Soukous

El soukous (del francés secousse , «sacudida, sacudida, sacudida») es un género de música bailable originario de la República Democrática del Congo (antes Zaire ) y la República del Congo (antes Congo Francés ). ^[1] Se derivó de la rumba congoleña de los años 1960, con ritmos de baile más rápidos e improvisaciones de guitarra brillantes e intrincadas , ^[2] y ganó popularidad en los años 1980 en Francia . ^[3] Aunque los periodistas lo utilizan a menudo como sinónimo de rumba congoleña, tanto la música como el baile asociados con el soukous difieren de la rumba más tradicional, especialmente en su tempo más alto, estructuras de canciones y secuencias de baile más largas. ^[3]

El soukous fusiona ritmos tradicionales congoleños con instrumentos contemporáneos. Habitualmente incorpora guitarras eléctricas , contrabajo , congas , pinzas, una tercera guitarra ( mi-solo ) y metales / instrumentos de viento . ^{[4] [5]} Las letras del soukous a menudo exploran temas de amor , comentarios sociales , narrativas amorosas , reflexiones filosóficas y luchas y éxitos cotidianos . ^[2] Los cantantes ocasionalmente cantan y tararean en lingala , kikongo , francés y suajili y las bandas a menudo constan de un vocalista principal acompañado de varios coristas . ^{[6] [7]}

La formación básica de una banda de soukous incluía tres o cuatro guitarras, bajo , batería , instrumentos de viento y voces . ^[8] El arreglo musical comienza con una sección de rumba caracterizada por una armonía intrincada . A medida que la canción pasa a sus segmentos rápidos de medio tiempo y concluye, las estructuras armónicas a menudo se simplifican a una progresión de acordes triádicos . ^[9] En Matonge , la guitarra rítmica generalmente acompaña los pasajes vocales de medio tiempo, con el bajo y los bombos acentuando los ritmos fuertes, mientras que los guitarristas enfatizan los contratiempos (uno y dos y tres y cuatro y ). ^[9]

La sección de percusión emplea frecuentemente un ritmo rápido e implacable conocido como cavacha , que sirve como base rítmica de la canción. ^[10] Franco Luambo popularizó notablemente la colocación del sébène al final de una canción, empleando una técnica de punteo con el pulgar y el índice que crea la ilusión auditiva de líneas de guitarra duales. ^[11] Durante el sébène, el baterista señala las transiciones, guiando a los guitarristas para cambiar sus partes sincrónicamente con el intérprete principal. La progresión congoleña convencional para el sébène sigue la secuencia de acordes I-IV-V-IV. La interacción colaborativa con otros guitarristas y el baterista mejora la competencia técnica. ^[9] Las líneas de bajo del soukous , inspiradas en los patrones de percusión de tambores de mano , contribuyen significativamente a la textura rítmica y armónica de la música. Surgiendo de manera prominente durante el régimen de Mobutu Sese Seko en Zaire , el estilo de bajo asertivo del soukous emulaba los movimientos de los soldados, conocidos como marche militaire. Este enfoque distintivo del bajo implica alternar entre registros más bajos y más altos , utilizando una técnica de punteo con el pulgar ( p ) y el índice ( i ). ^[9]

Durante las interpretaciones vocales, el guitarrista principal establece un ritmo que respalda las voces de llamada y respuesta armonizadas , ^[9] a menudo mejoradas por un efecto de eco, creando una experiencia auditiva a veces descrita como hipnótica. La música generalmente utiliza un compás de 12/8 y acordes mayores articulados en formas arpegiadas . ^[10] Los guitarristas principales de soukous son famosos por su velocidad, precisión y ágil trabajo de dedos, a menudo navegando por los registros más altos del diapasón . ^[9]

