Jackson Pollock

Las pinturas más famosas de Pollock fueron realizadas durante el "período del goteo" entre 1947 y 1950. Sin embargo, al investigar el impacto que otros artistas tuvieron en él y en sus "pinturas de goteo", el tiempo que Pollock pasó trabajando y estudiando en el Taller Experimental con David Alfaro Siqueiros en 1936 rara vez se investiga o se reconoce. Según Robert Storr, "no hay otra experiencia en su vida profesional que se compare con la década que pasó aprendiendo y observando a los muralistas mexicanos modernos...", especialmente al comparar este período de formación informal con su educación formal con Thomas Hart Benton, que, aunque crucial para sus inicios, fue breve. ^{[ 22 ]} Además, cuando se le preguntó específicamente sobre cómo surgió el "goteo", Pollock negó su asociación con Siqueiros en múltiples ocasiones e hizo declaraciones contradictorias. Por ejemplo, en 1947, Pollock sugiere que pintó sus lienzos en el suelo porque vio al artista navajo de arena hacerlo en el Museo de Historia Natural de Nueva York en 1941 (cinco años después de haber visto a Siqueiros hacerlo en 1936), y poco después, sugirió que pintó sus lienzos en el suelo porque "los orientales lo hicieron". ^{[ 23 ]}

Finalmente, se hizo famoso por sus pinturas de "goteo" y fue objeto de un artículo en la edición del 8 de agosto de 1949 de LIFE titulado "Jackson Pollock: ¿Es el mejor pintor vivo de Estados Unidos?" ^{[ 24 ]} Gracias a la mediación de Alfonso Ossorio , amigo íntimo de Pollock, y del historiador de arte Michel Tapié , el joven galerista Paul Facchetti , a partir del 7 de marzo de 1952, logró realizar la primera exposición de las obras de Pollock de 1948 a 1951 ^{[ 25 ]} en su Studio Paul Facchetti en París y en Europa. ^{[ 26 ]} En la cima de su fama, Pollock abandonó abruptamente el estilo de goteo. ^{[ 27 ]} Las pinturas de goteo de Pollock estuvieron influenciadas por la artista Janet Sobel ; el crítico de arte Clement Greenberg informaría más tarde que Pollock "admitió" que la obra de Sobel "le había impresionado". ^{[ 28 ]}

La obra de Pollock posterior a 1951 se caracterizó por colores más oscuros, incluyendo una colección pintada en negro sobre lienzos sin imprimación . Estas pinturas han sido denominadas sus "vertidos negros" y, cuando las expuso en la galería Betty Parsons de Nueva York, ninguna se vendió. Parsons vendió posteriormente una a una amiga a la mitad de precio. Estas obras muestran a Pollock intentando encontrar un equilibrio entre la abstracción y la representación de la figura humana . ^{[ 29 ]}

Posteriormente, Pollock volvió a utilizar el color y continuó con elementos figurativos. ^{[ 30 ]} Durante este período, se trasladó a la Galería Sidney Janis , una galería más comercial; la demanda de la obra de Pollock por parte de los coleccionistas era enorme. En respuesta a esta presión, junto con la frustración personal, su alcoholismo se agudizó. ^{[ 31 ]}

Pollock y Lee Krasner se conocieron mientras ambos exponían en la Galería McMillen en 1942. Krasner, aunque no conocía la obra de Pollock, quedó intrigado por ella y acudió a su apartamento sin previo aviso para conocerlo tras la exposición. ^{[ 32 ]} En octubre de 1945, Pollock y Krasner se casaron en una iglesia con dos testigos presentes. ^{[ 33 ]} En noviembre, se mudaron de la ciudad a la zona de Springs en East Hampton, en la costa sur de Long Island . Con la ayuda de un préstamo para el pago inicial de Peggy Guggenheim, compraron una casa de madera y un granero en el número 830 de Springs Fireplace Road. Pollock convirtió el granero en un estudio. En ese espacio, perfeccionó su técnica de goteo con la pintura, con la que quedaría permanentemente identificado. Cuando la pareja tenía tiempo libre, disfrutaba cocinando y horneando, trabajando en la casa y el jardín, y recibiendo a amigos. ^{[ 34 ]}

