Blanco menor

Minor Martin White (9 de julio de 1908 - 24 de junio de 1976) fue un fotógrafo, teórico, crítico y educador estadounidense.

White realizó fotografías de paisajes, personas y temas abstractos. Sus obras demostraban maestría técnica y un profundo sentido de la luz y la sombra. Impartió clases en la Escuela de Bellas Artes de California , el Instituto Tecnológico de Rochester , el Instituto Tecnológico de Massachusetts y en su propia casa. Algunas de sus imágenes más impactantes son estudios de figuras de hombres a quienes enseñó o con quienes mantuvo una relación. Contribuyó a la creación de la revista de fotografía Aperture , considerada la única publicación periódica producida por y para fotógrafos que practicaban la fotografía como una forma de arte. Fue su editor durante muchos años. White fue aclamado como uno de los fotógrafos más importantes de Estados Unidos. ^{[ 1 ]}

White nació en Minneapolis , Minnesota. Fue hijo único de Charles Henry White, contable, y Florence May Martin White, modista. Su nombre de pila era el mismo que el de su tatarabuelo paterno. Su segundo nombre era el apellido de soltera de su madre.

Durante su infancia, pasó mucho tiempo con sus abuelos maternos y disfrutaba jugando en su gran jardín, lo que influyó posteriormente en su decisión de estudiar botánica en la universidad. ^{[ 2 ]} Su abuelo, George Martin, fotógrafo aficionado, le regaló a White su primera cámara en 1915. Entre 1916 y 1922, los padres de White se separaron en varias ocasiones. Durante esos periodos, White y su madre vivieron con los padres de ella. Sus padres se reconciliaron en 1922 y permanecieron juntos hasta que finalmente se divorciaron en 1929. ^{[ 3 ]}

Cuando White se graduó de la escuela secundaria, era consciente de su homosexualidad latente. En 1927, escribió sobre sus sentimientos hacia los hombres en su diario, que sus padres leyeron sin su permiso. Después de esto, se fue de casa durante el verano en lo que él llamó un breve período de crisis. En otoño, regresó a casa e ingresó a la Universidad de Minnesota, donde se especializó en botánica. Sus padres nunca volvieron a hablar de su homosexualidad. ^{[ 3 ]}

En 1931, cuando debería haberse graduado, no cumplió con los requisitos para obtener un título en ciencias y dejó la universidad por un año. Durante este tiempo, se interesó mucho por la escritura y comenzó un diario personal que mantuvo durante toda su vida y al que llamó "Fantasías Memorables". En él escribió poemas, reflexiones íntimas sobre su vida y sus luchas con la sexualidad, extractos de cartas que escribió a otros, entradas ocasionales a modo de diario sobre la vida cotidiana y, más tarde, extensas notas sobre su fotografía. Continuó con el diario hasta 1970, cuando dedicó la mayor parte de su energía a la enseñanza. ^{[ 4 ]}

En 1932, White regresó a la universidad, estudió botánica y escritura, y se graduó en 1934. El semestre siguiente, cursó algunas clases de botánica de posgrado. Después de seis meses, decidió que no tenía el interés suficiente para convertirse en botánico . Pasó los dos años siguientes haciendo trabajos ocasionales y explorando sus habilidades de escritura. Durante este tiempo, creó una colección de 100 sonetos sobre el tema del amor sexual, su primer intento de organizar su producción creativa. ^{[ 5 ]}

A finales de 1937, White decidió mudarse a Seattle. Compró una cámara Argus de 35 mm y tomó un autobús hacia su destino. Tras una parada en Portland, Oregón, decidió quedarse allí. Durante los siguientes dos años y medio, vivió en la YMCA de Portland y exploró la fotografía en profundidad. Impartió su primera clase de fotografía en la YMCA a un pequeño grupo de jóvenes. También se unió al Club de Fotografía de Oregón y aprendió cómo los fotógrafos hablan sobre su oficio y su trabajo. ^{[ 6 ]}

