Alfred Stieglitz

Stieglitz se consideraba artista, pero se negaba a vender sus fotografías. Su padre le compró un pequeño negocio de fotografía para que pudiera ganarse la vida con su profesión. Debido a que exigía imágenes de alta calidad y pagaba salarios elevados a sus empleados, la empresa Photochrome Engraving Company rara vez obtenía beneficios. ^{[ 8 ]}

A finales de 1892, Stieglitz compró su primera cámara de mano, una cámara de película de placas Folmer and Schwing de 4×5. ^{[ 8 ]} Stieglitz se labró una reputación por su fotografía y sus artículos en revistas sobre cómo la fotografía es una forma de arte. En la primavera de 1893, se convirtió en coeditor de The American Amateur Photographer . Para evitar cualquier apariencia de parcialidad en sus opiniones y dado que Photochrome imprimía ahora las fotograbaciones para la revista, Stieglitz rechazó un salario. ^{[ 1 ]}

El 16 de noviembre de 1893, Stieglitz, de 29 años, se casó con Emmeline Obermeyer, de 20 años, hermana de su amigo íntimo y socio comercial Joe Obermeyer y nieta del cervecero Samuel Liebmann . La boda tuvo lugar en la ciudad de Nueva York. Stieglitz escribió más tarde que no amaba a Emmy, como se la conocía comúnmente, cuando se casaron y que su matrimonio no se consumó hasta al menos un año después. ^{[ 4 ]} Hija de un acaudalado propietario de una cervecería, había heredado dinero de su padre. ^{[ 1 ]} Stieglitz llegó a lamentar su decisión de casarse con Emmy, ya que ella no compartía sus intereses artísticos y culturales. El biógrafo de Stieglitz, Richard Whelan, resumió su relación diciendo que Stieglitz "le guardaba un profundo resentimiento por no haberse convertido en su alma gemela". A lo largo de su vida, Stieglitz mantuvo un deseo por las mujeres más jóvenes. ^{[ 8 ]}

Stieglitz fue elegido por unanimidad como uno de los dos primeros miembros estadounidenses de la sociedad fotográfica británica The Linked Ring . Stieglitz vio en este reconocimiento el impulso que necesitaba para intensificar su labor de promoción de la fotografía artística en los Estados Unidos. ^{[ 4 ]}

En mayo de 1896, las dos organizaciones se unieron para formar el Camera Club de Nueva York . Aunque se le ofreció la presidencia, pasó a ser vicepresidente. Desarrolló programas para el club y participó en todos los aspectos de la organización. Le comentó al periodista Theodore Dreiser que quería "hacer que el club fuera tan grande, sus labores tan destacadas y su autoridad tan firme que [pudiera] utilizar satisfactoriamente su gran prestigio para lograr el reconocimiento de los artistas individuales, tanto dentro como fuera de sus muros". ^{[ 9 ]}

Stieglitz convirtió el boletín informativo del Camera Club en una revista, Camera Notes , y obtuvo el control total de la nueva publicación. Su primer número se publicó en julio de 1897. Pronto fue considerada la mejor revista de fotografía del mundo. ^{[ 10 ]} Durante los siguientes cuatro años, Stieglitz utilizó Camera Notes para defender su convicción de que la fotografía era una forma de arte, incluyendo artículos sobre arte y estética junto a copias de algunos de los fotógrafos estadounidenses y europeos más importantes. El crítico Sadakichi Hartmann escribió: «Me parecía que la fotografía artística, el Camera Club y Alfred Stieglitz eran solo tres nombres para una misma cosa». ^{[ 11 ]}

También continuó tomando sus propias fotografías. A finales de 1896, imprimió a mano las fotograbaciones para su primer portafolio de su propia obra, Picturesque Bits of New York and Other Studies . ^{[ 12 ]} Continuó exponiendo en muestras en Europa y Estados Unidos, y para 1898 ya se había ganado una sólida reputación como fotógrafo. Le pagaron 75 dólares ( equivalentes a 2903 dólares en 2025 ) por su impresión favorita, Winter – Fifth Avenue . ^{[ 5 ]}