La influencia de Krasner en el arte de su esposo fue algo que los críticos comenzaron a reevaluar en la segunda mitad de la década de 1960 debido al auge del feminismo en ese momento. ^{[ 35 ]} Su amplio conocimiento y formación en arte y técnicas modernas la ayudaron a poner a Pollock al día con lo que el arte contemporáneo debería ser. A menudo se considera que Krasner instruyó a su esposo en los principios de la pintura modernista. ^{[ 36 ] [ 37 ]} Pollock pudo entonces cambiar su estilo para adaptarse a un género de arte moderno más organizado y cosmopolita, y Krasner se convirtió en la única jueza en la que podía confiar. ^{[ 36 ] [ 38 ]} Al comienzo del matrimonio de los dos artistas, Pollock confiaba en las opiniones de sus colegas sobre lo que funcionaba o no en sus piezas. ^{[ 38 ]} Krasner también fue responsable de presentar a Pollock a muchos coleccionistas, críticos y artistas, incluido Herbert Matter , quien ayudaría a impulsar su carrera como artista emergente. ^{[ 39 ]} El marchante de arte John Bernard Myers dijo una vez que "nunca habría existido un Jackson Pollock sin un Lee Pollock", mientras que el también pintor Fritz Bultman se refirió a Pollock como la "creación de Krasner, su Frankenstein", reconociendo ambos la inmensa influencia que Krasner tuvo en la carrera de Pollock. ^{[ 40 ]}

La influencia de Pollock en la obra de su esposa es frecuentemente analizada por los historiadores del arte. Muchos creían que Krasner comenzó a reproducir y reinterpretar las caóticas salpicaduras de pintura de su esposo en su propia obra. ^{[ 41 ]} Existen varios relatos que indican que Krasner pretendía utilizar su intuición como una forma de acercarse a la técnica «Yo soy la naturaleza» de Pollock para reproducir la naturaleza en su arte. ^{[ 42 ]}

La obra de Thomas Hart Benton , Pablo Picasso y Joan Miró influyó en Pollock. ^{[ 47 ] [ 48 ] [ 49 ]} Pollock comenzó a usar pinturas sintéticas a base de resina llamadas esmaltes alquídicos , que en ese momento eran un medio novedoso. Describió este uso de pinturas domésticas, en lugar de pinturas para artistas, como "un crecimiento natural de una necesidad". ^{[ 50 ]} Pollock usó pinceles endurecidos, palos e incluso jeringas de cocina como aplicadores de pintura. Se cree que su técnica de verter y gotear pintura es uno de los orígenes del término pintura de acción . Con esta técnica, Pollock pudo lograr su propio estilo característico de pinturas palimpsésticas , con pinturas que fluían desde su herramienta elegida hacia el lienzo. Al desafiar la convención de pintar sobre una superficie vertical, Pollock agregó una nueva dimensión al poder ver y aplicar pintura a sus lienzos desde todas las direcciones. ^{[ 51 ]}

En 1936, Pollock participó en un taller experimental dirigido por el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. ^{[ 52 ]} Fue allí donde utilizó por primera vez pinturas de esmalte líquido, que continuó incorporando en sus pinturas a principios y mediados de la década de 1940, mucho antes de conocer la obra de la artista ucraniano-estadounidense Janet Sobel (nacida Jennie Lechovsky; 1894–1968). ^{[ 53 ]} Peggy Guggenheim incluyó la obra de Sobel en su galería The Art of This Century en 1945. ^{[ 54 ]} Pollock y el crítico de arte Clement Greenberg vieron la obra de Sobel allí en 1946, y Greenberg señaló más tarde que Sobel fue "una influencia directa en la técnica de pintura por goteo de Jackson Pollock". ^{[ 55 ]} En su ensayo "Pintura de tipo americano", Greenberg señaló que esas obras fueron las primeras pinturas que cubrían toda la superficie que había visto, y dijo: "Pollock admitió que estas pinturas le habían causado una impresión". ^{[ 56 ]}

Al pintar de esta manera, Pollock se alejó de la representación figurativa y desafió la tradición occidental del uso del caballete y el pincel. Empleó la fuerza de todo su cuerpo para pintar, lo cual se plasmó en sus grandes lienzos. En 1956, la revista Time lo apodó "Jack el Goteador" debido a su estilo pictórico. ^{[ 57 ]}

Mis pinturas no nacen del caballete. Prefiero fijar el lienzo sin tensar a la pared o al suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo me siento más a gusto. Me siento más cerca, más integrado en la pintura, ya que así puedo rodearla, trabajar desde los cuatro lados y, literalmente, estar dentro de ella.