En 1938, a White le ofrecieron un trabajo como fotógrafo para el Oregon Art Project, financiado por la Works Progress Administration . Una de sus tareas consistía en fotografiar edificios históricos del centro de Portland antes de que fueran demolidos para un nuevo proyecto urbanístico a orillas del río. Entre ellos se encontraba Arches of the Dodd Building , que mostraba a un joven prostituto de pie a la sombra del edificio, señalando su entrepierna. ^{[ 7 ]} Durante ese mismo periodo, tomó fotografías publicitarias para el Portland Civic Theater, documentando sus obras y retratando a los actores y actrices. ^{[ 8 ]}

En 1940, White fue contratado para impartir clases de fotografía en el Centro de Arte de La Grande, en el este de Oregón. Pronto se sumergió en su trabajo: impartía clases tres días a la semana, daba conferencias sobre arte a estudiantes locales, reseñaba exposiciones para el periódico local y presentaba un programa de radio semanal sobre las actividades del Centro de Arte. En su tiempo libre, viajaba por la región fotografiando paisajes, granjas y edificios de pequeños pueblos. También escribió su primer artículo sobre fotografía, "¿Cuándo es creativa la fotografía?", publicado dos años después en la revista American Photography . ^{[ 5 ]}

White renunció al Centro de Arte a finales de 1941 y regresó a Portland con la intención de iniciar un negocio de fotografía comercial. Ese mismo año, el Museo de Arte Moderno de Nueva York aceptó tres de sus fotografías para su exposición "Imagen de la Libertad". Al clausurarse la exposición, el museo adquirió las tres copias, lo que marcó la primera vez que sus imágenes pasaron a formar parte de una colección pública. Al año siguiente, el Museo de Arte de Portland le dedicó a White su primera exposición individual, en la que exhibió cuatro series de fotografías que tomó en el este de Oregón. En su diario escribió que, con esa exposición, "se cerró una etapa". ^{[ 9 ]}

En abril de 1942, White fue reclutado por el Ejército de los Estados Unidos y ocultó su homosexualidad. Antes de partir de Portland, dejó la mayoría de sus negativos de edificios históricos de Portland en la Sociedad Histórica de Oregón . White pasó los dos primeros años de la Segunda Guerra Mundial en Hawái y Australia. Posteriormente, se convirtió en Jefe de la Rama de Inteligencia Divisional en el sur de Filipinas. Rara vez fotografió durante este tiempo, prefiriendo escribir poesía y versos extensos. Tres de sus poemas más largos, "Elegías", " Verso libre por la libertad de expresión" y "Testamento menor", abordaban sus experiencias de guerra y los lazos entre hombres en condiciones extremas. Más tarde, utilizó texto de "Testamento menor" en su secuencia fotográfica Amputaciones. ^{[ 3 ]} Durante la guerra, White se interesó por el catolicismo y se convirtió en la Pascua de 1943. ^{[ 7 ]}

Tras la guerra, White viajó a Nueva York y se matriculó en la Universidad de Columbia . Allí conoció a Beaumont y a Nancy Newhall, quienes trabajaban en el recién creado departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno, con quienes entabló una estrecha amistad. Gracias a ellos, White consiguió un puesto como fotógrafo del museo. Pasó muchas horas conversando con Nancy Newhall, de quien afirmó que lo instruyó y que influyó profundamente en su forma de pensar y en su trayectoria fotográfica. ^{[ 10 ]}

En febrero de 1946, White tuvo la primera de varias reuniones con el fotógrafo Alfred Stieglitz en Nueva York. White había leído varios escritos de Stieglitz sobre fotografía y comprendía algunas de sus teorías. A través de sus conversaciones, White llegó a adoptar la teoría de la equivalencia de Stieglitz, según la cual la imagen representa algo distinto del sujeto, y su uso de la secuenciación de imágenes pictóricas. White escribió en su diario que expresó sus dudas sobre si estaba preparado para convertirse en un fotógrafo serio en una de sus reuniones. Stieglitz le preguntó: "¿Alguna vez te has enamorado?". White respondió: "Sí". Stieglitz replicó: "Entonces puedes fotografiar". ^{[ 11 ]}

