura popular, ^{[ 34 ]}^{[ 42 ]} y su canción principal "¿ Quién teme al lobo feroz? " se convirtió en un éxito popular en las listas. ^{[ 43 ]}

En 1934, Walt Disney reunió a varios miembros clave del personal y anunció sus planes para hacer su primer largometraje de animación. A pesar de las burlas de la mayor parte de la industria cinematográfica, que apodó la producción "La locura de Disney", Disney procedió sin desanimarse a la producción de Blancanieves y los siete enanitos , ^{[ 44 ]} que se convertiría en el primer largometraje de animación en inglés y Technicolor. Se invirtió una considerable capacitación y desarrollo en la producción de Blancanieves y los siete enanitos y el estudio se expandió enormemente, con animadores establecidos, artistas de otros campos y recién graduados universitarios que se unieron al estudio para trabajar en la película. Las clases de capacitación, supervisadas por animadores principales como Les Clark , Norm Ferguson y Art Babbit e impartidas por Donald W. Graham , un profesor de arte del cercano Instituto de Arte Chouinard , ^{[ 12 ]}^{[ 44 ]} habían comenzado en el estudio en 1932 y se ampliaron enormemente para incluir capacitación de orientación y clases de educación continua. ^{[ 12 ]}^{[ 44 ]} En el transcurso de la enseñanza de las clases, Graham y los animadores crearon o formalizaron muchas de las técnicas y procesos que se convirtieron en los principios y fundamentos clave de la animación tradicional. ^{[ 12 ]} Las Silly Symphonies como The Goddess of Spring (1934) y The Old Mill (1937) sirvieron como campos de experimentación para nuevas técnicas como la animación de figuras humanas realistas, la animación de efectos especiales y el uso de la cámara multiplano , ^{[ 45 ]} una invención que dividía las capas de la obra de arte de animación en varios planos, lo que permitía que la cámara pareciera moverse dimensionalmente a través de una escena animada. ^{[ 46 ]}

Blancanieves y los siete enanitos le costó a Disney la entonces costosa suma de $1.4 millones para completarla (incluidos $100,000 solo en desarrollo de la historia) y fue un éxito sin precedentes cuando se estrenó en febrero de 1938 por RKO Radio Pictures , que había asumido la distribución de los productos de Disney de United Artists en 1937. Fue brevemente la película más taquillera de todos los tiempos antes del éxito sin precedentes de Lo que el viento se llevó dos años después, ^{[ 47 ]}^{[ 48 ]} recaudando más de $8 millones en su estreno inicial, el equivalente a $ 182,978,720 en dólares de 1999. ^{[ 48 ]}

Durante la producción de Blancanieves , se continuó trabajando en las series de cortos de Mickey Mouse y Silly Symphonies . Mickey Mouse pasó al Technicolor en 1935, momento en el que la serie había añadido varios personajes secundarios importantes, entre ellos el perro de Mickey, Pluto , y sus amigos el Pato Donald y Goofy . Donald, Goofy y Pluto aparecerían en sus propias series para 1940, y los dibujos animados del Pato Donald eclipsaron en popularidad a la serie de Mickey Mouse . ^{[ 49 ]} Silly Symphonies , que obtuvo siete premios Óscar , cesó en 1939, hasta que los cortos regresaron a los cines con algunas reediciones y relanzamientos. ^{[ 50 ]}

1940–1948: Nuevos largometrajes, huelga y Segunda Guerra Mundial

El éxito de Blancanieves permitió a Disney construir un nuevo estudio más grande en Buena Vista Street, en Burbank, donde la sede de The Walt Disney Company permanece hasta el día de hoy. Walt Disney Productions realizó su oferta pública inicial el 2 de abril de 1940, con Walt Disney como presidente y Roy Disney como director ejecutivo. ^{[ 51 ]}

El estudio se lanzó a la producción de nuevos largometrajes animados, el primero de los cuales fue Pinocho , estrenado en febrero de 1940. Pinocho no fue inicialmente un éxito de taquilla. ^{[ 52 ]} La recaudación de taquilla del estreno inicial de la película estuvo por debajo tanto del éxito sin precedentes de Blancanieves como de las expectativas del estudio. ^[⁵²^]^[⁵³^] De los 2,289 millones de dólares que costó la película —el doble que Blancanieves— Disney recuperó 1 millón de dólares a finales de 1940, con informes del estudio sobre la recaudación final original de la película que variaban entre 1,4 millones y 1,9 millones de dólares. ^[⁵⁴^] Sin embargo, Pinocho fue un éxito de crítica, ganando el Premio de la Academia a la Mejor Canción Original y a la Mejor Banda Sonora Original , convirtiéndose en la primera película del estudio en ganar no solo uno de los Oscar, sino ambos al mismo tiempo. ^[⁵⁵^]

Fantasía , una película experimental producida con un arreglo orquestal acompañado dirigido por Leopold Stokowski , fue estrenada en noviembre de 1940 por la propia Disney en una serie de presentaciones itinerantes con asientos limitados . La película costó 2 millones de dólares producirla y, aunque recaudó 1,4 millones de dólares en sus presentaciones itinerantes,^{[ 56 ]} el alto costo (85 000 dólares por cine)^{[ 56 ]} de instalar Fantasound hizo que Fantasía tuviera mayores pérdidas que Pinocho .^{[ 57 ]} RKO asumió la distribución de Fantasía en 1941,^{[ 58 ]} reeditándola posteriormente en versiones severamente editadas a lo largo de los años.^{[ 59 ]}^{[ 60 ]} A pesar de su fracaso financiero, Fantasía fue objeto de dos Premios Honoríficos de la Academia el 26 de febrero de 1942 : uno por el desarrollo del innovador sistema Fantasound utilizado para crear la banda sonora estereoscópica de la película , y el otro para Stokowski y sus contribuciones a la película.^{[ 61 ]} Fantasía fue la última película animada de Disney que se completó en el estudio Hyperion de los estudios Walt Disney (Walt Disney Productions) en Los Ángeles.

Gran parte de la animación de personajes en estas producciones y todos los largometrajes posteriores hasta finales de la década de 1970 fue supervisada por un grupo de animadores que Walt Disney denominó los " Nueve Ancianos ", muchos de los cuales también se desempeñaron como directores y posteriormente productores en los largometrajes de Disney: Frank Thomas , Ollie Johnston , Woolie Reitherman , Les Clark, Ward Kimball , Eric Larson , John Lounsbery , Milt Kahl y Marc Davis . ^{[ 62 ]} Otros animadores principales en Disney durante este período incluyeron a Norm Ferguson, Bill Tytla y Fred Moore . El desarrollo del departamento de animación de largometrajes creó un sistema de castas en el estudio Disney: los animadores de menor rango (y los animadores de largometrajes entre asignaciones) fueron asignados a trabajar en los cortometrajes, mientras que los animadores de mayor estatus, como los Nueve Ancianos, trabajaban en los largometrajes. La preocupación de que Walt Disney aceptara el crédito por el trabajo de los artistas, así como los debates sobre la compensación, llevaron a muchos de los animadores más nuevos y de menor rango a buscar sindicalizar el estudio Disney. ^{[ 63 ]}

Una amarga huelga sindical comenzó en mayo de 1941 , la cual se resolvió sin la participación del enfurecido Walt Disney en julio y agosto de ese año. ^{[ 63 ]} Mientras Walt Disney Productions se establecía como un taller sindicalizado, ^{[ 63 ]} Walt Disney y varios empleados del estudio fueron enviados por el gobierno de los Estados Unidos en un viaje de política de buena vecindad a Centroamérica y Sudamérica. ^{[ 64 ]} La huelga de Disney y sus consecuencias llevaron a un éxodo de varios profesionales de la animación del estudio, desde animadores de primer nivel como Art Babbitt y Bill Tytla hasta artistas más conocidos por su trabajo fuera del estudio Disney como Frank Tashlin , Maurice Noble , Walt Kelly , Bill Melendez y John Hubley . ^{[ 63 ]} Hubley, junto con otros huelguistas de Disney, fundó el estudio United Productions of America , el principal rival de Disney en animación en la década de 1950. ^{[ 63 ]}

Dumbo , en producción durante la huelga de animadores, se estrenó en octubre de 1941 y resultó ser un éxito financiero. La película costó 950.000 dólares, la mitad del costo de Blancanieves y los siete enanitos , menos de un tercio del costo de Pinocho y dos quintos del costo de Fantasía . Dumbo recaudó finalmente 1,6 millones de dólares durante su estreno original.^{[ 65 ]} Dumbo fue la primera película animada de Disney que se completó en el Edificio de Animación original de los Walt Disney Studios (Walt Disney Productions) en Burbank, California . En agosto de 1942,se estrenó Bambi y, al igual que Pinocho y Fantasía , no tuvo un buen desempeño en taquilla. De su presupuesto de 1,7 millones de dólares, recaudó 1,64 millones de dólares.^{[ 66 ]}

La producción de largometrajes animados se suspendió temporalmente tras el estreno de Bambi . Dados los fracasos financieros de algunos de los largometrajes recientes y la Segunda Guerra Mundial , que interrumpió gran parte del mercado cinematográfico internacional, los financiadores del estudio en el Bank of America solo le prestarían capital de trabajo si se limitaba temporalmente a la producción de cortometrajes. ^{[ 67 ]} Por lo tanto, los largometrajes que estaban en producción, como Peter Pan , Alicia en el País de las Maravillas y La Dama y el Vagabundo, se suspendieron hasta después de la guerra. ^{[ 67 ]} Tras la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial después del ataque a Pearl Harbor , el estudio alojó a más de 500 soldados del Ejército estadounidense responsables de proteger las fábricas de aviones cercanas de los bombarderos enemigos. Además, varios animadores de Disney fueron reclutados para luchar en la guerra y el estudio fue contratado para producir contenido bélico para todas las ramas del ejército estadounidense , en particular entrenamiento militar y películas de propaganda civil. De 1942 a 1943, el 95 por ciento de la producción de animación del estudio fue para el ejército. ^{[ 68 ]} Durante la guerra, Disney produjo el largometraje de propaganda militar de acción real y animación Victory Through Air Power (1943), ^{[ 69 ]} y una serie de cortos con temática de cultura latina resultantes del viaje de Good Neighbor de 1941 se recopilaron en dos películas, Saludos Amigos (1942) y Los Tres Caballeros (1944). ^{[ 69 ]}

Saludos Amigos y Los Tres Caballeros sentaron las bases para varios otros estrenos de Disney de la década de 1940 de películas antológicas : películas de bajo presupuesto compuestas de cortos animados con material de transición animado o de acción real. ^{[ 70 ]}^{[ 71 ]} Estas películas fueron Make Mine Music (1946), Fun and Fancy Free (1947), Melody Time (1948) y Las aventuras de Ichabod y el Sr. Toad (1949). El estudio también produjo dos largometrajes, Song of the South (1946) y So Dear to My Heart (1948), que utilizaron historias de acción real más extensas que aún incluían secuencias animadas y secuencias que combinaban personajes de acción real y animados. Song of the South recibió una importante controversia por su representación de estereotipos raciales. La producción de cortos continuó también durante este período, siendo los dibujos animados de Donald Duck , Goofy y Pluto la producción principal, acompañados de dibujos animados protagonizados por Mickey Mouse, Figaro y, en la década de 1950, Chip 'n' Dale y Humphrey el Oso . ^{[ 72 ]}

Además, Disney comenzó a reeditar los largometrajes anteriores, empezando con los reestrenos de Blancanieves en 1944, ^{[ 73 ]} Pinocho en 1945 y Fantasía en 1946. ^{[ 74 ]} Esto dio lugar a una tradición de reeditar las películas de Disney cada siete años, que duró hasta la década de 1990 antes de ser trasladada al manejo por parte del estudio de los lanzamientos en vídeo doméstico . ^{[ 73 ]} Canción del Sur nunca fue reestrenada en cines por Walt Disney Studios Motion Pictures a través del sello Walt Disney Pictures (desde 2007 en adelante) ni distribuida a través de plataformas de medios domésticos por Walt Disney Telecommunications and Non-Theatrical Company (WDTNT) (de 1980 a 1987), Buena Vista Home Entertainment (de 1987 a 2024) y Sony Pictures Home Entertainment (desde 2024 en adelante), debido al legado controvertido de la película. ^{[ 75 ]}^{[ 76 ]}

1948–1966: Regreso de los largometrajes, Buena Vista, fin de los cortometrajes, despidos y los últimos años de Walt.