Cada vez me alejo más de las herramientas habituales del pintor, como el caballete, la paleta, los pinceles, etc. Prefiero palos, espátulas, cuchillos y pintura fluida goteando o un empaste denso con arena, vidrio roto u otros materiales extraños añadidos.

Cuando pinto , no soy consciente de lo que hago. Solo después de un periodo de familiarización comprendo mi propósito. No temo modificar la obra, destruirla, etc., porque la pintura tiene vida propia. Intento dejarla fluir. Solo cuando pierdo la conexión con la pintura el resultado es un desastre. De lo contrario, reina una armonía perfecta, un intercambio fluido, y la obra queda bien.

Pollock observó demostraciones de pintura con arena de nativos americanos en la década de 1940. Refiriéndose a su estilo de pintar en el suelo, Pollock afirmó: «Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar a su alrededor, trabajar desde los cuatro lados y estar literalmente dentro de ella. Esto es similar a los métodos de los pintores de arena indígenas del Oeste». ^{[ 59 ]} Otras influencias en su técnica de goteo incluyen a los muralistas mexicanos y el automatismo surrealista . Pollock negó depender del «accidente»; por lo general tenía una idea de cómo quería que se viera una obra en particular. La técnica de Pollock combinaba el movimiento de su cuerpo, sobre el cual tenía control, el flujo viscoso de la pintura, la fuerza de la gravedad y la absorción de la pintura en el lienzo. Era una mezcla de factores controlables e incontrolables. Lanzando, goteando, vertiendo y salpicando, Pollock se movía enérgicamente alrededor del lienzo, casi como en una danza, y no se detenía hasta ver lo que quería ver.

El artículo del artista austriaco Wolfgang Paalen sobre el arte totémico de los pueblos indígenas de la Columbia Británica, en el que se considera el concepto de espacio en el arte totémico desde el punto de vista de un artista, influyó también en Pollock; Pollock poseía un ejemplar firmado y dedicado del número amerindio de la revista de Paalen (DYN 4–5, 1943). También había visto las pinturas surrealistas de Paalen en una exposición en 1940. ^{[ 60 ]} Otra fuerte influencia debió ser la técnica surrealista del fumage de Paalen , que atrajo a los pintores que buscaban nuevas formas de representar lo que se denominaba lo "invisible" o lo "posible". La técnica se demostró una vez en el taller de Matta, sobre lo cual Steven Naifeh relata: «Una vez, cuando Matta estaba demostrando la técnica surrealista del humo [de Paalen], Jackson [Pollock] se volvió hacia (Peter) Busa y le dijo en un susurro escénico: "Puedo hacer eso sin el humo "» . ^{[ 61 ]} El amigo pintor de Pollock , Fritz Bultman, incluso afirmó: «Fue Wolfgang Paalen quien lo inició todo». ^{[ 62 ]}

En 1950, Hans Namuth , un joven fotógrafo, quiso fotografiar a Pollock trabajando, tanto en imágenes fijas como en vídeo. Pollock prometió comenzar un nuevo cuadro especialmente para la sesión fotográfica, pero cuando Namuth llegó, Pollock se disculpó y le dijo que el cuadro estaba terminado.

Namuth dijo que cuando entró al estudio:

Un lienzo empapado cubría todo el suelo  ... Reinaba un silencio absoluto  ... Pollock observó el cuadro. De repente, tomó un bote y un pincel y comenzó a moverse alrededor del lienzo. Era como si de pronto se hubiera dado cuenta de que la pintura no estaba terminada. Sus movimientos, lentos al principio, se volvieron gradualmente más rápidos y casi danzantes mientras arrojaba pintura negra, blanca y color óxido sobre el lienzo. Olvidó por completo que Lee y yo estábamos allí; no pareció oír el clic del obturador de la cámara  ... Mi sesión fotográfica duró mientras él siguió pintando, quizás media hora. En todo ese tiempo, Pollock no paró. ¿Cómo podía mantener ese nivel de actividad? Finalmente, dijo: "Esto es todo".

