Barroco

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  Basílica de San Pedro , Roma, de Donato Bramante , Miguel Ángel , Carlo Maderno y otros, terminada en 1615 ^{[ 27 ]}
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  Santa Maria della Salute , Venecia, por Baldassare Longhena , 1631-1687 ^{[ 28 ]}
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  San Carlo alle Quattro Fontane , Roma, por Francesco Borromini , 1638-1677
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  Fontana dei Quattro Fiumi , Roma, por Gian Lorenzo Bernini , 1648-1651 ^{[ 29 ]}
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  Plaza de San Pedro , Roma, por Gian Lorenzo Bernini, 1656–1667 ^{[ 27 ]}
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  Santa Maria della Pace, Roma, por Pietro da Cortona , 1656-1667 ^{[ 30 ]}

El primer edificio de Roma con fachada barroca fue la iglesia del Gesù, en 1584. Si bien era sencilla para los estándares del barroco posterior, marcó una ruptura con las fachadas renacentistas tradicionales que la precedieron. El interior de esta iglesia se mantuvo muy austero hasta el pleno barroco, cuando se ornamentó profusamente.

En Roma, en 1605, Pablo V se convirtió en el primero de una serie de papas que encargaron basílicas y edificios religiosos diseñados para inspirar emoción y asombro mediante una proliferación de formas, una riqueza de colores y efectos dramáticos. ^{[ 31 ]} Entre los monumentos más influyentes del Barroco temprano se encontraban la fachada de la Basílica de San Pedro (1606-1619), y la nueva nave y logia que conectaban la fachada con la cúpula de Miguel Ángel en la iglesia anterior. El nuevo diseño creó un contraste dramático entre la imponente cúpula y la fachada desproporcionadamente ancha, y el contraste en la propia fachada entre las columnas dóricas y la gran masa del pórtico. ^{[ 32 ]}

Entre mediados y finales del siglo XVII, el estilo alcanzó su apogeo, posteriormente denominado Alto Barroco. Numerosas obras monumentales fueron encargadas por los papas Urbano VIII y Alejandro VII . El escultor y arquitecto Gian Lorenzo Bernini diseñó una nueva columnata cuádruple alrededor de la Plaza de San Pedro (1656-1667). Las tres galerías de columnas en una elipse gigante equilibran la cúpula descomunal y otorgan a la iglesia y a la plaza una unidad y la sensación de un gran teatro. ^{[ 33 ]}

Otro importante innovador del Alto Barroco italiano fue Francesco Borromini , cuya obra principal fue la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane o San Carlos de las Cuatro Fuentes (1634-1646). La sensación de movimiento no la proporciona la decoración, sino las propias paredes, que ondulan, y los elementos cóncavos y convexos, incluyendo una torre ovalada y un balcón insertados en un arco cóncavo. El interior fue igualmente revolucionario; el espacio principal de la iglesia era ovalado, bajo una cúpula ovalada. ^{[ 33 ]}

Los techos pintados, repletos de ángeles y santos, y los efectos arquitectónicos de trampantojo fueron una característica importante del Alto Barroco italiano. Entre las obras más destacadas se encuentran La entrada de San Ignacio en el Paraíso de Andrea Pozzo (1685-1695) en la iglesia de Sant'Ignazio, Roma , y ​​El triunfo del nombre de Jesús de Giovanni Battista Gaulli en la iglesia del Gesù en Roma (1669-1683), que presentaba figuras que parecían salirse del marco y una iluminación oblicua dramática y contrastes de luz y sombra. ^{[ 34 ]}

El estilo se extendió rápidamente desde Roma a otras regiones de Italia: apareció en Venecia en la iglesia de Santa Maria della Salute (1631–1687) de Baldassare Longhena , una forma octogonal muy original coronada con una enorme cúpula . También apareció en Turín , notablemente en la Capilla de la Sábana Santa (1668–1694) de Guarino Guarini . El estilo también comenzó a usarse en palacios; Guarini diseñó el Palazzo Carignano en Turín, mientras que Longhena diseñó Ca' Rezzonico en el Gran Canal (1657), terminado por Giorgio Massari y decorado con pinturas de Giovanni Battista Tiepolo . ^{[ 35 ]} Una serie de terremotos masivos en Sicilia requirieron la reconstrucción de la mayoría de ellos y varios fueron construidos en el exuberante estilo barroco tardío o rococó .

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  Palacio de San Telmo , Sevilla, Andalucía, por Leonardo de Figueroa , 1682-1754
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  Palacio de la Merced , Córdoba, Andalucía, 1245-1760
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  Palacio Real de Madrid , por Jean Bautista Sachetti , 1735–1764 ^{[ 36 ]}
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  Fachada de la Catedral de Santiago de Compostela , España, de Fernando de Casas Novoa , 1738 ^{[ 37 ]}
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  Palacio de la Virreina en Barcelona , ​​Cataluña, construido entre 1772 y 1778 por Josep Ausich
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  Basílica de Nuestra Señora de la Misericordia en Barcelona , ​​Cataluña, construida entre 1765 y 1775 por José Mas Dordal.
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  La Clerecía, Salamanca , Castilla y León, construida entre 1617 y 1754.
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  Iglesia-convento de Santa Teresa , en Ávila , Castilla y León, construida a principios del siglo XVII
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  Casa consistorial de Cuenca, en Cuenca , Castilla-La Mancha, construida entre 1760 y 1788 por Lorenzo de Santa María y Mateo López
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  Iglesia de Santos Juanes, Valencia , construida entre 1240 y 1702.

La Iglesia Católica en España, y en particular los jesuitas , fueron el motor de la arquitectura barroca española. La primera obra importante de este estilo fue la Capilla de San Isidro en Madrid , iniciada en 1643 por Pedro de la Torre . Contrastaba una riqueza ornamental extrema en el exterior con la sencillez del interior, dividido en múltiples espacios y utilizando efectos de luz para crear una sensación de misterio. ^{[ 38 ]} La Catedral de Santiago de Compostela fue modernizada con una serie de añadidos barrocos a partir de finales del siglo XVII, comenzando con un campanario muy ornamentado (1680), luego flanqueado por dos torres aún más altas y ornamentadas, llamadas Obradorio , añadidas entre 1738 y 1750 por Fernando de Casas Novoa . Otro hito del barroco español es la torre de la capilla del Palacio de San Telmo en Sevilla , obra de Leonardo de Figueroa . ^{[ 39 ]}

Granada, conquistada a los moros apenas en el siglo XV, poseía una variante propia del barroco. El pintor, escultor y arquitecto Alonso Cano diseñó el interior barroco de la catedral de Granada entre 1652 y su muerte en 1657. Este interior se caracteriza por el impactante contraste entre las enormes columnas blancas y la decoración dorada.

La arquitectura más ornamental y ricamente decorada del barroco español se denomina estilo churrigueresco , en honor a los hermanos Churriguera , quienes trabajaron principalmente en Salamanca y Madrid. Entre sus obras destacan los edificios de la Plaza Mayor de Salamanca (1729). ^{[ 39 ]} Este estilo barroco, de gran ornamentación, influyó en numerosas iglesias y catedrales construidas por los españoles en América.

