Película documental

El cine primitivo (anterior a 1900) se caracterizaba por la novedad de mostrar un acontecimiento. Se capturaban en película momentos puntuales, como un tren entrando en una estación, un barco atracando o trabajadores de una fábrica saliendo del trabajo. Estos cortometrajes se denominaban películas de "actualidad"; el término "documental" no se acuñó hasta 1926. Muchas de las primeras películas, como las realizadas por Auguste y Louis Lumière , duraban un minuto o menos, debido a las limitaciones tecnológicas.

Las películas que mostraban a mucha gente (por ejemplo, saliendo de una fábrica) solían realizarse con fines comerciales: las personas filmadas estaban deseosas de ver, a cambio de dinero, la película que las mostraba. Una película notable, " The Corbett-Fitzsimmons Fight" , duró más de una hora y media . Utilizando una tecnología pionera de reproducción en bucle, Enoch J. Rector presentó la totalidad de un famoso combate de boxeo de 1897 en las pantallas de cine de todo Estados Unidos.

En mayo de 1896, Bolesław Matuszewski filmó algunas operaciones quirúrgicas en hospitales de Varsovia y San Petersburgo . En 1898, el cirujano francés Eugène-Louis Doyen invitó a Matuszewski y a Clément Maurice a filmar sus operaciones quirúrgicas. Comenzaron en París una serie de películas quirúrgicas algún tiempo antes de julio de 1898. ^{[ 12 ]} Hasta 1906, año de su última película, Doyen filmó más de 60 operaciones. Doyen dijo que sus primeras películas le enseñaron a corregir errores profesionales de los que no era consciente. Con fines científicos, después de 1906, Doyen combinó 15 de sus películas en tres compilaciones, dos de las cuales se conservan: la serie de seis películas Extirpation des tumeurs encapsulées (1906) y la serie de cuatro películas Les Opérations sur la cavité crânienne (1911). Estas y otras cinco películas de Doyen se conservan. ^{[ 13 ]}

Entre julio de 1898 y 1901, el profesor rumano Gheorghe Marinescu realizó varias películas científicas en su clínica de neurología en Bucarest : ^{[ 14 ]} Problemas para caminar en la hemiplejia orgánica (1898), Problemas para caminar en las paraplejias orgánicas (1899), Un caso de hemiplejia histérica curada mediante hipnosis (1899), Problemas para caminar en la ataxia de la locomoción progresiva (1900) y Enfermedades de los músculos (1901). Todos estos cortometrajes se han conservado. El profesor denominó a sus trabajos «estudios con la ayuda del cinematógrafo» y publicó los resultados, junto con varios fotogramas consecutivos, en números de la revista La Semaine Médicale de París, entre 1899 y 1902. ^{[ 15 ]} En 1924, Auguste Lumière reconoció los méritos de las películas científicas de Marinescu: «He visto sus informes científicos sobre el uso del cinematógrafo en estudios de enfermedades nerviosas, cuando aún recibía La Semaine Médicale , pero en aquel entonces tenía otras preocupaciones que no me dejaban tiempo libre para comenzar estudios biológicos. Debo decir que olvidé esos trabajos y le agradezco que me los haya recordado. Desafortunadamente, no muchos científicos han seguido su camino». ^{[ 16 ] [ 17 ] [ 18 ]}

Las películas de viajes fueron muy populares a principios del siglo XX. Los distribuidores a menudo las denominaban "escenarios". Los escénicos se encontraban entre los tipos de películas más populares de la época. ^{[ 19 ]} Una importante película temprana que fue más allá del concepto de escénico fue En la tierra de los cazadores de cabezas (1914), que adoptó el primitivismo y el exotismo en una historia escenificada presentada como recreaciones veraces de la vida de los nativos americanos .

La contemplación es un ámbito aparte. Pathé fue el productor mundial más conocido de este tipo de películas a principios del siglo XX. Un ejemplo elocuente es Moscú cubierta de nieve (1909).