Durante este tiempo, White conoció y entabló amistad con algunos de los fotógrafos más importantes de la época, como Berenice Abbott , Edward Steichen , Paul Strand , Edward Weston y Harry Callahan . Steichen, director del departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno, le ofreció a White un puesto de curador. En cambio, White aceptó la oferta de Ansel Adams para asistirlo en el recién creado departamento de fotografía de la Escuela de Bellas Artes de California (CSFA) en San Francisco. ^{[ 12 ]} White se mudó a San Francisco en julio y vivió en la misma casa que Adams durante varios años. Adams le enseñó a White su método del Sistema de Zonas para exponer y revelar negativos, que White utilizó ampliamente en su trabajo. Escribió extensamente sobre él, publicó un libro y enseñó el método de exposición y revelado, así como la práctica de la (pre)visualización a sus estudiantes.

Durante su estancia en San Francisco, White entabló una estrecha amistad con Edward Weston en Carmel. Weston ejerció una profunda influencia en la fotografía y la filosofía de White durante el resto de su vida. Más tarde, White afirmó: «...Stieglitz, Weston y Ansel me dieron exactamente lo que necesitaba en aquel momento. Tomé algo de cada uno: la técnica de Ansel, el amor por la naturaleza de Weston y la confirmación de Stieglitz de que estaba vivo y podía fotografiar». ^{[ 13 ]} Durante los años siguientes, White dedicó gran parte de su tiempo a fotografiar en Point Lobos , lugar donde Weston tomó algunas de sus imágenes más famosas, abordando muchos de los mismos sujetos con perspectivas y propósitos creativos completamente diferentes.

A mediados de 1947, White era el profesor principal de CSFA y había desarrollado un curso de tres años que hacía hincapié en la fotografía expresiva personal. Durante los siguientes seis años, reclutó a algunos de los mejores fotógrafos de la época como profesores, entre ellos Imogen Cunningham , Lisette Model y Dorothea Lange . ^{[ 14 ]} Durante este tiempo, White creó su primera agrupación de fotos y texto en forma no narrativa, una secuencia que llamó Amputaciones . Aunque estaba previsto que se mostrara en el Palacio de la Legión de Honor de California , la exposición se canceló porque White se negó a que las fotografías se mostraran sin texto, que incluía algunas palabras que expresaban su ambigüedad sobre el patriotismo estadounidense de la posguerra. ^{[ 15 ]}

Los tres años siguientes fueron de los más prolíficos creativamente para White. Además de fotografiar decenas de paisajes terrestres y acuáticos, tomó decenas de fotografías que se convirtieron en algunas de sus secuencias más impactantes. Tres en particular mostraron su continua lucha con su sexualidad. Song Without Words , The Temptation of St. Anthony Is Mirrors y Fifth Sequence/Portrait of a Young Man as Actor representan "la agitación emocional que siente por su amor y deseo por los hombres". ^{[ 15 ]}

En 1949, White compró una pequeña cámara Zeiss Ikonta y comenzó una serie de fotografías urbanas callejeras. Durante los siguientes cuatro años, tomó casi 6000 imágenes, todas inspiradas por su recién descubierto interés en la poesía de Walt Whitman . El proyecto, al que llamó City of Surf , incluía fotografías del Barrio Chino de San Francisco, los muelles, gente en las calles y diversos desfiles y ferias por toda la ciudad. ^{[ 15 ]}

El periodo de 1951-1952 es uno de los momentos formativos en la carrera de White. Participó en una Conferencia sobre Fotografía en el Instituto Aspen , donde Ansel Adams , Dorothea Lange , Beaumont y Nancy Newhall, Frederick Sommer y otros discutieron la idea de crear una nueva revista de fotografía . Poco después, muchos de ellos fundaron la revista Aperture . White se ofreció como voluntario para el puesto de editor y fue aprobado; el primer número apareció en abril de 1952. Aperture se convirtió rápidamente en una de las revistas más influyentes sobre fotografía, y White permaneció como editor hasta 1975. ^{[ 16 ]}

