Cine de arte

Carteles de cine de L'Inferno e Intolerance , a menudo consideradas por los historiadores del cine como las primeras películas de autor.

Entre los precursores del cine de arte se encuentran la película muda italiana L'Inferno (1911), Intolerance (1916) de D. W. Griffith y las obras del cineasta ruso Sergei Eisenstein , quien influyó en el desarrollo de los movimientos cinematográficos europeos durante décadas. ^{[ 9 ] [ 10 ] [ 11 ]} La película de Eisenstein, El acorazado Potemkin (1925), fue una película de propaganda revolucionaria que utilizó para probar sus teorías sobre el uso del montaje cinematográfico para producir la mayor respuesta emocional en el público. El renombre internacional de la crítica que Eisenstein obtuvo con esta película le permitió dirigir Octubre como parte de una gran celebración del décimo aniversario de la Revolución de Octubre de 1917. Posteriormente dirigió La línea general en 1929. La película de Alexander Dovzhenko, La tierra (1930), filmada bajo la influencia de Eisenstein, es definida por algunos críticos como la cúspide del cine de arte. ^{[ 12 ]}

Las películas de arte también fueron influenciadas por las películas de creadores de la vanguardia española , como Luis Buñuel y Salvador Dalí (quien realizó L'Age d'Or en 1930), y por el dramaturgo y cineasta francés Jean Cocteau , cuya película de vanguardia de 1932, La sangre de un poeta, utiliza imágenes oníricas a lo largo de toda la cinta, incluyendo modelos giratorios de alambre de una cabeza humana y máscaras giratorias de doble cara. En la década de 1920, las sociedades cinematográficas comenzaron a defender la idea de que las películas podían dividirse en "cine de entretenimiento dirigido a un público masivo y cine de arte serio dirigido a un público intelectual". En Inglaterra, Alfred Hitchcock e Ivor Montagu formaron una sociedad cinematográfica e importaron películas que consideraban "logros artísticos", como "películas soviéticas de montaje dialéctico y las películas expresionistas de los estudios Universum Film AG (UFA) en Alemania". ^{[ 9 ]}

El cinéma pur , un movimiento cinematográfico de vanguardia francés de las décadas de 1920 y 1930, también influyó en el desarrollo del concepto de cine de autor. Estemovimiento incluyó a varios artistas dadaístas destacados . Los dadaístas utilizaron el cine para trascender las convenciones narrativas, las tradiciones burguesas y las nociones aristotélicas convencionales de tiempo y espacio, creando un montaje flexible de estos dos universos.

El movimiento cinematográfico pur estuvo influenciado por cineastas alemanes del "cine absoluto" como Hans Richter , Walter Ruttmann y Viking Eggeling . Richter afirmó falsamente que su película de 1921, Rhythmus 21, fue la primera película abstracta jamás creada. De hecho, fue precedido por los futuristas italianos Bruno Corra y Arnaldo Ginna entre 1911 y 1912 ^{[ 13 ]} (como se informa en el Manifiesto Futurista del Cine ^{[ 13 ]} ), así como por su colega alemán Walter Ruttmann, quien produjo Lichtspiel Opus 1 en 1920. Sin embargo, la película Rhythmus 21 de Richter se considera una importante película abstracta temprana.

El primer "cine de arte" británico fue inaugurado temporalmente en el Palais de Luxe de Londres en 1929 por Elsie Cohen . Posteriormente, en 1931, estableció una sede permanente en el Academy Cinema de Oxford Street. ^{[ 14 ]}

Los cines de arte y ensayo, especializados en la proyección de películas de autor, surgieron en la costa este de Estados Unidos hacia finales de la década de 1920. Estos cines se extendieron tanto en Estados Unidos como en Europa. ^{[ 15 ] [ 16 ]}

En las décadas de 1930 y 1940, las películas de Hollywood podían dividirse entre las aspiraciones artísticas de las adaptaciones literarias, como El delator (1935) de John Ford y El largo viaje a casa (1940) de Eugene O'Neill , y las películas comerciales de género popular, como los thrillers de gánsteres. William Siska sostiene que las películas neorrealistas italianas de mediados y finales de la década de 1940, como Ciudad abierta (1945), Paisa (1946) y Ladrón de bicicletas (1948), pueden considerarse otro "movimiento de cine de arte consciente". ^{[ 9 ]}

A finales de la década de 1940, la percepción del público estadounidense de que las películas neorrealistas italianas y otras producciones europeas de calidad eran diferentes de las películas comerciales de Hollywood se vio reforzada por el desarrollo de los "cines de arte y ensayo" en las principales ciudades y centros universitarios de Estados Unidos. Tras la Segunda Guerra Mundial, "...un segmento creciente del público estadounidense que iba al cine se estaba cansando de las películas comerciales de Hollywood", y acudían a los recién creados cines de arte y ensayo para ver "alternativas a las películas que se proyectaban en los cines comerciales". ^{[ 5 ]} Las películas que se exhibían en estos cines incluían "películas británicas, extranjeras e independientes estadounidenses, así como documentales y reposiciones de clásicos de Hollywood". Películas como La ciudad abierta de Rossellini y La isla estrecha de Mackendrick ( ¡Whisky a raudales! ), Ladrón de bicicletas y Las zapatillas rojas se proyectaron ante un público estadounidense considerable. ^{[ 5 ]}

