Fotografía abstracta

Algunas de las primeras imágenes de lo que podría llamarse fotografía abstracta aparecieron durante la primera década posterior a la invención de esta técnica. En 1842, John William Draper creó imágenes con un espectroscopio , que dispersaba los rayos de luz en un patrón visible hasta entonces desconocido. ^{[ 6 ]} Las impresiones que realizó no guardaban relación con la realidad del mundo visible que otros fotógrafos registraban en aquel momento, y demostraban la capacidad sin precedentes de la fotografía para transformar lo que antes era invisible en una presencia tangible. Draper consideraba sus imágenes como registros científicos más que como arte, pero su calidad artística se aprecia hoy en día por su carácter innovador y su individualidad intrínseca.

Otra fotógrafa pionera, Anna Atkins, en Inglaterra, publicó un libro de fotogramas de forma independiente, creados colocando algas secas directamente sobre papel de cianotipia . Concebido como un estudio científico, las imágenes de un blanco intenso sobre fondo azul poseen una cualidad abstracta y etérea debido a la impresión en negativo y a la falta de contexto natural para las plantas.

El descubrimiento de los rayos X en 1895 y de la radiactividad en 1896 provocó una gran fascinación pública por cosas que antes eran invisibles o imperceptibles. ^{[ 7 ]} En respuesta, los fotógrafos comenzaron a explorar cómo podían capturar lo que no podía ser visto por la visión humana normal.

Por esa misma época, el autor y artista sueco August Strindberg experimentó sometiendo soluciones salinas sobre placas fotográficas a calor y frío. ^{[ 8 ]} Las imágenes que produjo con estos experimentos eran representaciones indefinidas de lo que de otro modo no se podría ver y eran completamente abstractas en su presentación.

A principios del siglo XX, Louis Daguerre, en Francia, intentó capturar imágenes de procesos mentales presionando placas sin exponer contra la frente de los modelos e instándolos a proyectar imágenes de sus mentes sobre las placas. ^{[ 9 ]} Las fotografías que produjo eran borrosas e indefinidas, pero Daguerre estaba convencido de que lo que él llamaba "vibraciones del pensamiento" eran indistinguibles de los rayos de luz. ^{[ 10 ]}

Durante la primera década del siglo XX hubo una ola de exploración artística que aceleró la transición en la pintura y la escultura del impresionismo y el postimpresionismo al cubismo y el futurismo . ^{[ 11 ]} A partir de 1903, una serie de exposiciones de arte anuales en París, llamadas Salon d'Automne, presentaron al público la visión entonces radical de artistas como Cézanne , Picasso , Marcel Duchamp , Francis Picabia , František Kupka , Albert Gleizes y Jean Metzinger . Una década más tarde, el Armory Show en Nueva York causó un escándalo al mostrar obras completamente abstractas de Kandinsky , Braque , Duchamp, Robert Delaunay y otros. ^{[ 12 ]}

El interés del público por el arte abstracto , y a veces su repulsión , fue debidamente observado por algunos de los fotógrafos más creativos de la época. Hacia 1910, en Nueva York, Alfred Stieglitz comenzó a exhibir obras de pintores abstractos como Marsden Hartley y Arthur Dove en su galería de arte 291 , que anteriormente solo había expuesto fotografía figurativa . Fotógrafos como Stieglitz, Paul Strand y Edward Steichen experimentaron con sujetos figurativos fotografiados en composiciones abstractas.

Las primeras imágenes exhibidas públicamente que ahora se reconocen como fotografías abstractas fueron una serie llamada Patrones simétricos de formas naturales, mostrada por Erwin Quedenfeldt en Colonia en 1914. ^{[ 13 ]} Dos años después, Alvin Langdon Coburn comenzó a experimentar con una serie que llamó Vortografías . Durante un período de seis semanas en 1917, tomó alrededor de dos docenas de fotografías con una cámara equipada con un prisma multifacético. Las imágenes resultantes no guardaban relación alguna con las realidades que veía ni con sus retratos y paisajes urbanos anteriores. Escribió: "¿Por qué la cámara no debería liberarse de las ataduras de las representaciones contemporáneas...? ¿Por qué, les pregunto con sinceridad, necesitamos seguir haciendo pequeñas exposiciones comunes...?" ^{[ 14 ]}

En las décadas de 1920 y 1930 se produjo un aumento significativo en el número de fotógrafos que exploraron la imaginería abstracta. En Europa, Praga se convirtió en un centro de la fotografía de vanguardia , con František Drtikol , Jaroslav Rössler , Josef Sudek y Jaromír Funke, quienes crearon fotografías influenciadas por el cubismo y el futurismo . Las imágenes de Rössler, en particular, trascendieron la abstracción representacional para convertirse en abstracciones puras de luz y sombra. ^{[ 15 ]}

En Alemania y posteriormente en Estados Unidos, László Moholy-Nagy , líder de la escuela modernista Bauhaus , experimentó con las cualidades abstractas del fotograma. Afirmó que «las posibilidades más asombrosas aún están por descubrirse en la materia prima de la fotografía» y que los fotógrafos «deben aprender a buscar, no la “imagen”, no la estética de la tradición, sino el instrumento ideal de expresión, el vehículo autosuficiente para la enseñanza». ^{[ 16 ]}

Algunos fotógrafos de esta época también traspasaron los límites de la imagen convencional al incorporar visiones del surrealismo o el futurismo en su obra. Man Ray , Maurice Tabard , André Kertész , Curtis Moffat y Filippo Masoero fueron algunos de los artistas más conocidos que crearon imágenes impactantes que cuestionaban tanto la realidad como la perspectiva.