El edificio original de animación de los estudios Walt Disney en Burbank, California, sede del departamento de animación desde 1940 hasta 1985.

En 1948, Disney retomó la producción de largometrajes con Cenicienta , una película basada en el cuento de hadas de Charles Perrault . Con un costo de casi 3 millones de dólares, el futuro del estudio dependía del éxito de esta película. ^{[ 77 ]} Tras su estreno en 1950, Cenicienta resultó ser un éxito de taquilla, y las ganancias permitieron a Disney continuar produciendo largometrajes de animación durante la década de 1950. ^{[ 78 ]} Tras su éxito, se reanudó la producción de las películas que estaban en suspenso: Alicia en el País de las Maravillas , Peter Pan y La Dama y el Vagabundo . Además, se inició un nuevo y ambicioso proyecto, una adaptación del cuento de hadas de los hermanos Grimm , " La Bella Durmiente ", con la clásica música de Tchaikovsky , pero tardó gran parte del resto de la década en completarse. ^{[ 79 ]}

Alicia en el País de las Maravillas , estrenada en 1951, tuvo una tibia acogida en taquilla y fue una gran decepción para la crítica en su estreno inicial. ^{[ 80 ]} Peter Pan , estrenada en 1953, por otro lado, fue un éxito comercial y la quinta película más taquillera del año . En 1955, La Dama y el Vagabundo se estrenó con mayor éxito de taquilla que cualquier otro largometraje animado de Disney desde Blancanieves y los Siete Enanitos , ^{[ 81 ]} recaudando un estimado de $6.5 millones en alquileres en la taquilla norteamericana en 1955. ^{[ 82 ]} La Dama y el Vagabundo es significativa por ser el primer largometraje animado de Disney en formato panorámico , producido en el proceso CinemaScope , ^{[ 81 ]} y fue el primer largometraje animado de Disney estrenado por la propia distribuidora de Disney, Buena Vista Distribution. ^{[ 83 ]}

A mediados de la década de 1950, con la atención de Walt Disney centrada principalmente en nuevos proyectos como películas de acción real, televisión y el parque temático Disneyland , ^{[ 62 ]} la producción de las películas animadas quedó principalmente en manos del grupo de " Nueve Ancianos " de animadores y directores principales. Esto provocó varios retrasos en las aprobaciones durante la producción de La Bella Durmiente , ^{[ 62 ]} que finalmente se estrenó en 1959. Con un costo de 6 millones de dólares, ^{[ 84 ]} fue la película más cara de Disney hasta la fecha, producida con un estilo artístico muy estilizado ideado por el artista Eyvind Earle ^{[ 84 ]} y presentada en Super Technirama 70 de gran formato con sonido estereofónico de seis pistas. ^{[ 84 ]} Sin embargo, a pesar de ser el largometraje animado más taquillero del estudio desde Blancanieves y los siete enanitos , los elevados costos de producción de la película y el bajo rendimiento en taquilla de otras producciones de Disney de 1959 provocaron que el estudio registrara su primera pérdida anual en una década para el año fiscal 1960, ^{[ 85 ]} lo que llevó a despidos masivos en todo el estudio. ^{[ 86 ]}

Susie the Little Blue Coupe (sin audio) se estrenó en 1952, poco antes de que Disney comenzara a reducir gradualmente la producción de cortometrajes animados.

A finales de la década, los cortometrajes de Disney ya no se producían con regularidad, y muchos de los empleados de las divisiones de cortos abandonaron la compañía o fueron reasignados para trabajar en programas de televisión de Disney como The Mickey Mouse Club y Disneyland . Si bien los cortos de Silly Symphonies habían dominado el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje (Dibujos Animados) durante la década de 1930, el reinado del estudio en la mayoría de los premios había terminado con los dibujos animados de Tom y Jerry del estudio de dibujos animados Metro-Goldwyn-Mayer , Looney Tunes y Merrie Melodies de Warner Bros. Cartoons , y las obras de United Productions of America (UPA), cuyo estilo artístico plano y técnicas de animación estilizadas fueron elogiados como alternativas más modernas al antiguo estilo de Disney. ^[⁸⁷^] Durante la década de 1950, solo un cortometraje de Disney, el estilizado Toot, Whistle, Plunk and Boom , ganó el Oscar al Mejor Cortometraje (Dibujos Animados). ^[⁸⁸^]

Los cortos de Mickey Mouse , Pluto y Goofy dejaron de producirse regularmente en 1953, mientras que Donald Duck y Humphrey continuaron y se adaptaron al formato panorámico CinemaScope antes de que la división de cortos cerrara en 1956. Después de eso, todos los cortos futuros fueron producidos por la división de largometrajes hasta 1969. El último corto de Disney de la época dorada de la animación estadounidense fue It's Tough to Be a Bird . Los cortos de Disney solo se producirían de forma esporádica a partir de este momento, ^{[ 72 ]} con cortos posteriores notables que incluyen ^{[ 89 ]} Runaway Brain (1995, protagonizado por Mickey Mouse) ^{[ 90 ]} y Paperman (2012). ^{[ 91 ]}

A pesar de los despidos de 1959 y la competencia por la atención de Walt Disney por parte de los departamentos de cine de acción real, televisión y parques temáticos ampliados de la compañía, la producción de largometrajes de animación continuó a un nivel reducido. ^{[ 79 ]}

En 1961, el estudio estrenó 101 dálmatas , un largometraje de animación que popularizó el uso de la xerografía durante el proceso de entintado y pintura de las celdas de animación tradicionales . ^{[ 92 ]} Mediante la xerografía, los dibujos de animación podían transferirse fotoquímicamente en lugar de calcarse desde los dibujos en papel a las láminas de acetato transparente (" cels ") utilizadas en la producción final de la animación. ^{[ 92 ]} El estilo artístico resultante —una línea más rasposa que revelaba las líneas de construcción en los dibujos de los animadores— caracterizó las películas de Disney hasta la década de 1980. ^{[ 92 ]} La película fue un éxito, siendo la décima película más taquillera de 1961 con alquileres de 6,4 millones de dólares. ^{[ 93 ]}

El programa de formación en animación de Disney comenzó en el estudio en 1932, antes de que el desarrollo de Blancanieves llevara a Walt Disney a ayudar a fundar el Instituto de Artes de California (CalArts) . ^{[ 94 ]} Esta universidad se formó mediante la fusión del Instituto de Arte Chouinard y el Conservatorio de Música de Los Ángeles. Incluía un programa de estudios de animación desarrollado por Disney entre sus titulaciones. CalArts se convirtió en la alma mater de muchos de los animadores que trabajarían en Disney y otros estudios de animación desde la década de 1970 hasta la actualidad. ^{[ 94 ]}

La espada en la piedra se estrenó en 1963 y fue la sexta película más taquillera del año en Norteamérica con una recaudación estimada de 4,75 millones de dólares.^{[ 95 ]} Una adaptación en formato corto de una dede Winnie-the-Pooh de AA Milne , Winnie the Pooh y el árbol de la miel , se estrenó en 1966,^[⁹⁶^] a la que siguieron varias otras adaptaciones de Pooh a lo largo de los años y una película recopilatoria completa, Las muchas aventuras de Winnie the Pooh , que se estrenó en 1977.^[⁹⁶^]

Walt Disney murió en diciembre de 1966, diez meses antes de que la siguiente película del estudio, El libro de la selva , se completara y estrenara. ^{[ 97 ]} La película fue un éxito, ^{[ 98 ]} terminando 1967 como la cuarta película más taquillera del año. ^{[ 99 ]}

1966–1984: Declive de popularidad; entrada y salida de Don Bluth.

Tras la muerte de Walt Disney, Wolfgang Reitherman continuó como productor y director de los largometrajes del estudio. ^{[ 100 ]}^{[ 101 ]} Fue Reitherman el responsable de un notable suavizamiento de los villanos de Disney. Durante las dos décadas siguientes, casi todos los villanos de Disney eran más cómicos o patéticos que aterradores. ^{[ 102 ]} La principal prioridad de Reitherman era asegurar que el estudio siguiera obteniendo beneficios y, con ese fin, hizo hincapié en la importancia de hacer películas para toda la familia . ^{[ 102 ]} Según Andreas Deja , Reitherman dijo que "si perdemos a los niños, lo perdemos todo". ^{[ 102 ]}^{[ 103 ]}^{[ 104 ]}

El estudio comenzó la década de 1970 con el estreno de Los Aristogatos , el último proyecto cinematográfico aprobado por Walt Disney. ^{[ 101 ]} En 1971, Roy O. Disney, cofundador del estudio, falleció y Walt Disney Productions quedó en manos de Donn Tatum y Card Walker , quienes se alternaron como presidente y director ejecutivo en períodos superpuestos hasta 1978. ^{[ 105 ]} El siguiente largometraje, Robin Hood (1973), se produjo con un presupuesto significativamente reducido y animación reutilizada de largometrajes anteriores. ^{[ 100 ]} Tanto Los Aristogatos como Robin Hood fueron éxitos menores de taquilla y de crítica. ^{[ 100 ]}^{[ 101 ]}

Los Rescatadores , estrenada en 1977, fue un éxito que superó los logros de las dos películas anteriores de Disney.^{[ 101 ]} Recibió críticas positivas, altos beneficios comerciales y una nominación al Premio de la Academia, convirtiéndose en la tercera película más taquillera del año y la película animada de Disney más exitosa y mejor valorada desde El Libro de la Selva .^{[ 100 ]}^{[ 101 ]} La película fue reestrenada en 1983, acompañada de un nuevo cortometraje de Disney, El Cuento de Navidad de Mickey .^{[ 106 ]}