Las mejores pinturas de Pollock  ... revelan que su línea omnipresente no genera áreas positivas ni negativas: no se nos hace sentir que una parte del lienzo deba interpretarse como figura, ya sea abstracta o figurativa, en contraste con otra parte del lienzo que deba interpretarse como fondo. No hay interior ni exterior en la línea de Pollock ni en el espacio por el que se mueve. ...  Pollock ha logrado liberar la línea no solo de su función de representar objetos del mundo, sino también de su tarea de describir o delimitar formas o figuras, ya sean abstractas o figurativas, en la superficie del lienzo.

Para seguir eludiendo la búsqueda de elementos figurativos por parte del espectador en sus pinturas, Pollock abandonó los títulos y comenzó a numerar sus obras. Al respecto, Pollock comentó: «Observen pasivamente e intenten captar lo que la pintura ofrece, sin traer consigo un tema o una idea preconcebida de lo que deben buscar». Lee Krasner afirmó: «Antes solía dar títulos convencionales a sus cuadros  ... pero ahora simplemente los numera. Los números son neutrales. Hacen que la gente mire un cuadro por lo que es: pintura pura». ^{[ 50 ]}

La obra de Pollock ha sido objeto de importantes debates críticos. El crítico Robert Coates llegó a ridiculizar varias obras de Pollock como «meras explosiones desorganizadas de energía aleatoria y, por lo tanto, sin sentido». ^{[ 63 ]} Reynold's News , en un titular de 1959, decía: «Esto no es arte, es una broma de mal gusto». ^{[ 64 ]} El pintor abstracto francés Jean Hélion , por otro lado, comentó al ver por primera vez una obra de Pollock: «Llenaba el espacio extendiéndose sin fin porque no tenía principio ni fin». ^{[ 65 ]} Clement Greenberg apoyó la obra de Pollock por motivos formalistas. Encajaba bien con la visión de Greenberg de la historia del arte como una purificación progresiva de la forma y una eliminación del contenido histórico. Consideraba la obra de Pollock como la mejor pintura de su época y la culminación de la tradición occidental a través del cubismo y Cézanne hasta Manet .

En un artículo de 1952 en ARTnews , Harold Rosenberg acuñó el término " pintura de acción " y escribió que "lo que se plasmaba en el lienzo no era una imagen, sino un acontecimiento. El momento clave llegaba cuando se decidía pintar 'simplemente por pintar'. El gesto sobre el lienzo era un gesto de liberación de los valores : políticos, estéticos y morales". Muchos asumieron que había modelado su paradigma de "pintor de acción" a partir de Pollock. ^{[ 66 ]}

El Congreso por la Libertad Cultural , una organización para promover la cultura y los valores estadounidenses, respaldada por la Agencia Central de Inteligencia (CIA), patrocinó exposiciones de la obra de Pollock. Algunos académicos de izquierda, entre ellos Eva Cockcroft , han argumentado que el gobierno de Estados Unidos y la élite adinerada adoptaron a Pollock y el expresionismo abstracto para colocar a Estados Unidos a la vanguardia del arte mundial y devaluar el realismo socialista . ^{[ 64 ] [ 67 ]} Cockcroft escribió que Pollock se convirtió en un «arma de la Guerra Fría ». ^{[ 68 ]}

Pollock describió su arte como "movimiento hecho visible, recuerdos, detenidos en el espacio". ^{[ 69 ]}