Tanto durante como después de la Segunda Guerra Mundial, fotógrafos como Minor White , Aaron Siskind , Henry Holmes Smith y Lotte Jacobi exploraron composiciones con objetos encontrados de maneras que demostraron que incluso nuestro mundo natural tiene elementos de abstracción incorporados.

Frederick Sommer fue pionero en 1950 al fotografiar objetos encontrados que había reordenado deliberadamente, creando imágenes ambiguas que podían interpretarse de diversas maneras. Eligió titular una de sus imágenes más enigmáticas como « El bosque sagrado» , en referencia al ensayo de T.S. Eliot sobre la crítica y el significado.

La década de 1960 estuvo marcada por exploraciones sin restricciones en los límites de los medios fotográficos de la época, comenzando con fotógrafos que ensamblaban o reensamblaban sus propias imágenes o las que encontraban, como Ray K. Metzker , Robert Heinecken y Walter Chappell .

A mediados de la década de 1970, Josef H. Neumann desarrolló los quimiogramas , ^{[ 17 ]} que son productos tanto del procesamiento fotográfico como de la pintura sobre papel fotográfico . Antes de la difusión de las computadoras y el uso de software de procesamiento de imágenes, el proceso de creación de quimiogramas puede considerarse una forma temprana de postproducción analógica, en la que la imagen original se altera después del proceso de ampliación. A diferencia de las obras de postproducción digital , cada quimiograma es una pieza única. ^{[ 18 ] [ 19 ] [ 20 ] [ 21 ]}

A partir de finales de la década de 1970, los fotógrafos ampliaron los límites de la escala y la superficie en lo que entonces eran medios fotográficos tradicionales que debían revelarse en un cuarto oscuro. Inspirada por la obra de Moholy-Nagy, Susan Rankaitis comenzó a incrustar imágenes encontradas en libros de texto científicos en fotogramas de gran formato, creando lo que se ha descrito como "un palimpsesto que debe explorarse casi como una excavación arqueológica". ^{[ 22 ]} Posteriormente, produjo enormes construcciones interactivas para galerías que expandieron las nociones físicas y conceptuales de lo que podría ser una fotografía. ^{[ 23 ]} Se decía que su obra "imitaba la fragmentación de la mente contemporánea". ^{[ 24 ]}

En la década de 1990, una nueva ola de fotógrafos exploraba las posibilidades de usar computadoras para crear nuevas formas de hacer fotografías. Fotógrafos como Thomas Ruff , Barbara Kasten , Tom Friedman y Carel Balth creaban obras que combinaban fotografía, escultura, grabado e imágenes generadas por computadora. ^{[ 25 ]}

Una vez que las computadoras y el software de fotografía se generalizaron, los límites de la fotografía abstracta se expandieron más allá de los límites de la película y la química, alcanzando dimensiones casi ilimitadas. Cualquier barrera que aún existiera entre artistas puros y fotógrafos puros fue eliminada por individuos que trabajaban exclusivamente en fotografía, pero producían únicamente imágenes generadas por computadora. Entre los más conocidos de la generación de principios del siglo XXI se encuentran Gaston Bertin, Penelope Umbrico , Ard Bodewes, Ellen Carey , Nicki Stager, Shirine Gill, Thomas Ruff , Andrew Prokos , Wolfgang Tillmans , Kim Keever, Harvey Lloyd , Adam Broomberg y Oliver Chanarin . ^{[ 26 ] [ 27 ] [ 28 ]}

• Birgus, Vladimir (2002). Vanguardia fotográfica checa 1918-1948 . Cambridge: Prensa del MIT. ISBN 0-262-02516-7.
• Gamboni, Dario (2002). Imágenes potenciales: ambigüedad e indeterminismo en el arte moderno . Londres: Reaktion Books . ISBN 1-86189-149-0.
• Kasten, Barbara . "Segunda naturaleza: fotografía abstracta de antes y ahora" . Archivado del original el 2 de abril de 2015. Consultado el 22 de marzo de 2015 .
• Ramos Molina, Antonio Luis (2018). La magia de la química fotográfica: El quimigrama. Conceptos, técnicas y procedimientos del quimigrama en la expresión artística (tesis doctoral) (en español). Universidad de Granada .
• Rexer, Lyle (2013). El límite de la visión: El auge de la abstracción en la fotografía . Nueva York: Aperture Foundation . ISBN 978-1597112420.