La producción de Los Rescatadores marcó el comienzo de un proceso de cambio de guardia en el personal del estudio de animación de Disney, ^{[ 101 ]} ya que veteranos como Milt Kahl y Les Clark se retiraron; fueron reemplazados gradualmente por nuevos talentos como Don Bluth , Ron Clements , John Musker y Glen Keane . ^{[ 101 ]}^{[ 107 ]} Los nuevos animadores, seleccionados del programa de animación de CalArts y entrenados por Eric Larson, Frank Thomas, Ollie Johnston y Woolie Reitherman, ^{[ 101 ]}^{[ 107 ]} tuvieron su primera oportunidad de demostrar su valía como grupo con las secuencias animadas en el largometraje híbrido de acción real y animación de Disney, Pete's Dragon (1977), ^{[ 108 ]} cuya animación fue dirigida por Bluth. ^{[ 100 ]} En septiembre de 1979, insatisfechos con lo que consideraban un estancamiento en el desarrollo del arte de la animación en Disney, ^{[ 109 ]} Bluth y varios de los otros animadores de la nueva generación renunciaron para fundar su propio estudio, Don Bluth Productions , ^{[ 109 ]} que se convirtió en el principal competidor de Disney en el campo de la animación durante la década de 1980. ^{[ 107 ]}

Retrasada medio año por la deserción del grupo Bluth, ^{[ 107 ]} El zorro y el sabueso se estrenó en 1981 tras cuatro años de producción. La película fue considerada un éxito financiero por el estudio, y se continuó el desarrollo de El caldero mágico , una adaptación largamente gestada de la serie de novelas Crónicas de Prydain de Lloyd Alexander ^{[ 107 ]} producida en Super Technirama 70 . ^{[ 110 ]}

El Caldero Negro tenía como objetivo ampliar el atractivo de las películas animadas de Disney a un público mayor y mostrar el talento de la nueva generación de animadores de Disney de CalArts. Además de Keane, Musker y Clements, este nuevo grupo de artistas incluía a otros animadores prometedores como Andreas Deja , Mike Gabriel , John Lasseter , Brad Bird y Tim Burton . Lasseter fue despedido de Disney en 1983 por presionar al estudio para que explorara la producción de animación por computadora , ^{[ 111 ]}^{[ 112 ]} pero pasó a ser el director creativo de Pixar , un estudio pionero de animación por computadora que comenzaría una estrecha asociación con Disney a finales de la década de 1980. ^{[ 111 ]}^{[ 113 ]}^{[ 114 ]} De manera similar, Burton fue despedido en 1984 después de producir un corto de acción real archivado por el estudio, Frankenweenie , luego pasó a ser un productor y director de alto perfil de largometrajes de acción real y stop-motion para Disney y otros estudios. Algunos de los proyectos más destacados de Burton para Disney incluyen la película de animación stop-motion Pesadilla antes de Navidad (1993), una adaptación con actores reales de Alicia en el país de las maravillas (2010) y una nueva versión en stop-motion de Frankenweenie (2012). ^{[ 115 ]}^{[ 116 ]} Bird también fue despedido después de unos años trabajando en la compañía por criticar a la alta dirección de Disney, ya que sentía que estaban jugando a lo seguro y no arriesgándose con la animación. Posteriormente se convirtió en director de animación en otros estudios, incluidos Warner Bros. Animation y Pixar. ^{[ 117 ]}

Ron Miller , yerno de Walt Disney, se convirtió en presidente de Walt Disney Productions en 1980 y en director ejecutivo en 1983. ^{[ 118 ]} Ese año, expandió las divisiones de producción de cine y televisión de la compañía, creando la marca Walt Disney Pictures bajo la cual se estrenarían las futuras películas del departamento de animación. ^{[ 118 ]}

1984–1989: Reestructuración y nuevos proyectos para alcanzar mayor protagonismo.

Roy E. Disney (presidente, 1985-2003), sobrino de Walt Disney, fue una figura clave en la reestructuración del departamento de animación tras la reorganización de la compañía Disney en 1984.

Después de una serie de intentos de adquisición corporativa en 1984, Roy E. Disney , hijo de Roy O. y sobrino de Walt, renunció a la junta directiva de la compañía y lanzó una campaña llamada "SaveDisney", convenciendo con éxito a la junta de despedir a Miller. Roy E. Disney trajo a Michael Eisner como nuevo CEO de Disney y a Frank Wells como presidente. ^{[ 105 ]}^{[ 119 ]} Eisner a su vez nombró a Jeffrey Katzenberg presidente de la división de cine, The Walt Disney Studios. ^{[ 107 ]} Casi terminada cuando el régimen de Eisner tomó el control de Disney, El caldero mágico (1985) llegó a representar lo que más tarde se denominaría el punto más bajo para la animación de Disney. ^{[ 107 ]} El largometraje más caro del estudio hasta ese momento, con 44 millones de dólares, El caldero mágico fue un fracaso de crítica y comercial. ^{[ 107 ]} La recaudación de taquilla de la película, de 21 millones de dólares, generó pérdidas para el estudio, poniendo en peligro el futuro del departamento de animación. ^{[ 107 ]}

Entre las décadas de 1950 y 1980, la importancia de la animación para los resultados financieros de Disney se redujo significativamente a medida que la compañía se expandía hacia una mayor producción de acción real, televisión y parques temáticos. ^{[ 107 ]} Como nuevo director ejecutivo, Michael Eisner consideró seriamente cerrar el estudio de animación de largometrajes y subcontratar la animación futura. Roy E. Disney intervino, ofreciéndose a dirigir la división de animación de largometrajes y cambiar su suerte, ^{[ 107 ]} mientras Eisner establecía el Walt Disney Pictures Television Animation Group para producir animación de menor costo para televisión. ^{[ 105 ]} Nombrado presidente de animación de largometrajes por Eisner, Roy E. Disney nombró a Peter Schneider presidente de animación para dirigir las operaciones diarias en 1985. ^{[ 120 ]}

El 1 de febrero de 1985, los ejecutivos de Disney comenzaron a trasladar el departamento de animación del estudio Disney en Burbank a una variedad de almacenes, hangares y remolques ubicados a unos 3,2 km (2 millas ) al este, en 1420 Flower Street, en la cercana Glendale, California . ^[¹²¹^]^[¹²²^] Aproximadamente un año después, el creciente grupo de gráficos por computadora (CG) también se mudaría allí. ^[¹⁰⁷^]

El primer largometraje de animación del departamento de animación en su nueva ubicación fue El ratón detective (1986), iniciado por John Musker y Ron Clements como Basil de Baker Street después de que ambos abandonaran la producción de El caldero mágico . ^{[ 123 ]} La película tuvo suficiente éxito de crítica y público como para infundir confianza en los ejecutivos del estudio de animación. ^{[ 107 ]} Sin embargo, más tarde ese mismo año, Universal Pictures y Amblin Entertainment de Steven Spielberg estrenaron Fievel y el Nuevo Mundo de Don Bluth , que superó en taquilla a El ratón detective y se convirtió en la película de animación de estreno más taquillera hasta ese momento. ^[¹²⁴^]

El edificio ubicado en el número 1400 de Flower Street en Glendale, California, es uno de los varios edificios utilizados por Walt Disney Feature Animation entre 1985 y 1995.

Katzenberg, Schneider y Roy Disney se propusieron cambiar la cultura del estudio, aumentando el personal y la producción para que se estrenara un nuevo largometraje animado cada año en lugar de cada dos o cuatro. ^{[ 107 ]} El primero de los estrenos con el calendario de producción acelerado fue Oliver y su pandilla (1988), que contó con un elenco estelar que incluía a Billy Joel y Bette Midler y un énfasis en una banda sonora pop moderna. ^{[ 107 ]} Oliver y su pandilla se estrenó en los cines el mismo día que otra película animada de Bluth/Amblin/Universal, En busca del valle encantado . Oliver y su pandilla superó en taquilla a En busca del valle encantado en Estados Unidos y se convirtió en el largometraje animado más exitoso en Estados Unidos hasta la fecha, aunque la recaudación mundial de taquilla de esta última fue mayor que la de la primera. ^{[ 107 ]}

1400 Air Way, otro edificio de Glendale utilizado por Walt Disney Feature Animation entre 1985 y 1995.

Al mismo tiempo, en 1988, Disney comenzó a entrar en la antigua industria de la animación australiana comprando el estudio australiano de Hanna-Barbera para fundar Disney Animation Australia . ^{[ 125 ]}

Mientras Oliver y su pandilla y la siguiente película, La Sirenita, estaban en producción, Disney colaboró con Amblin Entertainment de Steven Spielberg y el maestro animador Richard Williams para producir ¿Quién engañó a Roger Rabbit ?, un innovador híbrido de acción real y animación dirigido por Robert Zemeckis , que presentaba personajes animados con licencia de otros estudios (como Warner Bros., MGM y Universal). ^{[ 126 ]}^{[ 127 ]} Disney estableció un nuevo estudio de animación bajo la supervisión de Williams en Londres para crear los personajes animados de Roger Rabbit , y muchos de los artistas del estudio de California viajaron a Inglaterra para trabajar en la película. ^{[ 107 ]}^{[ 128 ]} Un éxito significativo de crítica y comercial, ^{[ 128 ]} Roger Rabbit ganó tres premios de la Academia por logros técnicos. ^{[ 129 ]} y fue clave para renovar el interés general en la animación estadounidense. ^{[ 107 ]} Además de la película en sí, el estudio también produjo tres cortos de Roger Rabbit durante finales de la década de 1980 y principios de la de 1990. ^{[ 130 ]}^{[ 131 ]}

1989–1994: Comienzo del Renacimiento de Disney, éxito e impacto.