A finales de la década de 1950, los cineastas franceses comenzaron a producir películas influenciadas por el neorrealismo italiano ^{[ 17 ]} y el cine clásico de Hollywood , ^{[ 17 ]} un estilo que los críticos denominaron la Nouvelle Vague francesa . Aunque nunca fue un movimiento formalmente organizado, los cineastas de la Nouvelle Vague estaban unidos por su rechazo consciente de la forma cinematográfica clásica y su espíritu de iconoclasia juvenil , y sus películas son un ejemplo del cine de arte europeo . ^{[ 18 ]} Muchos también se involucraron en su trabajo con las convulsiones sociales y políticas de la época, haciendo que sus experimentos radicales con el montaje, el estilo visual y la narrativa formaran parte de una ruptura general con el paradigma conservador. Algunos de los pioneros más destacados del grupo, incluidos François Truffaut , Jean-Luc Godard , Éric Rohmer , Claude Chabrol y Jacques Rivette , comenzaron como críticos de la revista de cine Cahiers du cinéma . La teoría del autor sostiene que el director es el "autor" de sus películas, con una impronta personal visible en cada una de ellas.

El movimiento de la Nouvelle Vague francesa continuó en la década de 1960. Durante esa década, el término "cine de arte" comenzó a usarse mucho más en Estados Unidos que en Europa. En EE. UU., el término suele definirse de forma muy amplia para incluir películas de autor en lengua extranjera (no inglesas), películas independientes , películas experimentales , documentales y cortometrajes. En la década de 1960, "cine de arte" se convirtió en un eufemismo en EE. UU. para las películas de serie B italianas y francesas subidas de tono . En la década de 1970, el término se usaba para describir películas europeas sexualmente explícitas con una estructura artística, como la película sueca I Am Curious (Yellow) . En EE. UU., el término "cine de arte" puede referirse a películas de artistas estadounidenses modernos, incluido Andy Warhol con su película de 1969 Blue Movie , ^{[ 19 ] [ 20 ] [ 21 ]} pero a veces se usa de forma muy laxa para referirse a la amplia gama de películas que se muestran en salas de cine de repertorio o "cines de arte". Con este enfoque, una amplia gama de películas, como una película de Hitchcock de la década de 1960 , una película experimental underground de la década de 1970, una película de autor europea, una película "independiente" estadounidense e incluso una película comercial en idioma extranjero (con subtítulos), podrían entrar en la categoría de "películas de autor".

En las décadas de 1980 y 1990, el término "cine de autor" se fusionó con "cine independiente" en Estados Unidos, género que comparte muchos rasgos estilísticos. Compañías como Miramax Films distribuían películas independientes consideradas comercialmente viables. Cuando los grandes estudios cinematográficos se percataron del atractivo de nicho del cine independiente, crearon divisiones especiales dedicadas a producciones no comerciales, como Fox Searchlight Pictures (de Twentieth Century Fox) , Focus Features (de Universal) , Sony Pictures Classics (de Sony Pictures Entertainment ) y Paramount Vantage (de Paramount) . Los críticos de cine han debatido si las películas de estas divisiones pueden considerarse "cine independiente", dado que cuentan con el respaldo financiero de los grandes estudios.

En 2007, la profesora Camille Paglia argumentó en su artículo "Películas de arte: RIP" que "[aparte de la serie de El Padrino de Francis Ford Coppola , con sus hábiles flashbacks y su crudo realismo social, ...[no hay]... una sola película producida en los últimos 35 años que sea, posiblemente, de igual peso filosófico o virtuosismo en la ejecución que El séptimo sello o Persona de Bergman ". Paglia afirma que los jóvenes de la década de 2000 no "tienen paciencia para el plano secuencia largo y lento en el que se especializaban los directores europeos de pensamiento profundo", un enfoque que brindaba "un escrutinio lujoso de las expresiones faciales más pequeñas o la gélida visión de una habitación estéril o un paisaje desolado". ^{[ 22 ]}

Según el director, productor y distribuidor Roger Corman , «las décadas de 1950 y 1960 fueron la época de mayor influencia del cine de autor. Después, esa influencia disminuyó. Hollywood asimiló las lecciones del cine europeo y las incorporó a sus propias películas». Corman afirma que «los espectadores podían apreciar algo de la esencia del cine de autor europeo en las películas de Hollywood de los años setenta... [y así], el cine de autor, que nunca fue solo una cuestión del cine europeo, se convirtió cada vez más en un cine mundial, aunque con dificultades para obtener un amplio reconocimiento». Corman señala que «el propio Hollywood ha ampliado radicalmente su gama estética... porque la variedad de temas que aborda se ha ampliado para incluir las condiciones mismas de la creación de imágenes, de la producción cinematográfica, de la nueva y prismática experiencia de la modernidad mediada por los medios. Hay un nuevo público que ha descubierto el cine de autor en las tiendas de vídeo». Corman afirma que «actualmente existe la posibilidad de un renacimiento» del cine de autor estadounidense. ^{[ 23 ]}