El 27 de septiembre de 1898 nació Katherine "Kitty" , la hija de Stieglitz . Con la herencia de Emmy, la pareja contrató a una institutriz, una cocinera y una doncella. Stieglitz trabajaba al mismo ritmo que antes del nacimiento de su hija, y como resultado, la pareja vivía prácticamente separada bajo el mismo techo. ^{[ 4 ]}

En mayo de 1899, Stieglitz presentó una exposición individual, compuesta por ochenta y siete grabados, en el Camera Club. El esfuerzo por preparar esta muestra, sumado a la continua producción de Camera Notes , afectó la salud de Stieglitz. Para aliviar su carga, incorporó a sus amigos Joseph Keiley y Dallet Fuguet, ninguno de los cuales era miembro del Camera Club, como editores asociados de Camera Notes . Molestos por esta intromisión de personas ajenas al club, y también por su menguante presencia en la publicación, muchos de los miembros más veteranos comenzaron a hacer campaña activamente contra la autoridad editorial de Stieglitz. Stieglitz dedicó la mayor parte de 1900 a buscar maneras de contrarrestar estos esfuerzos, lo que lo involucró en prolongadas batallas administrativas. ^{[ 8 ]}

Debido a la constante presión de dirigir el Club de Fotografía, al año siguiente sufrió el primero de varios colapsos mentales. ^{[ 8 ]} Pasó gran parte del verano en la casa familiar de Lake George, Oaklawn, recuperándose. Cuando regresó a Nueva York, anunció su renuncia como editor de Camera Notes . ^{[ 1 ]}

La fotógrafa Eva Watson-Schütze le instó a establecer una exposición que sería juzgada exclusivamente por fotógrafos ^{[ 13 ]} que, a diferencia de los pintores y otros artistas, conocían la fotografía y sus características técnicas. En diciembre de 1901, Charles DeKay, del National Arts Club, lo invitó a organizar una exposición en la que Stieglitz tendría «plena libertad para seguir sus propias inclinaciones». ^{[ 14 ]} En dos meses, Stieglitz había reunido una colección de copias de un círculo íntimo de amigos, a la que, en homenaje a los fotógrafos de Múnich, llamó la Photo-Secession . Stieglitz no solo declaraba una secesión de las restricciones artísticas generales de la época, sino específicamente de la supervisión oficial del Camera Club. ^{[ 15 ]}

Comenzó a idear un plan para publicar una revista de fotografía pictorialista completamente independiente que continuara con los estándares artísticos de la Photo-Secessionist. En julio, renunció definitivamente a su cargo de editor de Camera Notes , y un mes después publicó un prospecto para una nueva revista que llamó Camera Work . Estaba decidido a que fuera "la mejor y más suntuosa de las publicaciones fotográficas". ^{[ 1 ]} El primer número se imprimió cuatro meses después, en diciembre de 1902, y al igual que todos los números posteriores, contenía fotograbados impresos a mano, ensayos críticos sobre fotografía, estética y arte, y reseñas y comentarios sobre fotógrafos y exposiciones. Camera Work fue "la primera revista fotográfica con un enfoque visual". ^{[ 16 ]}

Stieglitz era un perfeccionista, y eso se notaba en cada aspecto de Camera Work . Impulsó el arte de la impresión en fotograbado al exigir estándares de calidad excepcionalmente altos para las copias de Camera Work . La calidad visual de los fotograbados era tan alta que, cuando un juego de copias no llegó para una exposición de la Photo-Secession en Bruselas, se expuso una selección de fotograbados de la revista. La mayoría de los espectadores creyeron estar viendo las fotografías originales. ^{[ 1 ]}