Un segundo estudio satélite, Walt Disney Feature Animation Florida , abrió sus puertas en 1989 con 40 empleados. Sus oficinas estaban ubicadas dentro del parque temático Disney-MGM Studios Theme Park en Walt Disney World en Bay Lake, Florida , y los visitantes podían recorrer el estudio y observar a los animadores trabajando. ^{[ 132 ]} Ese mismo año, el estudio estrenó La Sirenita , que se convirtió en un logro clave en la historia de Disney como su mayor éxito de crítica y comercial en décadas. Dirigida por John Musker y Ron Clements, quienes habían sido codirectores de Basil, el ratón superdetective , La Sirenita recaudó 84 millones de dólares en la taquilla norteamericana, un récord para el estudio. La película se basó en una banda sonora de los compositores de Broadway Alan Menken y Howard Ashman , quien también fue coproductor y consultor de la historia de la película. ^{[ 107 ]} La Sirenita ganó dos premios Óscar, a la Mejor Canción Original y a la Mejor Banda Sonora Original . ^{[ 133 ]}

La Sirenita relanzó vigorosamente un profundo interés por los géneros de animación y películas musicales. ^{[ 107 ]}^{[ 134 ]} La película también fue la primera en utilizar el Sistema de Producción de Animación por Computadora (CAPS) de Disney. Desarrollado para Disney por Pixar, ^{[ 107 ]} que se había convertido en una empresa comercial de animación por computadora y desarrollo de tecnología, CAPS/tinta y pintura se volvería significativo al permitir que las futuras películas de Disney integraran de manera más fluida las imágenes generadas por computadora y lograran valores de producción más altos con técnicas de tinta y pintura digital y composición . ^{[ 107 ]} La Sirenita fue la primera de una serie de éxitos de taquilla que Walt Disney Feature Animation lanzaría durante la siguiente década, un período posteriormente designado con el término Renacimiento de Disney . ^{[ 135 ]} La era del Renacimiento también vio al estudio regresar a hacer películas con temas más oscuros y villanos más aterradores, similares a las películas que había hecho cuando Walt Disney estaba vivo. ^{[ 102 ]}

Acompañada en cines por el corto de Mickey Mouse El príncipe y el mendigo , Los rescatadores en Australia (1990) fue la primera secuela animada de Disney y la primera película del estudio en ser completamente coloreada y compuesta por computadora usando el sistema CAPS/tinta y pintura. ^{[ 107 ]} Sin embargo, la película no repitió el éxito de La Sirenita . ^{[ 107 ]} El siguiente largometraje animado de Disney, La Bella y la Bestia , había comenzado la producción en Londres, pero se trasladó de nuevo a Burbank después de que Disney decidiera cerrar la oficina satélite de Londres y adaptar la película a un formato de comedia musical similar a La Sirenita . ^{[ 107 ]} Alan Menken y Howard Ashman fueron contratados para escribir las canciones y la banda sonora, aunque Ashman murió antes de que se completara la producción. ^{[ 107 ]}

Presentada inicialmente como una versión preliminar en el Festival de Cine de Nueva York de 1991 , antes de su estreno general en noviembre de 1991, La Bella y la Bestia , dirigida por Kirk Wise y Gary Trousdale , fue un éxito de crítica y público sin precedentes y posteriormente sería considerada una de las mejores películas del estudio. ^{[ 136 ]} La película obtuvo seis nominaciones a los Premios de la Academia, incluyendo una a Mejor Película , la primera para una obra animada, y ganó los premios a Mejor Canción y Mejor Banda Sonora Original. ^{[ 137 ]} Su recaudación de 145 millones de dólares estableció nuevos récords, y el merchandising de la película, incluyendo juguetes, promociones cruzadas y ventas de la banda sonora, también fue lucrativo. ^{[ 138 ]}

Los éxitos de La Sirenita y La Bella y la Bestia establecieron el modelo para los futuros estrenos de Disney durante la década de 1990: un formato de comedia musical con canciones al estilo de Broadway y secuencias de acción estelares, impulsado por marketing y merchandising de promoción cruzada, todo diseñado para atraer a público de todas las edades y tipos a los cines. ^{[ 138 ]} Además de John Musker, Ron Clements, Kirk Wise y Gary Trousdale, la nueva generación de artistas de Disney que creó estas películas incluyó a los artistas/directores de storyboard Roger Allers , Rob Minkoff , Chris Sanders y Brenda Chapman , y a los animadores principales Glen Keane, Andreas Deja, Eric Goldberg , Nik Ranieri , Will Finn y muchos otros. ^{[ 138 ]}

Aladdin , estrenada en noviembre de 1992, continuó la tendencia ascendente del éxito de la animación de Disney, recaudando 504 millones de dólares en taquilla a nivel mundial,^{[ 139 ]} y dos premios Óscar más a la Mejor Canción y a la Mejor Banda Sonora.^{[ 140 ]} Con canciones de Menken, Ashman y Tim Rice (quien reemplazó a Ashman tras su muerte)^{[ 141 ]} y con la voz de Robin Williams ,^{[ 142 ]} Aladdin también estableció la tendencia de contratar actores y actrices famosos para prestar sus voces a los personajes de Disney,^{[ 142 ]} algo que ya se había explorado en cierta medida con El Libro de la Selva y Oliver y su Compañía , pero que ahora se convirtió en práctica habitual.^{[ 142 ]}

En junio de 1994, Disney estrenó El Rey León , dirigida por Roger Allers y Rob Minkoff. Ambientada en África y protagonizada por animales, El Rey León contó con un elenco estelar de voces que incluía a James Earl Jones , Matthew Broderick y Jeremy Irons , con canciones escritas por Tim Rice y la estrella del pop Elton John . El Rey León recaudó 768 millones de dólares en la taquilla mundial, ^{[ 143 ]} un récord hasta la fecha para una película de animación tradicional, ^{[ 144 ]} generando millones más en merchandising, promociones y ventas de discos para su banda sonora. ^{[ 138 ]}

622/610 Circle 7 Drive (el edificio Hart-Dannon), otro edificio de Glendale utilizado por Walt Disney Feature Animation a principios de la década de 1990.

Aladdin y El Rey León habían sido las películas más taquilleras a nivel mundial en sus respectivos años de estreno. ^{[ 145 ]}^{[ 146 ]} Entre estas producciones internas, Disney diversificó en métodos de animación y produjo Pesadilla antes de Navidad con el ex animador de Disney Tim Burton ; Walt Disney Feature Animation contribuyó proporcionando la animación tradicional de segunda capa de la película. ^{[ 147 ]} Con la animación convirtiéndose nuevamente en una parte cada vez más importante y lucrativa del negocio de Disney, la compañía comenzó a expandir sus operaciones. El estudio insignia de California se dividió en dos unidades y se expandió, ^{[ 138 ]} y se inició la construcción de un nuevo edificio de Disney Feature Animation adyacente al estudio principal de Disney en Burbank, que se inauguró en 1995. ^{[ 107 ]}^{[ 138 ]} también uno de los estudios de animación para televisión de Disney en el suburbio parisino de Montreuil , Francia ^{[ 148 ]} – el antiguo estudio de los hermanos Brizzi ^{[ 148 ]} – se convirtió en Walt Disney Feature Animation Paris, donde se produjo A Goofy Movie (1995) y partes significativas de películas posteriores de Disney. ^{[ 107 ]} Disney también comenzó a producir secuelas y precuelas directas a video de menor costo para sus exitosas películas animadas utilizando los servicios de sus estudios de animación para televisión bajo el nombre de Disney MovieToons . El regreso de Jafar (1994), una secuela de Aladdin y un piloto para el spin-off de la serie de televisión de Aladdin , fue la primera de estas producciones. ^{[ 149 ]} Walt Disney Feature Animation también estuvo muy involucrada en las adaptaciones de La Bella y la Bestia en 1994 y El Rey León en 1997 a musicales de Broadway . ^{[ 138 ]}

Jeffrey Katzenberg y el equipo de guionistas de Disney estuvieron muy involucrados en el desarrollo y la producción de Toy Story , ^{[ 150 ]} el primer largometraje totalmente animado por computadora jamás producido. ^{[ 150 ]} Toy Story fue producido para Disney por Pixar y dirigido por el ex animador de Disney John Lasseter , ^{[ 150 ]} a quien Peter Schneider había intentado sin éxito volver a contratar después de su éxito con cortos de Pixar como Tin Toy (1988). ^{[ 107 ]} Estrenada en 1995, Toy Story recibió elogios de la crítica ^{[ 150 ]}^{[ 151 ]}^{[ 152 ]} y tuvo éxito comercial, ^{[ 150 ]}^{[ 153 ]} lo que llevó a Pixar a firmar un acuerdo de cinco películas con Disney, que produjo películas animadas por computadora exitosas tanto en crítica como en finanzas, como Bichos (1998), Toy Story 2 (1999), Monsters, Inc. (2001), ^{[ 154 ]} Buscando a Nemo (2003) y Los Increíbles (2004).

Además, el éxito de Aladdin y El Rey León impulsó un aumento significativo en el número de largometrajes animados de producción estadounidense durante el resto de la década, y los principales estudios cinematográficos establecieron nuevas divisiones de animación como Fox Animation Studios , Sullivan Bluth Studios (ambos fundados por Don Bluth ), Amblimation , Rich Animation Studios , Turner Feature Animation y Warner Bros. Feature Animation , que se formaron para producir películas en un formato de comedia musical al estilo Disney, como We're Back! A Dinosaur's Story (1993), Thumbelina (1994), The Swan Princess (1994), A Troll in Central Park (1994), The Pebble and the Penguin (1995), Cats Don't Dance (1997), Anastasia (1997), Quest for Camelot (1998) y The King and I (1999). ^{[ 155 ]}^{[ 156 ]} De estas películas animadas que no eran de Disney, solo Anastasia fue un éxito de taquilla, y posteriormente fue adquirida por Disney a través de la adquisición de 21st Century Fox por parte de la compañía en 2019. ^{[ 157 ]}

1994–1999: Final del Renacimiento de Disney y disminución de los beneficios.

Surgieron preocupaciones internas en el estudio Disney, particularmente por parte de Roy E. Disney, sobre el jefe del estudio Jeffrey Katzenberg atribuyéndose demasiado mérito por el éxito de los estrenos de Disney a principios de la década de 1990. ^{[ 107 ]} El presidente de Disney Company, Frank Wells, murió en un accidente de helicóptero en 1994, y Katzenberg presionó al director ejecutivo Michael Eisner para que ocupara el puesto vacante de presidente. En cambio, las tensiones entre Katzenberg, Eisner y Disney resultaron en que Katzenberg se viera obligado a renunciar a la compañía el 24 de agosto de ese año, ^{[ 158 ]} siendo Joe Roth quien ocupó su lugar. ^{[ 158 ]} El 12 de octubre de 1994, Katzenberg se convirtió en uno de los fundadores de DreamWorks SKG , cuya división de animación se convirtió en el principal rival de Disney en animación de largometrajes, ^{[ 138 ]}^{[ 159 ]} con películas animadas por computadora como Antz (1998) y películas animadas tradicionalmente como El príncipe de Egipto (1998). ^{[ 157 ]} En diciembre de 1994, se completó el Edificio de Animación en Burbank para la división de animación. ^{[ 160 ]}

A diferencia de las producciones de principios de la década de 1990, no todas las películas de la segunda mitad del renacimiento cinematográfico tuvieron éxito. Pocahontas , estrenada en el verano de 1995, fue la primera película del renacimiento en recibir críticas mixtas. Aun así, fue popular entre el público y tuvo éxito comercial, recaudando 346 millones de dólares en todo el mundo. ^{[ 161 ]} La película ganó dos premios Óscar por su música, compuesta por Alan Menken y Stephen Schwartz . ^{[ 162 ]}

La siguiente película, El jorobado de Notre Dame (1996), se produjo parcialmente en el estudio de París . ^{[ 148 ]} Aunque se considera la película más oscura de Disney, El jorobado de Notre Dame tuvo mejor acogida por parte de la crítica que Pocahontas y recaudó 325 millones de dólares en todo el mundo. ^{[ 163 ]}

