Al Jolson

Al Jolson (nacido Asa Yoelson , yiddish : אַסאַ יואלסאָן ; c. 26 de mayo de 1886 (OS) 9 de junio de 1886 (NS) - 23 de octubre de 1950) fue un cantante, comediante, actor y vodevil estadounidense .

Autoproclamado como "El mejor artista del mundo", ^{[ 2 ]} Jolson fue una de las estrellas más famosas y mejor pagadas de los Estados Unidos en las décadas de 1910 y 1920. ^{[ 3 ]} Era conocido por su "enfoque descaradamente sentimental y melodramático" en sus actuaciones, además de popularizar muchas de las canciones que cantaba. ^{[ 4 ]} Según el historiador musical Larry Stempel, "Nadie había escuchado nada parecido antes en Broadway". Stephen Banfield escribió que el estilo de Jolson fue "posiblemente el factor más importante en la definición del musical moderno". ^{[ 5 ]} Los críticos modernos se han referido a Jolson como "el rey de los artistas con la cara pintada de negro ". ^{[ 6 ] [ 7 ]}

Aunque hoy se le recuerda principalmente como la estrella de la primera película sonora, El cantante de jazz (1927), protagonizó una serie de exitosas películas musicales durante la década de 1930. Tras el ataque a Pearl Harbor en diciembre de 1941, fue la primera estrella en entretener a las tropas en el extranjero durante la Segunda Guerra Mundial. Después de un período de inactividad, su estrellato regresó con La historia de Jolson (1946), en la que Larry Parks interpretó al joven Jolson, pero con las voces dobladas por el propio Jolson. La fórmula se repitió en una secuela, Jolson canta de nuevo (1949). En 1950, volvió a ser la primera estrella en entretener a los soldados estadounidenses en servicio activo en la Guerra de Corea , realizando 42  espectáculos en 16  días. Murió semanas después de regresar a Estados Unidos, en parte debido al agotamiento físico provocado por el calendario de actuaciones. El secretario de Defensa, George Marshall, le otorgó póstumamente la Medalla al Mérito . ^{[ 8 ]}

Con su dinámico estilo de canto, alcanzó un gran éxito al extraer música tradicionalmente afroamericana y popularizarla entre el público blanco estadounidense. ^{[ 9 ]} A pesar de su promoción y perpetuación de los estereotipos negros de la época, ^{[ 10 ]} su trabajo fue a menudo bien considerado por las publicaciones negras, y se le ha reconocido por luchar contra la discriminación negra en Broadway ^{[ 6 ]} ya en 1911. En un ensayo escrito en 2000, el crítico musical Ted Gioia comentó: «Si el blackface tiene su vergonzoso símbolo, es Al Jolson», mostrando el complejo legado de Jolson en la sociedad estadounidense. ^{[ 11 ]}

Asa Yoelson nació en el pueblo de Srednike ( yiddish : סרעדניק ), ahora conocido como Seredžius , cerca de Kaunas en Lituania, entonces parte del Imperio ruso . Fue el quinto y menor hijo de Nechama "Naomi" (de soltera Cantor, c. 1858 –1895; yiddish : נחמה נאַאָמי קאַנטאָר ) y Moses Rubin Yoelson ( c. 1858 –1945; yiddish : מאָיסע רובין יאָעלסאָנ ); Sus cuatro hermanos eran Rose ( c. 1879-1939 ), Etta ( c. 1880-1948 ), otra hermana que murió en la infancia, y Hirsch (Harry) ( c. 1882-1953 ). Jolson desconocía su fecha de nacimiento, ya que en aquella época no se llevaban registros de nacimiento en esa región, y declaró que su año de nacimiento era 1885. ^{[ 12 ] [ 13 ]}

En 1891, su padre, que era rabino y cantor , se mudó a la ciudad de Nueva York para asegurar un futuro mejor para su familia. Para 1894, Moses Yoelson pudo costear el pasaje para traer a Nechama y a sus cuatro hijos a los Estados Unidos. Para cuando llegaron —como pasajeros de tercera clase en el RMS Umbria, que arribó al puerto de Nueva York el 9 de abril de 1894—, él ya había encontrado trabajo como cantor en la Congregación Talmud Torah en el barrio Southwest Waterfront de Washington, D.C., donde la familia se reunió. ^{[ 13 ] : 21–22}