La técnica de Pollock de teñir lienzos crudos fue adaptada por los pintores del Color Field, Helen Frankenthaler y Morris Louis . Frank Stella hizo de la "composición integral" un sello distintivo de sus obras de la década de 1960. Joseph Glasco conoció a Pollock gracias a Alfonso Ossorio en 1949. ^{[ 70 ]} A lo largo de su vida, Glasco continuó reflexionando sobre la influencia artística de Pollock, particularmente a principios y mediados de la década de 1970, cuando su estilo cambió hacia pinturas de collage integral con énfasis en el ritmo y el proceso. ^{[ 71 ]} El artista de The Happenings , Allan Kaprow , los escultores Richard Serra y Eva Hesse , y muchos artistas contemporáneos han conservado el énfasis de Pollock en el proceso de creación; fueron influenciados por su enfoque del proceso, más que por la apariencia de su obra. ^{[ 72 ]}

En 2004, One: Number 31, 1950 fue clasificada como la octava obra de arte moderno más influyente en una encuesta realizada a 500 artistas, curadores, críticos y galeristas. ^{[ 73 ]}

A principios de la década de 1990, tres grupos de cineastas desarrollaban proyectos biográficos sobre Pollock, cada uno basado en una fuente diferente. El proyecto que inicialmente parecía más avanzado era una empresa conjunta entre Barwood Films, de Barbra Streisand , y TriBeCa Productions , de Robert De Niro (los padres de De Niro eran amigos de Krasner y Pollock). El guion, de Christopher Cleveland, se basaría en la biografía oral de Jeffrey Potter de 1985, To a Violent Grave , una colección de recuerdos de amigos de Pollock. Streisand interpretaría el papel de Lee Krasner y De Niro el de Pollock. Un segundo proyecto se basaría en Love Affair (1974), las memorias de Ruth Kligman , quien fue amante de Pollock en los seis meses previos a su muerte. Este proyecto sería dirigido por Harold Becker , con Al Pacino interpretando a Pollock. ^{[ 74 ]}

En 2000, se estrenó la película biográfica Pollock , basada en la biografía ganadora del Premio Pulitzer , Jackson Pollock: An American Saga , dirigida y protagonizada por Ed Harris . Marcia Gay Harden ganó el Premio Óscar a la Mejor Actriz de Reparto por su interpretación de Lee Krasner. La película fue un proyecto de Harris, quien fue nominado al Premio Óscar al Mejor Actor . El propio Harris pintó las obras que aparecen en la película. ^{[ 75 ]} La Fundación Pollock-Krasner no autorizó ni colaboró ​​con ninguna producción. ^{[ 74 ]}

En septiembre de 2009, el historiador de arte Henry Adams afirmó en la revista Smithsonian que Pollock había escrito su nombre en su famoso cuadro Mural (1943). ^{[ 76 ]} El cuadro está asegurado actualmente por 140 millones de dólares estadounidenses. En 2011, el representante estatal republicano de Iowa, Scott Raecker, presentó un proyecto de ley para forzar la venta de la obra de arte, propiedad de la Universidad de Iowa, para financiar becas, pero su proyecto de ley generó tal controversia que fue retirado rápidamente. ^{[ 19 ] [ 77 ]}

La pintura " Forma libre" de Pollock aparece a lo largo de la película "El contable" (2016 ). El protagonista, interpretado por Ben Affleck , adquiere la obra gracias a su trayectoria profesional y se la regala al personaje interpretado por Anna Kendrick al final del filme.

Una de las obras de Jackson Pollock tiene un papel destacado en la película Ex Machina (2014). Una escena clave de la película contiene un monólogo en el que el antagonista Nathan Bateman describe el principal desafío de la inteligencia artificial como la creación de un estado cognitivo que "no sea deliberado, ni aleatorio, sino algo intermedio", que compara con el estado cognitivo que Pollock alcanza al pintar.

En 1973, Número 11, 1952 (también conocido como Polos Azules ) fue adquirido por el gobierno australiano de Gough Whitlam para la Galería Nacional de Australia por US$2 millones (A$1,3 millones en el momento del pago). Este fue el precio más alto jamás pagado por una pintura moderna y la obra es ahora una de las exhibiciones más populares. ^{[ 78 ]} La obra contiene solo una referencia fugaz al mundo real y Polos Azules se ha convertido en el emblema del arte autónomo. ^{[ 79 ]} Polos Azules fue una pieza central de la retrospectiva de 1998 del Museo de Arte Moderno en Nueva York, la primera vez que la pintura se exhibía en Estados Unidos desde su adquisición.