El verano siguiente, Hércules (1997) tuvo un buen desempeño en taquilla, recaudando $252 millones en todo el mundo, pero fue inferior en comparación con las películas anteriores de Disney. ^{[ 164 ]} Recibió críticas positivas por su actuación, pero la animación y la música fueron mixtas. ^{[ 165 ]} Hércules fue responsable de iniciar el declive de las películas animadas tradicionales. El éxito decreciente en taquilla se volvió doblemente preocupante dentro del estudio, ya que la competencia salarial de DreamWorks había aumentado significativamente los gastos generales del estudio, ^{[ 119 ]}^{[ 138 ]} con costos de producción que aumentaron de $79 millones en costos totales (producción, marketing y gastos generales) para El Rey León en 1994 a $179 millones para Hércules tres años después. ^{[ 159 ]} Además, Disney dependía de la popularidad de sus nuevos largometrajes para desarrollar merchandising, atracciones de parques temáticos, secuelas directas a video y programación de televisión en sus otras divisiones. ^{[ 138 ]} El cronograma de producción se redujo ^{[ 159 ]} y se contrató a un mayor número de ejecutivos creativos para supervisar más de cerca la producción, una medida que no fue popular entre el personal de animación. ^{[ 138 ]}^{[ 166 ]}^{[ 167 ]}

Mulan (1998), la primera película producida principalmente en el estudio de Florida ,^{[ 168 ]} recibió críticas positivas del público y la crítica, y recaudó 305 millones de dólares en la taquilla mundial, restaurando el éxito tanto de crítica como comercial del estudio. La siguiente película, Tarzan (1999), dirigida por Kevin Lima y Chris Buck , tuvo un alto costo de producción de 130 millones de dólares,^{[ 159 ]} nuevamente recibió críticas positivas y recaudó 448 millones de dólares en taquilla.^{[ 169 ]} La banda sonora de Tarzan , compuesta por la estrella del pop Phil Collins, resultó en importantes ventas de discos y un Premio de la Academia a la Mejor Canción.^{[ 170 ]}

1999-2005: Experimentación y desorden empresarial

Fantasía 2000 , una secuela de la película de 1940 que había sido un proyecto personal de Roy E. Disney desde 1990,^{[ 171 ]}^{[ 172 ]} se estrenó el 17 de diciembre de 1999 en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York como parte de una gira de conciertos que también visitó Londres, París, Tokio y Pasadena, California. La película se estrenó luego en 75 salas IMAX en todo el mundo del 1 de enero al 30 de abril de 2000, convirtiéndose en el primer largometraje animado en estrenarse en este formato; un estreno en cines estándar siguió el 16 de junio de 2000. Producida por partes cuando los artistas estaban disponibles entre producciones,^{[ 171 ]} Fantasía 2000 fue el primer largometraje animado producido para y estrenado en formato IMAX.^{[ 173 ]} La recaudación mundial de la película de 90 millones de dólares frente a su coste de producción de 90 millones de dólares^{[ 172 ]} resultó en una pérdida de 100 millones de dólares para el estudio.^{[ 172 ]}^{[ 174 ]}

Peter Schneider dejó su puesto como presidente de Walt Disney Feature Animation en 1999 para convertirse en presidente de The Walt Disney Studios bajo la dirección de Joe Roth. ^{[ 175 ]} Thomas Schumacher , quien había sido vicepresidente de animación de Schneider durante varios años, se convirtió en el nuevo presidente de Walt Disney Feature Animation. ^{[ 175 ]} Para entonces, la competencia de otros estudios había elevado los ingresos de los animadores a máximos históricos, ^{[ 138 ]} haciendo que las películas de animación tradicional fueran aún más costosas de producir. ^{[ 159 ]} Schumacher recibió la tarea de reducir costos, y comenzaron los despidos masivos para recortar salarios y reducir el personal del estudio , que alcanzó un máximo de 2200 personas en 1999 , a aproximadamente 1200 empleados. ^{[ 176 ]}^{[ 177 ]}

En octubre de 1999, Dream Quest Images , un estudio de efectos especiales previamente adquirido por The Walt Disney Company en abril de 1996 para reemplazar a Buena Vista Visual Effects, ^{[ 178 ]} se fusionó con la división de gráficos por computadora de Walt Disney Feature Animation para formar una división llamada The Secret Lab . ^{[ 179 ]} The Secret Lab produjo un largometraje, Dinosaur , que se estrenó en mayo de 2000 ^{[ 180 ]} y presentaba criaturas prehistóricas CGI sobre fondos de acción real filmados. ^{[ 181 ]} La producción de 128 millones de dólares recaudó 349 millones de dólares en todo el mundo, por debajo de las expectativas del estudio, ^{[ 181 ]} y The Secret Lab cerró en 2001. ^{[ 182 ]}

En diciembre de 2000, se estrenó El Emperador y sus Locuras . Originalmente era una epopeya musical llamada El Reino del Sol, antes de ser revisada a mitad de producción y convertida en una comedia más corta. ^{[ 183 ]}^{[ 184 ]} La película recaudó 169 millones de dólares en todo el mundo en su estreno, ^{[ 185 ]} aunque recibió buenas críticas y tuvo mejor desempeño en video; ^{[ 186 ]}^{[ 187 ]} Ese mismo año, Atlantis: El Imperio Perdido , un intento de romper la fórmula de Disney al incursionar en el género de acción y aventuras, recibió críticas mixtas y recaudó 186 millones de dólares en todo el mundo frente a costos de producción de 120 millones de dólares. ^{[ 176 ]}^{[ 188 ]}^{[ 189 ]}

Para 2001 y principios de 2002, los notables éxitos de las películas animadas por computadora de Pixar que Disney había estado distribuyendo, junto con Shrek de DreamWorks y Ice Age de Blue Sky Studios , respectivamente, frente a los menores retornos de Disney para The Emperor's New Groove y Atlantis: The Lost Empire llevaron a la especulación de que la animación dibujada a mano se estaba volviendo obsoleta. ^[¹³⁸^]^[¹⁹⁰^]^[¹⁹¹^] Disney despidió a la mayoría de los empleados del estudio Feature Animation en Burbank, reduciéndolo a una sola unidad y comenzando planes para pasar a películas completamente animadas por computadora. ^[¹³⁸^]^[¹⁹²^] A un puñado de empleados se les ofrecieron puestos haciendo animación por computadora. La moral cayó a un nivel no visto desde el inicio del exilio de diez años del estudio a Glendale en 1985. ^[¹³⁸^]^[¹⁹³^] El estudio de París también cerró en 2003. ^[¹⁹⁴^]

Las producciones restantes del estudio de Burbank, El planeta del tesoro y Zafarrancho en el rancho , que seguían en producción con animación tradicional, continuaron su rodaje. El planeta del tesoro , una reinterpretación futurista de La isla del tesoro de Robert Louis Stevenson ambientada en el espacio exterior , fue un proyecto personal de los guionistas y directores Ron Clements y John Musker. Se estrenó simultáneamente en IMAX y recibió críticas generalmente positivas, pero no tuvo éxito financiero tras su estreno en noviembre de 2002, lo que resultó en una pérdida de 74 millones de dólares para The Walt Disney Company en el año fiscal 2003. ^[¹⁹³^]^[¹⁹⁵^]

Los departamentos de animación 2D del estudio de Burbank cerraron a finales de 2002, tras la finalización de Home on the Range , ^{[ 138 ]}^{[ 196 ]} un largometraje en producción que anteriormente se conocía como Sweating Bullets . ^{[ 197 ]} Mientras tanto, la producción de largometrajes de animación dibujados a mano continuó en el estudio Feature Animation Florida, donde las películas podían producirse a menor coste. ^{[ 192 ]} Lilo & Stitch , una comedia dramática poco convencional escrita y dirigida por Chris Sanders y Dean DeBlois , ^{[ 191 ]} se convirtió en el primer éxito genuino del estudio desde Tarzán tras su estreno en el verano de 2002, ^{[ 198 ]} recaudando 273 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de 80 millones de dólares. ^{[ 199 ]}

Para entonces, la mayoría de las películas de Disney de la década de 1990 se habían convertido en secuelas directas a vídeo, series de televisión o ambas, producidas por la unidad Disney Television Animation . A partir del estreno en febrero de 2002 de Regreso al País de Nunca Jamás , secuela de Peter Pan (1953), Disney comenzó a estrenar secuelas de menor presupuesto de películas anteriores. Estas películas estaban destinadas a estrenos en vídeo, pero se estrenaron en cines. ^{[ 149 ]} El proceso fue criticado por algunos miembros del personal de animación de Disney y por los fans de las películas de Disney. ^{[ 138 ]}^{[ 200 ]}

En 2003, Tom Schumacher fue nombrado presidente de Buena Vista Theatrical Group , la división de teatro musical y obras de teatro de Disney , y David Stainton , entonces presidente de Walt Disney Television Animation, fue nombrado su reemplazo. Stainton continuó supervisando la división de Disney de producción directa a video, Disneytoon Studios , que había formado parte del departamento de animación para televisión, ^{[ 5 ]} aunque en ese momento pasó a formar parte de la administración de Walt Disney Feature Animation. ^{[ 201 ]}

Bajo la dirección de Stainton, el estudio de Florida completó Brother Bear , que recibió una respuesta más débil de la crítica que Lilo & Stitch , pero aun así recuperó su bajo presupuesto en los cines. ^{[ 198 ]} Disney cerró el estudio de Florida el 12 de enero de 2004, ^{[ 138 ]}^{[ 198 ]} con el largometraje My Peoples, que estaba en desarrollo , sin terminar cuando el estudio cerró dos meses después. ^{[ 166 ]}^{[ 191 ]}^{[ 196 ]}^{[ 202 ]} Home on the Range , estrenada en abril de 2004, tampoco tuvo tanto éxito de crítica ni comercial como Lilo & Stitch . ^{[ 203 ]} Disney anunció oficialmente su conversión de Walt Disney Feature Animation en un estudio totalmente CGI , un proceso que comenzó dos años antes ^{[ 190 ]}^{[ 204 ]} , ahora con una plantilla de 600 personas. ^{[ 190 ]} Disney también comenzó a vender todo su equipo de animación tradicional. ^{[ 138 ]}

Justo después del estreno de Brother Bear en noviembre de 2003, el presidente de Feature Animation, Roy E. Disney, renunció a The Walt Disney Company. Roy Disney y su socio Stanley Gold lanzaron una segunda campaña externa "SaveDisney", similar a la que había forzado la salida de Ron Miller en 1984. Esta vez intentaban forzar la salida de Michael Eisner. ^[²⁰⁰^] Dos de sus argumentos contra Eisner incluían su gestión de Feature Animation y el deterioro de la relación del estudio con Pixar. ^[¹⁹⁰^] Ese mismo año, el estudio colaboró con Walt Disney Imagineering en la película 4D de Disney Parks, Mickey's PhilharMagic . Uno de los primeros intentos del estudio en animación por computadora, varios animadores regresaron para trabajar en la película; como Glen Keane animando a Ariel y Nik Ranieri animando a Lumière . ^[²⁰⁵^]