Los orígenes del género se remontan a la rumba congoleña , que surgió a principios del siglo XX cuando los residentes urbanos del Congo francés y el Congo belga adoptaron la fusión de la música de baile maringa intertribal congoleña cerca de Pool Malebo , infundida con técnicas de guitarra de Liberia . ^[12] La salida de comerciantes y marineros Kru de Liberia a Brazzaville a mediados del siglo XIX introdujo técnicas distintivas de interpretación de guitarra que finalmente influyeron en el uso del acordeón para emular los ritmos locales de " likembe " (piano de pulgar, mejor conocido mundialmente como mbira ). ^{[12] [13]} Ya en 1902, las melodías del acordeón resonaban en las calles cercanas a las fábricas de Pool Malebo. ^[12]

El estallido de la Primera Guerra Mundial introdujo una nueva ola de música y danza en el Bajo Congo (actual Kongo Central ) y la región de Pool Malebo . ^[12] Surgiendo del campo de trabajo y posiblemente asociado con el regreso de los trabajadores de la construcción del ferrocarril Matadi-Kinshasa , las danzas locales como agbaya y maringa ganaron prominencia. ^[12] La danza circular agbaya pronto fue reemplazada por la música de baile maringa en pareja , volviéndose cada vez más omnipresente en Matadi , Boma , Brazzaville y Léopoldville (ahora Kinshasa ). ^[12] Inicialmente, las bandas de maringa presentaban el likembe para la melodía , una botella golpeada con una varilla de metal para el ritmo y un pequeño tambor de marco cubierto de piel llamado patenge para los contrarritmos . ^[12] Sin embargo, en la década de 1920, los acordeones y las guitarras acústicas suplantaron progresivamente al likembe como instrumentos melódicos. Los movimientos de cadera característicos de los bailarines de maringa , en los que desplazaban el peso del cuerpo entre las piernas, ganaron popularidad. ^[12] En 1935, la popularidad del baile en pareja se extendió rápidamente por toda la cuenca del Congo , llegando incluso a aldeas remotas. Surgieron salones de baile en ciudades y áreas rurales, mientras que el baile convencional persistió en chozas de ramas de palma. ^[12]

A principios de la década de 1940, Pool Malebo pasó de ser una barrera a un canal de comunicación que unía Brazzaville y Kinshasa. ^[12] Los grupos de son cubano como Sexteto Habanero , Trio Matamoros y Los Guaracheros de Oriente se transmitían en Radio Congo Belge , ganando popularidad en el país. ^{[12] [14] [15]} Debido a la influencia del son cubano, la música de baile maringa, aunque no relacionada con la rumba cubana , se conoció como " rumba congoleña ", ya que los discos importados de Sexteto Habanero y Trio Matamoros a menudo se etiquetaban erróneamente como "rumba". ^{[16] [12] [17]} El profesor de etnomusicología Kazadi wa Mukuna de la Universidad Estatal de Kent explica que el término "rumba" persistió en los Congos debido a los intereses de la industria discográfica. Los propietarios de estudios de grabación reinterpretaron el término rumba atribuyéndole un nuevo ritmo de maringa , conservando el nombre. ^[16] En consecuencia, su música pasó a ser reconocida como "rumba congoleña" o "rumba africana". Antoine Wendo Kolosoy se convirtió en la primera estrella de la rumba congoleña que realizó giras por Europa y América del Norte con su banda Victoria Bakolo Miziki. Su éxito de 1948 "Marie-Louise", coescrito con el guitarrista Henri Bowane , ganó popularidad en toda África occidental . ^{[18] [19]} La rumba congoleña ganó prominencia en la música congoleña a medida que los primeros pioneros revolucionaron su relación con los instrumentos que sostenían. ^{[20] [21]}

Etimológicamente, el término soukous , derivado del verbo francés secouer , que denota "sacudir", inicialmente describía a una persona que se movía de forma espasmódica pero evolucionó hacia un estilo de baile sinónimo de vitalidad y cadencia. ^[22] El término secousse evolucionó con el tiempo, pasando a soucousses y finalmente a soucous en el lenguaje coloquial y en los medios de comunicación, hasta que la " c " cayó en desuso, reemplazada por una " k ". ^[22]