La madre de Jolson, Naomi, murió a los 37 años a principios de 1895, y él estuvo retraído durante siete meses. Pasó un tiempo en la Escuela Industrial St. Mary's para Niños , un reformatorio/hogar para huérfanos progresista dirigido por los Hermanos Xaverianos en Baltimore. Después de que Al Reeves los introdujera en el mundo del espectáculo en 1895 , Asa y Hirsch quedaron fascinados, y para 1897 los hermanos cantaban a cambio de monedas en las esquinas de las calles locales, usando los nombres de "Al" y "Harry". A menudo usaban el dinero para comprar entradas para el Teatro Nacional . ^{[ 1 ]} Pasaban la mayor parte del día trabajando en diferentes empleos como equipo. ^{[ 14 ]}

En la primavera de 1902, Jolson aceptó un trabajo en el circo de Walter L. Main. Aunque Main lo había contratado como acomodador, quedó impresionado por la voz de Jolson y le dio un puesto como cantante en el segmento del espectáculo secundario de medicina india del circo. ^{[ 15 ]} A finales de año, el circo cerró y Jolson volvió a quedarse sin trabajo. En mayo de 1903, el productor principal del espectáculo de vodevil Dainty Duchess Burlesquers accedió a darle a Jolson un papel en un espectáculo. Interpretó "Be My Baby Bumble Bee", y el productor accedió a mantenerlo, pero el espectáculo cerró a finales de año. Evitó problemas financieros formando una sociedad de vodevil con su hermano Hirsch, un artista de vodevil conocido como Harry Yoelson. Los hermanos trabajaban para la Agencia William Morris . ^{[ 16 ]} Jolson y Harry formaron un equipo con Joe Palmer. Durante su tiempo con Palmer, lograron conseguir contratos para una gira nacional. Sin embargo, las actuaciones en vivo estaban perdiendo popularidad a medida que los nickelodeones atraían al público; para 1908, los cines nickelodeon dominaban toda la ciudad de Nueva York. Mientras actuaba en un teatro de Brooklyn en 1904, ^{[ 17 ]} Jolson comenzó a actuar con la cara pintada de negro , lo que impulsó su carrera. Comenzó a usar la cara pintada de negro en todos sus espectáculos. ^{[ 18 ]}

A finales de 1905, Harry dejó el trío tras una discusión con Jolson. Harry se había negado a cuidar de Joe Palmer, que estaba en silla de ruedas. Tras la marcha de Harry, Jolson y Palmer trabajaron como dúo, pero no tuvieron mucho éxito. En 1906 ^{[ 17 ]} acordaron separarse y Jolson siguió su propio camino. ^{[ 19 ]} Se convirtió en un habitual del Globe and Wigwam Theater de San Francisco y triunfó a nivel nacional como cantante de vodevil. ^{[ 17 ]} Se instaló en San Francisco, diciendo que la gente devastada por el terremoto necesitaba a alguien que les animara. En 1908, Jolson, necesitando dinero para él y su nueva esposa, Henrietta, regresó a Nueva York. En 1909, su canto llamó la atención de Lew Dockstader , productor y estrella de Dockstader's Minstrels. Jolson aceptó la oferta de Dockstader y se convirtió en artista de blackface. ^{[ 20 ]}

Según la revista Esquire , « JJ Shubert , impresionado por la arrolladora energía de Jolson, lo contrató para La Belle Paree , una comedia musical que se estrenó en el Winter Garden en 1911. En un mes, Jolson se convirtió en una estrella. Desde entonces hasta 1926, cuando se retiró de los escenarios, pudo presumir de una serie ininterrumpida de grandes éxitos». ^{[ 21 ]}

El 20 de marzo de 1911, Jolson protagonizó su primera revista musical en el Winter Garden Theatre de Nueva York. La Belle Paree contribuyó a impulsar su carrera como cantante. La noche del estreno atrajo a una gran multitud, y se hizo popular entre el público al interpretar canciones de Stephen Foster con la cara pintada de negro. El espectáculo cerró tras 104 funciones. Después de La Belle Paree , aceptó una oferta para actuar en el musical Vera Violetta, que se estrenó el  20 de noviembre de 1911, y al igual que La Belle Paree, fue un éxito. En el espectáculo, volvió a cantar con la cara pintada de negro y se hizo tan popular que su salario semanal de 500 dólares (basado en su éxito en La Belle Paree ) se incrementó a 750 dólares. ^{[ 22 ]}

Después de que Vera Violetta cerró, Jolson protagonizó otro musical, The Whirl of Society , impulsando su carrera en Broadway a nuevas alturas. Durante su tiempo en el Winter Garden, Jolson le dijo al público: "Aún no han escuchado nada" antes de interpretar canciones adicionales. En la obra, debutó con su característico personaje de cara pintada de negro "Gus". ^{[ 17 ]} El dueño del Winter Garden, Lee Shubert, firmó con Jolson un contrato de siete años con un salario de $1,000 por semana. Jolson repitió su papel como "Gus" en obras futuras y para 1914 alcanzó tal popularidad entre el público teatral que su salario de $1,000 por semana se duplicó. En 1916, Robinson Crusoe Jr. fue el primer musical en el que fue la estrella. En 1918, su carrera actoral se impulsó aún más después de protagonizar el exitoso musical Sinbad . ^{[ 23 ]} Se convirtió en el musical de Broadway más exitoso de 1918 y 1919. " Swanee " se añadió al espectáculo y se convirtió en la primera grabación exitosa del compositor George Gershwin . Jolson añadió " My Mammy ". Para 1920, se había convertido en la mayor estrella de Broadway. ^{[ 24 ]}