Las conversaciones entre Eisner y el CEO de Pixar, Steve Jobs, sobre los términos de renovación del lucrativo acuerdo de distribución Pixar-Disney fracasaron en enero de 2004. ^{[ 190 ]}^{[ 206 ]}^{[ 207 ]} Jobs, en particular, no estuvo de acuerdo con la insistencia de Eisner de que las secuelas, como Toy Story 3 (2010), que entonces estaba en desarrollo, no contarían para el número de películas requeridas en el nuevo acuerdo del estudio. ^{[ 206 ]} Con ese fin, Disney anunció el lanzamiento de Circle 7 Animation , una división de Feature Animation que habría producido secuelas de las películas de Pixar, mientras Pixar comenzaba a buscar un nuevo acuerdo de distribución. ^{[ 206 ]}

En 2005, Disney estrenó su primer largometraje totalmente animado por computadora, Chicken Little . La película fue un éxito de taquilla, recaudando 315 millones de dólares en todo el mundo, ^{[ 208 ]} pero recibió críticas negativas. ^{[ 209 ]} A principios de ese año, después de dos años de la campaña "SaveDisney" de Roy E. Disney, Eisner anunció su renuncia y nombró a Bob Iger , entonces presidente de The Walt Disney Company, como su sucesor como presidente del consejo de administración y director ejecutivo. ^{[ 200 ]}

2006–2009: Reorganización

Iger declaró más tarde: «Todavía no comprendía del todo lo deteriorada que estaba Disney Animation». Describió su historia desde principios de la década de 1990 como «plagada de una serie de costosos fracasos» como Hércules y Chicken Little ; los «modestos éxitos» como Mulán y Lilo & Stitch seguían siendo un fracaso tanto de crítica como comercial en comparación con las primeras películas del Renacimiento de Disney. ^{[ 207 ]}

Después de que Iger se convirtiera en CEO, Jobs reanudó las negociaciones de Pixar con Disney. ^{[ 210 ]} El 24 de enero de 2006, Disney anunció que adquiriría Pixar por 7.400 millones de dólares en una operación totalmente en acciones, ^{[ 211 ]} y la operación se cerró ese mismo mayo. ^{[ 210 ]}^{[ 212 ]}^{[ 213 ]} En consecuencia, el estudio Circle 7, creado para producir Toy Story 3, fue clausurado. ^{[ 214 ]}^{[ 215 ]} La mayoría de los empleados de ese estudio regresaron a Feature Animation y Toy Story 3 volvió a estar bajo el control de Pixar. ^{[ 216 ]} Iger dijo más tarde que era "un acuerdo que yo deseaba mucho y que [Disney] necesitaba mucho". Creía que Disney Animation necesitaba un nuevo liderazgo ^{[ 207 ]} y, como parte de la adquisición, Edwin Catmull y John Lasseter fueron nombrados presidente y director creativo , respectivamente, de Feature Animation y Pixar. ^{[ 212 ]}

Aunque los ejecutivos de Disney habían discutido el cierre de Feature Animation por considerarlo redundante, Catmull y Lasseter se negaron y, en cambio, decidieron intentar cambiar las cosas en el estudio. ^{[ 217 ]} Lasseter dijo: "No íbamos a permitir que eso [el cierre] sucediera bajo nuestra responsabilidad. Estábamos decididos a salvar el legado del increíble estudio de Walt Disney y devolverlo al nivel creativo que debía tener. Salvar este patrimonio recaía directamente sobre nuestros hombros". ^{[ 218 ]} Lasseter y Catmull se pusieron a reconstruir la moral del personal de Feature Animation, ^{[ 219 ]}^{[ 220 ]} y recontrataron a varios de los animadores estrella de la "nueva guardia" de la década de 1980 que habían dejado el estudio, incluidos Ron Clements, John Musker, Eric Goldberg , ^{[ 112 ]} Mark Henn , Andreas Deja , Bruce W. Smith y Chris Buck . ^{[ 221 ]}

Para mantener la separación entre Walt Disney Feature Animation y Pixar a pesar de su actual propiedad y gestión comunes, Catmull y Lasseter establecieron una postura inflexible: cada estudio era el único responsable de sus propios proyectos y no se le permitiría pedir prestado personal ni delegar tareas al otro. Catmull afirmó que él y Lasseter se asegurarían de que los estudios fueran claramente distintos entre sí. «No queremos que se fusionen; sin duda, sería un error. Cada uno debe tener su propia personalidad». ^{[ 222 ]}^{[ 223 ]}

Catmull y Lasseter también llevaron a Disney Feature Animation el modelo Pixar de un "estudio dirigido por cineastas" en contraposición a un "estudio dirigido por ejecutivos"; abolieron el sistema anterior de Disney que requería que los directores respondieran a notas "obligatorias" de ejecutivos de desarrollo con rango superior al de los productores, a favor de un sistema aproximadamente análogo a la revisión por pares , en el que las notas no obligatorias provienen principalmente de otros productores, directores y guionistas. ^{[ 218 ]}^{[ 224 ]}^{[ 225 ]} La mayoría de las capas de "guardianes" (ejecutivos de nivel medio) fueron eliminadas, y Lasseter estableció una rutina de reunirse personalmente cada semana con los cineastas en todos los proyectos durante el último año de producción y brindar retroalimentación en el momento. ^{[ 226 ]}

El equipo de creativos de primer nivel del estudio, que trabajaba en estrecha colaboración en el desarrollo de sus películas, pasó a ser conocido como Disney Story Trust. Era algo similar al Pixar Braintrust, ^{[ 224 ]}^{[ 227 ]} pero, según se informa, sus reuniones eran "más educadas" que las de su contraparte de Pixar. ^{[ 228 ]}

En 2007, Lasseter cambió el nombre de Walt Disney Feature Animation a Walt Disney Animation Studios [ ²²⁹^{] y reposicionó el estudio como una casa de animación que producía proyectos tanto tradicionales como de animación por} computadora. Para mantener bajos los costos de las producciones dibujadas a mano, la animación, el diseño y la maquetación se realizaban internamente en Disney, mientras que la limpieza de la animación y el entintado y coloreado digital se subcontrataban a proveedores y profesionales independientes. ^{[ 230 ]}

El estudio estrenó Meet the Robinsons en 2007, su segunda película totalmente CGI, que recaudó 169,3 millones de dólares en todo el mundo. ^{[ 231 ]} Ese mismo año, Disneytoon Studios también se reestructuró y comenzó a operar como una unidad separada bajo el control de Lasseter y Catmull. ^{[ 232 ]} La intervención directa de Lasseter en la siguiente película del estudio, American Dog , resultó en la salida del director Chris Sanders , ^{[ 233 ]} quien pasó a ser director en DreamWorks Animation. ^{[ 234 ]} La película fue rediseñada por los nuevos directores Byron Howard y Chris Williams como Bolt . Se estrenó en 2008 y tuvo la mejor recepción de la crítica de cualquier largometraje animado de Disney desde Lilo & Stitch . ^{[ 235 ]} La película también se convirtió en un éxito financiero moderado, recibiendo una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación. ^{[ 236 ]}

La princesa y el sapo fue la primera película de animación tradicional del estudio en cinco años. Se basó libremente en el cuento de hadas El príncipe rana y en la novela de 2002 La princesa rana . La película fue dirigida por Ron Clements y John Musker. Un regreso al formato de comedia musical de la década de 1990 con canciones de Randy Newman ,^{[ 237 ]} la película se estrenó en 2009 con una recepción crítica positiva. También fue nominada a tres premios Óscar, incluyendo dos a la Mejor Canción.^{[ 238 ]}

El desempeño en taquilla de La princesa y el sapo —un total de $267 millones recaudados en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de $105 millones— fue visto como un desempeño inferior debido a la competencia con Avatar . ^{[ 236 ]} El desempeño inferior de la película también se atribuyó a la palabra "Princesa" en el título. Las futuras películas de Disney en producción que trataban sobre princesas recibieron títulos simbólicos y neutrales en cuanto al género : Rapunzel se convirtió en Enredados y La reina de las nieves se convirtió en Frozen . ^{[ 219 ]}^{[ 239 ]}^{[ 240 ]}^{[ 241 ]} En 2014, el ex animador de Disney Tom Sito comparó el desempeño en taquilla de La princesa y el sapo con el de Basil, el ratón superdetective (1986), que fue un avance con respecto al recorrido en cines de la película de 1985 El caldero mágico . ^{[ 242 ]}

En 2009, el estudio también produjo el especial navideño animado por computadora Prep & Landing para la cadena de televisión ABC . ^{[ 243 ]}

2010–2019: Nuevo liderazgo y regreso al éxito

Después de La princesa y el sapo , el estudio estrenó Enredados en 2010, una adaptación CGI del cuento de hadas de los hermanos Grimm " Rapunzel " con una banda sonora de Alan Menken y canciones de Glenn Slater . En desarrollo desde 2002 bajo Glen Keane, ^{[ 204 ]} Enredados , dirigida por Byron Howard y Nathan Greno , se convirtió en un éxito comercial y de crítica significativo ^{[ 244 ]}^{[ 245 ]} nominada a varios galardones . La película recaudó 592 millones de dólares en taquilla mundial, convirtiéndose en el tercer estreno más exitoso del estudio hasta la fecha. ^{[ 246 ]} El largometraje dibujado a mano Winnie the Pooh , un nuevo largometraje basado en las historias homónimas de AA Milne , le siguió en 2011 con críticas positivas; sigue siendo el largometraje dibujado a mano más reciente del estudio. ^{[ 247 ]} La película se estrenó en cines junto con el cortometraje dibujado a mano La balada de Nessie . ^{[ 248 ]}

Ralph el Demoledor , dirigida por Rich Moore , se estrenó en 2012 con gran éxito de crítica y público. La película narra la historia de un villano de videojuegos que se redime convirtiéndose en héroe. Ganó numerosos premios, entre ellos el Annie , el Critics' Choice y el Kids' Choice Awards a la Mejor Película de Animación, y recibió nominaciones a los Globos de Oro y a los Premios Óscar .^{[ 249 ]} La película recaudó 471 millones de dólares en taquilla a nivel mundial.^{[ 250 ]}^{[ 251 ]}^{[ 252 ]}

Además, el estudio ganó su primer Premio de la Academia por un cortometraje en cuarenta y cuatro años con Paperman , que se estrenó en cines junto con Wreck-It Ralph . ^{[ 253 ]}^{[ 254 ]} Dirigido por John Kahrs , Paperman utilizó un nuevo software desarrollado internamente en el estudio llamado Meander, que fusiona técnicas de animación dibujada a mano y por computadora dentro del mismo personaje para crear un "híbrido" único. Según la productora Kristina Reed, el estudio estaba en ese momento desarrollando la técnica para futuros proyectos, ^{[ 254 ]} incluyendo un largometraje de animación. ^{[ 247 ]}