A lo largo de 1903, Stieglitz publicó Camera Work y trabajó para exhibir su propio trabajo y el de los Photo-Secessionists ^{[ 8 ]} mientras lidiaba con las tensiones de su vida familiar. El fotógrafo luxemburgués-estadounidense Edward Steichen , quien más tarde sería curador de la emblemática exposición The Family of Man , fue el fotógrafo que apareció con mayor frecuencia en la revista. Fuguet, Keiley y Strauss, los tres editores asociados de Stieglitz en Camera Notes , fueron llevados consigo a Camera Work . Más tarde, afirmó que él solo empaquetó y envió por correo individualmente unos 35.000 ejemplares de Camera Work durante su publicación. ^{[ 8 ]}

El 25 de noviembre de 1905, las "Pequeñas Galerías de la Foto-Secesión " abrieron sus puertas en el número 291 de la Quinta Avenida con cien copias de treinta y nueve fotógrafos. Steichen había recomendado y animado a Stieglitz, a su regreso de Europa, a alquilar tres habitaciones frente al apartamento de Steichen que ambos consideraron perfectas para exhibir fotografía. La galería se convirtió en un éxito instantáneo, con casi quince mil visitantes durante su primera temporada y, lo que es más importante, ventas de copias que ascendieron a casi 2800 dólares, ^{[ 17 ]} más de la mitad de esas ventas correspondieron a obras de Steichen. ^{[ 1 ]}

Stieglitz siguió centrando sus esfuerzos en la fotografía, a costa de su familia. Emmy, que esperaba ganarse algún día el amor de Stieglitz, continuó dándole una asignación de su herencia. ^{[ 8 ]}

En el número de octubre de 1906 de Camera Work , su amigo Joseph Keiley dijo: "Hoy en Estados Unidos se ha logrado la verdadera batalla por la que se fundó la Photo-Secession: el reconocimiento serio de la fotografía como un medio adicional de expresión pictórica". ^{[ 18 ]}

Dos meses después, Stieglitz, de 42 años, conoció a la artista Pamela Colman Smith , de 28 años , quien deseaba exponer sus dibujos y acuarelas en su galería. Decidió mostrar su obra porque pensó que sería "muy instructivo comparar dibujos y fotografías para juzgar las posibilidades y limitaciones de la fotografía". ^{[ 17 ]} Su exposición se inauguró en enero de 1907, con muchos más visitantes que cualquiera de las exposiciones fotográficas anteriores, y pronto se vendieron todas sus obras expuestas. Stieglitz, con la esperanza de capitalizar la popularidad de la exposición, fotografió su obra y publicó una carpeta aparte con sus copias en platino de su trabajo. ^{[ 1 ]}

A finales de la primavera de 1907, Stieglitz colaboró ​​con su amigo Clarence H. White en una serie de experimentos fotográficos . Tomaron varias docenas de fotografías de dos modelos vestidos y desnudos, e imprimieron una selección utilizando técnicas inusuales, como el virado, el encerado y el dibujo sobre copias en platino. Según Stieglitz, esto superó «la imposibilidad de la cámara para hacer ciertas cosas». ^{[ 1 ]}

Ganó menos de 400 dólares al año debido a la disminución de las suscripciones a Camera Work y al bajo margen de beneficio de la galería. ^{[ 8 ]}

De camino a Europa, Stieglitz tomó la que se reconoce no solo como su imagen emblemática, sino también como una de las fotografías más importantes del siglo XX: La tercera clase . ^{[ 19 ]}

Stieglitz intercaló deliberadamente exposiciones de lo que sabía que sería arte controvertido, como los dibujos sexualmente explícitos de Rodin, con lo que Steichen denominó "arte comprensible" y con fotografías. La intención era "establecer un diálogo que permitiera a 291 visitantes ver, debatir y reflexionar sobre las diferencias y similitudes entre artistas de todos los rangos y tipos: entre pintores, dibujantes, escultores y fotógrafos; entre artistas europeos y estadounidenses; entre figuras más antiguas o consagradas y artistas más jóvenes y emergentes". ^{[ 20 ]} Durante este mismo período, el National Arts Club organizó una "Exposición Especial de Arte Contemporáneo" que incluyó fotografías de Stieglitz, Steichen, Käsebier y White, junto con pinturas de Mary Cassatt , William Glackens , Robert Henri , James McNeill Whistler y otros. Se cree que esta fue la primera gran exposición en Estados Unidos en la que se otorgó a los fotógrafos el mismo rango que a los pintores. ^{[ 20 ]}