En las décadas de 1920 y 1930, los cineastas no se proponían hacer "películas de arte", y los críticos de cine no utilizaban el término "película de arte". Sin embargo, existían películas con objetivos estéticos sofisticados, como La pasión de Juana de Arco (1928) y Vampyr (1932) de Carl Theodor Dreyer , películas surrealistas como Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930) de Luis Buñuel, o incluso películas que abordaban temas políticos y de actualidad, como la célebre e influyente obra maestra de Sergei Eisenstein , El acorazado Potemkin . La película estadounidense Amanecer: Una canción de dos humanos (1927), del director expresionista alemán F.W. Murnau, utiliza un diseño artístico distorsionado y una cinematografía innovadora para crear un mundo exagerado, de cuento de hadas, rico en simbolismo e imágenes. La película de Jean Renoir, La regla del juego (1939), es una comedia de costumbres que trasciende las convenciones de su género al crear una sátira mordaz y trágica de la alta sociedad francesa en los años previos a la Segunda Guerra Mundial; una encuesta de críticos de Sight & Sound la clasificó como la cuarta mejor película de la historia, situándola por detrás de Vértigo , Ciudadano Kane y Cuentos de Tokio . ^{[ 32 ]}

Algunas de estas primeras películas de orientación artística fueron financiadas por personas adineradas en lugar de compañías cinematográficas, especialmente cuando el contenido era controvertido o difícil de atraer al público. A finales de la década de 1940, el director británico Michael Powell y Emeric Pressburger realizaron Las zapatillas rojas (1948), una película sobre ballet que se distinguió de las películas comerciales de la época. En 1945, David Lean dirigió Breve encuentro , una adaptación de la obra de teatro Naturaleza muerta de Noël Coward , que narra una apasionada historia de amor entre un hombre de clase alta y una mujer de clase media en medio de los problemas sociales y económicos que afrontaba Gran Bretaña en aquel entonces.

En la década de 1950, algunas de las películas más conocidas con sensibilidad artística incluyen La Strada (1954), una película sobre una joven que se ve obligada a trabajar para un artista de circo cruel e inhumano para mantener a su familia, y que finalmente acepta su situación; Ordet (1955) de Carl Theodor Dreyer, que se centra en una familia con falta de fe, pero con un hijo que cree ser Jesucristo y está convencido de que es capaz de realizar milagros; Las noches de Cabiria (1957) de Federico Fellini , que trata sobre los intentos fallidos de una prostituta por encontrar el amor, su sufrimiento y rechazo; Fresas salvajes (1957), de Ingmar Bergman, cuya narrativa trata sobre un médico anciano, que también es profesor, cuyas pesadillas lo llevan a reevaluar su vida; y Los 400 golpes (1959) de François Truffaut, cuyo personaje principal es un joven que intenta madurar a pesar del abuso de sus padres, maestros y la sociedad, esta película es el primer gran paso de la Nouvelle Vague francesa y para el cine, demostró que se pueden hacer películas con poco dinero, actores aficionados y un equipo pequeño. En Polonia, el deshielo de Khrushchev permitió cierta relajación de las políticas culturales del régimen, y producciones como Una generación , Kanal , Cenizas y diamantes , Lotna (1954-1959), todas dirigidas por Andrzej Wajda , mostraron el estilo de la Escuela de Cine Polaca .

La década de 1960 fue un período importante para el cine de autor, con el estreno de varias películas innovadoras que dieron origen al cine de autor europeo. À bout de souffle ( Sin aliento ) (1960) de Jean-Luc Godard empleó técnicas visuales y de montaje innovadoras, como cortes abruptos y cámara en mano . Godard, figura clave de la Nouvelle Vague francesa, continuó realizando películas innovadoras a lo largo de la década, proponiendo un estilo cinematográfico completamente nuevo. Tras el éxito de Sin aliento , Godard realizó dos películas más de gran influencia: El desprecio (1963), que mostró su visión del sistema de producción cinematográfica de los estudios, el bello plano secuencia y el cine dentro del cine; y Pierrot le fou (1965), una mezcla de cine de crimen y romance con su estilo anti-Hollywood. Jules et Jim , de François Truffaut, deconstruyó una compleja relación entre tres individuos a través de técnicas innovadoras de guion, montaje y cámara. El director italiano Michelangelo Antonioni ayudó a revolucionar el cine con películas como L'Avventura (1960), influyente por su fotografía de paisajes y técnicas de encuadre, que narra la desaparición de una joven de clase alta durante un paseo en barco y la posterior búsqueda por parte de su amante y su mejor amiga; La Notte (1961), un examen complejo de un matrimonio fallido que abordaba temas como la anomia y la esterilidad; Eclipse (1962), sobre una joven que es incapaz de formar una relación sólida con su novio debido a su naturaleza materialista; Red Desert (1964), su primera película en color, que trata sobre la necesidad de adaptarse al mundo moderno; y Blow-Up (1966), su primera película en inglés, que examina cuestiones de percepción y realidad al seguir el intento de un joven fotógrafo por descubrir si había fotografiado un asesinato.

El director sueco Ingmar Bergman comenzó la década de 1960 con obras de cámara como Luz de invierno (1963) y El silencio (1963), que abordan temas como el aislamiento emocional y la falta de comunicación. Sus películas de la segunda mitad de la década, como Persona (1966), Vergüenza (1968) y Pasión (1969), exploran la idea del cine como un artificio. Las películas intelectuales y visualmente expresivas de Tadeusz Konwicki , como Día de los Difuntos ( Zaduszki , 1961) y Salto (1962), inspiraron debates sobre la guerra y plantearon interrogantes existenciales en nombre de sus protagonistas, hombres comunes y corrientes.