Su siguiente obra, Bombo , tuvo tanto éxito que trascendió Broadway y se representó en todo el país. ^{[ 25 ]} Esto llevó a Lee Shubert a renombrar su teatro como Teatro de la Calle 59 de Jolson . A los 35 años, Jolson fue el hombre más joven en la historia de Estados Unidos en tener un teatro con su nombre. ^{[ 26 ]} Pero en la noche del estreno de Bombo , la primera función en el nuevo teatro, sufrió pánico escénico y caminó de un lado a otro por las calles durante horas antes de la función. Por miedo, perdió la voz entre bastidores y suplicó a los tramoyistas que no levantaran el telón. Pero cuando se levantó el telón, él "seguía de pie entre bastidores temblando y sudando". Después de que su hermano Harry lo empujara al escenario, actuó y recibió una ovación significativa: "Durante varios minutos, los aplausos continuaron mientras Al se ponía de pie e hacía una reverencia después del primer acto". Se negó a volver al escenario para el segundo acto, pero el público "golpeó el suelo con los pies y coreó 'Jolson, Jolson', hasta que volvió a salir". Recibió 37 saludos esa noche y le dijo al público: "Soy un hombre feliz esta noche". ^{[ 26 ] : 118} Bombo presentó " California Here I Come ", que se convirtió en una de las canciones emblemáticas de Jolson y por la que recibió un crédito como coautor.

En marzo de 1922, trasladó la producción al Century Theater, de mayor tamaño, para una función benéfica en apoyo de los veteranos judíos heridos de la Primera Guerra Mundial. ^{[ 27 ]} Tras una temporada de gira, regresó en mayo de 1923 para presentar Bombo en el Winter Garden. El crítico del New York Times escribió: «Regresó como un circo, más grande, más brillante y más nuevo que nunca... El público de anoche se mostró, de forma halagadora, reacio a irse a casa, y cuando terminó la función, Jolson reapareció ante el telón y cantó más canciones, antiguas y nuevas». ^{[ 28 ]}

«No me importa dejar constancia de que es uno de los pocos hombres con un talento innato para la comedia en nuestros escenarios», escribió el crítico Charles Darnton en el New York Evening World . «Todo lo que toca se convierte en diversión. Verlo es maravillarse ante su vitalidad humorística. Es el trovador de antaño adaptado a los tiempos modernos. Con una canción, una palabra o incluso una sugerencia, provoca risas espontáneas. Y aquí tenemos la definición de un comediante nato». ^{[ 26 ] : 87}

Jolson había sido un invitado popular en la radio desde sus inicios, incluyendo su participación en The Dodge Victory Hour de la NBC (enero de 1928), donde cantaba desde un hotel de Nueva Orleans para una audiencia de 35 millones de personas a través de 47 estaciones de radio. Entre sus propios programas de la década de 1930 se encuentran Presenting Al Jolson (1932) y Shell Chateau (1935). En 1936 protagonizó junto a su esposa Ruby Keeler una adaptación radiofónica de la exitosa obra Burlesque de George Manker Watters y Arthur Hopkins en el Lux Radio Theatre . ^{[ 68 ]}

Jolson fue copresentador del Kraft Music Hall de 1947 a 1949, con Oscar Levant como su sarcástico compañero pianista. Su resurgimiento profesional en la década de 1940 fue todo un éxito a pesar de la competencia de artistas más jóvenes como Bing Crosby y un aún más joven Frank Sinatra , y fue elegido "Vocalista Masculino Más Popular" en 1948 según una encuesta de Variety . Al año siguiente, Jolson fue nombrado "Personalidad del Año" por los Variety Clubs of America. Cuando Jolson apareció en el programa de radio de Bing Crosby, atribuyó el premio a ser el único cantante de cierta importancia que no había grabado una versión de " Mule Train ", que había sido un éxito muy versionado ese año (cuatro versiones diferentes, una de ellas de Crosby, habían llegado al top ten de las listas). Jolson bromeó sobre cómo su voz se había vuelto más grave con la edad, diciendo: "Todavía tengo los pasos de claqué, pero ya no puedo hacerlo como antes".

