Estilo (artes visuales)

En las artes visuales , el estilo es una «manera distintiva que permite agrupar las obras en categorías relacionadas» ^{[ 1 ]} o «cualquier forma distintiva y, por lo tanto, reconocible, en que se realiza un acto o se hace o debería realizarse un artefacto». ^{[ 2 ]} Se refiere a la apariencia visual de una obra de arte que la relaciona con otras obras del mismo artista o de un mismo período, formación, lugar, «escuela», movimiento artístico o cultura arqueológica : «La noción de estilo ha sido durante mucho tiempo el principal método del historiador del arte para clasificar las obras de arte. Mediante el estilo selecciona y da forma a la historia del arte». ^{[ 3 ]}

El estilo se suele dividir en el estilo general de un período, país o grupo cultural, grupo de artistas o movimiento artístico , y el estilo individual del artista dentro de ese grupo. A menudo se establecen divisiones dentro de ambos tipos de estilos, como entre "temprano", "medio" o "tardío". ^{[ 4 ]} En algunos artistas, como Picasso , por ejemplo, estas divisiones pueden ser marcadas y fáciles de ver; en otros, son más sutiles. El estilo se considera generalmente dinámico, y en la mayoría de los períodos siempre cambia mediante un proceso gradual, aunque la velocidad de este varía enormemente, desde el desarrollo muy lento del estilo típico del arte prehistórico o del arte del Antiguo Egipto hasta los rápidos cambios en los estilos del arte moderno . El estilo a menudo se desarrolla en una serie de saltos, con cambios relativamente repentinos seguidos de períodos de desarrollo más lento.

Tras dominar el debate académico en la historia del arte durante el siglo XIX y principios del XX, la denominada "historia del arte estilística" ha sido objeto de crecientes críticas en las últimas décadas, y muchos historiadores del arte ahora prefieren evitar las clasificaciones estilísticas siempre que sea posible. ^{[ 5 ]}

En teoría, cualquier obra de arte puede analizarse en términos de estilo; ni los periodos ni los artistas pueden evitar tener un estilo, salvo por completa incompetencia, ^{[ 6 ]} y, a la inversa, no se puede decir que los objetos o paisajes naturales tengan un estilo, ya que este solo resulta de las decisiones tomadas por el creador. ^{[ 7 ]} Que el artista elija conscientemente su estilo o que pueda identificar el suyo propio es prácticamente irrelevante. Los artistas de las sociedades desarrolladas recientes tienden a ser muy conscientes de su propio estilo, incluso excesivamente conscientes, mientras que para los artistas de épocas anteriores las decisiones estilísticas probablemente eran «en gran medida inconscientes». ^{[ 8 ]}

La mayoría de los periodos estilísticos son identificados y definidos posteriormente por los historiadores del arte, pero los artistas pueden optar por definir y nombrar su propio estilo. Los nombres de la mayoría de los estilos más antiguos son invención de los historiadores del arte y no habrían sido comprendidos por los practicantes de esos estilos. Algunos se originaron como términos de burla, como gótico , barroco y rococó . ^{[ 9 ]} El cubismo, por otro lado, fue una identificación consciente hecha por unos pocos artistas; la palabra en sí parece haberse originado entre los críticos más que entre los pintores, pero fue rápidamente aceptada por los artistas.

El arte occidental, al igual que el de otras culturas, sobre todo el arte chino , tiene una marcada tendencia a revivir periódicamente estilos «clásicos» del pasado. ^{[ 10 ]} En el análisis crítico de las artes visuales, el estilo de una obra de arte se suele tratar como distinto de su iconografía , que abarca el tema y el contenido de la obra, aunque para Jas Elsner esta distinción «no es, por supuesto, cierta en ningún ejemplo real; pero ha demostrado ser extremadamente útil desde el punto de vista retórico». ^{[ 11 ]}

La crítica de arte clásica y los relativamente pocos escritos medievales sobre estética no desarrollaron en gran medida un concepto de estilo en el arte, ni un análisis del mismo, ^{[ 12 ]} y aunque los escritores renacentistas y barrocos sobre arte se preocupan mucho por lo que los estudiosos modernos llamarían "estilo", no desarrollaron una teoría coherente del mismo, al menos fuera de la arquitectura:

Los estilos artísticos cambian con las condiciones culturales; una verdad evidente para cualquier historiador del arte moderno, pero una idea extraordinaria en este período [Primer Renacimiento y anteriores]. Tampoco está claro que tal idea se haya articulado en la Antigüedad  ... Plinio prestó atención a los cambios en las formas de hacer arte, pero presentó dichos cambios como impulsados ​​por la tecnología y la riqueza. Vasari también atribuye la extrañeza y, en su opinión, las deficiencias del arte anterior a la falta de conocimientos tecnológicos y de sofisticación cultural. ^{[ 13 ]}

Giorgio Vasari (1511-1574) expuso una teoría sumamente influyente, aunque muy cuestionada, sobre el desarrollo del estilo en la pintura italiana, principalmente desde Giotto hasta su propio período manierista . Hizo hincapié en el desarrollo de un estilo florentino basado en el disegno o dibujo lineal, en lugar del color veneciano . Junto con otros teóricos del Renacimiento, como Leon Battista Alberti, continuó los debates clásicos sobre el equilibrio óptimo en el arte entre la representación realista de la naturaleza y su idealización; este debate se prolongaría hasta el siglo XIX y el advenimiento del modernismo . ^{[ 14 ]}

El teórico del Neoclasicismo , Johann Joachim Winckelmann , analizó los cambios estilísticos en el arte clásico griego en 1764, comparándolos detenidamente con los cambios en el arte renacentista , y « Georg Hegel codificó la noción de que cada período histórico tendrá un estilo típico», proyectando una larga sombra sobre el estudio del estilo. ^{[ 15 ]} A Hegel se le suele atribuir la invención de la palabra alemana Zeitgeist , pero él nunca la usó realmente, aunque en Lecciones sobre la filosofía de la historia , utiliza la frase der Geist seiner Zeit (el espíritu de su tiempo), escribiendo que «nadie puede superar su propio tiempo, porque el espíritu de su tiempo es también su propio espíritu». ^{[ 16 ]}

La construcción de esquemas de los estilos de época del arte y la arquitectura históricos se convirtió en una preocupación importante para los eruditos del siglo XIX en el nuevo campo de la historia del arte , inicialmente mayoritariamente de habla alemana , con importantes autores sobre la teoría amplia del estilo, como Carl Friedrich von Rumohr , Gottfried Semper y Alois Riegl en su Stilfragen de 1893, con Heinrich Wölfflin y Paul Frankl continuando el debate en el siglo XX. ^{[ 17 ]} Paul Jacobsthal y Josef Strzygowski se encuentran entre los historiadores del arte que siguieron a Riegl al proponer grandes esquemas que rastreaban la transmisión de elementos de estilos a través de amplios rangos de tiempo y espacio. Este tipo de historia del arte también se conoce como formalismo , o el estudio de las formas o figuras en el arte. ^{[ 18 ]}

Semper, Wölfflin y Frankl, y más tarde Ackerman, tenían formación en historia de la arquitectura, y al igual que muchos otros términos para estilos de época, "románico" y "gótico" se acuñaron inicialmente para describir estilos arquitectónicos , donde los cambios importantes entre estilos pueden ser más claros y fáciles de definir, sobre todo porque el estilo en arquitectura es más fácil de replicar siguiendo un conjunto de reglas que el estilo en el arte figurativo, como la pintura. Los términos originados para describir períodos arquitectónicos se aplicaron posteriormente a menudo a otras áreas de las artes visuales, y luego de forma más amplia a la música, la literatura y la cultura en general. ^{[ 19 ]}

En arquitectura, el cambio estilístico suele seguir, y es posible gracias a, el descubrimiento o la adopción de nuevas técnicas o materiales, como la bóveda de crucería gótica o la construcción moderna con metal y hormigón armado . Un área importante de debate tanto en la historia del arte como en la arqueología ha sido hasta qué punto el cambio estilístico en otros campos como la pintura o la cerámica también es una respuesta a nuevas posibilidades técnicas, o si los nuevos desarrollos tienen su propio impulso para desarrollarse (los Kunstwollen de Riegl), o para cambiar en respuesta a factores sociales y económicos que afectan al mecenazgo y a las condiciones del artista, como tiende a enfatizar el pensamiento actual, utilizando versiones menos rígidas de la historia del arte marxista . ^{[ 20 ]}