Durante este período aparecieron documentales biográficos, como el largometraje Eminescu-Veronica-Creangă (1914) sobre la relación entre los escritores Mihai Eminescu , Veronica Micle e Ion Creangă (todos fallecidos en el momento de la producción), estrenado por la filial de Pathé en Bucarest .

Los primeros procesos cinematográficos en color, como Kinemacolor (conocido por el largometraje With Our King and Queen Through India (1912)) y Prizma Color (conocido por Everywhere With Prizma (1919) y el cortometraje de cinco rollos Bali the Unknown (1921)), utilizaron documentales de viajes para promocionar los nuevos procesos de color. En contraste, Technicolor se centró principalmente en lograr que los estudios de Hollywood adoptaran su proceso para largometrajes de ficción.

También durante este período se estrenó el largometraje documental de Frank Hurley , South (1919), sobre la Expedición Imperial Transantártica . La película documentó la fallida expedición antártica liderada por Ernest Shackleton en 1914.

La tradición propagandística consiste en películas realizadas con el propósito explícito de persuadir al público sobre un punto de vista. Una de las películas de propaganda más célebres y controvertidas es El triunfo de la voluntad (1935), de Leni Riefenstahl , que narra el Congreso del Partido Nazi de 1934 y fue encargada por Adolf Hitler . Los cineastas de izquierda Joris Ivens y Henri Storck dirigieron Borinage (1931), sobre la región minera de carbón belga. Luis Buñuel dirigió el documental surrealista Las Hurdes (1933).

Las obras de Pare Lorentz , The Plow That Broke the Plains (1936) y The River (1938), y de Willard Van Dyke , The City (1939), son producciones destacadas del New Deal , cada una de las cuales presenta complejas combinaciones de conciencia social y ecológica, propaganda gubernamental y puntos de vista de izquierda. La serie Why We Fight (1942–1944) de Frank Capra fue una serie de noticieros en los Estados Unidos, encargada por el gobierno para convencer al público estadounidense de que era hora de ir a la guerra. Constance Bennett y su esposo Henri de la Falaise produjeron dos documentales de larga duración, Legong: Dance of the Virgins (1935) filmado en Bali , y Kilou the Killer Tiger (1936) filmado en Indochina .

En Canadá, la Junta de Cine , creada por John Grierson, se fundó con los mismos fines propagandísticos. También produjo noticieros que sus gobiernos nacionales consideraron una contrapropaganda legítima a la guerra psicológica de la Alemania nazi orquestada por Joseph Goebbels .

En Gran Bretaña, varios cineastas se unieron bajo el liderazgo de John Grierson. Se les conoció como el Movimiento del Cine Documental . Grierson, Alberto Cavalcanti , Harry Watt , Basil Wright y Humphrey Jennings, entre otros, lograron fusionar propaganda, información y educación con una estética documental más poética. Ejemplos de su trabajo incluyen Drifters (John Grierson), Song of Ceylon (Basil Wright), Fires Were Started y A Diary for Timothy (Humphrey Jennings). Su trabajo involucró a poetas como W. H. Auden , compositores como Benjamin Britten y escritores como J. B. Priestley . Entre las películas más conocidas del movimiento se encuentran Night Mail y Coal Face .

Llamando al Sr. Smith (1943) es una película en color antinazi ^{[ 23 ] [ 24 ] [ 25 ]} creada por Stefan Themerson que es a la vez un documental y una película de vanguardia contra la guerra.

Los analistas de taquilla han observado que el género documental ha alcanzado un éxito creciente en los estrenos cinematográficos, con películas como Fahrenheit 9/11 , Super Size Me , Food, Inc. , Earth , March of the Penguins y An Inconvenient Truth entre los ejemplos más destacados. En comparación con las películas de ficción, los documentales suelen tener presupuestos mucho menores, lo que los hace atractivos para las productoras, ya que incluso un estreno limitado en cines puede resultar muy rentable.