En 2013, el estudio despidió a nueve de sus animadores de animación tradicional, incluyendo a Nik Ranieri y Ruben A. Aquino , ^{[ 255 ]} lo que generó especulaciones en blogs de animación sobre el abandono de la animación tradicional por parte del estudio, una idea que este desmintió. ^{[ 256 ]} Más tarde ese mismo año, en noviembre, Frozen , una película musical de animación por computadora inspirada en el cuento de hadas de Hans Christian Andersen " La Reina de las Nieves ", se estrenó con gran éxito y se convirtió en un éxito de taquilla. Dirigida por Chris Buck y Jennifer Lee, con canciones del dúo de Broadway Robert Lopez y Kristen Anderson-Lopez , ^{[ 257 ]} fue la primera película animada de Disney en recaudar más de mil millones de dólares en taquilla a nivel mundial. ^{[ 249 ]}^{[ 257 ]}^{[ 258 ]} Frozen también se convirtió en la primera película de Walt Disney Animation Studios en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación (una categoría que comenzó en 2001), así como la primera película de larga duración del estudio en ganar un Premio de la Academia desde Tarzán y la primera en ganar múltiples Premios de la Academia desde Pocahontas . ^{[ 259 ]} Se estrenó en cines con ¡ Consigue un caballo!, un nuevo dibujo animado de Mickey Mouse que combina animación dibujada a mano en blanco y negro y animación CGI a todo color. ^{[ 260 ]}

El siguiente largometraje del estudio, Big Hero 6 , una película de comedia y aventuras inspirada en la serie de Marvel Comics del mismo nombre , se estrenó en noviembre de 2014. ^{[ 261 ]} Para la película, el estudio desarrolló un nuevo software de renderizado de luz llamado Hyperion, que el estudio continuó utilizando en todas las películas posteriores. ^{[ 262 ]} Big Hero 6 recibió elogios de la crítica y fue la película animada más taquillera de 2014, ganando también el Premio de la Academia a la Mejor Película Animada. ^{[ 263 ]}^{[ 264 ]}^{[ 265 ]}^{[ 266 ]} La película estuvo acompañada en los cines por el corto animado Feast , que ganó el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje Animado. ^{[ 267 ]}^{[ 268 ]} En el mismo mes en que se estrenó Big Hero 6 , se anunció que el gerente general, Andrew Millstein, había sido ascendido a presidente de Walt Disney Animation Studios. ^{[ 213 ]}^{[ 269 ]}^{[ 270 ]}^{[ 271 ]}

En marzo de 2016, el estudio estrenó Zootopia , una película de comedia de amigos ambientada en un mundo moderno habitado por animales antropomórficos . ^{[ 272 ]} La película fue un éxito de crítica y público, recaudando más de mil millones de dólares en todo el mundo, y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación. ^{[ 273 ]}^{[ 274 ]}^{[ 275 ]}^{[ 276 ]}

Moana , una película musical de fantasía y aventuras, se estrenó en noviembre de 2016.^{[ 277 ]} La película se proyectó en cines junto con el cortometraje animado Inner Workings .^{[ 278 ]} Moana fue otro éxito comercial y de crítica para el estudio, recaudando más de 600 millones de dólares en todo el mundo y recibiendo dos nominaciones a los Premios de la Academia.^{[ 279 ]}^{[ 280 ]}

En noviembre de 2017, John Lasseter anunció que se tomaría una licencia de seis meses después de reconocer lo que llamó "errores" en su comportamiento con los empleados en un memorando al personal. Según varios medios de comunicación, Lasseter tenía un historial de presunta conducta sexual inapropiada hacia los empleados. ^{[ 281 ]}^{[ 282 ]}^{[ 283 ]} El 8 de junio de 2018, se anunció que Lasseter dejaría Disney y Pixar a finales de año después de que la compañía decidiera no renovar su contrato. En su lugar, asumiría un rol de consultor hasta la expiración del contrato. ^{[ 284 ]}^{[ 285 ]} Jennifer Lee fue anunciada como el reemplazo de Lasseter como directora creativa de Disney Animation el 19 de junio de 2018. ^{[ 285 ]}^{[ 286 ]}

El 28 de junio de 2018, la división Disneytoon Studios del estudio cerró sus puertas, lo que resultó en el despido de 75 animadores y empleados. ^{[ 287 ]} El 23 de octubre de 2018, se anunció que Ed Catmull se jubilaría a finales de año y que permanecería como asesor hasta julio de 2019. ^{[ 288 ]}

En noviembre de 2018, el estudio estrenó una secuela de Wreck-It Ralph , titulada Ralph Breaks the Internet . ^{[ 289 ]} La película recaudó más de 529 millones de dólares en todo el mundo y recibió nominaciones a un Globo de Oro y a un Premio de la Academia, ambos a Mejor Película de Animación. ^{[ 290 ]}^{[ 291 ]}^{[ 292 ]}^{[ 293 ]}

2019-presente: Cambios y luchas en curso

En agosto de 2019, se anunció que Andrew Millstein dejaría su cargo como presidente para convertirse en copresidente de Blue Sky Studios junto con Robert Baird, mientras que Clark Spencer fue nombrado presidente de Disney Animation, reportando al presidente de Walt Disney Studios, Alan Bergman, y trabajando junto a la directora creativa Jennifer Lee . ^{[ 3 ]}^{[ 4 ]}

La secuela Frozen 2 se estrenó en noviembre de 2019. ^{[ 294 ]} La película recaudó más de mil millones de dólares en todo el mundo y recibió una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Canción Original. ^{[ 295 ]}^{[ 296 ]}

De 2020 a 2022, Disney Animation produjo una serie de cortos experimentales llamados Short Circuit para el servicio de streaming Disney+ . El primer paquete de cortos se lanzó en enero de 2020, ^{[ 297 ]}^{[ 298 ]}^{[ 299 ]} y un segundo paquete se lanzó en agosto de 2021. ^{[ 300 ]}^{[ 301 ]} Durante ese período, Disney Animation volvió a trabajar en animación dibujada a mano una vez más, habiendo lanzado el corto web dibujado a mano "At Home with Olaf " "Ice", ^{[ 302 ]} así como tres cortos animados dibujados a mano de Goofy para Disney+, ^{[ 303 ]} y un "Short Circuit" animado dibujado a mano titulado "Dinosaur Barbarian". ^{[ 304 ]} En abril de 2022, Eric Goldberg confirmó los planes dentro del estudio para desarrollar películas y series animadas dibujadas a mano. ^{[ 305 ]} Ese año se estrenaron los cortos dibujados a mano Mickey in a Minute , estrenado como parte del documental de Disney+ Mickey: The Story of a Mouse , y Oswald the Lucky Rabbit , que marcó el primer corto animado del personaje principal producido por Disney Animation desde que Disney adquirió los derechos del personaje en 2006. ^{[ 306 ]}^{[ 307 ]}

En diciembre de 2020, el estudio anunció que se expandiría a la producción de series de televisión, un negocio que normalmente maneja la división Disney Television Animation . La mayoría de los proyectos en desarrollo eran para Disney+. ^{[ 308 ]} Las series de CGI producidas incluyeron Baymax! (un spin-off de Big Hero 6 ), Zootopia+ (una serie antológica ambientada en el universo de Zootopia ) e Iwájú (una serie antológica de ciencia ficción original de larga duración coproducida con la compañía de entretenimiento panafricana con sede en el Reino Unido Kugali Media). ^[³⁰⁹^] Además, empleados de Disney Animation participaron en la serie de Disney Television Animation Monsters at Work , basada en la franquicia Monsters, Inc. de Pixar . ^[³¹⁰^]

Raya y el último dragón , una película de fantasía y aventuras, se estrenó en marzo de 2021. Debido a la pandemia de COVID-19 , se estrenó simultáneamente en cines y en Disney+ con Premier Access .^{[ 311 ]} La película estuvo acompañada en cines por el corto animado Us Again .^{[ 312 ]} Raya y el último dragón recaudó más de 130 millones de dólares en taquilla^{[ 313 ]} y se convirtió en un éxito en las listas de streaming después de que expirara su cargo de Premier Access en Disney+. La película se convirtió en el tercer título de película más visto en streaming de 2021.^{[ 314 ]}^{[ 315 ]}^{[ 316 ]} La película también recibió una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación.^{[ 317 ]}

En agosto de 2021, se informó que Disney Animation abriría un nuevo estudio de animación en Vancouver . ^{[ 318 ]} Las operaciones en el estudio de Vancouver comenzaron en 2022, con Amir Nasrabadi, exjefe de finanzas de Disney Animation, como director del estudio. ^{[ 318 ]} El estudio de Vancouver trabaja en la animación de las series de larga duración exclusivas de Disney+ y futuros especiales de Disney+, mientras que las series de corta duración se animan en el estudio de Burbank. ^{[ 318 ]} La preproducción y el guion gráfico de las series de larga duración y los especiales también se llevan a cabo en el estudio de Burbank. ^{[ 318 ]}

En noviembre de 2021, el estudio estrenó Encanto , una película musical de fantasía. ^{[ 319 ]} Debido a la pandemia de COVID-19, la película tuvo un estreno exclusivo de 30 días en cines y se estrenó en Disney+ el 24 de diciembre de 2021. ^{[ 320 ]} Se estrenó en cines con el cortometraje híbrido 2D/CG Far from the Tree . ^{[ 321 ]} Aunque Encanto no logró alcanzar el punto de equilibrio en taquilla, recaudando 256 millones de dólares frente a su presupuesto de 120-150 millones de dólares, ^{[ 322 ]}^{[ 323 ]}^{[ 324 ]}^{[ 325 ]}^{[ 326 ]} se volvió viral durante la temporada navideña de 2021 y logró un éxito comercial más amplio después de su lanzamiento digital en Disney+. ^{[ 327 ]}^{[ 328 ]}^{[ 329 ]} La película ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película de Animación y recibió nominaciones al Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original y a la Mejor Canción Original . ^{[ 330 ]}

En noviembre de 2022, el estudio estrenó la película de acción y aventuras Strange World . ^{[ 331 ]} Aunque la película recibió críticas positivas, fue un fracaso de taquilla, recaudando 73 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de entre 135 y 180 millones de dólares, con una pérdida estimada de entre 100 y 147 millones de dólares. ^{[ 332 ]}^{[ 333 ]}

Para 2023, el estudio había abierto un nuevo programa de aprendizaje para animadores de dibujo a mano. ^{[ 334 ]} Ese mismo año, se estrenó el cortometraje de acción real y animación Once Upon a Studio para celebrar el centenario de Disney, que tuvo lugar en octubre de 2023. ^{[ 335 ]} Ganó el premio al Mejor Programa de Cortometraje Animado en la 3.ª edición de los Premios Emmy para Niños y Familias . ^{[ 336 ]}

La película musical-fantástica híbrida 2D/CG Wish se estrenó en noviembre de 2023. El tema de la película está inspirado en el centenario de Disney. ^{[ 337 ]}^{[ 338 ]} Recibió críticas mixtas y recaudó aproximadamente 255 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de producción de entre 175 y 200 millones de dólares, lo que resultó en una pérdida estimada de 131 millones de dólares. ^{[ 339 ]}^{[ 340 ]}^{[ 341 ]} La película fue nominada a varios premios, incluido el Globo de Oro a la Mejor Película de Animación . ^{[ 342 ]}^{[ 343 ]}