Otros arquitectos barrocos españoles notables del Barroco tardío incluyen a Pedro de Ribera , discípulo de Churriguera, quien diseñó el Real Hospicio de San Fernando en Madrid, y a Narciso Tomé , quien diseñó el célebre retablo El Transparente en la Catedral de Toledo (1729-1732) que da la ilusión, con cierta luz, de flotar hacia arriba. ^{[ 39 ]}

Los arquitectos del barroco español tuvieron un impacto que trascendió las fronteras de España; su obra influyó notablemente en las iglesias construidas en las colonias españolas de Latinoamérica y Filipinas. Un buen ejemplo es la iglesia construida por los jesuitas para el Colegio de San Francisco Javier en Tepotzotlán , con su ornamentada fachada y torre barrocas. ^{[ 40 ]}

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  Poznań Fara , Poznań, Polonia, por Bartłomiej Nataniel Wąsowski , Giovanni Catenazzi y Pompeo Ferrari , 1651-1732
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  Palacio de Wilanów , Varsovia, Polonia, arquitecto desconocido, 1677–1679 ^{[ 41 ]}
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  Columna de la peste, Viena , Austria, por Matthias Rauchmiller y Johann Bernhard Fischer von Erlach , 1682 y 1694 ^{[ 42 ]}
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  Iglesia de San Nicolás , Praga, República Checa, por Christoph Dientzenhofer , 1703–1711 ^{[ 43 ]}
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  Exterior de la Karlskirche , Viena, por Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1715-1737 ^{[ 44 ]}
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  Interior de la Karlskirche, por Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1715-1737 ^{[ 44 ]}
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  Alto Belvedere , Viena, por Johann Lukas von Hildebrandt , 1717-1723 ^{[ 45 ]}
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  Palacio de Rogalin, Rogalin , Polonia, arquitecto desconocido, 1768–1774 ^{[ 46 ]}

Entre 1680 y 1750, se construyeron numerosas catedrales, abadías e iglesias de peregrinación ricamente ornamentadas en Europa Central, Austria, Bohemia y el suroeste de Polonia. Algunas eran de estilo rococó , un estilo distintivo, más ostentoso y asimétrico, que surgió del barroco y lo reemplazó en Europa Central durante la primera mitad del siglo XVIII, hasta que a su vez fue reemplazado por el clasicismo. ^{[ 47 ]}

Los príncipes de la multitud de estados de esa región también eligieron el barroco o el rococó para sus palacios y residencias, y a menudo recurrieron a arquitectos formados en Italia para construirlos. ^{[ 48 ]}

Un ejemplo notable es la iglesia de San Nicolás (Malá Strana) en Praga (1704-1755), construida por Christoph Dientzenhofer y su hijo Kilian Ignaz Dientzenhofer . La decoración cubre todas las paredes del interior de la iglesia. El altar se ubica en la nave, bajo la cúpula central, y rodeado de capillas; la luz desciende desde la cúpula y desde las capillas circundantes. El altar está completamente rodeado de arcos, columnas, balaustradas curvas y pilastras de piedra de colores, ricamente decoradas con estatuas, creando una deliberada confusión entre la arquitectura real y la decoración. La arquitectura se transforma en un teatro de luz, color y movimiento. ^{[ 25 ]}

En Polonia, el barroco polaco de inspiración italiana duró desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII y enfatizó la riqueza de detalles y colores. El primer edificio barroco en la Polonia actual y probablemente uno de los más reconocibles es la Iglesia de San Pedro y San Pablo, Cracovia , diseñada por Giovanni Battista Trevano . La Columna de Segismundo en Varsovia , erigida en 1644, fue el primer monumento barroco secular del mundo construido en forma de columna. ^{[ 49 ]} El estilo de residencia palaciega fue ejemplificado por el Palacio de Wilanów , construido entre 1677 y 1696. ^{[ 50 ]} El arquitecto barroco más renombrado activo en Polonia fue el holandés Tylman van Gameren y sus obras notables incluyen la Iglesia de San Kazimierz y el Palacio Krasiński de Varsovia , la Iglesia de Santa Ana, Cracovia y el Palacio Branicki, Białystok . ^{[ 51 ]} Sin embargo, la obra más célebre del barroco polaco es la iglesia de Poznań Fara , con detalles de Pompeo Ferrari . Después de la Guerra de los Treinta Años, bajo los acuerdos de la Paz de Westfalia, se construyeron dos estructuras barrocas únicas de entramado de madera y barro : la Iglesia de la Paz en Jawor , la Iglesia de la Santísima Trinidad de la Paz en Świdnica, el templo barroco de madera más grande de Europa.

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  Zwinger, Dresde , Alemania, por Matthäus Daniel Pöppelmann y Balthasar Permoser , 1710-1728
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  Residencia de Würzburg , Würzburg, Alemania, Balthasar Neumann , 1720–1744
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  Frauenkirche, Dresde , Alemania, por George Bähr , 1726 y 1743

Los numerosos estados del Sacro Imperio Romano Germánico, en el territorio de la actual Alemania, buscaban representarse con impresionantes edificios barrocos. ^{[ 52 ]} Entre los arquitectos más destacados se encontraban Johann Bernhard Fischer von Erlach , Lukas von Hildebrandt y Dominikus Zimmermann en Baviera , Balthasar Neumann en Brühl y Matthäus Daniel Pöppelmann en Dresde. En Prusia , Federico II se inspiró en el Gran Trianón del Palacio de Versalles y lo utilizó como modelo para su residencia de verano, Sanssouci , en Potsdam , diseñada para él por Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Otra obra de la arquitectura palaciega barroca es el Zwinger (Dresde) , la antigua orangerie del palacio de los electores de Sajonia en el siglo XVIII.

Uno de los mejores ejemplos de una iglesia rococó es la Basílica de los Catorce Santos Auxiliadores , una iglesia de peregrinación ubicada cerca de la ciudad de Bad Staffelstein , cerca de Bamberg, en Baviera, al sur de Alemania. La Basílica fue diseñada por Balthasar Neumann y se construyó entre 1743 y 1772. Su planta consiste en una serie de círculos entrelazados alrededor de un óvalo central, con el altar ubicado en el centro exacto de la iglesia. El interior de esta iglesia ilustra la cúspide de la decoración rococó. ^{[ 53 ]} Otro ejemplo notable del estilo es la Iglesia de Peregrinación de Wies ( en alemán : Wieskirche ). Fue diseñada por los hermanos JB y Dominikus Zimmermann . Está ubicada en las estribaciones de los Alpes , en el municipio de Steingaden , en el distrito de Weilheim-Schongau , Baviera, Alemania. Su construcción tuvo lugar entre 1745 y 1754, y el interior fue decorado con frescos y estucos al estilo de la escuela de Wessobrunner . Actualmente es Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO .

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  Castillo de Maisons , Francia, por François Mansart , 1630-1651 ^{[ 54 ]}
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  Galerie d'Apollon , Palacio del Louvre, París, por Louis Le Vau y Charles Le Brun , después de 1661 ^{[ 55 ]}
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  Fachada este del Palacio del Louvre, París, por Claude Perrault y Louis Le Vau, 1665–1680 ^{[ 56 ]}
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  Capilla del Palacio de Versalles , Versalles, Francia, 1696–1710 ^{[ 57 ]}
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  Porte Saint-Denis , París, por François Blondel , 1672 ^{[ 58 ]}
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  Dôme des Invalides , París, por Jules Hardouin-Mansart , 1677-1706 ^{[ 59 ]}
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  Salón de los Espejos del Palacio de Versalles, 1678–1684 ^{[ 60 ]}
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  Fachada ajardinada del Palacio de Versalles, por Jules Hardouin-Mansart, 1678–1688 ^{[ 61 ]}
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  Patio de mármol del Palacio de Versalles, 1680 ^{[ 62 ]}
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  Place Vendôme , París, por Jules Hardouin-Mansart, 1699-1706 ^{[ 63 ]}
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  Hôtel de Rothelin-Charolais , París, por Pierre Cailleteau , 1700-1704 ^{[ 64 ]}

El barroco en Francia se desarrolló de forma muy distinta a las versiones locales, ornamentadas y dramáticas, del barroco de Italia, España y el resto de Europa. En comparación, se presenta más severo, distante y sobrio, anticipándose al neoclasicismo y a la arquitectura de la Ilustración . A diferencia de los edificios italianos, los edificios barrocos franceses carecen de frontones partidos o fachadas curvilíneas. Incluso los edificios religiosos evitaron el intenso dramatismo espacial que se encuentra en la obra de Borromini . El estilo está estrechamente asociado con las obras construidas para Luis XIV (reinado 1643-1715), y por ello, también se le conoce como el estilo Luis XIV . Luis XIV invitó al maestro del barroco, Bernini, a presentar un diseño para el nuevo ala este del Louvre , pero lo rechazó en favor de un diseño más clásico de Claude Perrault y Louis Le Vau . ^{[ 65 ] [ 66 ]}

Entre los principales arquitectos de este estilo se encuentran François Mansart (1598-1666), Pierre Le Muet (Iglesia de Val-de-Grâce , 1645-1665) y Louis Le Vau ( Vaux-le-Vicomte , 1657-1661). Mansart fue el primer arquitecto en introducir el estilo barroco, principalmente el uso frecuente de un orden aplicado y un marcado rusticado , en el vocabulario arquitectónico francés. El tejado abuhardillado no fue inventado por Mansart, pero se le ha asociado con frecuencia debido a su uso habitual. ^{[ 67 ]}

El principal proyecto real de la época fue la ampliación del Palacio de Versalles , iniciada en 1661 por Le Vau con decoración del pintor Charles Le Brun . Los jardines fueron diseñados por André Le Nôtre específicamente para complementar y realzar la arquitectura. La Galería de los Espejos , pieza central del palacio, con pinturas de Le Brun, se construyó entre 1678 y 1686. Mansart completó el Gran Trianón en 1687. La capilla, diseñada por Robert de Cotte , se terminó en 1710. Tras la muerte de Luis XIV, Luis XV añadió el más íntimo Pequeño Trianón y el teatro ricamente ornamentado. Las fuentes de los jardines fueron diseñadas para ser vistas desde el interior y para contribuir al efecto dramático. El palacio fue admirado y copiado por otros monarcas de Europa, en particular Pedro el Grande de Rusia, quien visitó Versalles a principios del reinado de Luis XV y construyó su propia versión en el Palacio de Peterhof , cerca de San Petersburgo, entre 1705 y 1725. ^{[ 68 ]}

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  Biblioteca Universitaria , Universidad de Coimbra, Coimbra, Portugal, por Gaspar Ferreira , 1716-1728 ^{[ 69 ]}
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  Palacio de Mafra , Mafra, Portugal, por João Frederico Ludovice , 1717-1755 ^{[ 70 ]}
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  Azulejo en los claustros del Monasterio de São Vicente de Fora , Lisboa, Portugal, con una escena basada en un grabado de Jean Le Pautre , arquitecto o artesano desconocido, 1730-1735 ^{[ 71 ]}
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  Gran Escalera del Santuario de Bom Jesus do Monte , Braga, Portugal, de Carlos Luís Ferreira Amarante y otros, c. 1784 ^{[ 72 ]}

La arquitectura barroca en Portugal duró aproximadamente dos siglos (finales del siglo XVII y el siglo XVIII). Los reinados de Juan V y José I incrementaron las importaciones de oro y diamantes, en un período conocido como absolutismo real, lo que permitió que el barroco portugués floreciera.

La arquitectura barroca en Portugal goza de una situación especial y una cronología diferente a la del resto de Europa.

Está condicionado por varios factores políticos, artísticos y económicos, que originan varias fases y diferentes tipos de influencias externas, resultando en una mezcla única, ^{[ 73 ]} a menudo malinterpretada por quienes buscan arte italiano, encuentran en cambio formas y carácter específicos que le dan una variedad singularmente portuguesa. Otro factor clave es la existencia de la arquitectura jesuítica, también llamada "estilo simple" (Estilo Chão o Estilo Plano) ^{[ 74 ]} que, como su nombre indica, es más simple y parece algo austera.

Los edificios son basílicas de una sola nave, con una capilla principal profunda y capillas laterales (con pequeñas puertas de comunicación), sin decoración interior ni exterior, con portales y ventanas sencillos. Se trata de una construcción práctica, que permitía edificarla en todo el imperio con pequeñas modificaciones y prepararla para su posterior decoración o cuando se dispusiera de los recursos económicos necesarios.

De hecho, el primer barroco portugués no carece de elementos arquitectónicos, ya que el estilo sencillo se presta fácilmente a la transformación mediante la decoración (pintura, azulejos, etc.), convirtiendo espacios vacíos en pomposos y elaborados escenarios barrocos. Lo mismo se aplica al exterior. Posteriormente, resulta sencillo adaptar el edificio al gusto de la época y del lugar, y añadirle nuevos elementos y detalles. Práctico y económico.

Con más habitantes y mejores recursos económicos, el norte, en particular las áreas de Porto y Braga , ^{[ 75 ] [ 76 ] [ 77 ]} fue testigo de una renovación arquitectónica, visible en la larga lista de iglesias, conventos y palacios construidos por la aristocracia.

Porto es la ciudad barroca de Portugal. Su centro histórico forma parte de la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO . ^{[ 78 ]}

Muchas de las obras barrocas en el área histórica de la ciudad y más allá pertenecen a Nicolau Nasoni , un arquitecto italiano que vive en Portugal, que dibujó edificios originales con ubicación escenográfica como la iglesia y la torre de los Clérigos , ^{[ 79 ]} la logia de la Catedral de Oporto , la iglesia de la Misericordia, el Palacio de São João Novo , ^{[ 80 ]} el Palacio de Freixo , ^{[ 81 ]} el Palacio Episcopal ( portugués : Paço Episcopal do Porto ) ^{[ 82 ]} junto con muchos otros.