Aunque el estilo estaba bien establecido como un componente central del análisis histórico del arte, verlo como el factor determinante en la historia del arte había caído en desuso para la Segunda Guerra Mundial, a medida que comenzaron a desarrollarse otras formas de ver el arte, ^{[ 21 ]} y surgió una reacción contra el énfasis en el estilo; para Svetlana Alpers , "la invocación normal del estilo en la historia del arte es un asunto verdaderamente deprimente". ^{[ 22 ]} Según James Elkins, "a finales del siglo XX las críticas al estilo apuntaban a reducir aún más los elementos hegelianos del concepto, manteniéndolo al mismo tiempo en una forma que pudiera controlarse más fácilmente". ^{[ 23 ]} Meyer Schapiro , James Ackerman , Ernst Gombrich y George Kubler ( The Shape of Time: Remarks on the History of Things , 1962) han hecho contribuciones notables al debate, que también se ha basado en desarrollos más amplios en la teoría crítica . ^{[ 24 ]} En 2010, Jas Elsner lo expresó con mayor contundencia: "Durante casi todo el siglo XX, la historia del arte del estilo ha sido el rey indiscutible de la disciplina, pero desde las revoluciones de los años setenta y ochenta el rey ha muerto", ^{[ 25 ]} aunque su artículo explora formas en que la "historia del arte del estilo" sigue viva, y su comentario difícilmente se aplicaría a la arqueología.

El uso de términos como « Contramaniera » parece estar en declive, a medida que crece la impaciencia entre los historiadores del arte con este tipo de «etiquetas de estilo». En 2000, Marcia B. Hall , destacada historiadora del arte especializada en la pintura italiana del siglo XVI y discípula de Sydney Joseph Freedberg (1914-1997), quien acuñó el término, fue criticada por un crítico de su obra After Raphael: Painting in Central Italy in the Sixteenth Century por su «defecto fundamental» al seguir utilizando este y otros términos, a pesar de una «Nota sobre las etiquetas de estilo» al comienzo del libro y la promesa de minimizar su uso. ^{[ 26 ]}

Un intento reciente y singular de crear una teoría que explique el proceso que impulsa los cambios en el estilo artístico, en lugar de limitarse a teorías sobre cómo describirlos y categorizarlos, proviene del psicólogo conductista Colin Martindale , quien ha propuesto una teoría evolutiva basada en principios darwinianos . ^{[ 27 ]} Sin embargo, no se puede decir que haya obtenido mucho apoyo entre los historiadores del arte.

La historia del arte tradicional también ha hecho gran hincapié en el estilo individual, a veces llamado estilo distintivo , ^{[ 28 ]} de un artista: «la noción de estilo personal —que la individualidad puede expresarse de manera única no solo en la forma en que un artista dibuja, sino también en las peculiaridades estilísticas de la escritura de un autor (por ejemplo)— es quizás un axioma de las nociones occidentales de identidad». ^{[ 29 ]} La identificación de estilos individuales es especialmente importante en la atribución de obras a artistas, lo cual es un factor dominante en su valoración para el mercado del arte , sobre todo para las obras de la tradición occidental desde el Renacimiento. La identificación del estilo individual en las obras se asigna esencialmente a un grupo de especialistas en el campo conocidos como conocedores , ^{[ 30 ]} un grupo que se centra en el comercio de arte y los museos, a menudo con tensiones entre ellos y la comunidad de historiadores del arte académicos. ^{[ 31 ]}