Además de su contribución al cine como intérprete, fue responsable del descubrimiento de dos grandes estrellas de la época dorada de Hollywood. Compró los derechos de una obra de teatro que vio en Broadway y luego vendió los derechos cinematográficos a Jack Warner (Warner Brothers, el estudio que había producido El cantante de jazz ) con la condición de que dos de los miembros del reparto original retomaran sus papeles en la película. La obra se convirtió en la película Penny Arcade , y los actores fueron Joan Blondell y James Cagney , quienes posteriormente firmaron contratos con el estudio. Ambos fueron piezas clave en las películas de gánsteres, que resultaron muy lucrativas para el estudio.

Guerra de Corea

In 1950, according to Jolson's biographer Michael Freedland,^[69] "the United States answered the call of the United Nations Security Council ... and had gone to fight the North Koreans.... [Jolson] rang the White House again. 'I'm gonna go to Korea,' he told a startled official on the phone. 'No one seems to know anything about the USO, and it's up to President Truman to get me there.' He was promised that President Truman and General MacArthur, who had taken command of the Korean front, would get to hear of his offer. But for four weeks there was nothing.... Finally, Louis A. Johnson, Secretary of Defense, sent Jolson a telegram. 'Sorry for delay but regret no funds for entertainment – STOP; USO disbanded – STOP.' The message was as much an assault on the Jolson sense of patriotism as the actual crossing of the 38th Parallel had been. 'What are they talkin' about', he thundered. 'Funds? Who needs funds? I got funds! I'll pay myself!'"^[70]

El 17 de septiembre de 1950, un comunicado del Cuartel General del 8.º Ejército en Corea anunció: «Al Jolson, el primer artista de primera categoría en llegar al frente de guerra, aterrizó hoy aquí en avión procedente de Los Ángeles...». Jolson viajó a Corea por su cuenta. «Y un Jolson delgado y sonriente se esforzó al máximo, ofreciendo 42 espectáculos en 16  días». ^{[ 71 ]} Alistair Cooke escribió: «Las tropas gritaron pidiendo su presencia. Se arrodilló de nuevo y cantó "Mammy", y las tropas lloraron y aplaudieron. Cuando le preguntaron cómo era Corea, respondió cálidamente: "Voy a recuperar mis declaraciones de impuestos y ver si pagué lo suficiente"». ^{[ 72 ]} Antes de regresar a los EE. UU., el general Douglas MacArthur , líder de las fuerzas de la ONU, le entregó un medallón con la inscripción «Para Al Jolson de los Servicios Especiales en agradecimiento por el entretenimiento del personal de las fuerzas armadas - Comando del Lejano Oriente», con todo su itinerario inscrito en el reverso. ^{[ 73 ]} Unos meses más tarde, un importante puente, llamado «Puente Al Jolson», se utilizó para retirar a la mayor parte de las tropas estadounidenses de Corea del Norte. ^{[ 74 ]} El puente era el último de los tres puentes que cruzaban el río Han y se utilizó para evacuar a las fuerzas de la ONU. Fue demolido por las fuerzas de la ONU después de que el ejército lo cruzara a salvo para impedir que los chinos cruzaran. ^{[ 75 ]} Jack Benny , quien fue a Corea al año siguiente, señaló que un anfiteatro en Corea donde se entretenía a las tropas se llamaba "Al Jolson Bowl". ^{[ 76 ]}

Cuando Jolson apareció en el programa de radio de Steve Allen en KNX Los Ángeles en 1949 para promocionar Jolson Sings Again , ofreció su opinión tajante sobre la floreciente industria televisiva: "Yo la llamo 'televisión olfativa'. Al menos en parte". El escritor Hal Kanter recordó que la idea que Jolson tenía para su debut televisivo era un espectáculo patrocinado por una empresa, de larga duración, en el que él sería el único artista y que se transmitiría sin interrupciones. Aunque tenía varias ofertas de televisión en ese momento, Jolson estaba preocupado por cómo se verían sus actuaciones grandilocuentes en un medio tan íntimo como la televisión. Finalmente cedió en 1950, cuando se anunció que Jolson había firmado un acuerdo para aparecer en la cadena de televisión CBS , presumiblemente en una serie de especiales. ^{[ 77 ]}

Diez días después de regresar de Corea, firmó con los productores de RKO Radio Pictures, Jerry Wald y Norman Krasna, para protagonizar Stars and Stripes Forever , una película sobre una compañía de la USO en el Pacífico Sur durante la Segunda Guerra Mundial. El guion sería escrito por Herbert Baker y coprotagonizada por Dinah Shore . ^{[ 78 ]}

Los ambiciosos planes de Jolson quedaron sin cumplir. Se había esforzado demasiado en Corea, especialmente para un hombre al que le faltaba un pulmón. Dos semanas después de firmar el contrato cinematográfico, mientras jugaba a las cartas en su suite del Hotel St. Francis en el 335 de la calle Powell en San Francisco, ^{[ 79 ]} Jolson murió de un infarto masivo el 23 de octubre de 1950. Se dice que sus últimas palabras fueron: «Oh... oh, me voy». Tenía 64 años.