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  Jardines de Peterhof , San Petersburgo , Rusia, arquitecto desconocido, 1746–1758 ^{[ 83 ]}
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  Convento de Smolny , San Petersburgo, por Francesco Bartolomeo Rastrelli , 1748 ^{[ 84 ]}
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  Tsarskoe Selo , Pushkin, Rusia, por Francesco Bartolomeo Rastrelli, 1749-1756 ^{[ 85 ]}

El debut del barroco ruso, o barroco petrino , se produjo tras una larga visita de Pedro el Grande a Europa occidental entre 1697 y 1698, donde visitó los castillos de Fontainebleau y Versalles , así como otros monumentos arquitectónicos. A su regreso a Rusia, decidió construir monumentos similares en San Petersburgo , que se convirtió en la nueva capital de Rusia en 1712. Entre los primeros monumentos importantes del barroco petrino destacan la catedral de San Pedro y San Pablo y el palacio Menshikov .

Durante el reinado de Ana e Isabel , la arquitectura rusa estuvo dominada por el lujoso estilo barroco del italiano Francesco Bartolomeo Rastrelli , que evolucionó hasta convertirse en el barroco isabelino . Entre los edificios más emblemáticos de Rastrelli se encuentran el Palacio de Invierno , el Palacio de Catalina y la Catedral de Smolny . Otros monumentos distintivos del barroco isabelino son el campanario del Monasterio de la Troitse-Sergiyeva y la Puerta Roja . ^{[ 86 ]}

En Moscú , el barroco de Naryshkin se popularizó, especialmente en la arquitectura de las iglesias ortodoxas orientales a finales del siglo XVII. Era una combinación del barroco de Europa occidental con estilos folclóricos tradicionales rusos .

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  Iglesia de San Francisco de Asís (Ouro Preto) , Minas Gerais, Brasil , por Aleijadinho , 1765–1788
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  Basílica de San Francisco de Asís, La Habana , Cuba, arquitecto desconocido, 1548-1738 ^{[ 87 ]}
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  Iglesia de San Francisco Acatepec , San Andrés Cholula, Puebla, México, arquitecto desconocido, siglos XVII-XVIII
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  Catedral Metropolitana de Quito , Quito, Ecuador, obra de Antonio García y otros, 1535–1799.
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  Catedral Metropolitana de Sucre en Sucre , Bolivia, 1551–1712
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  Iglesia de Santo Domingo, Santiago , Chile, arquitecto desconocido, 1747–1808 ^{[ 88 ]}
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  Iglesia de Santa Prisca de Taxco , Taxco, México, por Diego Durán y Cayetano Sigüenza , 1751–1758 ^{[ 89 ]}
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  Iglesia de la Recolección , León, Nicaragua , 1786–1788

Fachada de la iglesia jesuita de Cusco , Perú, por Jean-Baptiste Gilles y Diego Martínez de Oviedo, 1576–1668 ^{[ 90 ]}

Pinturas murales coloniales conservadas de 1802 que representan el infierno, ^{[ 91 ] [ 92 ] [ 93 ]} de Tadeo Escalante, dentro de la Iglesia de San Juan Bautista en Huaro , Perú

Debido a la colonización de América por los países europeos, el Barroco se trasladó naturalmente al Nuevo Mundo , encontrando un terreno especialmente favorable en las regiones dominadas por España y Portugal , ambos países monarquías centralizadas e irreductiblemente católicas, por extensión sometidas a Roma y seguidoras de la Contrarreforma barroca . Artistas europeos emigraron a América y fundaron escuelas, y junto con la amplia penetración de misioneros católicos , muchos de los cuales eran artistas talentosos, crearon un Barroco multiforme, a menudo influenciado por el gusto popular. Los artesanos criollos e indígenas contribuyeron en gran medida a dotar a este Barroco de características únicas. Los principales centros de cultivo del Barroco americano que aún perduran son (en este orden): México , Perú , Brasil , Cuba , Ecuador , Colombia , Bolivia , Guatemala , Nicaragua , Puerto Rico y Panamá .

Cabe destacar el llamado «barroco misionero», desarrollado en el marco de las reducciones españolas en áreas que se extendían desde México y el suroeste de los actuales Estados Unidos hasta Argentina y Chile. Estos asentamientos indígenas fueron organizados por misioneros católicos españoles con el fin de convertirlos a la fe cristiana y aculturarlos a la vida occidental, dando lugar a un barroco híbrido influenciado por la cultura indígena, donde florecieron criollos y numerosos artesanos y músicos indígenas, algunos incluso letrados, de gran habilidad y talento. Los relatos de los misioneros a menudo repiten que el arte occidental, especialmente la música, ejercía una influencia hipnótica sobre los indígenas, y que las imágenes de los santos eran consideradas poseedoras de grandes poderes. Muchos indígenas se convirtieron y se creó una nueva forma de devoción, de apasionada intensidad, cargada de misticismo, superstición y teatralidad, que se deleitaba en misas festivas, conciertos sacros y misterios. ^{[ 94 ] [ 95 ]}

La arquitectura barroca colonial en la América española se caracteriza por una profusa decoración (portal de la Iglesia de La Profesa , Ciudad de México; fachadas cubiertas con azulejos de estilo poblano , como en la Iglesia de San Francisco Acatepec en San Andrés Cholula y la Iglesia del Convento de San Francisco, Puebla ), que se exacerbará en el llamado estilo churrigueresco (fachada del Tabernáculo de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México , por Lorenzo Rodríguez ; Iglesia de San Francisco Javier, Tepotzotlán ; Iglesia de Santa Prisca de Taxco ). En Perú, las construcciones desarrolladas principalmente en las ciudades de Lima , Cusco , Arequipa y Trujillo , desde 1650 muestran características originales que se adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de muros acolchados y columnas salomónicas ( Iglesia de la Compañía de Jesús, Cusco ; Basílica y Convento de San Francisco, Lima ). ^{[ 96 ]} Otros países incluyen: la Catedral Metropolitana de Sucre en Bolivia; Catedral Basílica de Esquipulas en Guatemala; Catedral de Tegucigalpa en Honduras; Catedral de León en Nicaragua; la Iglesia de la Compañía de Jesús, Quito , Ecuador; la Iglesia de San Ignacio, Bogotá , Colombia; la Catedral de Caracas en Venezuela; el Cabildo de Buenos Aires en Argentina; la Iglesia de Santo Domingo en Santiago , Chile; y la Catedral de La Habana en Cuba. También cabe recordar la calidad de las iglesias de las Misiones Jesuíticas Españolas en Bolivia , Misiones Jesuíticas Españolas en Paraguay , las Misiones Jesuíticas Españolas en México y las Misiones Franciscanas Españolas en California . ^{[ 97 ]}

En Brasil , al igual que en la metrópoli portuguesa , la arquitectura presenta cierta influencia italiana , generalmente de tipo borrominesco , como se puede apreciar en la Concatedral de Recife (1784) y la Iglesia de Nossa Senhora da Glória do Outeiro en Río de Janeiro (1739). En la región de Minas Gerais , destaca la obra de Aleijadinho , autor de un conjunto de iglesias que sobresalen por su planimetría curva, fachadas con efectos dinámicos cóncavo-convexos y un tratamiento plástico de todos los elementos arquitectónicos ( Iglesia de São Francisco de Assis, Ouro Preto , 1765-1788).