La Dolce Vita (1960) de Federico Fellini retrata una sucesión de noches y amaneceres en Roma a través de los ojos de un periodista cínico; esta película constituye un puente entre su estilo neorrealista italiano anterior y su posterior estilo surrealista . En 1963, Fellini realizó 8½ , una exploración de las dificultades creativas, matrimoniales y espirituales, filmada en blanco y negro por el director de fotografía Gianni di Venanzo . La película de 1961 El año pasado en Marienbad, del director Alain Resnais, examina la percepción y la realidad, utilizando grandes planos secuencia que se volvieron muy influyentes. Al azar Balthazar (1966) y Mouchette (1967) de Robert Bresson destacan por su estilo naturalista y elíptico. El director español Luis Buñuel también contribuyó enormemente al arte cinematográfico con sátiras surrealistas e impactantes como Viridiana (1961) y El ángel exterminador (1962).

La película Andrei Rublev (1966) del director ruso Andrei Tarkovsky es un retrato del pintor de iconos medieval ruso del mismo nombre. La película también trata sobre la libertad artística y la posibilidad y necesidad de crear arte para, y frente a, una autoridad represiva. Una versión recortada de la película se mostró en el Festival de Cine de Cannes de 1969 , donde ganó el premio FIPRESCI . ^{[ 35 ]} A finales de la década, 2001: Una odisea del espacio (1968) de Stanley Kubrick asombró al público con su realismo científico, el uso pionero de efectos especiales y las imágenes visuales inusuales. En 1969, Andy Warhol estrenó Blue Movie , la primera película de arte para adultos que mostraba sexo explícito en tener un amplio estreno en cines en los Estados Unidos. ^{[ 19 ] [ 20 ] [ 21 ]} Según Warhol, Blue Movie fue una gran influencia en la realización de El último tango en París , una película de arte erótico internacionalmente controvertida, dirigida por Bernardo Bertolucci y estrenada unos años después de que se hiciera Blue Movie . ^{[ 21 ]} En la Armenia soviética , El color de las granadas de Sergei Parajanov , en la que la actriz georgiana Sofiko Chiaureli interpreta a cinco personajes diferentes, fue prohibida por las autoridades soviéticas, no estuvo disponible en Occidente durante un largo período y fue elogiada por el crítico Mikhail Vartanov como "revolucionaria"; ^{[ 36 ]} y a principios de la década de 1980, Les Cahiers du Cinéma colocó la película en su lista de las 10 mejores. ^{[ 37 ]} En 1967, en la Georgia soviética , el influyente director de cine georgiano Tengiz Abuladze dirigió Vedreba (Trato), que se basó en los motivos de las obras literarias de Vazha-Pshavela , donde la historia se cuenta en un estilo narrativo poético, lleno de escenas simbólicas con significados filosóficos. En Irán, La vaca (1969) de Dariush Mehrjui , sobre un hombre que enloquece tras la muerte de su querida vaca, encendió la nueva ola del cine iraní .

El titiritero Jim Henson tuvo un éxito en el cine de autor con su cortometraje nominado al Oscar de 1965, Time Piece . ^{[ 38 ]}

A principios de la década de 1970, los directores impactaron al público con películas violentas como La naranja mecánica (1971), la brutal exploración de Stanley Kubrick sobre pandillas juveniles futuristas, y El último tango en París (1972), la película de Bernardo Bertolucci que rompió tabúes, fue explícitamente sexual y controvertida. Al mismo tiempo, otros directores realizaron películas más introspectivas, como Solaris (1972), la película de ciencia ficción meditativa de Andrei Tarkovsky , supuestamente concebida como una respuesta soviética a 2001. En 1975 y 1979, respectivamente, Tarkovsky dirigió otras dos películas que cosecharon elogios de la crítica internacional: Mirror y Stalker . Terrence Malick , director de Malas tierras (1973) y Días del cielo (1978), compartía muchos rasgos con Tarkovsky, como sus planos largos y prolongados de belleza natural, imágenes evocadoras y un estilo narrativo poético.

Otra característica de las películas de arte de la década de 1970 fue el regreso a la prominencia de personajes e imágenes extrañas; que abundan en el atormentado y obsesionado personaje principal de Aguirre, la ira de Dios (1973) del director de la Nueva Ola alemana Werner Herzog , y en películas de culto como La montaña sagrada (1973) psicodélica de Alejandro Jodorowsky sobre un ladrón y un alquimista que buscan la mítica Isla del Loto . ^{[ 39 ]} La película Taxi Driver (1976), de Martin Scorsese , continúa los temas que exploró La naranja mecánica : una población alienada que vive en una sociedad violenta y en decadencia. La cruda violencia y la furia hirviente de la película de Scorsese contrastan con otras películas estrenadas en el mismo período, como el clásico en blanco y negro, onírico, surrealista e industrial de David Lynch , Eraserhead (1977). ^{[ 40 ]} En 1974, John Cassavetes ofreció un agudo comentario sobre la vida de la clase trabajadora estadounidense en Una mujer bajo la influencia , que presenta a un ama de casa excéntrica que desciende lentamente a la locura. ^{[ 41 ]}