A principios de los años 1960, una oleada de jóvenes músicos congoleños intentaron acelerar el ritmo lento de la rumba congoleña, lo que precipitó el surgimiento del soukous. Los artistas comenzaron a incorporar ritmos más rápidos y una improvisación prominente con la guitarra, a menudo caracterizada por líneas agudas y de ritmo rápido imbuidas de un motivo africano más intenso . El baterista cambia a la cadencia de alto octanaje, donde el ritmo de la clave cambia al tambor , los cantantes participan en cánticos rítmicos ( animación ) y las guitarras principales toman el centro del escenario. ^{[23] [2] [24] [11]}

Los orígenes del soukous son motivo de controversia, con atribuciones y puntos de vista divergentes. Clément Ossinondé, un musicólogo congoleño especializado en música congoleña, atribuye a Franco Luambo y TPOK Jazz la creación del soukous pionero, citando su estilo inspirado en el odemba , conocido por su ritmo rápido. ^[25] Franco también es reconocido por revolucionar los temas del género al infundir importantes cuestiones sociales y políticas en las letras, convirtiendo la música en una plataforma para la conciencia social . ^{[23] [2] [24] [11]} Por el contrario, el escritor británico Gary Stewart sugiere que el soukous evolucionó hasta convertirse en un género musical y un estilo de baile en Brazzaville, a partir de la creación de la Super Band en 1964 por el prometedor guitarrista Jacques Kimbembe. ^{[26] [27]} El conjunto, posteriormente rebautizado como Sinza, que significa "raíz", introdujo el soukous en la vida nocturna de Brazzaville en 1966, suplantando el estilo boucher tradicional de Les Bantous de la Capitale. ^[26] Stewart señala además que Orchestre Sinza innovó el soukous en 1968 con una nueva variante llamada mossaka , y poco después, Nico Kasanda introdujo el kiri-kiri, que se basaba en parte en el "jerk" del rock occidental . ^[26] Mientras tanto, Les Bantous de la Capitale desarrolló una fusión con la canción "Masuwa" de Pablito, anunciada como un soucous - kiri-kiri . El kiri-kiri, que según Stewart se convirtió en una pieza definitoria del género, como lo ejemplifica "Kiri-Kiri Mabina Ya Sika" de Nico, que cuenta la historia de la búsqueda de un hombre por las calles de Kinshasa para reunirse con su pareja para una sesión de kiri-kiri en la Fiesta Sukisa, obtuvo un amplio reconocimiento. ^[26] Los artistas establecidos adoptaron rápidamente la danza y la difundieron por todo el continente. ^[28]

A finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, el soukous se convirtió en un estilo de danza popular africano predominante en toda África y en la diáspora del continente en Bélgica, Francia, el Reino Unido y los Estados Unidos. ^{[29] [30]} Durante este período, una oleada de músicos zairenses se trasladó a Bélgica y Francia, impulsados ​​principalmente por la hegemonía del régimen de Mobutu Sese Seko , que propagó canciones de propaganda como parte de la campaña Authenticité para fomentar un sentido de identidad nacional y orgullo a través de lemas ideológicos del estado de partido único , el Movimiento Popular de la Revolución (MPR). ^{[31] [32] [33]} Este cambio ideológico estatal se infiltró gradualmente en la música popular zaireña, y los músicos populares abrazaron la ideología del régimen y documentaron sus logros. El estímulo de Mobutu a los músicos urbanos fue paralelo al enfoque de Mao Zedong en China , donde la música sirvió a la revolución. ^{[34] [32] [35]} Como resultado, la globalización de la música urbana congoleña se expandió, lo que llevó a un éxodo masivo de músicos a países africanos y europeos, sobre todo Bélgica y Francia . ^{[34] [36]} Muchos jóvenes con opciones de empleo limitadas gravitaron hacia una carrera musical, y la escena soukous de Kinshasa se convirtió en una opción atractiva. Sin embargo, algunos enfrentaron obstáculos para establecerse en Francia. ^{[16] [37] [29]} En este contexto, Tabu Ley Rochereau hizo historia como el primer artista africano invitado a actuar en el Olympia Hall de París en diciembre de 1970, donde atrajo a pocos conocedores y sentó un precedente para los músicos zaireños posteriores. ^{[29] [38] [39] [40]} Abeti Masikini siguió su ejemplo, convirtiéndose en la segunda artista zaireña y la primera artista soukous femenina en adornar el escenario del Olympia junto a Mireille Mathieu y Hugues Aufray . ^{[41] [42] [43]} Este impulso continuó con la actuación de Masikini en el Carnegie Hall de Nueva York el 11 de marzo de 1974, preparando el escenario para cantantes emergentes, griots y otras divas menos conocidas de África. ^{[29] [44]}