El estudio proporcionó animación tanto por computadora como dibujada a mano para la atracción de Disney Parks Tiana's Bayou Adventure , que abrió en 2024 y está inspirada en La princesa y el sapo . ^{[ 344 ]}

En septiembre de 2024, Lee anunció que dejaría su puesto como directora creativa de Disney Animation para volver a dedicarse a tiempo completo a la producción cinematográfica en el estudio, específicamente para dirigir y escribir Frozen 3 y también para escribir y producir ejecutivamente Frozen 4. [ ^{345 ] Jared} Bush fue nombrado su sucesor. ^{[ 345 ]}

El estudio estrenó la secuela Moana 2 en noviembre de 2024. El proyecto se desarrolló originalmente como una serie para Disney+ antes de ser adaptado a un largometraje para cines. ^{[ 346 ]} La película recibió críticas mixtas y fue un éxito comercial, recaudando más de mil millones de dólares en todo el mundo. ^{[ 347 ]}

En noviembre de 2025, se estrenó la secuela Zootopia 2. ^{[ 348 ]} La película fue un éxito comercial, recaudando mil millones de dólares y ganó el premio BAFTA a la Mejor Película de Animación . ^{[ 349 ]} También fue nominada a Mejor Largometraje de Animación en la 98.ª edición de los Premios Óscar , así como a Mejor Película de Animación y Logro Cinematográfico y de Taquilla en la 83.ª edición de los Globos de Oro . ^{[ 350 ]}^{[ 351 ]}^{[ 352 ]} El 31 de diciembre de 2025, Zootopia 2 superó a Frozen 2 para convertirse en la película más taquillera del estudio de todos los tiempos. ^{[ 353 ]} Al mes siguiente, superó a Inside Out 2 de Pixar para convertirse en la película de animación más taquillera de la historia de Hollywood. ^[³⁵⁴^]

Logotipo de producción

Hasta 2007, Walt Disney Animation Studios no utilizó un logotipo de producción tradicional, sino el logotipo estándar de Walt Disney Pictures . A partir de la película de 2007, Meet the Robinsons , se añadió un logotipo de producción en pantalla basado en Steamboat Willie . ^{[ 355 ]} El logotipo ha tenido variantes, como la pixelación para la película de 2012, Wreck-It Ralph . ^{[ 356 ]}

A pesar de que Steamboat Willie pasó a ser de dominio público en 2024, ya que se publicó en 1928, el logotipo sigue en uso. ^{[ 357 ]}

Estudio

Liderazgo

Actual

Jared Bush , Director Creativo (septiembre de 2024 – actualidad)
Clark Spencer , Presidente (agosto de 2019 – presente)
John Nallen, Director de Operaciones
Viet Dinh, Director Jurídico
Steve Tomsic, Director Financiero
John Gelke, Vicepresidente de Operaciones Globales
J. Young, Vicepresidente Sénior de Crecimiento
Gerard Devan, Director Ejecutivo del Grupo APAC
Stephanie Gruber, Directora Ejecutiva de Televisión del Grupo
Christopher Greavu, Vicepresidente de Ventas

Liderazgo anterior

Andrew Millstein, Presidente (noviembre de 2014 – julio de 2019) ^{[ 3 ]}^{[ 286 ]}
Edwin Catmull , Presidente (junio de 2007 – julio de 2019) ^{[ 288 ]}
David Stainton , Presidente (enero de 2003 – enero de 2006) ^{[ 358 ]}^{[ 359 ]}
Thomas Schumacher , Presidente (enero de 1999 – diciembre de 2002) ^{[ 360 ]}^{[ 358 ]}
Peter Schneider , Presidente (1985 – enero de 1999) ^{[ 361 ]}
John Lasseter , Director Creativo (enero de 2006 – junio de 2018) ^{[ 362 ]}^{[ 363 ]}
Jennifer Lee , Directora Creativa (junio de 2018 – septiembre de 2024) ^{[ 364 ]}^{[ 365 ]}
Roy E. Disney , Presidente (1984 – 2009) ^{[ 366 ]}

Ubicaciones

Desde 1995, Walt Disney Animation Studios tiene su sede en el Roy E. Disney Animation Building en Burbank, California , al otro lado de Riverside Drive , frente a los Walt Disney Studios , donde se encuentra el edificio original de animación (que ahora alberga las oficinas corporativas). El vestíbulo del Disney Animation Building está coronado por una réplica a gran escala del sombrero mágico del segmento "El aprendiz de brujo" de Fantasía (1940), y por ello el edificio es conocido informalmente como el "edificio del sombrero". ^{[ 367 ]}

Hasta mediados de la década de 1990, Disney Animation operaba desde el complejo Air Way, un conjunto de antiguos hangares, edificios de oficinas y remolques ^{[ 107 ]} en el Grand Central Business Centre, un parque industrial en el sitio del antiguo Aeropuerto Grand Central ^{[ 368 ]} a unas dos millas (3,2 km) al este en la ciudad de Glendale. La unidad Disneytoon Studios tenía su sede en Glendale. El archivo de Disney Animation, anteriormente conocido como "la morgue" (basado en una analogía con un archivo de morgue ) y hoy conocido como Animation Research Library, ^{[ 369 ]} también se encuentra en Glendale. ^{[ 370 ]} A diferencia de los edificios de Burbank, la ARL está ubicada en un edificio de oficinas discreto cerca del Grand Central Creative Campus de Disney. La ARL, de 12.000 pies cuadrados, alberga más de 64 millones de artículos de arte de animación que datan de 1924; debido a su importancia para la compañía, se requiere que los visitantes acepten no revelar su ubicación exacta dentro de Glendale. ^{[ 370 ]}

Anteriormente, los estudios satélite de animación de largometrajes estaban ubicados en todo el mundo en Montreuil, Seine-Saint-Denis , Francia (un suburbio de París), ^{[ 148 ]} y en Bay Lake, Florida (cerca de Orlando , en el parque temático Disney's Hollywood Studios ). ^{[ 191 ]} El estudio de París cerró en 2002, ^{[ 202 ]} mientras que el estudio de Florida cerró en 2004. ^{[ 202 ]} El edificio de animación de Florida sobrevive como edificio de oficinas, mientras que la antigua sección Magic of Disney Animation del edificio alberga Star Wars Launch Bay . ^{[ 371 ]}

Tras la muerte de Roy E. Disney en 2009, la sede de Burbank fue rebautizada como Edificio de Animación Roy E. Disney en mayo de 2010. ^{[ 372 ]}^{[ 373 ]}

En noviembre de 2014, Disney Animation inició una renovación de 16 meses del Edificio de Animación Roy E. Disney, ^{[ 374 ]}^{[ 375 ]} con el fin de arreglar lo que el entonces presidente del estudio, Edwin Catmull, había llamado su interior "similar a una mazmorra". ^{[ 376 ]} Por ejemplo, el interior era tan estrecho que no podía albergar fácilmente reuniones generales con todos los empleados presentes. ^{[ 375 ]} Debido a la renovación, los empleados del estudio fueron trasladados temporalmente de Burbank al espacio de estudio más cercano controlado por Disney disponible : el edificio de Disneytoon Studios en el parque industrial de Glendale y el antiguo almacén de Imagineering en North Hollywood, bajo el acceso oeste al Aeropuerto Bob Hope (el Edificio Tujunga). ^{[ 227 ]}^{[ 377 ]} La renovación se completó en octubre de 2016. ^{[ 377 ]}

Filmografía

Largometrajes

Walt Disney Animation Studios ha producido largometrajes animados utilizando diversas técnicas, incluyendo animación tradicional , animación por computadora , una combinación de ambas y animación combinada con escenas de acción real . La primera película del estudio, Blancanieves y los siete enanitos , se estrenó el 21 de diciembre de 1937, ^{[ 378 ]} y su película más reciente, Zootopia 2 , se estrenó el 26 de noviembre de 2025. ^{[ 379 ]}

Desde Chicken Little (2005), la mayoría de sus películas han costado entre 150 y 175 millones de dólares. Enredados (2010) es la película más cara del estudio, con un presupuesto de 260 millones de dólares. ^{[ 380 ]}^{[ 381 ]}^{[ 382 ]}

Próximas películas

La próxima película del estudio será Hexed , cuyo estreno está programado para el 25 de noviembre de 2026. ^{[ 383 ]}^{[ 384 ]} Además, la secuela Frozen 3 está programada para estrenarse el 24 de noviembre de 2027. ^{[ 385 ]}

Cortometrajes

Desde Alice Comedies en la década de 1920, Walt Disney Animation Studios ha producido una serie de destacados cortometrajes, incluyendo los dibujos animados de Mickey Mouse y la serie Silly Symphonies , hasta que la división de estudios de dibujos animados cerró en 1956. Muchos de estos cortos proporcionaron un medio para que el estudio experimentara con nuevas tecnologías que usarían en su proceso de producción cinematográfica, como la sincronización de sonido en Steamboat Willie (1928), ^{[ 25 ]} la integración del proceso Technicolor de tres tiras en Flowers and Trees (1932), ^{[ 34 ]} la cámara multiplano en The Old Mill (1937), ^{[ 46 ]} el proceso de xerografía en Goliath II (1960), ^{[ 386 ]} y la animación híbrida dibujada a mano/CGI en Off His Rockers (1992), ^{[ 387 ]} Paperman (2012), ^{[ 254 ]} Get a Horse! (2013), ^{[ 260 ]} y Feast (2014). ^{[ 388 ]}

Programación televisiva

Walt Disney Animation Studios anunció su expansión a la programación televisiva en 2020 y produjo programas originales para Disney+ . ^{[ 389 ]} Sin embargo, en marzo de 2025, el estudio anunció que todas las series de televisión en producción y desarrollo habían sido archivadas, ya que el estudio se alejó del contenido de larga duración para streaming en favor de volver a centrarse en largometrajes para cine. ^{[ 390 ]}

Franquicias

Esta lista incluye series y/o franquicias cinematográficas que incluyen películas para cine, cortometrajes y series de televisión producidas por Walt Disney Animation Studios o sus secuelas realizadas por las unidades de Disney dedicadas directamente al vídeo/televisión, como Disney Television Animation o Disneytoon Studios a lo largo de los años, así como películas de acción real y otros medios como libros o videojuegos, además de atracciones de parques temáticos.

Películas más taquilleras

† Indica las películas que se proyectarán en cines durante la semana que comienza el 10 de julio de 2026.

Véase también

Documentales sobre la animación de Disney.

Un viaje por los estudios Walt Disney (1937, cortometraje)
El dragón reacio (1941, un " falso documental " escenificado)
Frank y Ollie (1995)
Sueña en grande, soñador tonto (2005)
Despertando a la Bella Durmiente (2009)
Walt y El Grupo (2009)
Howard (2018)

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Enlaces externos

Sitio web oficial
Canal de Walt Disney Animation Studios en YouTube

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