Durante la mayor parte de 1908 y 1909, Stieglitz dedicó su tiempo a crear espectáculos en el 291 y a publicar Camera Work . No se tomaron fotografías durante este período que aparezcan en el catálogo definitivo de su obra, Alfred Stieglitz: The Key Set . ^{[ 20 ]}

En 1910, Stieglitz fue invitado por el director de la Galería de Arte Albright a organizar una importante exposición con lo mejor de la fotografía contemporánea. Si bien se publicó un anuncio de un concurso abierto para la exposición en Camera Work , el hecho de que Stieglitz estuviera a cargo generó una nueva oleada de ataques en su contra. Un editorial de la revista American Photography afirmaba que Stieglitz ya no podía «percibir el valor de la obra fotográfica de mérito artístico que no se ajusta a un estilo particular tan característico de todas las exposiciones bajo su patrocinio. Hace media generación, esta escuela [la Photo-Secession] era progresista y estaba muy adelantada a su tiempo. Hoy no progresa, sino que es una fuerza reaccionaria del tipo más peligroso». ^{[ 21 ]}

Stieglitz escribió a su colega fotógrafo George Seeley: «La reputación, no solo de la Photo-Secession, sino de la fotografía en general, está en juego, y pretendo reunir todas las fuerzas disponibles para que salgamos victoriosos». ^{[ 1 ]}

A lo largo de 1911 y principios de 1912, Stieglitz organizó exposiciones de arte moderno pioneras en el número 291 y promovió el arte nuevo junto con la fotografía en las páginas de Camera Work . Para el verano de 1912, estaba tan fascinado con el arte no fotográfico que publicó un número de Camera Work (agosto de 1912) dedicado exclusivamente a Matisse y Picasso. ^{[ 16 ]}

A finales de 1912, los pintores Walter Pach , Arthur B. Davies y Walt Kuhn organizaron una exposición de arte moderno, y Stieglitz prestó algunas piezas de arte moderno del 291 para la muestra. También aceptó ser incluido como vicepresidente honorario de la exposición junto con Claude Monet , Odilon Redon , Mabel Dodge e Isabella Stewart Gardner . En febrero de 1913, se inauguró en Nueva York la trascendental Armory Show , y pronto el arte moderno se convirtió en un tema central de debate en toda la ciudad. Vio la popularidad de la exposición como una reivindicación del trabajo que había estado patrocinando en el 291 durante los últimos cinco años. ^{[ 22 ]} Organizó una exposición de sus propias fotografías en el 291 para que coincidiera con la Armory Show. Más tarde escribió que permitir que la gente viera tanto fotografías como pinturas modernas al mismo tiempo "brindaba la mejor oportunidad al estudiante y al público para una comprensión más clara del lugar y el propósito de ambos medios". ^{[ 23 ]}

En enero de 1916, la sufragista Anita Pollitzer le mostró a Stieglitz una serie de dibujos a carboncillo de Georgia O'Keeffe . Stieglitz quedó tan impresionado por su arte que, sin conocer a O'Keeffe ni obtener su permiso para mostrar sus obras, planeó exhibirlas en la galería 291. O'Keeffe se enteró de todo esto por una amiga que vio sus dibujos en la galería a finales de mayo de ese año. Finalmente conoció a Stieglitz después de ir a la galería 291 y reprenderlo por mostrar su trabajo sin su permiso. ^{[ 1 ]}

Poco después, O'Keeffe conoció a Paul Strand , y durante varios meses intercambiaron cartas cada vez más románticas. Cuando Strand le contó a su amigo Stieglitz sobre su nuevo anhelo, Stieglitz le respondió contándole a Strand su propio enamoramiento por O'Keeffe. Gradualmente, el interés de Strand disminuyó y el de Stieglitz aumentó. Para el verano de 1917, él y O'Keeffe se escribían "sus pensamientos más íntimos y complejos". ^{[ 24 ]}