Al mismo tiempo, la orquesta M'Bamina se aventuró a París antes de buscar audiencias en Italia en 1972. ^[29] Pablo "Porthos" Lubadika llegó a París en 1979 con el cantante Sam Mangwana a través de Lomé , Togo, después de grabar bajo el nombre de African All Stars. Mangwana, después de haber colaborado con casi todas las figuras prominentes del Congo, se mudó a Abiyán en 1978 para buscar mejores oportunidades. Formó una nueva banda de exiliados económicos congoleños, que se convirtieron en habituales de las bandas de sesión parisinas. ^[45] El gran éxito de African All Stars, "Suzana Coulibaly", lanzado el 31 de diciembre de 1979, presentaba "ritmos simples y repetitivos" a un tempo más rápido que la rumba congoleña tradicional. ^[45] La exclamación de Mangwana "soukous sophistiqué" mientras Lokassa Ya M'Bongo y Rigo Star creaban un sebene "sólido como una roca" solidificó la dirección del disco, iniciando un movimiento musical independiente dirigido al mercado internacional. A medida que su influencia crecía, los African All Stars adaptaron los estilos rápidos y ásperos de las bandas juveniles de Brazzaville y Kinshasa, introduciendo este nuevo ritmo a nivel mundial. ^[45]

En toda África, el soukous dominó las pistas de baile de los clubes nocturnos del este de África y desempeñó un papel fundamental en la configuración de prácticamente todos los estilos de música popular africana contemporánea , incluida la música benga , el muziki wa dansi , el kidandali , el highlife igbo , la música de vino de palma , el taarab , e inspiró el establecimiento de aproximadamente 350 orquestas juveniles en Kinshasa, allanando el camino para nuevos bailes tradicionales, patrones rítmicos y bandas. ^{[46] [47] [11] [48]}

A medida que la agitación sociopolítica en Zaire se deterioró en la década de 1970, un gran número de músicos se aventuraron a Tanzania , Kenia y Uganda , donde las orquestas se mantuvieron a través de ventas de discos y actuaciones en el escenario constantes. A principios de la década de 1970, varias bandas congoleñas habían adoptado el ritmo soukous en los clubes nocturnos de Kenia. ^{[49] [50] [51] [52] [53]} La vivaz moda del baile cavacha , propagada por bandas como Zaïko Langa Langa y Orchestra Shama Shama, se extendió por África oriental y central , ejerciendo influencia en los músicos kenianos. ^{[54] [55]} La utilización del ritmo cavacha, típicamente tocado en el tambor o el hi-hat , se convirtió en un emblema del sonido zaireño en Nairobi y fue adoptado con frecuencia por bandas regionales. Las bandas de rumba swahili congoleñas más importantes de Nairobi se formaron en torno a grupos tanzanos como Simba Wanyika , lo que dio lugar a ramificaciones como Les Wanyika y Super Wanyika Stars. ^{[46] [56] [50]} Maroon Commandos , un conjunto con sede en Nairobi, asimiló el estilo soukous al tiempo que le infundía su impronta artística distintiva. Los estudiantes japoneses en Kenia, incluido Rio Nakagawa, desarrollaron una afición por la música congoleña, y Rio acabó encabezando Yoka Choc Nippon, un grupo de rumba congoleña concebido en Japón. ^[57]