También en la década de 1970, Radley Metzger dirigió varias películas de arte para adultos, como Barbara Broadcast (1977), que presentaba una atmósfera surrealista "buñelliana", ^{[ 42 ]} y The Opening of Misty Beethoven (1976), basada en la obra Pigmalión de George Bernard Shaw (y su derivado, My Fair Lady ), que fue considerada, según la galardonada autora Toni Bentley , como la "joya de la corona" de la Edad de Oro del Porno , ^{[ 43 ] [ 44 ]} una era en la cultura estadounidense moderna que fue inaugurada por el lanzamiento de Blue Movie de Andy Warhol (1969) y que presentó el fenómeno del " porno chic " ^{[ 45 ] [ 46 ]} en el que las películas eróticas para adultos comenzaron a obtener un amplio estreno, fueron discutidas públicamente por celebridades (como Johnny Carson y Bob Hope ) ^{[ 47 ]} y tomadas en serio por críticos de cine (como Roger Ebert ). ^{[ 48 ] [ 49 ]}

En 1980, el director Martin Scorsese ofreció al público, acostumbrado a las aventuras escapistas de Steven Spielberg y George Lucas , el crudo y duro realismo de su película Toro salvaje . En esta película, el actor Robert De Niro llevó la actuación de método al extremo para retratar la decadencia de un boxeador, desde un joven campeón hasta un dueño de club nocturno con sobrepeso y en decadencia. Blade Runner (1982) , de Ridley Scott , también puede considerarse una película de ciencia ficción artística, al igual que 2001: Una odisea del espacio (1968). Blade Runner explora temas existencialistas , o qué significa ser humano. Fracasó en taquilla, pero se popularizó en el circuito de cine de autor como una rareza de culto tras el éxito de una versión del director en formato VHS . A mediados de la década, el director japonés Akira Kurosawa empleó el realismo para retratar la brutal y sangrienta violencia de las guerras samurái japonesas del siglo XVI en Ran (1985). Ran seguía la trama de El rey Lear , en la que un anciano rey es traicionado por sus hijos. Sergio Leone también contrastó la violencia brutal con la profundidad emocional en su épica historia sobre la vida de los gánsteres en Érase una vez en América .

Otros directores de la década de 1980 optaron por un camino más intelectual, explorando cuestiones filosóficas y éticas como El hombre de hierro (1981) de Andrzej Wajda , una crítica al gobierno comunista polaco, que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1981. Otro director polaco, Krzysztof Kieślowski , realizó El decálogo para televisión en 1988, una serie de películas que explora cuestiones éticas y dilemas morales. Dos de estas películas se estrenaron en cines como Un cortometraje sobre el amor y Un cortometraje sobre el asesinato . En 1989, Woody Allen realizó, en palabras del crítico del New York Times Vincent Canby , su película más "seria y divertida hasta la fecha", Crímenes y faltas , que presenta múltiples historias de personas que intentan encontrar la simplicidad moral y espiritual mientras se enfrentan a problemas y pensamientos terribles en torno a las decisiones que toman. El director francés Louis Malle optó por explorar otro camino moral con la dramatización de sus experiencias reales de la infancia en Au revoir les enfants , que representa la deportación de judíos franceses a campos de concentración por parte del gobierno nazi ocupante durante la Segunda Guerra Mundial.

Otra película de arte aclamada por la crítica de esta época, ^{[ 50 ]} la road movie de Wim Wenders , París, Texas (1984), también ganó la Palma de Oro. ^{[ 51 ] [ 52 ] [ 53 ]}

Kieślowski no fue el único director en trascender la distinción entre cine y televisión. Ingmar Bergman realizó Fanny y Alexander (1982), que se emitió por televisión en una versión extendida de cinco horas. En el Reino Unido, Channel 4 , un nuevo canal de televisión, financió, total o parcialmente, muchas películas estrenadas en cines a través de su filial Film 4. Wim Wenders ofreció otra perspectiva de la vida desde un punto de vista espiritual en su película de 1987, Las alas del deseo , que retrata a un "ángel caído" que vive entre los hombres y que ganó el premio al Mejor Director en el Festival de Cannes .

En 1982, el director experimental Godfrey Reggio estrenó el inesperado éxito de cine de autor Koyaanisqatsi ; una película sin diálogos que enfatiza la cinematografía (que consiste principalmente en cámara lenta y time-lapse de ciudades y paisajes naturales, lo que resulta en un poema visual ) y la ideología filosófica sobre la tecnología y el medio ambiente. ^{[ 54 ] [ 55 ] [ 56 ]}

Otro enfoque utilizado por los directores en la década de 1980 fue crear mundos alternativos extraños y surrealistas. After Hours (1985) de Martin Scorsese es un thriller cómico que describe las desconcertantes aventuras de un hombre en un mundo nocturno surrealista de encuentros fortuitos con personajes misteriosos. Blue Velvet (1986) de David Lynch , un thriller de misterio al estilo del cine negro, lleno de simbolismo y metáforas sobre mundos polarizados y habitado por personajes distorsionados que se esconden en el sórdido submundo de un pequeño pueblo, tuvo un éxito sorprendente considerando su temática altamente perturbadora. The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover (1989) de Peter Greenaway es una comedia negra /fantástica sobre canibalismo y violencia extrema con un tema intelectual: una crítica a la "cultura de élite" en la Gran Bretaña de Thatcher .

Según Raphaël Bassan , en su artículo " El ángel : un meteoro en el cielo de la animación", ^{[ 57 ]} El ángel de Patrick Bokanowski , presentado en el Festival de Cine de Cannes de 1982 , puede considerarse el comienzo de la animación contemporánea. Las máscaras de los personajes borran toda personalidad humana y dan la impresión de un control total sobre la "materia" de la imagen y su composición óptica, utilizando áreas distorsionadas, visiones oscuras, metamorfosis y objetos sintéticos.