La naturaleza del cine documental se ha expandido en los últimos 30 años desde el estilo cinéma vérité introducido en la década de 1960, en el que el uso de cámaras y equipos de sonido portátiles permitía una relación íntima entre el cineasta y el sujeto. La línea entre documental y narrativa se difumina y algunas obras son muy personales, como Tongues Untied (1989) y Black Is...Black Ain't (1995) de Marlon Riggs , que mezclan elementos expresivos, poéticos y retóricos y enfatizan las subjetividades en lugar de los materiales históricos. ^{[ 32 ]}

Documentales históricos, como el emblemático documental de 14 horas Eyes on the Prize : America's Civil Rights Years (1986 – Parte 1 y 1989 – Parte 2) de Henry Hampton, 4 Little Girls (1997) de Spike Lee , The Civil War de Ken Burns y la película independiente sobre la esclavitud galardonada por la UNESCO, 500 Years Later , expresan no solo una voz distintiva, sino también una perspectiva y puntos de vista propios. Algunas películas, como The Thin Blue Line de Errol Morris, incorporan recreaciones estilizadas, y Roger & Me de Michael Moore otorga un control interpretativo mucho mayor al director. El éxito comercial de estos documentales puede derivar de este cambio narrativo en el formato documental, lo que lleva a algunos críticos a cuestionar si tales películas pueden considerarse realmente documentales; a veces, los críticos se refieren a estas obras como " películas mondo " o "docuganda". ^{[ 33 ]} Sin embargo, la manipulación directorial de los sujetos documentales se ha observado desde el trabajo de Flaherty, y puede ser endémica de la forma debido a fundamentos ontológicos problemáticos.  

Los cineastas documentales utilizan cada vez más campañas de impacto social en sus películas. ^{[ 34 ]} Las campañas de impacto social buscan aprovechar los proyectos mediáticos transformando la conciencia pública sobre problemas y causas sociales en participación y acción, principalmente ofreciendo a la audiencia una forma de involucrarse. ^{[ 35 ]} Ejemplos de tales documentales incluyen Kony 2012 , Salam Neighbor , Gasland , Living on One Dollar y Girl Rising .

Aunque los documentales son financieramente más viables gracias a la creciente popularidad del género y la llegada del DVD, la financiación para la producción de películas documentales sigue siendo difícil de conseguir. En la última década, las mayores oportunidades de exhibición han surgido del mercado de la radiodifusión, lo que ha hecho que los cineastas dependan de los gustos e influencias de las emisoras, que se han convertido en su principal fuente de financiación. ^{[ 36 ]}

Los documentales modernos comparten algunas similitudes con los formatos televisivos, como el desarrollo de la "televisión de realidad", que ocasionalmente roza el documental, pero que con mayor frecuencia se inclina hacia la ficción o la puesta en escena. El documental "cómo se hizo" muestra cómo se produjo una película o un videojuego . Generalmente realizado con fines promocionales, se asemeja más a un anuncio que a un documental clásico.

Las modernas cámaras de vídeo digitales ligeras y la edición por ordenador han facilitado enormemente el trabajo de los documentalistas, al igual que la drástica bajada de los precios de los equipos. La primera película que aprovechó al máximo este cambio fue « Voices of Iraq» , de Martin Kunert y Eric Manes , en la que se enviaron 150 cámaras de vídeo digital a Irak durante la guerra y se distribuyeron entre los iraquíes para que se grabaran a sí mismos.

El estreno de The Thin Blue Line (1988), dirigida por Errol Morris, abrió nuevas posibilidades para las formas emergentes del documental híbrido. De hecho, fue descalificada para un Premio de la Academia debido a las recreaciones estilizadas. El cine documental tradicional suele eliminar los signos de ficción para distinguirse de los géneros cinematográficos de ficción. El público se ha vuelto más desconfiado recientemente de la producción tradicional de hechos por parte de los medios, lo que lo hace más receptivo a formas experimentales de contar los hechos. El documental híbrido implementa juegos de verdad para desafiar la producción tradicional de hechos. Aunque se basa en hechos, el documental híbrido no es explícito sobre lo que debe entenderse, creando un diálogo abierto entre el sujeto y el público. ^{[ 37 ]} The Arbor (2010) de Clio Barnard , The Act of Killing (2012) de Joshua Oppenheimer , The Ambassador de Mads Brügger y Bombay Beach (2011) de Alma Har'el son algunos ejemplos notables. ^{[ 37 ]}

La docuficción es un género híbrido que surge de dos géneros básicos: el cine de ficción y el documental, practicado desde que se realizaron los primeros documentales.