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  São Paulo en Macao , China, arquitecto desconocido, 1601 ^{[ 98 ]}
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  São Paulo en Diu, India , arquitecto desconocido, 1601 ^{[ 99 ]}
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  Catedral de Manila en una pintura de 1792, en Intramuros , Manila, Filipinas.
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  Basílica de Bom Jesus en Goa , India, 1594–1605

En las colonias portuguesas de la India ( Goa , Daman y Diu ) floreció un estilo arquitectónico que fusionaba formas barrocas con elementos hindúes, como la Catedral de Se y la Basílica de Bom Jesus de Goa, que alberga la tumba de San Francisco Javier . El conjunto de iglesias y conventos de Goa fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 1986.

En Filipinas , que fue colonia española durante más de tres siglos, se conserva un gran número de construcciones barrocas . Cuatro de ellas, así como la ciudad barroca y neoclásica de Vigan , son Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO ; y aunque carecen de una clasificación formal, la Ciudad Amurallada de Manila, junto con la ciudad de Tayabas, albergan una importante extensión de arquitectura de la época barroca española.

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  Iglesia del Monasterio de Golia , Iași , Rumania, arquitecto desconocido, 1650–1660
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  Monasterio de Horezu , Horezu, Rumania, con una columna salomónica , arquitecto desconocido, siglos XVII-XVIII ^{[ 100 ]}
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  Puerta y pedestal de la iglesia de los Santos Constantino y Elena, monasterio de Horezu, arquitecto o escultor desconocido, 1692-1694.
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  Barandilla maximalista del Palacio de Potlogi , Potlogi, arquitecto desconocido, 1698.
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  Columnas y barandillas retorcidas del Palacio de Mogoșoaia , Mogoșoaia, arquitecto desconocido, principios del siglo XVIII ^{[ 101 ]}
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  Cartela sobre una piedra dañada en el patio del monasterio de Antim , Bucarest, escultor desconocido, finales del siglo XVII-principios del siglo XVIII.

Como vimos, el barroco es un estilo occidental, nacido en Italia. A través de las relaciones comerciales y culturales de los italianos con los países de la península balcánica , incluyendo Moldavia y Valaquia , las influencias barrocas llegaron a Europa del Este. Estas influencias no fueron muy fuertes, ya que generalmente se manifiestan en la arquitectura y los ornamentos esculpidos en piedra, y también se mezclan intensamente con detalles tomados del arte bizantino e islámico .

Antes y después de la caída del Imperio Bizantino , todo el arte de Valaquia y Moldavia estuvo influenciado principalmente por el de Constantinopla . Hasta finales del siglo XVI, con escasas modificaciones, los planos de iglesias y monasterios, los murales y los ornamentos tallados en piedra permanecieron prácticamente inalterados. A partir del periodo que comenzó con los reinados de Matei Basarab (1632-1654) y Vasile Lupu (1634-1653), coincidiendo con la popularización del barroco italiano, se añadieron nuevos ornamentos y cambió el estilo del mobiliario religioso. Este cambio no fue casual. Elementos y principios decorativos llegaron de Italia, a través de Venecia o de las regiones dálmatas , y fueron adoptados por arquitectos y artesanos de Oriente. Los marcos de ventanas y puertas, las placas conmemorativas, las lápidas, las columnas y barandillas, y parte del mobiliario de bronce, plata o madera, adquirieron mayor relevancia. También existían antes, inspiradas en la tradición bizantina, pero adquirieron un aspecto más realista, mostrando delicados motivos florales. El relieve , que también existía anteriormente, se acentuó, adquiriendo volumen y consistencia. Antes de este período, los relieves de Valaquia y Moldavia, al igual que los de Oriente, tenían solo dos niveles, a poca distancia uno del otro, uno en la superficie y el otro en profundidad. Grandes flores, quizás rosas , peonías o cardos , hojas gruesas de acanto u otra planta similar, se retorcían en las columnas o rodeaban puertas y ventanas. Un lugar donde el barroco tuvo una fuerte influencia fueron las columnas y las barandillas . Los capiteles estaban más decorados que antes con follaje. Las columnas a menudo tienen fustes retorcidos, una reinterpretación local de la columna salomónica . Barandillas maximalistas se colocan entre estas columnas, decoradas con riscos . Algunas de las del Palacio de Mogoșoaia también están decoradas con delfines. Los cartuchos también se utilizan a veces, sobre todo en lápidas, como en la de Constantin Brâncoveanu . Este movimiento se conoce como el estilo Brâncovenesc , en honor a Constantin Brâncoveanu , gobernante de Valaquia cuyo reinado (1654-1714) está muy asociado con este tipo de arquitectura y diseño. El estilo también está presente durante el siglo XVIII y en parte del XIX. Muchas de las iglesias y residencias erigidas por boyardos y voivodasEntre estos periodos se encuentra el de Brâncovenesc. Si bien se aprecian claramente las influencias barrocas, el estilo de Brâncovenesc se inspira mucho más en la tradición local.

A medida que avanzaba el siglo XVIII, con los reinados de los fanariotas (miembros de familias griegas prominentes de Fanar , Estambul) en Valaquia y Moldavia, las influencias barrocas también llegaron desde Estambul. Si bien ya habían llegado antes, durante el siglo XVII, con los fanariotas, los motivos barrocos más occidentales que llegaron al Imperio Otomano tuvieron su destino final en la actual Rumania. En Moldavia, los elementos barrocos también provienen de Rusia, donde la influencia del arte italiano era fuerte. ^{[ 102 ]}

En Hispanoamérica, las primeras influencias provinieron del tenebrismo sevillano , principalmente de Zurbarán —algunas de cuyas obras aún se conservan en México y Perú— como se puede apreciar en la obra de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga , y del boliviano Melchor Pérez de Holguín . La Escuela Cusqueña de pintura surgió tras la llegada del pintor italiano Bernardo Bitti en 1583, quien introdujo el manierismo en América. Destacó la obra de Luis de Riaño , discípulo del italiano Angelino Medoro , autor de los murales de la Iglesia de San Pedro, Andahuaylillas . También destacó a los pintores indígenas ( quechuas ) Diego Quispe Tito y Basilio Santa Cruz Pumacallao , así como a Marcos Zapata , autor de los cincuenta grandes lienzos que cubren los altos arcos de la Catedral de Cusco . En Ecuador , se formó la Escuela Quito , representada principalmente por el mestizo Miguel de Santiago y el criollo Nicolás Javier de Goríbar .