En noviembre de 2006, la obra No. 5, 1948 de Pollock se convirtió en la pintura más cara del mundo, al ser vendida en una transacción privada a un comprador anónimo por la suma de 140 millones de dólares estadounidenses. Otro récord artístico se estableció en 2004, cuando No. 12 (1949), una pintura de goteo de tamaño mediano que se había exhibido en el Pabellón de Estados Unidos en la Bienal de Venecia de 1950 , alcanzó los 11,7 millones de dólares estadounidenses en Christie's , Nueva York. ^{[ 80 ]} En 2012, Número 28, 1951 , una de las combinaciones del artista de goteo y pinceladas en tonos de gris plateado con rojo, amarillo y toques de azul y blanco, también se vendió en Christie's, Nueva York, por 20,5 millones de dólares estadounidenses (23 millones con comisiones), dentro de su rango estimado de 20 a 30 millones de dólares estadounidenses. ^{[ 81 ]}

En 2013, la obra Número 19 (1948) de Pollock fue vendida por Christie's por la suma de 58.363.750 dólares estadounidenses durante una subasta que finalmente alcanzó un total de 495 millones de dólares en ventas en una sola noche, lo que Christie's reporta como un récord hasta la fecha como la subasta de arte contemporáneo más cara. ^{[ 82 ]}

En febrero de 2016, Bloomberg News informó que Kenneth C. Griffin había comprado el cuadro de Pollock de 1948, Número 17A , por 200 millones de dólares estadounidenses a David Geffen . ^{[ 83 ]}

En 2023, se descubrió en Bulgaria un cuadro desconocido de Pollock después de que agencias policiales internacionales lograran localizar a un grupo de traficantes internacionales de arte. Se estima que la obra tiene un valor de hasta 50 millones de euros. ^{[ 84 ]}

En 2024, Kasmin anunció la representación global exclusiva de Pollock. ^{[ 85 ]} Kasmin ha estado representando a Lee Krasner desde 2016. ^{[ 86 ] [ 87 ]}

El 18 de mayo de 2026, la pintura de goteo de Pollock de 1948, Número 7A, se vendió en Christie's en Nueva York por 181,2 millones de dólares, incluyendo comisiones, un nuevo récord de subasta para el artista. ^{[ 88 ]}

En 1999, el físico y artista Richard Taylor utilizó análisis informáticos para mostrar similitudes entre los patrones pintados por Pollock y los fractales (patrones que se repiten en múltiples escalas de tamaño) que se encuentran en paisajes naturales, ^{[ 102 ]} reflejando las propias palabras de Pollock: "Yo soy la naturaleza". ^{[ 103 ]} Su equipo de investigación denominó al estilo de Pollock expresionismo fractal . ^{[ 104 ]}

En 2005, la Fundación Pollock-Krasner solicitó un análisis fractal para resolver la disputa sobre la autenticidad de las pinturas de estilo pollockiano halladas en un casillero en Wainscott, Nueva York, en 2003 (véase más arriba). La Fundación Internacional para la Investigación del Arte también ha utilizado el análisis fractal. Aplicado a imitaciones de Pollock vendidas por la Galería Knoedler, el análisis identificó diferencias visuales significativas en comparación con obras reconocidas de Pollock.

^{Posteriormente, más de} 10 grupos científicos han realizado análisis fractales en más de 50 obras de Pollock. ^{[ 105 ] [ 106 ] [ 107 ] [ 108 ] [ 109 ] [ 110 ] [ 111 ] [ 112 ] [ 113 ] [ 114 ]} Un estudio de 2015 que utilizó el análisis fractal como una de sus técnicas logró una tasa de éxito del 93% distinguiendo los Pollock reales de los falsos. ^{[ 115 ]} Un estudio de 2024 utilizó una técnica de inteligencia artificial basada en fractales para lograr una tasa de éxito del 99%. ^{[ 116 ] La investigación actual del expresionismo fractal se centra en la} respuesta humana a la visualización de fractales. Los neurocientíficos cognitivos han demostrado que los fractales de Pollock inducen la misma reducción del estrés en los observadores que los fractales generados por computadora y los fractales que ocurren naturalmente. ^{[ 117 ] [ 118 ]}