La ficción ficticia es un género que presenta deliberadamente eventos reales y no guionizados en forma de película de ficción, haciéndolos parecer escenificados. El concepto fue introducido ^{[ 38 ]} por Pierre Bismuth para describir su película de 2016 ¿Dónde está Rocky II?

Un documental en DVD es una película documental de duración indeterminada que se ha producido con la única intención de lanzarla para su venta directa al público en formato DVD, lo cual es diferente de un documental que se realiza y se estrena primero en televisión o en una pantalla de cine (también conocido como estreno en salas ) y posteriormente en DVD para el consumo del público.

Esta forma de distribución de documentales se está popularizando y aceptando cada vez más a medida que aumentan los costos y la dificultad para conseguir espacios de estreno en televisión o cine. También se utiliza comúnmente para documentales más especializados, que quizás no sean de interés general para una audiencia televisiva amplia. Algunos ejemplos son los documentales militares, culturales, de transporte, deportivos, sobre animales, etc.

Las películas de recopilación fueron pioneras en 1927 gracias a Esfir Schub con La caída de la dinastía Romanov . Ejemplos más recientes incluyen ¡ Punto de orden! (1964), dirigida por Émile de Antonio sobre las audiencias de McCarthy. De manera similar, El último cigarrillo combina el testimonio de varios ejecutivos de compañías tabacaleras ante el Congreso de los Estados Unidos con propaganda de archivo que exalta las virtudes de fumar.

Los documentales poéticos, que aparecieron por primera vez en la década de 1920, fueron una especie de reacción contra el contenido y la gramática que se cristalizaba rápidamente en el cine de ficción primitivo. El modo poético se alejó del montaje de continuidad y, en cambio, organizó imágenes del mundo material mediante asociaciones y patrones, tanto en términos de tiempo como de espacio. Los personajes bien desarrollados — «personas realistas» — estaban ausentes; en cambio, las personas aparecían en estas películas como entidades, como cualquier otra, que se encuentran en el mundo material. Las películas eran fragmentarias, impresionistas, líricas. Su ruptura de la coherencia del tiempo y el espacio —una coherencia favorecida por las películas de ficción de la época— también puede verse como un elemento del contramodelo modernista de la narrativa cinematográfica. El «mundo real» —Nichols lo llama el «mundo histórico» — se fragmentó y se reconstituyó estéticamente utilizando la forma cinematográfica. Ejemplos de este estilo incluyen Rain (1928) de Joris Ivens, que registra una lluvia de verano pasajera sobre Ámsterdam; Juego de luces: blanco, negro, gris (1930) de László Moholy-Nagy , en el que filma una de sus propias esculturas cinéticas, haciendo hincapié no en la escultura en sí, sino en el juego de luces que la rodea; las películas de animación abstractas de Oskar Fischinger ; NY, NY (1957) de Francis Thompson , una película sinfónica de la ciudad ; y Sans Soleil (1982) de Chris Marker .      

Los documentales expositivos se dirigen directamente al espectador, a menudo mediante un comentario autoritario que emplea voz en off o títulos, proponiendo un argumento y un punto de vista sólidos. Estas películas son retóricas y buscan persuadir al espectador. (Pueden utilizar una voz masculina rica y sonora). El comentario (la voz de Dios) suele sonar "objetivo" y omnisciente. Las imágenes no suelen ser primordiales; existen para respaldar el argumento. La retórica insiste en que interpretemos las imágenes de una manera determinada. Los documentales históricos de este tipo ofrecen un relato e interpretación "objetivos" y sin controversias de los acontecimientos del pasado.