En el siglo XVIII, los retablos escultóricos comenzaron a ser reemplazados por pinturas, desarrollándose notablemente la pintura barroca en América. De igual modo, creció la demanda de obras civiles, principalmente retratos de las clases aristocráticas y la jerarquía eclesiástica. La principal influencia fue la del murillesco y, en algunos casos —como en el criollo Cristóbal de Villalpando— la de Juan de Valdés Leal . La pintura de esta época tiene un tono más sentimental, con formas dulces y suaves. Entre sus exponentes destacan Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos en Colombia, y Juan Rodríguez Juárez y Miguel Cabrera en México.

• Giovanni Gabrieli (c.1554/1557–1612) Sonata pian' e forte (1597), In Ecclesiis (from Symphoniae sacrae book 2, 1615)
• Cristóbal de Medrano (c. 1561 – 1597), voce mea cum sex vocibus (1594)
• Giovanni Girolamo Kapsperger (c. 1580–1651) Libro primo di villanelle, 20 (1610)
• Claudio Monteverdi (1567–1643), L'Orfeo, favola in musica (1610)
• Heinrich Schütz (1585–1672), Musikalische Exequien (1629, 1647, 1650)
• Francesco Cavalli (1602–1676), L'Egisto (1643), Ercole amante (1662), Scipione affricano (1664)

  

• Johann Jacob Froberger (1616–1667), Complete Music for Harpsichord and Organ, Simone Stella
• Jean-Baptiste Lully (1632–1687), Armide (1686)
• Marc-Antoine Charpentier (1643–1704), Te Deum (1688–1698)
• Heinrich Ignaz Franz Biber (1644–1704), Mystery Sonatas (1681)
• John Blow (1649–1708), Venus and Adonis (1680–1687)
• Johann Pachelbel (1653–1706), Canon in D (1680)
• Arcangelo Corelli (1653–1713), 12 concerti grossi, Op. 6 (1714)
• Marin Marais (1656–1728), Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723)
• Henry Purcell (1659–1695), Dido and Aeneas (1688)
• Alessandro Scarlatti (1660–1725), L'honestà negli amori (1680), Il Pompeo (1683), Mitridate Eupatore (1707)
• François Couperin (1668–1733), Les barricades mystérieuses (1717)
• Tomaso Albinoni (1671–1751), Didone abbandonata (1724)
• Antonio Vivaldi (1678–1741), The Four Seasons (1725)
• Jan Dismas Zelenka (1679–1745), Il Serpente di Bronzo (1730), Missa Sanctissimae Trinitatis (1736)
• Georg Philipp Telemann (1681–1767), Der Tag des Gerichts (1762)
• Johann David Heinichen (1683–1729)
• Jean-Philippe Rameau (1683–1764), Dardanus (1739)
• George Frideric Handel (1685–1759), Water Music (1717), Messiah (1741), Music for the Royal Fireworks (1749)
• Domenico Scarlatti (1685–1757), Sonatas for harpsichord
• Johann Sebastian Bach (1685–1750), Toccata and Fugue in D minor (1703–1707), Brandenburg Concertos (1721), St Matthew Passion (1727)
• Nicola Porpora (1686–1768), Semiramide riconosciuta (1729)
• Giovanni Battista Pergolesi (1710–1736), Stabat Mater (1736)

Following the evolution marked from Spain, at the end of the 16th century, the companies of comedians, essentially transhumant, began to professionalize. With professionalization came regulation and censorship: as in Europe, the theatre oscillated between tolerance and even government protection and rejection (with exceptions) or persecution by the Church. The theatre was useful to the authorities as an instrument to disseminate the desired behavior and models, respect for the social order and the monarchy, school of religious dogma.^[152]

The corrales were administered for the benefit of hospitals that shared the benefits of the representations. The itinerant companies (or "of the league"), who carried the theatre in improvised open-air stages by the regions that did not have fixed locals, required a viceregal license to work, whose price or pinción was destined to alms and works pious.^[152] For companies that worked stably in the capitals and major cities, one of their main sources of income was participation in the festivities of the Corpus Christi, which provided them with not only economic benefits, but also recognition and social prestige. The representations in the viceregal palace and the mansions of the aristocracy, where they represented both the comedies of their repertoire and special productions with great lighting effects, scenery, and stage, were also an important source of well-paid and prestigious work.^[152]

Born in the Viceroyalty of New Spain^[153] but later settled in Spain, Juan Ruiz de Alarcón is the most prominent figure in the Baroque theatre of New Spain. Despite his accommodation to Lope de Vega's new comedy, his "marked secularism", his discretion and restraint, and a keen capacity for "psychological penetration" as distinctive features of Alarcón against his Spanish contemporaries have been noted. Noteworthy among his works La verdad sospechosa, a comedy of characters that reflected his constant moralizing purpose.^[152] The dramatic production of Sor Juana Inés de la Cruz places her as the second figure of the Spanish-American Baroque theatre. It is worth mentioning among her works the auto sacramentalEl divino Narciso and the comedy Los empeños de una casa.

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  Meudon Observatory, Château de Meudon, Meudon, France, an example of an early Rococo building from the last years of Louis XIV, unknown architect, 1706–1709^[162]
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  Chest of drawers; by Charles Cressent; c.1730; various wood types; gilt-bronze mounts and a Brèche d'Aleps marble top; height: 91.1 cm; Waddesdon Manor, Waddesdon, UK
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  Amalienburg, Nymphenburg Palace Park, Munich, Germany, by François de Cuvilliés, 1734–1739^[163]
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  Salon Oval de la Princesse of the Hôtel de Soubise, Paris, by Germain Boffrand, Charles-Joseph Natoire and Jean-Baptiste Lemoyne, 1737–1739
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  The Triumph of Venus; by François Boucher; 1740; oil on canvas; 130 × 162 cm; Nationalmuseum, Stockholm, Sweden
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  Vieux-Laque Room, Schönbrunn Palace, Vienna, Austria, decorated with Chinese black lacquerware panels, by Nikolaus Pacassi, 1743–1763^[164]
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  Gate with two statues and elaborate wrought-iron grilles, Würzburg, Germany, grilles by Johann Georg Oegg, 1752
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  Chinese House, Sanssouci Park, Potsdam, Germany, an example of Chinoiserie, by Johann Gottfried Büring, 1755–1764^[165]
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  Coffeepot, decorated with foliage; 1757; silver; height: 29.5 cm; Metropolitan Museum of Art, New York
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  The Music Lesson; by the Chelsea porcelain factory; c.1765; soft-paste porcelain; 39.1 × 31.1 × 22.2 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Pagod, based on Asian figures of Budai, an example of Chinoiserie; by Johann Joachim Kändler; c.1765; hard paste porcelain; Metropolitan Museum of Art^[166]
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  Cartouche from the Second Livre de Cartouches, an example of asymmetry; c.1710–1772; engraving on paper; 23 x 19.8 cm; Rijksmuseum, Amsterdam, the Netherlands

The Rococo is the final stage of the Baroque, and in many ways took the Baroque's fundamental qualities of illusion and drama to their logical extremes. Beginning in France as a reaction against the heavy Baroque grandeur of Louis XIV's court at the Palace of Versailles, the rococo movement became associated particularly with the powerful Madame de Pompadour (1721–1764), the mistress of the new king, Louis XV (1710–1774). Because of this, the style was also known as Pompadour. Although it's highly associated with the reign of Louis XV, it didn't appear in this period. Multiple works from the last years of Louis XIV's reign are examples of early Rococo. The name of the movement derives from the French rocaille, or pebble, and refers to stones and shells that decorate the interiors of caves, as similar shell forms became a common feature in Rococo design. It began as a design and decorative arts style, and was characterized by elegant flowing shapes. Architecture followed and then painting and sculpture. The French painter with whom the term Rococo is most often associated is Jean-Antoine Watteau, whose pastoral scenes, or fêtes galantes, dominate the early part of the 18th century.