A finales de 1952, el padre de White, con quien llevaba muchos años distanciado, falleció en Long Beach, California . En 1953, Walter Chappell le presentó el I Ching , un antiguo libro chino de filosofía y adivinación. White siguió influenciado por este texto y lo consultó con frecuencia durante el resto de su vida. Le intrigaban especialmente los conceptos de yin y yang , en los que fuerzas aparentemente opuestas o contrarias pueden concebirse como complementarias. Ese mismo año, una reorganización en CSFS redujo el tiempo que White dedicaba a la docencia, y comenzó a plantearse un cambio de trabajo. Simultáneamente, Beaumont Newhall se había convertido en curador de la George Eastman House en Rochester, Nueva York . Lo invitó a trabajar con él como asistente de curaduría. Expuso del 28 de septiembre al 3 de noviembre de 1954 en la galería Limelight de Nueva York y su obra fue incluida en la exposición Great Photographs de dicha galería a finales de ese año. ^{[ 17 ]} Durante los siguientes tres años, White organizó tres exposiciones temáticas que demostraron sus intereses particulares: Conciencia de la cámara , La imagen pictórica y Lírico y preciso . En 1955 se unió al profesorado del Instituto Tecnológico de Rochester (RIT), donde impartió clases un día a la semana.

La producción fotográfica de White disminuyó durante este tiempo debido a su trabajo docente y editorial, pero continuó produciendo suficientes imágenes como para que, a finales de 1955, hubiera creado una nueva secuencia, Secuencia 10/Catedrales Rurales, que incluía imágenes de paisajes del norte del estado de Nueva York tomadas con película normal e infrarroja . Para 1955, White estaba completamente dedicado a la enseñanza, habiendo sido nombrado instructor en el nuevo programa de fotografía de cuatro años en RIT, además de impartir clases y talleres en la Universidad de Ohio y la Universidad de Indiana . Walter Chappell se mudó a Rochester más tarde ese año para trabajar en la George Eastman House. Chappell entabló largas conversaciones con White sobre diversas religiones y filosofías orientales. White comenzó a practicar la meditación zen y adoptó un estilo de decoración japonés en su casa. Durante los dos años siguientes, las conversaciones entre White y Chappell se transformaron en extensos discursos sobre la obra y la filosofía de George Gurdjieff . White se convirtió gradualmente en seguidor de las enseñanzas de Gurdjieff y comenzó a incorporar su pensamiento en el diseño y la implementación de sus talleres. ^{[ 18 ]} Para White, los conceptos de Gurdjieff no eran solo ejercicios intelectuales, sino guías para la experiencia, y influyeron enormemente en su enfoque de la enseñanza y la fotografía durante el resto de su vida. ^{[ 19 ]}

Durante este mismo período, White comenzó a realizar sus primeras imágenes en color. Si bien es más conocido por su fotografía en blanco y negro, produjo numerosas fotografías en color. Su archivo contiene cerca de 9000 diapositivas de 35 mm tomadas entre 1955 y 1975. ^{[ 20 ]}

En 1959, White organizó una gran exposición de 115 fotografías de su serie Secuencia 13/Regreso al Bud en la George Eastman House. Fue su mayor exposición hasta la fecha. Posteriormente, la muestra viajó al Museo de Arte de Portland, en Oregón. White fue invitado a impartir un taller de 10 días con todos los gastos pagados en Portland para acompañar la exposición. Aprovechó la financiación para fotografiar paisajes y realizó estudios de la naturaleza por todo el país. A partir de su experiencia en Portland, desarrolló la idea de un taller residencial de tiempo completo en Rochester, donde los estudiantes aprenderían tanto a través de sesiones formales como, siguiendo una combinación de pensamiento de Gurdjieff y del zen, mediante la comprensión obtenida a través de la disciplina de tareas como las labores domésticas y los ejercicios matutinos. Continuaría con este estilo de enseñanza residencial hasta su muerte. ^{[ 21 ]} A principios de la década de 1960, White estudió hipnosis e incorporó la práctica a algunas de sus enseñanzas. ^{[ 22 ]}

Durante los años siguientes, White continuó impartiendo clases de forma extensa, tanto de forma privada como en el RIT. En ese tiempo, viajaba por Estados Unidos durante los veranos, tomando fotografías. En su diario, se refería a sí mismo durante este período como «El Vagabundo». ^{[ 19 ]} En 1962 conoció a Michael Hoffman, quien se convirtió en amigo, colega y, posteriormente, editor de la revista Aperture . Más tarde, White nombró a Hoffman albacea de su testamento. ^{[ 23 ]}