Virgin Records produjo álbumes de la orquesta tanzana-zaireña Makassy y de la orquesta keniana Super Mazembe . La canción suajili «Shauri Yako» («Es tu problema») obtuvo un gran reconocimiento en Kenia, Tanzania y Uganda. Otro influyente conjunto zaireño, Les Mangelepa , se trasladó a Kenia y alcanzó una inmensa popularidad en toda África Oriental. El cantante zaireño Samba Mapangala y su banda Orchestra Virunga, con sede en Nairobi, lanzaron el LP Malako , que se convirtió en un lanzamiento pionero en la emergente escena de la música mundial de Europa. ^{[55] [58] [59] [60]} Mientras tanto, entre 1976 y 1977, Sam Mangwana y los African All Stars dominaron las salas de baile de Kinshasa con discos producidos en África Occidental , que eran diferentes de los sonidos producidos en los estudios de dos pistas de Kinshasa. Después de esto, hubo una migración a Lomé y Cotonú , seguida de la partida de Franco Luambo a Bélgica. ^[29]

En Nigeria , el soukous se generalizó debido a la transmisión de música zaireña a través de Radio Brazzaville, donde el público conoció el material de Zaire Vol. 6 (Soundpoint SOP 044, 1978). ^{[61] [62] El soukous catalizó el surgimiento de un género distinto de música} highlife igbo basada en la guitarra , ejemplificado por músicos como Oliver De Coque , los Oriental Brothers International y sus diversos imitadores y seguidores. ^{[61] [63] [64] [65]} La superabundancia de prensados ​​​​nigerianos de música zaireña presentó a los músicos que influyeron en esta tendencia, como se ve en el caso de Music From Zaire Vol. 6 , que mostró artistas del establo de Verckys Kiamuangana Mateta como Orchestre Kiam, Orchestre Lipua-Lipua y el ritmo cavacha. ^[61] Hubo una inclinación predominante a excluir los lados "A" más lentos de varias grabaciones y, en cambio, centrarse en el sebene culminante , la segunda mitad más rápida y más improvisada . ^[61] Este paradigma estructural se volvió emblemático de las grabaciones de highlife de guitarra igbo personificadas por el estilo musical de Oliver De Coque y Oriental Brothers International. ^[61]

El soukous tuvo una amplia difusión en el sur de África , donde fue adoptado y adaptado en varias derivaciones, como el inmensamente popular género sungura de Zimbabwe . ^[66]

Durante esta época, la música africana comenzó a ganar popularidad a nivel mundial debido al movimiento de música del mundo. En Colombia , el soukous ganó fuerza, influyendo en la cultura local y desempeñando un papel fundamental en la champeta pionera . ^{[67] [68]} Los marineros zaireños introdujeron sus discos en Colombia, incluido el disco de 45 RPM "El Mambote" de la Orquesta Veve del Congo, que ganó popularidad. ^[53] Los lugareños comenzaron a replicar arreglos musicales de luminarias congoleñas como Nicolas Kasanda wa Mikalay , Tabu Ley Rochereau , M'bilia Bel , Syran Mbenza , Lokassa Ya M'Bongo, Pépé Kallé , Rémy Sahlomon y Kanda Bongo Man . Talentos locales como Viviano Torres, Luis Towers y Charles King agregaron sus composiciones originales a la mezcla, manteniendo la esencia central del soukous congoleño. ^{[52] [69] [53]}