There are multiple similarities between Rococo and Baroque. Both styles insist on monumental forms, and so use continuous spaces, double columns or pilasters, and luxurious materials (including gilded elements). There also noticeable differences. Rococo designed freed themselves from the adherence to symmetry that had dominated architecture and design since the Renaissance. Many small objects, like ink pots or porcelain figures, but also some ornaments, are often asymmetrical. This goes hand in hand with the fact that most ornamentation consisted of interpretation of foliage and sea shells, not as many Classical ornaments inherited from the Renaissance like in Baroque. Another key difference is the fact that since the Baroque is the main cultural manifestation of the spirit of the Counter-Reformation, it is most often associated with ecclesiastical architecture. In contrast, the Rococo is mainly associated with palaces and domestic architecture. In Paris, the popularity of the Rococo coincided with the emergence of the salon as a new type of social gathering, the venues for which were often decorated in this style. Rococo rooms were typically smaller than their Baroque counterparts, reflecting a movement towards domestic intimacy.^[167] Colours also match this change, from the earthy tones of Caravaggio's paintings, and the interiors of red marble and gilded mounts of the reign of Louis XIV, to the pastel and relaxed pale blue, Pompadour pink, and white of the Louis XV and Madame de Pompadour's France. Similarly to colours, there was also a transition from serious, dramatic and moralistic subjects in painting and sculpture, to lighthearted and joyful themes.

One last difference between Baroque and Rococo is the interest that 18th-century aristocrats had for East Asia. Orientalist trends in Western aesthetics were present before the Baroque period, but they tended to draw inspiration from Islamic rather than East Asian sources. This continued during the Baroque period, as exemplified by the Turkish-inspired style known as Turquerie. Orientalist fascination with the Islamic world (including Turquerie) would continue into and beyond the Rococo period; however, by that time, Chinese and other East Asian cultures would also come to influence Western aesthetics. Chinoiserie was a style in fine art, architecture and design, popular during the 18th century, that was heavily inspired by Chinese art, but also by Rococo at the same time. Because traveling to China or other Far Eastern countries was hard at that time and so remained mysterious to most Westerners, European imagination were fuelled by perceptions of Asia as a place of wealth and luxury, and consequently patrons from emperors to merchants vied with each other in adorning their living quarters with Asian goods and decorating them in Asian styles. Where Asian objects were hard to obtain, European craftsmen and painters stepped up to fill the demand, creating a blend of Rococo forms and Asian figures, motifs and techniques. Aside from European recreations of objects in East Asian style, Chinese lacquerware was reused in multiple ways. European aristocrats fully decorated a handful of rooms of palaces, with Chinese lacquer panels used as wall panels. Due to its aspect, black lacquer was popular for Western men's studies. Those panels used were usually glossy and black, made in the Henan province of China. They were made of multiple layers of lacquer, then incised with motifs in-filled with colour and gold. Chinese, but also Japanese lacquer panels were also used by some 18th-century European carpenters for making furniture. In order to be produced, Asian screens were dismantled and used to veneer European-made furniture.

The pioneer German art historian and archeologist Johann Joachim Winckelmann also condemned the baroque style, and praised the superior values of classical art and architecture. By the 19th century, Baroque was a target for ridicule and criticism. The neoclassical critic Francesco Milizia wrote: "Borrominini in architecture, Bernini in sculpture, Pietro da Cortona in painting...are a plague on good taste, which infected a large number of artists."^[168] In the 19th century, criticism went even further; the British critic John Ruskin declared that baroque sculpture was not only bad, but also morally corrupt.^[168]

The Swiss-born art historian Heinrich Wölfflin (1864–1945) started the rehabilitation of the word Baroque in his Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identified the Baroque as "movement imported into mass", an art antithetic to Renaissance art. He did not make the distinctions between Mannerism and Baroque that modern writers do, and he ignored the later phase, the academic Baroque that lasted into the 18th century. Baroque art and architecture became fashionable in the interwar period, and has largely remained in critical favor. The term "Baroque" may still be used, often pejoratively, describing works of art, craft, or design that are thought to have excessive ornamentation or complexity of line.^[169] At the same time "baroque" has become an accepted terms for various trends in Roman art and Roman architecture in the 2nd and 3rd centuries AD, which display some of the same characteristics as the later Baroque.

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  Cabinet; c.1850–1870; Boulle marquetry; unknown dimensions; Musée départemental de l'Oise, Beauvais, France
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  Large console with central projection; by Benjamin Deguil and Benjamin-Paul Ramillon; 1850–1875; gilt wood and marble; 100 x 283 x 77 cm; Napoleon III Apartments, Louvre Palace, Paris^[170]
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  The Grand Salon of the apartments of the minister of state, currently known as the Napoleon III Apartments, designed by Hector Lefuel and decorated with paintings by Charles Raphaël Maréchal, 1859–1860^[171]
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  Jewelry toilet of Empress Eugénie; by Jules Fossey; c.1860; unknown materials; unknown dimensions; Château de Compiègne, Compiègne, France
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  Candelabrum with eleven lights; by Ferdinand Barbedienne; 1861; gilt bronze; height: 83.7 cm, length: 49.4 cm; Napoleon III Apartments^[172]
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  Exterior of the Palais Garnier, Paris, an example of Beaux Arts architecture, by Charles Garnier, 1860–1875^[173]
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  Grand foyer of the Palais Garnier, inspired by the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles, but with some ornaments taken from other historical styles, like the neo-Renaissance column lower parts, or the Greek Revival lyres at the tops of windows, by Charles Garnier, 1860–1875^[173]
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  Table; 2nd half of the 19th century; Boulle marquetry; unknown dimensions; in a temporary exhibition called "Dress Code Parfum de Secol XIX" at the Suțu Palace, Bucharest, Romania
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  Petit Palais, Paris, an example of Beaux Arts architecture, with Ionic columns very similar to those of the reign of Louis XIV, by Charles Giraud, 1900^[174]
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  Rue Guynemer no. 2, Paris, with a facade made up from a mix of detailed stone elements and big simple brick surfaces like what is in Place des Vosges from Paris, by Louis Périn, 1914
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  Door of Rue Guynemer no. 2, Paris, with palmettes, shells, volutes, garlands, proportions and other elements seen on wrought iron, furniture, textiles and ceramics from the reign of Louis XIV