En 1965, White fue invitado a colaborar en el diseño de un nuevo programa de artes visuales en el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) en Cambridge, Massachusetts , cerca de Boston. Tras ser nombrado profesor visitante, White se mudó a la zona de Boston y compró una casa de doce habitaciones en el suburbio de Arlington para ampliar sus talleres residenciales para estudiantes seleccionados. Poco después de mudarse a Boston, creó una secuencia diferente llamada Danza Lenta, que posteriormente integraría en su enseñanza. Continuó explorando cómo las personas comprenden e interpretan la fotografía y comenzó a incorporar técnicas de la psicología de la Gestalt en sus clases. Para ayudar a sus alumnos a experimentar el significado de la "equivalencia", empezó a exigirles que dibujaran ciertos sujetos además de fotografiarlos.

A White le diagnosticaron angina en 1966. Sus síntomas persistieron durante el resto de su vida, lo que lo llevó a intensificar su estudio de asuntos espirituales y la meditación. Se volcó a la astrología , y su interés en ella se volvió tan significativo que exigió a todos sus estudiantes, tanto actuales como potenciales, que se hicieran un horóscopo . ^{[ 24 ]} Para entonces, los métodos de enseñanza poco ortodoxos de White ya estaban bien establecidos. Un estudiante, John Loori , quien más tarde se convirtió en abad del Monasterio Zen de la Montaña , dijo: «Realmente quería aprender a ver como él veía [...]. No me daba cuenta de que Minor nos estaba enseñando [...] no solo a ver imágenes, sino a sentirlas, olerlas, saborearlas». ^{[ 25 ]}

White comenzó a escribir el texto de Mirrors, Messages, Manifestations, la primera monografía sobre sus fotografías, a finales de 1966, y tres años después, Aperture publicó el libro . Incluía 243 de sus fotografías y texto, entre ellos poemas, notas de su diario y otros escritos. Peter Bunnell , uno de los primeros alumnos de White y entonces conservador de fotografía del Museo de Arte Moderno, escribió una extensa biografía de White para el libro. Durante ese mismo periodo, White completó Sequence 1968 , una serie de imágenes de paisajes de sus viajes recientes. ^{[ 26 ]} Durante los años siguientes, White concibió y dirigió cuatro importantes exposiciones fotográficas temáticas en el MIT, comenzando con "Light ⁷ " en 1968 y seguida de "Be-ing without Clothes" en 1970, ^{[ 27 ]} "Octave of Prayer" en 1972 y "Celebrations" en 1974. Cualquiera podía enviar imágenes para las exposiciones, y White dedicó mucho tiempo a revisar personalmente todas las propuestas y seleccionar las imágenes finales. ^{[ 28 ]}

White continuó impartiendo clases extensamente y tomando sus propias fotografías a pesar del deterioro de su salud. Dedicó cada vez más tiempo a la escritura y comenzó un extenso texto titulado "Conciencia en la fotografía y el público creativo", en el que hacía referencia a su serie de 1965, " Danza lenta ", y defendía la idea de que ciertos estados de mayor consciencia eran necesarios para interpretar verdaderamente una fotografía y comprender su significado. Para completar este trabajo, solicitó y obtuvo una beca Guggenheim en 1970, y "Conciencia en la fotografía y el público creativo " se convirtió en lectura obligatoria para un nuevo curso que impartió en el MIT llamado "Público creativo". En 1971 viajó a Puerto Rico para explorar más a fondo su fotografía en color, y en 1974 y 1975 viajó a Perú para enseñar y profundizar en sus estudios sobre Gurdjieff.