A principios de junio de 1918, O'Keeffe se mudó a Nueva York desde Texas después de que Stieglitz le prometiera que le proporcionaría un estudio tranquilo donde pudiera pintar. Al cabo de un mes, le tomó la primera de muchas fotografías desnuda en el apartamento de su familia mientras su esposa Emmy estaba fuera, pero ella regresó mientras la sesión aún estaba en curso. Llevaba tiempo sospechando que algo pasaba entre ellos y le dijo que dejara de verla o que se marchara. ^{[ 8 ]} Stieglitz se fue e inmediatamente encontró un lugar en la ciudad donde él y O'Keeffe pudieran vivir juntos. Durmieron separados durante más de dos semanas. A finales de julio ya dormían juntos en la misma cama, y ​​a mediados de agosto, cuando visitaron Oaklawn, "eran como dos adolescentes enamorados. Varias veces al día subían corriendo las escaleras hacia su habitación, tan ansiosos por hacer el amor que empezaban a quitarse la ropa mientras corrían". ^{[ 1 ]}

O'Keeffe fue la musa que Stieglitz siempre había deseado. La fotografió obsesivamente entre 1918 y 1925, en el que fue el período más prolífico de su vida. Durante este tiempo, produjo más de 350 copias montadas de O'Keeffe que retrataban una amplia gama de su carácter, estados de ánimo y belleza. Realizó numerosos estudios de primer plano de partes de su cuerpo, especialmente de sus manos, ya sea aisladas o cerca de su rostro o cabello. La biógrafa de O'Keeffe, Roxanna Robinson, afirma que su "personalidad era crucial para estas fotografías; era esto, tanto como su cuerpo, lo que Stieglitz estaba registrando". ^{[ 24 ]}

En 1920, Mitchell Kennerly, de las Galerías Anderson de Nueva York , invitó a Stieglitz a organizar una importante exposición de sus fotografías. A principios de 1921, inauguró la primera exposición individual de sus fotografías desde 1913. De las 146 copias que expuso, solo 17 se habían visto antes. Cuarenta y seis eran de O'Keeffe, incluyendo muchos desnudos, pero ella no fue identificada como la modelo en ninguna de las copias. ^{[ 1 ]} Fue en el catálogo de esta exposición donde Stieglitz hizo su famosa declaración: «Nací en Hoboken. Soy estadounidense. La fotografía es mi pasión. La búsqueda de la Verdad, mi obsesión». Lo que es menos conocido es que condicionó esta declaración añadiendo estas palabras:

NOTA: En la declaración anterior no aparecen los siguientes términos, que se están volviendo rápidamente obsoletos: ARTE, CIENCIA, BELLEZA, RELIGIÓN, cualquier ismo, ABSTRACCIÓN, FORMA, PLASTICIDAD, OBJETIVIDAD, SUBJETIVIDAD, ANTIGUOS MAESTROS, ARTE MODERNO, PSICOANÁLISIS, ESTÉTICA, FOTOGRAFÍA PICTÓRICA, DEMOCRACIA, CÉZANNE, "291", PROHIBICIÓN. El término VERDAD sí se coló, pero cualquiera puede expulsarlo. ^{[ 25 ]}

En 1922, Stieglitz organizó una gran exposición de pinturas y grabados de John Marin en las Galerías Anderson, seguida de una enorme subasta de casi doscientos cuadros de más de cuarenta artistas estadounidenses, entre ellos O'Keeffe. Animado por esta actividad, emprendió uno de sus proyectos más creativos e inusuales: fotografiar una serie de estudios de nubes simplemente por su forma y belleza. Dijo:

Quería fotografiar nubes para descubrir qué había aprendido en cuarenta años sobre fotografía. A través de las nubes, plasmar mi filosofía de vida: demostrar que el éxito de mis fotografías no se debía al tema, ni a árboles o rostros especiales, ni a interiores, ni a privilegios especiales; las nubes estaban ahí para todos… ^{[ 26 ]}