Ejemplos: programas de televisión y películas como Biography , America's Most Wanted , muchos documentales de ciencia y naturaleza, The Civil War de Ken Burns (1990), The Shock of the New de Robert Hughes (1980), Ways of Seeing de John Berger (1972), la serie de Frank Capra sobre la guerra Why We Fight y The Plow That Broke the Plains de Pare Lorentz (1936).

Los documentales de observación buscan observar a sus sujetos de forma espontánea, con una mínima intervención. Los cineastas que trabajaban en este subgénero solían considerar el modo poético demasiado abstracto y el modo expositivo demasiado didáctico. Los primeros documentales de observación datan de la década de 1960; entre los avances tecnológicos que los hicieron posibles se incluyen cámaras móviles ligeras y equipos portátiles de grabación de sonido para la sincronización de audio. A menudo, este tipo de cine prescindía de la narración en off, el diálogo y la música possincronizados, o las recreaciones. Las películas buscaban la inmediatez, la intimidad y la revelación del carácter humano individual en situaciones cotidianas.

Los documentales participativos parten de la premisa de que es imposible que el acto de filmar no influya o altere los eventos que se filman. Lo que hacen estas películas es emular el enfoque del antropólogo: la observación participante. El cineasta no solo forma parte de la película, sino que también percibimos cómo las situaciones filmadas se ven afectadas o alteradas por su presencia. Nichols afirma: «El cineasta se libera del velo de la voz en off, se aleja de la meditación poética, baja de su posición de observador pasivo y se convierte en un actor social (casi) como cualquier otro. (Casi como cualquier otro porque el cineasta conserva la cámara y, con ella, cierto grado de poder y control potencial sobre los eventos)». El encuentro entre el cineasta y el sujeto se convierte en un elemento crítico de la película. Rouch y Morin denominaron a este enfoque cinéma vérité, traduciendo al francés el término kinopravda de Dziga Vertov; la «verdad» se refiere a la verdad del encuentro, más que a una verdad absoluta.

Los documentales reflexivos no se conciben como una ventana transparente al mundo; en cambio, resaltan su propia construcción y el hecho de que son representaciones. ¿Cómo se representa el mundo en los documentales? Esta pregunta es fundamental para este subgénero cinematográfico. Nos invitan a cuestionar la autenticidad del documental en general. Es el modo más autoconsciente de todos y se muestra sumamente escéptico ante el realismo. Puede recurrir a estrategias de alienación brechtianas para desconcertarnos, con el fin de desfamiliarizar lo que vemos y cómo lo vemos.

Los documentales performativos enfatizan la experiencia subjetiva y la respuesta emocional al mundo. Son profundamente personales, poco convencionales, quizás poéticos o experimentales, y pueden incluir representaciones hipotéticas de eventos diseñadas para que experimentemos cómo sería tener una perspectiva específica del mundo que no es la nuestra, por ejemplo, la de los hombres negros homosexuales en Tongues Untied (1989) de Marlon Riggs o Paris Is Burning (1991) de Jenny Livingston . Este subgénero también puede prestarse a ciertos grupos (por ejemplo, mujeres, minorías étnicas, gays y lesbianas, etc.) para "hablar de sí mismos". A menudo, se utiliza una variedad de técnicas, muchas tomadas de la ficción o del cine de vanguardia. Los documentales performativos suelen vincular relatos o experiencias personales con realidades políticas o históricas más amplias.

Los documentales se proyectan en escuelas de todo el mundo con fines educativos. Se utilizan para introducir diversos temas a los niños y, a menudo, se emplean en las clases o se proyectan varias veces para reforzar una idea.