El ejercicio del conocimiento especializado es en gran medida una cuestión de impresiones subjetivas difíciles de analizar, pero también una cuestión de conocer detalles de la técnica y la "mano" de diferentes artistas. Giovanni Morelli (1816-1891) fue pionero en el estudio sistemático del análisis de detalles menores diagnósticos que revelaban la taquigrafía y las convenciones apenas conscientes de los artistas para representar, por ejemplo, orejas o manos, en pinturas de los antiguos maestros occidentales . Sus técnicas fueron adoptadas por Bernard Berenson y otros, y se han aplicado a la escultura y a muchos otros tipos de arte, por ejemplo, por Sir John Beazley a la pintura de jarrones áticos . ^{[ 32 ]} Las técnicas personales pueden ser importantes para analizar el estilo individual. Aunque la formación de los artistas antes del Modernismo era esencialmente imitativa, basada en métodos técnicos enseñados, ya fuera como aprendiz en un taller o más tarde como estudiante en una academia, siempre hubo espacio para la variación personal. La idea de los "secretos" técnicos celosamente guardados por el maestro que los desarrolló, es un tópico recurrente en la historia del arte, desde el relato probablemente mítico de Vasari sobre Jan van Eyck hasta los hábitos secretos de Georges Seurat . ^{[ 33 ]}

Sin embargo, la idea de estilo personal no se limita a la tradición occidental. En el arte chino está igualmente arraigada, pero tradicionalmente se considera un factor en la apreciación de algunos tipos de arte, sobre todo la caligrafía y la pintura de letrados , pero no de otros, como la porcelana china; ^{[ 34 ]} una distinción que también se observa a menudo en las llamadas artes decorativas en Occidente. La pintura china también permitió la expresión de puntos de vista políticos y sociales por parte del artista mucho antes de lo que normalmente se detecta en Occidente. ^{[ 35 ]} La caligrafía, también considerada una bella arte en el mundo islámico y Asia Oriental , introduce un nuevo ámbito dentro del campo del estilo personal; el ideal de la caligrafía occidental tiende a suprimir el estilo individual, mientras que la grafología , que se basa en él, se considera a sí misma una ciencia.

El pintor Edward Edwards dijo en sus Anécdotas de pintores (1808): "La manera de dibujar a lápiz del Sr. Gainsborough era tan peculiar que su obra no necesitaba firma". ^{[ 36 ]} Ejemplos de estilos marcadamente individuales incluyen: el arte cubista de Pablo Picasso , el estilo pop art ^{[ 37 ]} de Andy Warhol y la pintura por goteo de Jackson Pollock .

«Manera» es un término relacionado, usado a menudo para lo que es en efecto una subdivisión de un estilo, quizás enfocado en puntos particulares de estilo o técnica. ^{[ 38 ]} Si bien muchos elementos del estilo de época pueden reducirse a formas o figuras características, que pueden representarse adecuadamente en diagramas simples dibujados a línea, «manera» se usa más a menudo para referirse al estilo y la atmósfera generales de una obra, especialmente obras complejas como pinturas, que no pueden someterse tan fácilmente a un análisis preciso. Es un término algo anticuado en la historia del arte académica, evitado por su imprecisión. Cuando se usa, suele ser en el contexto de imitaciones del estilo individual de un artista, y es uno de los términos discretos o diplomáticos utilizados en el mercado del arte para la relación entre una obra en venta y la de un artista conocido, con «Manera de Rembrandt » sugiriendo una relación distante entre el estilo de la obra y el propio estilo de Rembrandt. La "Explicación de la práctica de catalogación" de la casa de subastas Christie's explica que " Manierismo  ... " en sus catálogos de subastas significa "En nuestra opinión, una obra ejecutada al estilo del artista, pero de fecha posterior". ^{[ 39 ]} El manierismo , derivado del italiano maniera ("manera"), es una fase específica del estilo general del Renacimiento, pero "manera" puede usarse de forma muy amplia.