Tras recibir la noticia de su muerte por teléfono, su esposa quedó en estado de shock y necesitó que sus familiares la acompañaran. En el funeral, la policía calculó que  asistieron más de 20 000 personas, a pesar de la amenaza de lluvia. Se convirtió en uno de los funerales más multitudinarios de la historia del mundo del espectáculo. ^{[ 80 ]}

Las celebridades rindieron homenaje: Bob Hope , hablando desde Corea por radio de onda corta, dijo que el mundo había perdido "no solo a un gran artista, sino también a un gran ciudadano". Larry Parks dijo que el mundo había "perdido no solo a su mayor artista, sino también a un gran estadounidense. Fue una víctima de la guerra [de Corea]". Los periódicos de Scripps-Howard dibujaron un par de guantes blancos sobre un fondo negro. El pie de foto decía: "La canción ha terminado". ^{[ 81 ]}

Walter Winchell, columnista de prensa y reportero de radio, dijo:

Fue el primero en entretener a las tropas en la Segunda Guerra Mundial, contrajo malaria y perdió un pulmón. Luego, ya en sus sesenta y tantos, fue nuevamente el primero en ofrecer su talento musical para brindar consuelo a los heridos y exhaustos en Corea. Hoy sabemos que el esfuerzo de su viaje a Corea le pasó factura a sus fuerzas más de lo que quizás él mismo se dio cuenta. Pero consideraba que era su deber como estadounidense estar allí, y eso era lo único que le importaba. Jolson murió en un hotel de San Francisco. Sin embargo, fue una víctima de la guerra, al igual que cualquier otro soldado estadounidense que haya caído en las escarpadas laderas de Corea... Estrella durante más de 40 años, obtuvo su mayor reconocimiento al final: una estrella de oro. ^{[ 82 ]}

Durante parte de su elogio fúnebre, su amigo George Jessel dijo:

La historia del mundo no alcanza a describir la importancia de la canción y del cantante. Pero la historia debe dejar constancia del nombre de Jolson, quien en el ocaso de su vida cantó con el corazón en tierra extranjera, a los heridos y a los valientes. Me enorgullece haber disfrutado de su grandeza, haber formado parte de su época. ^{[ 83 ]}

Fue enterrado en el cementerio Hillside Memorial Park en Culver City, California. La viuda de Jolson compró una parcela en Hillside y encargó el diseño de su mausoleo al reconocido arquitecto negro Paul Williams . La estructura de mármol de seis pilares está coronada por una cúpula, junto a una estatua de bronce de tres cuartos de tamaño de Jolson, eternamente arrodillado, con los brazos extendidos, aparentemente listo para entonar otro verso de "Mammy". El interior de la cúpula presenta un enorme mosaico de Moisés sosteniendo las tablas con los Diez Mandamientos, e identifica a Jolson como "El dulce cantante de Israel" y "El hombre elevado a lo más alto". ^{[ 84 ] [ 85 ]}

El día de su muerte, Broadway atenuó sus luces en honor a Jolson, y emisoras de radio de todo el mundo le rindieron homenaje. Poco después de su fallecimiento, la BBC emitió un programa especial titulado «Jolson canta» . Su muerte desató homenajes de todo el mundo, incluyendo numerosos elogios de amigos, como George Jessel, Walter Winchell y Eddie Cantor . ^{[ 84 ]} En su testamento, legó millones a organizaciones benéficas judías y de otra índole. ^{[ 86 ]}

A pesar de la estrecha relación que mantuvieron durante su infancia, Harry Jolson (el hermano mayor de Al) mostró cierto desdén por el éxito de Jolson a lo largo de los años. Incluso durante su etapa con Jack Palmer, la popularidad de Jolson iba en aumento mientras que la de Harry disminuía. Tras separarse de "Al y Jack", la carrera de Harry en el mundo del espectáculo se estancó. En una ocasión, Harry se ofreció a ser el agente de Jolson, pero este rechazó la oferta, preocupado por la presión que sufriría por parte de sus productores si contrataba a su hermano. Poco después de la muerte de Lillian, la esposa de Harry, en 1948, los hermanos volvieron a estrechar lazos. ^{[ 87 ]}