En 1989, "Una ciudad de tristeza", de Hou Hsiao-hsien, se convirtió en la primera película taiwanesa en ganar el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia . La película narra la historia de Taiwán a través de una familia y representa un nuevo hito en la Nueva Ola taiwanesa, que tiende a retratar la vida de forma realista y cotidiana tanto en las zonas urbanas como rurales de Taiwán.

En la década de 1990, los directores se inspiraron en el éxito de Terciopelo azul (1986) de David Lynch y El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1989) de Peter Greenaway y crearon películas con mundos alternativos extraños y elementos surrealistas. Sueños (1990) del director japonés Akira Kurosawa representó sus ensoñaciones imaginativas en una serie de viñetas que van desde idílicos paisajes campestres pastorales hasta horribles visiones de demonios atormentados y un paisaje desolado tras una guerra nuclear. Barton Fink (1991) de los hermanos Coen , que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes , presenta varias alusiones literarias en una enigmática historia sobre un escritor que se encuentra con una serie de personajes extraños, incluyendo un novelista alcohólico y abusivo y un asesino en serie. Lost Highway (1997), del mismo director que Blue Velvet , es un thriller psicológico que explora mundos fantásticos, extrañas transformaciones espacio-temporales y colapsos mentales mediante imágenes surrealistas.

Otros directores de la década de 1990 exploraron cuestiones filosóficas y temas como la identidad, el azar, la muerte y el existencialismo. My Own Private Idaho (1991) de Gus Van Sant y Chungking Express (1994) de Wong Kar-wai exploraron el tema de la identidad. La primera es una road movie/película de colegas independiente sobre dos jóvenes estafadores callejeros, que explora el tema de la búsqueda de un hogar y la identidad. Fue calificada como un "punto culminante en el cine independiente de los 90", ^{[ 58 ]} una "reflexión cruda y poética", ^{[ 59 ]} y un "ejercicio de experimentación cinematográfica" ^{[ 60 ]} de "alta calidad artística". ^{[ 30 ]} Chungking Express ^{[ 61 ]} explora temas de identidad, desconexión, soledad y aislamiento en la "jungla de cemento metafórica" ​​del Hong Kong moderno. Todd Haynes exploró la vida de un ama de casa suburbana y su eventual muerte por materiales tóxicos en el éxito de crítica de 1995, Safe . ^{[ 62 ]}

En 1991, otra importante película de Edward Yang , director de la Nueva Ola taiwanesa, A Brighter Summer Day, retrata la vida de un adolescente normal que fue evacuado de China a Taiwán y que se ve afectado por la situación política, escolar y familiar, lo que lleva al protagonista a asesinar a una chica al final. En 1992, Rebels of the Neon God , primer largometraje de Tsai Ming-liang , de la segunda generación de la Nueva Ola taiwanesa, tiene su estilo cinematográfico único, como la alienación, los movimientos lentos del actor (su actor recurrente, Lee Kang-sheng ), el ritmo pausado y los pocos diálogos.

La película Siete sirvientes (1996) de Daryush Shokof es una obra original de cine de autor sobre un hombre que se esfuerza por "unir" a las razas del mundo hasta su último aliento. Un año después de Siete sirvientes , la película El sabor de la cereza (1997) de Abbas Kiarostami , ^{[ 63 ]} que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes, cuenta una historia similar con un giro diferente; ambas películas tratan sobre un hombre que intenta contratar a alguien para que lo entierre después de suicidarse. Siete sirvientes fue filmada con un estilo minimalista, con tomas largas, un ritmo pausado y largos periodos de silencio. La película también destaca por su uso de planos generales y planos aéreos para crear una sensación de distancia entre el público y los personajes. Las obras de Zhang Yimou de principios de la década de 1990, como Ju Dou (1990), La linterna roja (1991), La historia de Qiu Ju (1992) y Vivir (1994), exploran las emociones humanas a través de narrativas conmovedoras. Vivir ganó el Gran Premio del Jurado.

Varias películas de la década de 1990 exploraron temas existencialistas relacionados con la vida, el azar y la muerte. Short Cuts (1993) de Robert Altman explora estos temas a través de diez historias paralelas e interconectadas. La película, ganadora del León de Oro y la Copa Volpi en el Festival de Cine de Venecia , fue descrita por el crítico del Chicago Tribune , Michael Wilmington, como un "mural de jazz ecléctico, multifacético, con múltiples matices y una estructura deslumbrante" . La doble vida de Verónica (1991) de Krzysztof Kieślowski es un drama sobre la identidad y una alegoría política sobre la división entre Oriente y Occidente en Europa; la película presenta una cinematografía estilizada, una atmósfera etérea y elementos sobrenaturales inexplicables.

La película Pi (1998) de Darren Aronofsky es una "película increíblemente compleja y ambigua llena de un estilo y una sustancia increíbles" sobre la "búsqueda de paz" de un matemático paranoico. ^{[ 64 ]} La película crea un "mundo inquietante al estilo de Eraserhead " inspirado en David Lynch ^{[ 65 ]} filmado en "blanco y negro, lo que le da una atmósfera onírica a todo el proceso" y explora temas como "la metafísica y la espiritualidad". ^{[ 66 ]} El ciclo Cremaster (1994-2002) de Matthew Barney es un ciclo de cinco películas simbólicas y alegóricas que crea un sistema estético autocerrado, destinado a explorar el proceso de creación. Las películas están llenas de alusiones a los órganos reproductores y al desarrollo sexual, y utilizan modelos narrativos extraídos de la biografía, la mitología y la geología.