En 1975, White viajó a Inglaterra para dar conferencias en el Museo Victoria y Alberto e impartir clases en varias universidades. Continuó con una agenda de viajes agitada durante varias semanas, y luego voló directamente a la Universidad de Arizona en Tucson para participar en un simposio. Al regresar a Boston después de casi seis semanas de viaje, sufrió un ataque al corazón y fue hospitalizado durante varias semanas. Después de esto, White se centró aún más en sí mismo y fotografió muy poco. Pasó gran parte de su tiempo con su alumno Abe Frajndlich, quien realizó una serie de retratos situacionales de White en su casa y en su jardín. ^{[ 29 ]} Unos meses antes de su muerte, White publicó un breve artículo en la revista Parabola titulado "La lente de diamante de la fábula", en el que se asociaba con Gilgamesh , Jasón y el rey Arturo , todos héroes de antiguos relatos sobre búsquedas de toda una vida. ^{[ 19 ]}

El 24 de junio de 1976, White falleció de un segundo infarto mientras trabajaba en su casa. Legó todos sus archivos y documentos personales, junto con una extensa colección de sus fotografías, a la Universidad de Princeton. Dejó su casa a Aperture para que pudieran continuar el trabajo que había comenzado allí. ^{[ 30 ]}

Peter Bunnell estudió fotografía con White en el RIT a finales de la década de 1950. Aunque inicialmente pretendía dedicarse a la fotografía de moda , fue su contacto con White lo que lo llevó a reconsiderar la fotografía como vehículo de expresión artística personal. White se convirtió en su mentor y lo reclutó para unirse al equipo de la revista Aperture. Bunnell pasó gradualmente de ser fotógrafo a estudiar el medio y su historia, pero su interés por White —y su amistad con él— perduró hasta el fallecimiento de White en 1976.

Bunnell se convirtió en el experto reconocido en la obra de White, y su libro de 1989, Minor White: The Eye That Shapes, sigue siendo la fuente de información más completa sobre el fotógrafo. ^{[ 31 ]}

White estuvo muy influenciado por el concepto de "equivalencia" de Stieglitz, que interpretó como la capacidad de las fotografías para representar algo más que su tema. Escribió: "Cuando una fotografía funciona como un equivalente, es a la vez un registro de algo frente a la cámara y, simultáneamente, un símbolo espontáneo. (Un 'símbolo espontáneo' es aquel que se desarrolla automáticamente para satisfacer la necesidad del momento. Una fotografía de la corteza de un árbol, por ejemplo, puede despertar repentinamente una sensación correspondiente de aspereza de carácter en un individuo)". ^{[ 32 ]}

En sus últimos años, solía fotografiar rocas, olas, madera y otros objetos naturales aislados de su contexto, convirtiéndolos así en formas abstractas. Su intención era que el espectador las interpretara como algo más que lo que realmente representan. Según White, «Cuando un fotógrafo nos presenta lo que para él es un equivalente, en efecto nos está diciendo: "Tuve una sensación sobre algo y aquí está mi metáfora de esa sensación"... Lo que realmente sucedió fue que reconoció un objeto o una serie de formas que, al ser fotografiadas, producirían una imagen con un poder sugestivo específico que puede dirigir al espectador hacia un sentimiento, estado o lugar específico y conocido dentro de sí mismo». ^{[ 33 ]}

En la introducción a su Cuarta Secuencia (1950), White escribió:

Aunque se fotografiaron rocas, el tema de la secuencia no son las rocas; si bien parecen aparecer símbolos, apenas son indicios de significado. El significado surge del estado de ánimo que provocan en el espectador; y el fluir de la secuencia serpentea en el río de sus asociaciones a medida que pasa de una imagen a otra. Las rocas son solo los objetos sobre los que se extiende el significado como sábanas en el suelo para secarse. ^{[ 34 ]}

No todos estaban de acuerdo con la filosofía de White ni la comprendían. Algunas de sus imágenes abstractas «tienen una indeterminación que impide cualquier respuesta convencional». ^{[ 35 ]} Un crítico escribió: «Sin la capacidad de ver en las rocas algún destello de forma esencial, como lo hizo Weston, o en las nubes algún indicio de una fuerza vital universal, como lo hizo Stieglitz, no se pueden comprender las pinturas de White... Da la impresión de que White no se desarrolló como artista de forma lineal, sino que osciló entre polos contradictorios». ^{[ 35 ]}