Como el malestar sociopolítico persistió en Zaire durante la década de 1980, numerosos músicos buscaron refugio en toda África, y un número considerable se trasladó a Bélgica, Francia y el Reino Unido. Algunos atravesaron África central y oriental antes de establecer finalmente sus bases operativas en Europa. ^{[70] [71] [72] [73] [74]} El soukous ganó fuerza en Bruselas, París y Londres, emergiendo como el único género africano subsahariano universalmente adoptado en Bélgica y Francia. ^[75] Según el columnista congoleño Achille Ngoye, Bélgica ofreció una importante base operativa permanente para numerosos artistas zaireños. ^[29] Orquestas como Los Nickelos, Yéyé National y Les Mongali, compuestas predominantemente por estudiantes, obtuvieron una atención significativa en Bélgica. ^{[29] [76] [77]} El tío Yorgho, ex miembro de OK Jazz , estableció un epicentro de distribución para el repertorio musical zaireño en Bruselas en julio de 1980 (Visa 80). ^[29] Mientras tanto, Dieudonné Kabongo , Dizzy Mandjeku y Ntesa Dalienst saltaron a la fama debido a la quiebra del sello discográfico belga Fonior!, lo que impulsó a muchos artistas zairenses como Lita Bembo y Matima a buscar entidades de distribución de buena reputación en Bélgica, mientras que otros encontraron consuelo actuando en coros religiosos, que frecuentemente realizaban giras por Holanda . ^[29]

Soukous fue elegido por el productor de Island Records Ben Mandelson y el empresario togolés Richard Dick como título de una compilación de 1982, Sound D'Afrique II: Soukous . La compilación incluía música de Mali y Camerún junto con "Madeleina", una canción del álbum de 1981 de Pablo 'Porthos' Lubadika , Ma Coco , que ganó una atención significativa en Europa. ^[78] Zaïko Langa Langa introdujo el papel de un animador dedicado, conocido como atalaku o animador , en el conjunto de cantantes, marcando una tendencia que casi todas las bandas de la escena musical congoleña adoptaron, haciendo que el atalaku fuera emblemático del soukous y de la rumba congoleña. ^[78] Zaïko Langa Langa logró un éxito significativo, convirtiéndose en la tercera generación de música congoleña ya que muchos miembros fundadores se separaron para formar sus propios grupos, que a su vez se dividieron en más grupos: Isife Lokole , Grand Zaïko Wa Wa, Langa Langa Stars , Clan Langa Langa, Choc Stars y Anti-Choc entre ellos. ^{[78] [79]} Papa Wemba y Viva La Musica tuvieron el impacto más duradero, en parte debido a la capacidad de Wemba de mantener una presencia tanto en París como en Kinshasa con bandas duales, una enfocada en soukous y otra con músicos de sesión franceses para pop internacional. En los estudios parisinos, las guitarras seben se mezclaron con las cajas de ritmos ajustadas y los sintetizadores del zouk y el funky disco makossa en numerosos discos. ^{[78] [80] [81]} Sin embargo, esta fusión recibió críticas por desviarse de los auténticos estilos congoleños. Críticos notables como Nyboma argumentaron que la música se había comercializado y carecía de profundidad emocional, pidiendo un retorno a los fundamentos de "bellas melodías y voces muy afinadas". ^{[82] : 384–385  [83]}