En arqueología , a pesar de las técnicas modernas como la datación por radiocarbono , el período o estilo cultural sigue siendo una herramienta crucial en la identificación y datación no solo de obras de arte, sino de todas las clases de artefactos arqueológicos , incluidos los puramente funcionales (sin tener en cuenta la cuestión de si existen artefactos puramente funcionales). ^{[ 40 ]} La identificación de estilos individuales de artistas o artesanos también se ha propuesto en algunos casos incluso para períodos remotos, como el arte de la Edad de Hielo del Paleolítico Superior europeo . ^{[ 41 ]}

Como en la historia del arte, el análisis formal de la morfología (forma) de los artefactos individuales es el punto de partida. Esto se utiliza para construir tipologías para diferentes tipos de artefactos, y mediante la técnica de seriación se logra una datación relativa basada en el estilo para un sitio o grupo de sitios cuando no se pueden utilizar técnicas científicas de datación absoluta , en particular cuando solo se dispone de artefactos o restos de piedra, cerámica o metal, lo cual es frecuente. ^{[ 42 ]} Los fragmentos de cerámica suelen ser muy numerosos en sitios de muchas culturas y períodos, e incluso las piezas pequeñas pueden datarse con seguridad por su estilo. A diferencia de las tendencias recientes en la historia del arte académica, la sucesión de escuelas de teoría arqueológica en el último siglo, desde la arqueología histórico-cultural hasta la arqueología procesual y finalmente el auge de la arqueología postprocesual en las últimas décadas, no ha reducido significativamente la importancia del estudio del estilo en arqueología, como base para clasificar objetos antes de una interpretación posterior. ^{[ 43 ]}

Estilización y estilizado (o estilización y estilizado en inglés británico (no Oxford) , respectivamente) tienen un significado más específico, refiriéndose a representaciones visuales que utilizan formas simplificadas de representar objetos o escenas que no intentan una representación completa, precisa y exacta de su apariencia visual ( mímesis o " realista "), prefiriendo una representación general atractiva o expresiva. De manera más técnica, se ha definido como "la generalización decorativa de figuras y objetos por medio de diversas técnicas convencionales, incluyendo la simplificación de la línea, la forma y las relaciones de espacio y color" ^{[ 44 ]} , y se ha observado que "[e]l arte estilizado reduce la percepción visual a construcciones de patrones en la línea, elaboración de la superficie y espacio aplanado" ^{[ 45 ] .}

El arte antiguo, tradicional y moderno , así como las formas populares como los dibujos animados o la animación, utilizan con frecuencia representaciones estilizadas; por ejemplo, Los Simpson utilizan representaciones muy estilizadas, al igual que el arte tradicional africano . Las dos pinturas de Picasso ilustradas en la parte superior de esta página muestran una evolución hacia una representación más estilizada de la figura humana dentro del estilo del pintor, ^{[ 46 ]} y el Caballo Blanco de Uffington es un ejemplo de una representación prehistórica muy estilizada de un caballo. Los motivos en las artes decorativas, como la palmeta o el arabesco, suelen ser versiones muy estilizadas de partes de plantas.

Incluso en el arte que generalmente intenta la mímesis o el "realismo", a menudo se encuentra cierto grado de estilización en los detalles, y especialmente en figuras u otros elementos a pequeña escala, como personas o árboles, etc., en el fondo lejano, incluso en una obra grande. Pero esta estilización no está destinada a ser percibida por el espectador, excepto en un examen minucioso. ^{[ 47 ]} Los dibujos , los modelos y otros bocetos que no están destinados a ser obras terminadas para la venta también suelen estar estilizados.

En un experimento realizado en 2012 en la Universidad Tecnológica de Lawrence en Michigan, una computadora analizó aproximadamente 1000 pinturas de 34 artistas reconocidos utilizando un algoritmo especialmente desarrollado y las clasificó en categorías de estilo similares a las de historiadores de arte humanos. ^{[ 48 ]} El análisis implicó el muestreo de más de 4000 características visuales por obra de arte. ^{[ 48 ] [ 49 ]}

Aplicaciones como Deep Art Effects pueden convertir fotos en imágenes con apariencia artística que se afirma que están al estilo de pintores como Van Gogh . ^{[ 50 ] [ 51 ]} Con el desarrollo de software sofisticado de IA para arte de texto a imagen , el uso de estilos artísticos específicos se ha convertido en una herramienta generalizada en la década de 2020. ^{[ 52 ] [ 53 ] [ 54 ] [ 55 ] [ 56 ] [ 57 ]}

• Representación artística
• Composición (artes visuales)
• Mise en scène
• Arte posthumanista

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• Véanse también las listas en Elsner, 108–109 y Elkins.