La madre de Stieglitz, Hedwig, falleció en noviembre de 1922, y al igual que con su padre, Stieglitz recurrió a su obra para canalizar su dolor. Pasó tiempo con Paul Strand y su esposa, la pintora Rebecca Salsbury , reseñó la obra de otro artista emergente llamado Edward Weston y comenzó a organizar una nueva exposición de la obra de O'Keeffe. La exposición se inauguró a principios de 1923, y Stieglitz dedicó gran parte de la primavera a promocionar su obra. Finalmente, veinte de sus cuadros se vendieron por más de 3000 dólares. En el verano, O'Keeffe volvió a retirarse a la soledad del suroeste, y durante un tiempo Stieglitz estuvo a solas con Salsbury en el lago George. Le tomó una serie de fotografías desnuda y pronto se enamoró perdidamente de ella. Tuvieron una breve aventura amorosa antes de que O'Keeffe regresara en otoño. O'Keeffe se dio cuenta de lo sucedido, pero como no consideraba que el nuevo amante de Stieglitz representara una seria amenaza para su relación, lo dejó pasar. Seis años después tendría su propio romance con Salsbury en Nuevo México. ^{[ 27 ]}

En 1924, el divorcio de Stieglitz fue finalmente aprobado por un juez, y cuatro meses después él y O'Keeffe se casaron en una pequeña ceremonia privada en casa de Marin. Regresaron a casa sin recepción ni luna de miel. O'Keeffe declaró más tarde que se casaron para ayudar a aliviar los problemas de Kitty, la hija de Stieglitz, quien en ese momento estaba siendo tratada en un sanatorio por depresión y alucinaciones. ^{[ 24 ]} Durante el resto de sus vidas juntos, su relación fue, como la describió la biógrafa Benita Eisler , "una connivencia... un sistema de acuerdos y concesiones, tácitamente pactados y llevados a cabo, en su mayor parte, sin intercambiar una palabra. Prefiriendo la evasión a la confrontación en la mayoría de los asuntos, O'Keeffe fue el principal agente de la connivencia en su unión". ^{[ 27 ]}

En los años siguientes, O'Keeffe pasó gran parte de su tiempo pintando en Nuevo México , mientras que Stieglitz rara vez salía de Nueva York, salvo durante los veranos en la finca familiar de su padre en Lake George , en las montañas Adirondack , su lugar de vacaciones favorito. O'Keeffe comentó más tarde: «Stieglitz era hipocondríaco y no podía estar a más de 80 kilómetros de un médico». ^{[ 28 ]}

A finales de 1924, Stieglitz donó 27 fotografías al Museo de Bellas Artes de Boston . Fue la primera vez que un museo importante incluía fotografías en su colección permanente. Ese mismo año, recibió la Medalla al Progreso de la Real Sociedad Fotográfica por su contribución al avance de la fotografía y fue nombrado Miembro Honorario de la Sociedad. ^{[ 29 ]}

En 1925, Stieglitz fue invitado por las Galerías Anderson a organizar una de las mayores exposiciones de arte estadounidense, titulada Alfred Stieglitz presenta a siete estadounidenses: 159 pinturas, fotografías y objetos, recientes y nunca antes mostrados públicamente por Arthur G. Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Demuth, Paul Strand, Georgia O'Keeffe y Alfred Stieglitz. Solo se vendió un pequeño cuadro de O'Keeffe durante las tres semanas que duró la exposición. ^{[ 17 ]}

O'Keeffe aceptó una oferta de Mabel Dodge para ir a Nuevo México durante el verano. Stieglitz aprovechó su ausencia para empezar a fotografiar a Dorothy Norman y también comenzó a enseñarle los aspectos técnicos de la impresión. Cuando Norman tuvo su segundo hijo, estuvo ausente de la galería durante unos dos meses antes de regresar con regularidad. ^{[ 8 ]}