La afluencia de artistas zairenses a Francia catalizó la proliferación de estudios parisinos como epicentros de la producción de soukous, con una dependencia creciente de sintetizadores e instrumentos electrónicos . Algunos artistas continuaron grabando para el mercado congoleño, pero otros abandonaron las demandas del público de Kinshasa y se dispusieron a buscar nuevas audiencias. ^{[80] [29] [81]} Una comunidad zairense considerable se estableció en Francia y Suiza , con artistas zairenses realizando programas de capacitación en el país. ^[29] Kanda Bongo Man , otro artista afincado en París, fue pionero en pistas rápidas y cortas propicias para tocar en pistas de baile de todo el mundo, conocidas popularmente como kwassa kwassa , en honor a los movimientos de baile popularizados en sus videos musicales y en los de otros artistas. Esta música atrajo a los africanos y también a nuevas audiencias. Artistas como Diblo Dibala , Aurlus Mabélé , Tchicl Tchicaya, Jeannot Bel Musumbu, M'bilia Bel , Yondo Sister , Tinderwet, Loketo , Rigo Star, Nyboma, Madilu System , Soukous Stars y veteranos como Pépé Kallé y Koffi Olomidé siguieron su ejemplo. Pronto París se convirtió en el hogar de talentosos músicos de estudio que grababan para los mercados africanos y caribeños y completaban bandas para giras ocasionales. ^{[49] [84] [55]} Diblo Dibala y Aurlus Mabélé dominaron los clubes con "Africa Moussou", creando un estilo hiperactivo de soukous de supervelocidad, apodado TGV soukous por los fanáticos, en alusión a los trenes de alta velocidad de Francia. ^[78]

Swede-Swede, un conjunto que emplea exclusivamente instrumentos tradicionales, opera desde Bélgica, mientras que Les Malo, compuesto principalmente por ex instructores del Instituto Nacional de Artes de Kinshasa, se especializa en afro-jazz en Lyon . ^[29] Tshala Muana ganó prominencia en África y Europa por su baile tradicional Luba de balanceo de cadera conocido como mutuashi , que hace olas en los estadios africanos y le valió el apodo de "Reina del Mutuashi". ^[29] Otras vocalistas femeninas como Déesse Mukangi, Djena Mandako, Faya Tess, Isa y Abby Surya obtuvieron un amplio reconocimiento. ^[29]

A finales de la década de 1990, músicos como Radja Kula, Wenge Musica , Koffi Olomidé , Général Defao y Extra Musica metamorfosearon el soukous en música de baile frenética y obscena, rebautizándola como ndombolo . ^{[85] [86] [87] [88] [89]} Este estilo aumentó en popularidad en toda África y en la diáspora del continente en Bélgica, Francia, el Reino Unido, Alemania, Canadá y los Estados Unidos. ^{[90] [91] [92]} Sin embargo, a principios de la década de 2000, el ndombolo enfrentó un escrutinio, con acusaciones de obscenidad que llevaron a intentos de prohibirlo en los medios estatales en la República Democrática del Congo, Camerún , Senegal , Malí y Kenia . ^{[93] [94] [95] [96]} En febrero de 2005, los videos musicales de ndombolo en la República Democrática del Congo fueron censurados por indecencia, lo que resultó en la prohibición de los videos de Koffi Olomidé, JB MPiana y Werrason en las ondas de radio. ^[97] A pesar de la censura, las ventas de discos de ndombolo aumentaron y siguieron siendo populares, y los nuevos lanzamientos dominaron las discotecas, bares y clubes de toda África. ^[98]

• Lista de músicos de Soukous
• Música de la República Democrática del Congo
• Músicos de la República Democrática del Congo
• Champeta
• Calipso
• Marrabenta
• Sebène

• Gary Stewart (2000). Rumba en el río: una historia de la música popular de los dos Congos . Verso. ISBN 1-85984-368-9.
• Wheeler, Jesse Samba (marzo de 2005). "Rumba lingala como resistencia colonial". Imagen y narrativa (10). Archivado desde el original el 15 de enero de 2016 . Consultado el 14 de julio de 2014 .

• Soukous en Curlie
• El sonido del sol: cómo el soukous me salvó la vida
• Grabación rara (1961) del guitarrista de soukous de estilo rural con los dedos, Pierre Gwa, con una guitarra hecha en casa
• Sitio de guitarras Soukous de GuitOp81 Archivado el 27 de febrero de 2017 en Wayback Machine