El primer matrimonio de Jolson, con Henrietta Keller (1889-1967), tuvo lugar en Alameda, California, el 20 de septiembre de 1907. Su nombre era Albert Jolson. La pareja se divorció en 1919. ^{[ 88 ]} En 1920, comenzó una relación con la actriz de Broadway Alma Osbourne (conocida profesionalmente como Ethel Delmar); se casaron en agosto de 1922; ^{[ 89 ]} ella se divorció de Jolson en 1928. ^{[ 90 ]}

En el verano de 1928, Jolson conoció a la joven bailarina de claqué , y más tarde actriz, Ruby Keeler en Los Ángeles (Jolson afirmaría que fue en el club nocturno Texas Guinan 's) y quedó deslumbrado por ella a primera vista. Tres semanas después, Jolson vio una producción de Rise of Rosie O'Reilly de George M. Cohan y se dio cuenta de que ella formaba parte del elenco. Sabiendo que estaba desarrollando su carrera en Broadway, Jolson asistió a otro de sus espectáculos, Show Girl , y se levantó del público para cantar a dúo con ella la canción "Liza". Tras este momento, el productor del espectáculo, Florenz Ziegfeld , le pidió a Jolson que se uniera al elenco y continuara cantando a dúo con Keeler. Jolson aceptó la oferta de Ziegfeld y, durante su gira con él, comenzaron a salir y se casaron el 21 de septiembre de 1928. En 1935, Al y Ruby adoptaron un hijo, el primer hijo de Jolson, a quien llamaron "Al Jolson Jr.". ^{[ 17 ]} Sin embargo, en 1939, a pesar de un matrimonio que se consideraba más exitoso que los anteriores, Keeler dejó a Jolson. Tras su divorcio en 1940, se volvió a casar con John Homer Lowe, con quien tendría cuatro hijos y permanecería casada hasta la muerte de él en 1969. ^{[ 17 ] [ 91 ]}

En 1944, mientras daba un espectáculo en un hospital militar en Hot Springs, Arkansas , Jolson conoció a una joven técnica de rayos X, Erle Galbraith. Quedó fascinado con ella y, más de un año después, logró localizarla y la contrató como actriz mientras trabajaba como productor en Columbia Pictures. Después de que Jolson, cuya salud aún se veía afectada por su anterior batalla contra la malaria , fuera hospitalizado en el invierno de 1945, Erle lo visitó y rápidamente comenzaron una relación. Se casaron el 22 de marzo de 1945. Durante su matrimonio, los Jolson adoptaron dos hijos, Asa Jr. (nacido en 1948) y Alicia (nacida en 1949), ^{[ 17 ]} y permanecieron casados ​​hasta la muerte de él en 1950. ^{[ 92 ]}

Tras un año y medio de matrimonio, su nueva esposa nunca lo había visto actuar en público, y la primera ocasión fue inesperada. Según cuenta el actor y comediante Alan King , ocurrió durante una cena organizada por el New York Friars' Club en el Waldorf Astoria en 1946 para homenajear la trayectoria de Sophie Tucker . Jolson y su esposa se encontraban entre el público junto con otras mil personas, y George Jessel era el maestro de ceremonias.

Sin previo aviso, en medio del espectáculo, Jessel dijo: "Señoras y señores, esta es la presentación más fácil que he tenido que hacer. El mejor artista del mundo, Al Jolson". King recuerda lo que sucedió después:

El lugar es un caos. Jolson se levanta, hace una reverencia, se sienta... la gente empieza a golpear el suelo con los pies, y él se levanta, hace otra reverencia, se sienta de nuevo. Es un caos, y poco a poco, parece ceder. Sube al escenario... bromea con Sophie y consigue algunas risas, pero la gente grita: «¡Canta! ¡Canta! ¡Canta!»... Entonces dice: «Me gustaría presentarles a mi novia», y esta encantadora jovencita se levanta y hace una reverencia. Al público no le importa la novia, ni siquiera les importa Sophie Tucker. «¡Canta! ¡Canta! ¡Canta!», gritan de nuevo. «Mi esposa nunca me ha visto actuar», dice Jolson, y mira hacia Lester Lanin , el director de orquesta: «Maestro, ¿es cierto lo que dicen de Dixie?» ^{[ 93 ]}

Jolson era republicano y apoyó a Warren G. Harding en 1920 y a Calvin Coolidge en 1924 para presidente. Como "una de las mayores estrellas de su época, [él] hizo magia cantando Harding, You're the Man for Us ante un público cautivado... [y] posteriormente se le pidió que interpretara Keep Cool con Coolidge cuatro años después... Jolson, como los hombres que dirigían los estudios, era un raro republicano del mundo del espectáculo". ^{[ 94 ]} Jolson hizo campaña públicamente por el demócrata Franklin Delano Roosevelt en 1932. ^{[ 95 ]} Para las siguientes elecciones presidenciales (1936), volvió a apoyar al republicano Alf Landon y no apoyaría a ningún otro demócrata para presidente durante su vida. ^{[ 1 ] [ 96 ]}