A principios de 1929, le comunicaron a Stieglitz que el edificio que albergaba la Sala sería demolido ese mismo año. Tras una última exposición de la obra de Demuth en mayo, se retiró a Lake George durante el verano, exhausto y deprimido. Los Strands recaudaron casi dieciséis mil dólares para una nueva galería para Stieglitz, quien reaccionó con dureza, diciendo que era hora de que los "jóvenes" hicieran parte del trabajo que él había estado realizando durante tantos años. ^{[ 17 ]}

A finales de otoño, Stieglitz regresó a Nueva York. El 15 de diciembre, dos semanas antes de cumplir sesenta y cinco años, inauguró "An American Place", la galería más grande que jamás había dirigido. Contaba con el primer cuarto oscuro que tuvo en la ciudad. Anteriormente, había alquilado otros cuartos oscuros o solo trabajaba cuando estaba en Lake George. Continuó presentando exposiciones colectivas o individuales de sus amigos Marin, Demuth, Hartley, Dove y Strand durante los siguientes dieciséis años. O'Keeffe recibió al menos una exposición importante cada año. Controlaba con celo el acceso a sus obras y la promocionaba sin cesar, incluso cuando las críticas no eran del todo favorables. A menudo, durante este tiempo, solo se veían en verano, cuando hacía demasiado calor en su casa de Nuevo México, pero se escribían casi semanalmente con el fervor de almas gemelas. ^{[ 27 ]}

En 1932, Stieglitz organizó una retrospectiva de cuarenta años con 127 de sus obras en The Place. Incluyó todas sus fotografías más famosas, pero también optó deliberadamente por incluir fotos recientes de O'Keeffe, quien, debido a sus años bajo el sol del suroeste, parecía mayor de sus cuarenta y cinco años, en comparación con los retratos que Stieglitz había hecho de su joven amante Norman. Fue una de las pocas veces que actuó con rencor hacia O'Keeffe en público, y podría haber sido consecuencia de sus discusiones cada vez más intensas en privado sobre el control que él ejercía sobre el arte de ella. ^{[ 27 ]}

Más tarde ese mismo año, organizó una exposición de obras de O'Keeffe junto a algunas pinturas amateur sobre vidrio de Rebecca Salsbury. No publicó un catálogo de la exposición, lo que los Strand consideraron un insulto. Paul Strand nunca perdonó a Stieglitz por ello. Dijo: «El día que entré en la Photo-Secession 291 [sic] en 1907 fue un gran momento en mi vida… pero el día que salí de An American Place en 1932 no fue menos bueno. Fue aire fresco y una liberación personal de algo que se había convertido, al menos para mí, en algo de segunda categoría, corrupto y sin sentido». ^{[ 27 ]}

En 1936, Stieglitz regresó brevemente a sus raíces fotográficas organizando una de las primeras exposiciones de fotografías de Ansel Adams en la ciudad de Nueva York. La muestra fue un éxito y David McAlpin compró ocho fotografías de Adams. ^{[ 30 ]} Dos años después , también organizó una de las primeras exposiciones de la obra de Eliot Porter . Stieglitz, considerado el "padrino de la fotografía moderna", animó a Todd Webb a desarrollar su propio estilo y a sumergirse en el medio. ^{[ 31 ]}

En el verano de 1946, Stieglitz sufrió un derrame cerebral fatal y entró en coma. O'Keeffe regresó a Nueva York y encontró a Dorothy Norman en su habitación del hospital. Norman se marchó y O'Keeffe estuvo con él cuando falleció. ^{[ 27 ]} Según sus deseos, a un sencillo funeral asistieron veinte de sus amigos y familiares más cercanos. Stieglitz fue incinerado y, junto con su sobrina Elizabeth Davidson, O'Keeffe llevó sus cenizas al lago George y «lo colocó donde pudiera oír el agua». ^{[ 27 ]} Al día siguiente del funeral, O'Keeffe tomó el control de An American Place. ^{[ 1 ]}