A mediados de la década de 1940, White comenzó a articular una filosofía sobre la importancia de cómo se presentan sus fotografías al espectador. Inicialmente, estuvo influenciado por Stieglitz, quien en su enseñanza enfatizaba que las fotografías presentadas en un contenido estructurado pueden complementarse entre sí y crear una declaración total más compleja y significativa que las imágenes individuales por sí solas. Cuando White comenzó a trabajar como fotógrafo en el Museo de Arte Moderno en 1945, entabló amistad con Nancy Newhall, quien estaba organizando una retrospectiva de las fotografías de Edward Weston para el museo. Newhall tenía un don para crear agrupaciones de imágenes muy distintivas, y White afirmó más tarde que su montaje de la exposición de Weston fue una revelación para él. ^{[ 36 ]}

Durante el resto de su vida dedicó mucho tiempo a agrupar y reagrupar sus fotografías en conjuntos específicos de imágenes que variaban en número desde 10 hasta más de 100 copias. Describió lo que llamó una secuencia como un "cine de imágenes fijas" ^{[ 36 ]} que, según él, transmitiría un "estado de ánimo" ^{[ 36 ]} creado tanto por el fotógrafo como por la personalidad del espectador.

En sus primeras secuencias (hasta 1952) incluyó varios poemas y otros textos con sus imágenes. A medida que su concepción de las secuencias evolucionó, dejó de usar textos gradualmente. Al mismo tiempo, muchas de sus imágenes se volvieron cada vez más abstractas. Aunque sentía una gran convicción sobre las agrupaciones particulares de sus imágenes, en sus primeras secuencias no prescribió deliberadamente un orden específico para su presentación. Afirmó que quería que sus secuencias fueran interpretaciones subjetivas y, por lo tanto, deseaba que los espectadores obtuvieran una comprensión de sí mismos al permitirles contemplar su obra como mejor les pareciera. ^{[ 37 ]} Este concepto se limitaba a aquellos espectadores que participaban en sus talleres y clases, donde podían manipular las impresiones individualmente en lugar de verlas en una galería.

Más tarde, al interesarse más por la antropología y la mitología, comenzó a experimentar con la influencia que las imágenes individuales ejercían sobre el espectador según su presentación. En una obra que tituló « Secuencia totémica» , compuesta por diez fotografías, incluyó la misma imagen tanto para la apertura como para la cierre. La última imagen es la primera, pero invertida. White consideró que este cambio ilustraba la realidad y la irrealidad simultáneas en una fotografía. El título que le dio a la primera imagen fue «Punto de poder». ^{[ 38 ]}

White escribió extensamente sobre su visión de las secuencias, tanto en su diario como en artículos. En su diario escribió: «Las fotografías de una secuencia o constelación pueden compararse con una danza o un tema. Los puntos principales del conjunto se exponen y se repiten con variaciones hasta que el último miembro del público los ha percibido». También escribió: «Ahora, secuencia significa que el placer de fotografiar a la luz del sol se equilibra con el placer de editar a la luz de la mente». ^{[ 39 ]}

Durante su vida, White creó o planeó alrededor de 100 grupos de sus fotografías, incluyendo secuencias (con múltiples versiones), series y portafolios. ^{[ 40 ]} Muchas fueron simplemente llamadas "Secuencia" seguidas de un número, pero para varias agregó títulos artísticos que reflejaban su idea de que las fotografías representan más que su tema obvio.

Algunas de sus secuencias principales son:

• Canción sin palabras (1947)
• Segunda secuencia: Amputaciones (1947)
• La tentación de San Antonio son los espejos (1948). Esta secuencia es la obra más personal de White, compuesta enteramente por fotografías de un modelo de CSFA llamado Tom Murphy. Las 32 imágenes incluyen retratos íntimos y estudios de figura, muchos de los cuales muestran el cuerpo desnudo frontal de Murphy. En aquel entonces era ilegal exhibir o publicar imágenes que mostraran explícitamente los genitales masculinos, y si White hubiera revelado que había tomado las fotografías, habría sido expuesto como homosexual y sometido a acoso y a la pérdida de su trabajo. Montó y encuadernó dos copias de las fotos en pequeños libros hechos a mano, le dio una a Murphy y se quedó con la otra. Muchas de las fotos de esta secuencia nunca se publicaron en vida del artista, y la secuencia completa se exhibió por primera vez recién en 2014 en el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles. ^{[ 41 ]}
• Secuencia 11 / El joven como místico (1955)
• Secuencia 13 / Regreso al brote (1959)
• Secuencia 16 / El sonido de una mano (1960)
• Secuencia 17 / Por mi amor a ti intentaré devolverte tu esencia (1963)
• Danza lenta (1965). White se apartó de sus métodos habituales para crear esta secuencia, que consta de 80 diapositivas en color diseñadas para ser vistas en proyectores duales. Se inspiró en su interés por el movimiento interpretado a través de los "rituales rítmicos" de Gurdjieff. ^{[ 41 ]}
• Secuencia totémica (1974)

• "A primera vista, una fotografía puede informarnos. A segunda vista, puede llegar a nosotros." ^{[ 42 ]}
• "Quédate quieto contigo mismo hasta que el objeto de tu atención afirme tu presencia." ^{[ 43 ]}
• "La cámara y yo nos hemos enfrascado en una especie de persecución visual de conciencia intensificada." ^{[ 44 ]}
• "Las funciones de equivalencia se basan en el supuesto de que la siguiente ecuación es fáctica: Fotografía + Imagen mental de una persona mirando." ^{[ 45 ]}
• "Al convertirme en fotógrafo, solo cambio de medio. La esencia tanto del verso como de la fotografía es la poesía." ^{[ 46 ]}
• ¿Mi lugar en esto que llamamos "fotografía"? Últimamente me he dado cuenta de que tal vez tengo un lugar en ella, no ocupado enteramente por otros. ^{[ 47 ]}
• "No solo se deben fotografiar las cosas por lo que son, sino también por lo que son en otros sentidos." ^{[ 43 ]}
• "Cuando la fotografía es un espejo del hombre y el hombre es un espejo del mundo, entonces el Espíritu podría tomar el control." ^{[ 48 ]}
• "Todo ha sido fotografiado. Acéptalo. Fotografía mejor las cosas." ^{[ 49 ]}
• "Por muy lenta que sea la película, Spirit siempre se queda quieta el tiempo suficiente para el fotógrafo que ha elegido."

• Lista de personas LGBT de Portland, Oregón

• Bunnell, Peter. Minor White: El ojo que da forma. Princeton, NJ: Museo de Arte de la Universidad de Princeton, 1989. ISBN 978-0943012094
• Caponigro, John Paul. 22 citas del fotógrafo Minor White.
• Comer, Stephanie, Deborah Klochko y Jeff Gunderson. El momento de la visión: Minor White en la Escuela de Bellas Artes de California. San Francisco: Chronicle Books, 2006. ISBN 978-0811854689
• Daido Loori, John. "Encuentro con un hombre del camino". Tricycle , primavera de 2003. http://tricycle.org/magazine/meeting-man-way/
• Druckrey, Timothy. "Una secuencia privada de Minor White." Center for Creative Photography , n.º 9, junio de 1979, 34-35.
• Frajndlich, Abe. Vidas que nunca viví: Un retrato de Minor White. Cleveland Heights: Arc Press, 1983. ISBN 0-9600884-3-1
• Gassan, Arnold. "Informe: Fracasaron los talleres para jóvenes blancos y el diálogo." Camera Lucida, n.º 6 y 7, 1983, págs. 1-136.
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• Lyons, Nathan. Eye Mind Spirit: The Enduring Legacy of Minor White. Nueva York: Howard Greenberg Gallery, 2009. ISBN 978-0974886305
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• Marshall, Peter. Minor White – Equivalentes. http://www.vasculata.com/minor_white1.htm
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• Green, Jonathan ., Fotografía estadounidense: una historia crítica (Abrams, 1984). ISBN 0-8109-1814-5 Capítulo 3, "La búsqueda de una nueva visión"
• El momento de la visión: Minor White en la Escuela de Bellas Artes de California (2006)
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• Ejemplos de fotografías de Minor White en el sitio web de Masters of Photography.