Los traductores de documentales a menudo tienen que cumplir plazos muy ajustados. Normalmente, el traductor dispone de entre cinco y siete días para entregar la traducción de un programa de 90 minutos. Los estudios de doblaje suelen dar a los traductores una semana para traducir un documental, pero para ganar un buen salario, los traductores tienen que entregar sus traducciones en un plazo mucho más corto, generalmente cuando el estudio decide entregar el programa final al cliente antes o cuando el canal de televisión establece un plazo ajustado, por ejemplo, en documentales que tratan sobre las últimas noticias. ^{[ 39 ]}

Otro problema es la falta de un guion de posproducción o la mala calidad de la transcripción. Una transcripción correcta es esencial para que un traductor realice su trabajo correctamente; sin embargo, muchas veces ni siquiera se le entrega el guion, lo cual es un gran impedimento, ya que los documentales se caracterizan por "la abundancia de unidades terminológicas y nombres propios muy específicos". ^{[ 40 ]} Cuando se le entrega el guion al traductor, suele estar mal transcrito o directamente incorrecto, lo que dificulta y hace más exigente la traducción innecesariamente, ya que todos los nombres propios y la terminología específica deben ser correctos en un programa documental para que sea una fuente de información fiable; por lo tanto, el traductor tiene que comprobar cada término por su cuenta. Algunos ejemplos de errores en los nombres propios son: "Jungle Reinhard en lugar de Django Reinhart, Jorn Asten en lugar de Jane Austen y Magnus Axle en lugar de Aldous Huxley". ^{[ 40 ]}

El proceso de traducción de un programa documental requiere trabajar con terminología muy específica, a menudo científica. Los traductores de documentales no suelen ser especialistas en un campo determinado. Por lo tanto, se ven obligados a realizar una investigación exhaustiva cada vez que se les pide traducir un programa documental específico para comprenderlo correctamente y entregar un producto final libre de errores e imprecisiones. Generalmente, los documentales contienen una gran cantidad de términos específicos con los que los traductores deben familiarizarse por su cuenta, por ejemplo:

El documental Beetles, Record Breakers utiliza 15 términos diferentes para referirse a los escarabajos en menos de 30 minutos (escarabajo longicornio, escarabajo de bodega, escarabajo ciervo, escarabajo enterrador o sepulturero, escarabajo sepulturero, escarabajo tigre, escarabajo nariz sangrante, escarabajo tortuga, escarabajo buceador, caballo de carruaje del diablo, gorgojo, escarabajo clic, escarabajo malaquita, escarabajo aceitero, escarabajo gallo), además de mencionar otros animales como murciélagos de herradura o mariposas pardas de pradera. ^{[ 41 ]}

Esto supone un verdadero desafío para los traductores, ya que deben transmitir el significado, es decir, encontrar un equivalente, de un término científico muy específico en la lengua meta. Con frecuencia, el narrador utiliza un nombre más general en lugar de un término específico, y el traductor debe basarse en la imagen presentada en el programa para comprender qué término se está tratando y transponerlo adecuadamente a la lengua meta. ^{[ 42 ]} Además, los traductores de lenguas minoritarias a menudo se enfrentan a otro problema: algunos términos pueden incluso no existir en la lengua meta. En tales casos, deben crear nueva terminología o consultar a especialistas para encontrar soluciones adecuadas. Asimismo, a veces la nomenclatura oficial difiere de la terminología utilizada por los especialistas, lo que obliga al traductor a decidir entre utilizar el vocabulario oficial que se encuentra en el diccionario o bien optar por expresiones espontáneas utilizadas por expertos reales en situaciones cotidianas. ^{[ 43 ]}

• Premios Grierson
• Premio Óscar al Mejor Documental
• Premio Joris Ivens , Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam (IDFA), (llamado así en honor a Joris Ivens )
• Premios Cinéma du Réel , incluidos el Grand Prix y el Prix du premier film Loridan-Ivens / Premio Loridan-Ivens a la primera película (anteriormente Premio Joris Ivens), entre otros
• Premio al cineasta, Festival de Cine Margaret Mead
• Gran Premio, Visions du Réel