Pocos meses después de su muerte, el Secretario de Defensa George Marshall le entregó la Medalla al Mérito a Jolson, "a quien este país le debe una deuda impagable". La medalla, que incluía una mención que señalaba que la "contribución de Jolson a la acción de la ONU en Corea se realizó a costa de su vida", fue entregada al hijo de Jolson ante la mirada de su viuda. ^{[ 97 ]}

Jolson tiene tres estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood por sus contribuciones a la radio, el cine y la industria discográfica.

En 2000, se le dedicó una Estrella de Palma Dorada en el Paseo de las Estrellas de Palm Springs, California. ^{[ 98 ]} Jolson también es miembro del Salón de la Fama del Teatro Estadounidense . ^{[ 99 ]}

El Servicio Postal de los Estados Unidos lo homenajeó emitiendo un sello de 29 centavos que fue presentado por Erle Jolson Krasna, la cuarta esposa de Jolson, en una ceremonia en el Lincoln Center el 1 de septiembre de 1994. Este sello formaba parte de una serie que honraba a cantantes estadounidenses populares, entre los que se encontraban Bing Crosby, Nat King Cole, Ethel Merman y Ethel Waters. En 2006, una calle de Nueva York fue nombrada en su honor gracias a la ayuda de la Sociedad Al Jolson. ^{[ 100 ]}

En octubre de 2008, el documental Al Jolson and The Jazz Singer , dirigido por la cineasta alemana Andrea Oberheiden, se estrenó en la 50.ª edición de las Jornadas Nórdicas de Cine de Lübeck , en Lübeck, Alemania, y ganó el primer premio en un concurso anual de cine en Kiel unas semanas después. ^{[ 101 ]} En noviembre de 2007, un documental rodado por la misma directora, A Look at Al Jolson , resultó ganador en el mismo festival. ^{[ 102 ]}

Según los historiadores musicales Bruce Crowther y Mike Pinfold: «Durante su época, fue el artista más conocido y popular que Estados Unidos (y probablemente el mundo) haya conocido, cautivando al público en el teatro y convirtiéndose en una atracción en discos, radio y películas. Abrió los oídos del público blanco a la existencia de formas musicales ajenas a su comprensión y experiencia previas... y ayudó a allanar el camino para otros que aportarían un toque más realista y empático a las tradiciones musicales negras». ^{[ 103 ]} El compositor negro Noble Sissle , en la década de 1930, dijo: «Siempre fue el defensor del compositor e intérprete negro, y fue el primero en incluir a negros en sus espectáculos». Sobre las canciones de Jolson sobre «Mammy», añade: «Con lágrimas reales corriendo por su rostro ennegrecido, inmortalizó la maternidad negra de Estados Unidos como nadie más podría haberlo hecho». ^{[ 104 ]} Sin embargo, a pesar de su historial de defender la actitud de Jolson hacia los afroamericanos, Sissle se volvería más crítico con el uso continuo de la cara pintada de negro y su rutina de la "mammy" por parte de Jolson en 1938. ^{[ 104 ] [ 105 ]} La expansión de los actores afroamericanos en las películas estadounidenses en la década de 1930, que eclipsaría en gran medida el uso de actores que se pintaban la cara de negro, también se consideró un punto de inflexión dramático en la aceptación social de la rutina controvertida que anteriormente le había dado a Jolson un enorme estrellato, y la cara pintada de negro fue ampliamente aceptada más como una representación del racismo y la intolerancia después de 1930. ^{[ 106 ] [ 107 ]}

Contrariamente a la creencia popular, la abierta identidad judía de Jolson, incluso en El cantante de jazz , no debilitó significativamente el antisemitismo en los Estados Unidos en la década de 1920, ya que el antisemitismo seguía siendo rampante en el país e incluso Jolson y El cantante de jazz fueron considerados más una "excepción" en un entorno aún mayoritariamente antisemita que una señal de que la actitud hacia los judíos estaba cambiando radicalmente. ^{[ 108 ] [ 109 ]}

El estilo característico de Jolson, fuerte y apasionado, pronto fue eclipsado por el estilo más sereno e íntimo de los crooners , cantantes como Bing Crosby y Frank Sinatra, quienes dominaron las listas de éxitos en las décadas de 1930, 1940 y 1950. Si bien Jolson podía cantar croon y lo hacía, su estilo básico se formó en la época en que un cantante necesitaba proyectar su voz hasta el fondo del teatro con su propia fuerza física; los cantantes posteriores que se desarrollaron en la era del micrófono se liberaron de esta limitación. ^{[ 110 ] [ 111 ]} Sin embargo, su carrera lograría revitalizarse durante sus giras con la USO durante la Segunda Guerra Mundial. ^{[ 112 ]}