En 1997, Terrence Malick regresó tras 20 años de ausencia con La delgada línea roja , una película bélica que utiliza la poesía y la naturaleza para diferenciarse de las típicas películas de guerra. Fue nominada a siete premios Óscar , incluyendo Mejor Película y Mejor Director. ^{[ 67 ]}

Algunas películas de la década de 1990 mezclan una atmósfera visual etérea o surrealista con la exploración de cuestiones filosóficas. Sátántangó (1994), del director húngaro Béla Tarr , es una película de 7 horas y media , rodada en blanco y negro, que trata el tema favorito de Tarr, la insuficiencia, cuando el estafador Irimias regresa a un pueblo en un lugar no especificado de Hungría, presentándose como un líder y una figura mesiánica ante los ingenuos aldeanos. La trilogía Tres colores de Kieslowski (1993-94), en particular Azul (1993) y Rojo (1994), tratan sobre las relaciones humanas y cómo las personas las afrontan en su vida cotidiana. La trilogía de películas fue llamada "exploraciones de la espiritualidad y el existencialismo" ^{[ 68 ]} que crearon una "experiencia verdaderamente trascendente". ^{[ 69 ]} The Guardian incluyó Rompiendo las olas (1996) como una de sus 25 mejores películas de cine de autor. El crítico afirmó que «todos los ingredientes que han llegado a definir la carrera de Lars von Trier (y, a su vez, gran parte del cine europeo moderno) están presentes aquí: actuaciones de alto riesgo, técnicas visuales innovadoras, una heroína que sufre, un drama que aborda temas sociales y una dosis estimulante de controversia que hace que todo sea imperdible». ^{[ 70 ]}

Lewis Beale de Film Journal International afirmó que la película western del director australiano Andrew Dominik, El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007), es "una obra fascinante, basada en la literatura, que triunfa tanto como película de arte como de género". ^{[ 71 ]} A diferencia de las películas de Jesse James orientadas a la acción del pasado, la épica poco convencional de Dominik quizás detalla con mayor precisión la psique decadente del forajido durante los últimos meses de su vida, a medida que sucumbe a la paranoia de ser capturado y desarrolla una amistad precaria con su eventual asesino, Robert Ford .

En 2009, el director Paul Thomas Anderson afirmó que su película de 2002, Punch-Drunk Love, sobre un adicto a la ira tímido y reprimido, era "una película de Adam Sandler de cine de autor ", en referencia a la improbable inclusión del cómico Sandler, conocido por su papel de chico de fraternidad, en la película; el crítico Roger Ebert afirma que Punch-Drunk Love "podría ser la clave de todas las películas de Adam Sandler y podría liberarlo para una nueva dirección en su trabajo. No puede seguir haciendo esas comedias estúpidas para siempre, ¿verdad? ¿Quién hubiera imaginado que tenía profundidades tan inexploradas?" ^{[ 72 ]}

La película de Apichatpong Weerasethakul , Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives , ganadora de la Palma de Oro de Cannes en 2010, «entrelaza lo que podría ser una serie de escenas bellamente filmadas con reflexiones conmovedoras y divertidas sobre la naturaleza de la muerte y la reencarnación, el amor, la pérdida y el karma». ^{[ 73 ]} Weerasethakul es un director, guionista y productor de cine independiente que trabaja fuera de los estrictos límites del sistema de estudios cinematográficos tailandeses. Sus películas abordan los sueños, la naturaleza, la sexualidad, incluyendo su propia homosexualidad, ^{[ 74 ]} y las percepciones occidentales de Tailandia y Asia. Las películas de Weerasethakul muestran una preferencia por estructuras narrativas poco convencionales (como colocar los títulos/créditos en medio de la película) y por trabajar con actores no profesionales.

El árbol de la vida (2011) de Terrence Malick se estrenó tras décadas de desarrollo y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2011 ; fue muy elogiada por la crítica. En el Avon Theater de Stamford, Connecticut , se publicó un mensaje sobre la política de no reembolso del cine debido a "algunos comentarios de los clientes y una respuesta polarizada del público" a la película. El cine declaró que "respalda esta ambiciosa obra de arte y otras películas desafiantes". ^{[ 75 ]} Drive (2011), dirigida por Nicolas Winding Refn , ^{[ 76 ]} se suele llamar una película de acción de autor . ^{[ 77 ]} También en 2011, el director Lars von Trier estrenó Melancholia , una película que trata sobre la depresión y otros trastornos mentales, a la vez que muestra la reacción de una familia ante un planeta que se acerca y que podría colisionar con la Tierra. La película tuvo una buena acogida; algunos la consideran la obra maestra de Von Trier, mientras que otros destacan la actuación de Kirsten Dunst , los efectos visuales y el realismo que se muestra en la película.