Highly criticized, the Baroque would later be a source of inspiration for artists, architects and designers during the 19th century through Romanticism, a movement that developed in the 18th century and that reached its peak in the 19th. It was characterized by its emphasis on emotion and individualism, as well as glorification of the past and nature, preferring the medieval to the classical. A mix of literary, religious, and political factors prompted late-18th and 19th century British architects and designers to look back to the Middle Ages for inspiration. Romanticism is the reason the 19th century is best known as the century of revivals.^[175] In France, Romanticism was not the key factor that led to the revival of Gothic architecture and design. Vandalism of monuments and buildings associated with the Ancien Régime (Old Regime) happened during the French Revolution. Because of this an archaeologist, Alexandre Lenoir, was appointed curator of the Petits-Augustins depot, where sculptures, statues and tombs removed from churches, abbeys and convents had been transported. He organized the Museum of French Monuments (1795–1816), and was the first to bring back the taste for the art of the Middle Ages, which progressed slowly to flourish a quarter of a century later.^[176]

This taste and revival of medieval art led to the revival of other periods, including the Baroque and Rococo. Revivalism started with themes first from the Middle Ages, then, towards the end of the reign of Louis Philippe I (1830–1848), from the Renaissance. Baroque and Rococo inspiration was more popular during the reign of Napoleon III (1852–1870), and continued later, after the fall of the Second French Empire.^[177]

Compared to how in England architects and designers saw the Gothic as a national style, Rococo was seen as one of the most representative movements for France. The French felt much more connected to the styles of the Ancien Régime and Napoleon's Empire, than to the medieval or Renaissance past, although Gothic architecture appeared in France, not in England.

The revivalism of the 19th century led in time to eclecticism (mix of elements of different styles). Because architects often revived Classical styles, most Eclectic buildings and designs have a distinctive look. Besides pure revivals, the Baroque was also one of the main sources of inspiration for eclecticism. The coupled column and the giant order, two elements widely used in Baroque, are often present in this kind of 19th and early 20th century buildings. Eclecticism was not limited only to architecture. Many designs from the Second Empire style (1848–1870) have elements taken from different styles. Little furniture from the period escaped its three most prevalent historicist influences, which are sometimes kept distinct and sometimes combined: the Renaissance, Louis XV (Rococo), and Louis XVI styles. Revivals and inspiration also came sometimes from Baroque, like in the case of remakes and arabesques that imitate Boulle marquetry, and from other styles, like Gothic, Renaissance, or English Regency.^[178]

The Belle Époque was a period that begun around 1871–1880 and that ended with the outbreak of World War I in 1914. It was characterized by optimism, regional peace, economic prosperity, colonial expansion, and technological, scientific, and cultural innovations. Eclecticism reached its peak in this period, with Beaux Arts architecture. The style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Buildings in this style often feature Ionic columns with their volutes on the corner (like those found in French Baroque), a rusticated basement level, overall simplicity but with some really detailed parts, arched doors, and an arch above the entrance like that of the Petit Palais in Paris. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV's Versailles. When it comes to the design of the Belle Époque, all furniture from the past was admired, including, perhaps, contrary to expectations, the Second Empire style (the style of the proceeding period), which remained popular until 1900. In the years around 1900, there was a gigantic recapitulation of styles of all countries in all preceding periods. Everything from Chinese to Spanish models, from Boulle to Gothic, found its way into furniture production, but some styles were more appreciated than others. The High Middle Ages and the early Renaissance were especially prized. Exoticism of every stripe and exuberant Rococo designs were also favoured.^[179]

Revivals and influence of the Baroque faded away and disappeared with Art Deco, a style created as a collective effort of multiple French designers to make a new modern style around 1910. It was obscure before WW1, but became very popular during the interwar period, being heavily associated with the 1920s and the 1930s. The movement was a blend of multiple characteristics taken from Modernist currents from the 1900s and the 1910s, like the Vienna Secession, Cubism, Fauvism, Primitivism, Suprematism, Constructivism, Futurism, De Stijl, and Expressionism. Besides Modernism, elements taken from styles popular during the Belle Époque, like Rococo Revival, Neoclassicism, or the neo-Louis XVI style, are also present in Art Deco. The proportions, volumes and structure of Beaux Arts architecture before WW1 is present in early Art Deco buildings of the 1910s and 1920s. Elements taken from Baroque are quite rare, architects and designers preferring the Louis XVI style.

At the end of the interwar period, with the rise in popularity of the International Style, characterized by the complete lack of any ornamentation led to the complete abandonment of influence and revivals of the Baroque. Multiple International Style architects and designers, but also Modernist artists criticized Baroque for its extravagance and what they saw as "excess". Ironically this was just at the same time as the critical appreciation of the original Baroque was reviving strongly.

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  Basilica of Our Lady of Peace, Yamoussoukro, Ivory Coast, by Pierre Fakhoury, 1985–1990
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  St. Peter's Basilica, Rome, by Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno and others, completed in 1615^[27]
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  Dolphin Hotel, Orlando, Florida, US, with urn tops that are reminiscent of urns that decorate corners, tops and roof railings of buildings and furniture from the reign of Louis XIV, by Michael Graves, 1989^[180]
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  Urns that decorate the roof railing of the Marble Court of the Palace of Versailles, Versailles, France, by Louis Le Vau and Jules Hardouin-Mansart, c.1660–1715^[181]
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  Concave facade of the Teatro Politeama, Catanzaro, Italy, by Paolo Portoghesi, 2002
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  Rounded facade of the Oratorio dei Filippini, Rome, by Francesco Borromini, 1637–1650
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  Bourgie lamp, by Ferruccio Laviani for Kartell, 2004, polycarbonate, sold at Kartell Milano (Via Carlo Porta no. 1), Milan, Italy
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  Church candlestick, 1681, silver, Museum of the Kotor Cathedral, Kotor, Montenegro
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  Hotel Zaandam, Amsterdam, the Netherlands, inspired by Dutch 16th and 17th century canal houses, by Wam Architecten, 2010^[182]
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  Herengracht no. 120, Amsterdam, unknown architect, c.1625^[183]
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  Box, part of the Le Jardin de Versace collection, with complex rinceaux that are reminiscent of the Baroque ones from the 17th and very early 18th centuries, but also similar to the ones from the reign of Napoleon; designed by Versace and produced by Rosenthal; unknown date; porcelain; unknown dimensions or location
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  Baroque rinceaux with putti painted on the boiserie of a room from the Hôtel Colbert de Villacerf, now in the Musée Carnavalet, Paris, unknown architect, sculptor and painter, c.1650^[184]

Appreciation for the Baroque reappeared with the rise of Postmodernism, a movement that questioned Modernism (the status quo after WW2), and which promoted the inclusion of elements of historic styles in new designs, and appreciation for the pre-Modernist past. Specific references to Baroque are rare, since Postmodernism often included highly simplified elements that were 'quotations' of Classicism in general, like pediments or columns.

More references to Baroque are found in Versace ceramic ware and fashion, decorated with maximalist acanthusrinceaux, very similar to the ones found in Italian Baroque ornament plates and in Boulle work, but also similar to the ones found on Empire objects, especially textiles, from the reign of Napoleon I.