Under the Skin de Jonathan Glazer (un ejemplo de " ciencia ficción de autor " ^{[ 78 ]} ) se proyectó en el Festival de Cine de Venecia de 2013 y se estrenó en cines al año siguiente a través del estudio independiente A24 . La película, protagonizada por Scarlett Johansson , sigue a una alienígena con forma humana que viaja por Glasgow , seduciendo a hombres desprevenidos para tener sexo con ellos, extrayendo su carne y despojándolos de su humanidad. Abordando temas como la sexualidad, la humanidad y la objetivación, la película recibió críticas positivas ^{[ 79 ]} y fue aclamada por algunos como una obra maestra; ^{[ 80 ]} el crítico Richard Roeper describió la película como "de lo que hablamos cuando hablamos de cine como arte". ^{[ 81 ]}

Esta década también vio un resurgimiento del " horror artístico " ^{[ 82 ]} con el éxito de películas como Beyond the Black Rainbow (2010), Black Swan (2010), Stoker (2013), Enemy (2013), The Babadook (2014), Only Lovers Left Alive (2014), A Girl Walks Home Alone at Night (2014), Goodnight Mommy (2014), Nightcrawler (2014), It Follows (2015), The Witch (2015), The Wailing (2016), Split (2016), el thriller social Get Out (2017), Mother! (2017), Aniquilación (2018), Un lugar tranquilo (2018), Hereditary (2018), Suspiria (2018; una nueva versión de la película homónima de 1977 ), Mandy (2018), El ruiseñor (2018), La casa que construyó Jack (2018), Nosotros (2019), Sueño de una noche de verano (2019), El faro (2019), El color que cayó del espacio (2019) y la ganadora del Premio de la Academia a la Mejor Película, Parásitos (2019). ^{[ 83 ] [ 84 ] [ 85 ] [ 86 ] [ 87 ]}

Roma (2018) es una película de Alfonso Cuarón inspirada en su infancia en el México de los años setenta. Filmada en blanco y negro, aborda temas comunes a las películas anteriores de Cuarón, como la mortalidad y las clases sociales. La película fue distribuida por Netflix , lo que le valió a la plataforma su primeranominación al Óscar a la Mejor Película . ^{[ 88 ]}

La animación de autor (con títulos nominados al Oscar como Song of the Sea y Loving Vincent ) también estaba ganando impulso durante esta época como una alternativa a las películas de animación convencionales junto con las obras de los aclamados animadores Makoto Shinkai , Satoshi Kon , Don Hertzfeldt y Ari Folman de la década anterior. ^{[ 89 ] [ 90 ] [ 91 ]}

Tom Shone dijo sobre la obra de Christopher Nolan : «Ha completado once largometrajes, [...] todos cumpliendo con los requisitos del entretenimiento de estudio, pero marcados indeleblemente con el tipo de temas y obsesiones personales que tradicionalmente son patrimonio del cine de autor: el paso del tiempo, los fallos de la memoria, nuestras peculiaridades de negación y evasión, el intrincado mecanismo de nuestras vidas interiores, todo ello ambientado en paisajes donde las fallas del industrialismo tardío se encuentran con los puntos de fisura y las paradojas de la era de la información ». ^{[ 92 ]}

Durante la década de 2020, el cine de autor se expandió globalmente a través de plataformas en línea. La pandemia de COVID-19 aceleró este cambio: los principales festivales se volvieron virtuales, lo que permitió a audiencias globales (críticos y cinéfilos por igual) ver películas independientes y experimentales sin necesidad de viajar. ^{[ 93 ]} Muchas salas de cine de autor también lanzaron programas virtuales y servicios de streaming para llegar a un público más amplio.

Surgieron nuevas formas de narración. Las películas de " cine de escritorio " —narrativas que se desarrollan completamente en pantallas de ordenador o móviles— tratan la pantalla como cámara y lienzo a la vez, reflejando la cultura online contemporánea. ^{[ 94 ]}

Se ha identificado la televisión artística de calidad , ^{[ 100 ]} un género o estilo televisivo que comparte algunos rasgos con las películas de arte. Programas de televisión como Twin Peaks de David Lynch y Mark Frost y The Singing Detective de Dennis Potter también presentan "una relajación de la causalidad, un mayor énfasis en el realismo psicológico o anecdótico, violaciones de la claridad clásica del espacio y el tiempo, comentarios explícitos del autor y ambigüedad". ^{[ 101 ]}

Como ocurre con gran parte de la obra de Lynch (en particular, la película Terciopelo azul ), Twin Peaks explora la brecha entre la apariencia de respetabilidad de un pueblo pequeño y los aspectos más sórdidos de la vida que se esconden bajo la superficie. La serie es difícil de encasillar en un género televisivo definido; estilísticamente, toma prestado el tono inquietante y las premisas sobrenaturales de las películas de terror y, al mismo tiempo, ofrece una parodia extrañamente cómica de las telenovelas estadounidenses con una presentación extravagante y melodramática de las actividades moralmente dudosas de sus peculiares personajes. La serie representa una seria indagación moral que se distingue tanto por un humor extraño como por una profunda vena de surrealismo , incorporando viñetas muy estilizadas, imágenes artísticas surrealistas y a menudo inaccesibles junto con una narrativa de eventos por lo demás comprensible.

La serie The Wire de HBO también podría considerarse "televisión artística", ya que ha recibido mayor atención por parte de la crítica académica que la mayoría de las series de televisión. Por ejemplo, la revista de teoría cinematográfica Film Quarterly la ha incluido en su portada. ^{[ 102 ]}