Entre las personas y los lugares que han sido influenciados por Jolson se incluyen:

Tony Bennett

Mi padre... nos llevó a ver una de las primeras películas sonoras, El bufón cantante , en la que Al Jolson cantaba "Sonny Boy". En cierto modo, se podría decir que Jolson fue mi primera influencia como cantante. Me emocionó tanto lo que vi que pasé horas escuchando a Jolson y a Eddie Cantor en la radio. De hecho, hice mi primera actuación pública poco después de ver esa película... para imitar a Jolson... Salté al salón y anuncié a los adultos, que me miraban asombrados: "¡Soy Sonny Boy!". Toda la familia estalló en carcajadas. ^{[ 113 ]}

Irving Berlin

A medida que el cine se convertía en una parte vital de la industria del entretenimiento, Berlin se vio obligado a "reinventarse como compositor". El biógrafo Laurence Bergreen escribió que, si bien la música de Berlin era "demasiado anticuada para el Broadway progresista, su música era totalmente moderna en el conservador Hollywood". Tuvo su primer éxito con la emblemática película sonora El cantante de jazz (1927), en la que Jolson interpretó su canción "Blue Skies". ^{[ 114 ]} Escribió la música para la película Mammy (1930) de Jolson, que incluía éxitos como " Let Me Sing and I'm Happy " y "Mammy". ^{[ 1 ] [ 96 ]}

Bing Crosby

El historiador musical Richard Grudens escribe que Kathryn Crosby reseñó con entusiasmo el capítulo sobre su querido Bing y su inspiración, Al Jolson, donde Bing había escrito: «Su principal cualidad era la electricidad que generaba al cantar. Nadie en aquellos tiempos hacía eso. Cuando salía y empezaba a cantar, elevaba al público de inmediato. En los primeros ocho compases los tenía en la palma de su mano». ^{[ 103 ]} En la entrevista de Crosby para Pop Chronicles , recordó con cariño haber visto actuar a Jolson y elogió su «enérgica interpretación». ^{[ 57 ]} El biógrafo de Crosby, Gary Giddins, escribió sobre la admiración de Crosby por el estilo interpretativo de Jolson: «Bing se maravillaba de cómo parecía conectar personalmente con cada miembro del público». Crosby le dijo una vez a un fan: «No soy un artista electrizante en absoluto. Solo canto unas pocas canciones. Pero este hombre podía realmente enloquecer al público. Podía realmente desatarlo». ^{[ 115 ]}

Bobby Darin

El biógrafo de Darin, David Evanier, escribe que cuando Darin era niño, confinado en casa por la fiebre reumática, «[él] pasaba la mayor parte del tiempo leyendo y coloreando, además de escuchar música de big band y discos de Jolson... Empezó a imitar a Jolson... estaba loco por Jolson». El representante de Darin, Steve Blauner, quien también se convirtió en productor de cine y vicepresidente de Screen Gems , igualmente comenzó su carrera «de niño imitando a Al Jolson después de ver La historia de Jolson trece veces». ^{[ 116 ]}

Neil Diamond

El periodista David Wild escribe que la película de 1927, El cantante de jazz , reflejaría la propia vida de Diamond: «la historia de un joven judío de Nueva York que lo deja todo atrás para perseguir su sueño de hacer música popular en Los Ángeles». Diamond afirma que era «la historia de alguien que quiere romper con la situación familiar tradicional y encontrar su propio camino. Y en ese sentido, "es" mi historia». En 1972, Diamond ofreció el primer concierto en solitario en Broadway desde Al Jolson, y protagonizó la nueva versión de El cantante de jazz de 1980 , junto a Laurence Olivier y Lucie Arnaz . ^{[ 117 ]}

Eddie Fisher

En una gira por la Unión Soviética con su entonces esposa, Elizabeth Taylor , Fisher escribió en su autobiografía que "la amante de Khrushchev me pidió que cantara... Fui el primer estadounidense en ser invitado a cantar en el Kremlin desde Paul Robeson . Al día siguiente, el Herald-Tribune tituló [leer] 'Eddie Fisher sacude el Kremlin'. Les di mi mejor interpretación de Jolson: "Swanee", "April Showers" y finalmente "Rock-A-Bye Your Baby with a Dixie Melody". Logré que la audiencia de diplomáticos y dignatarios rusos se pusiera de pie y se balanceara conmigo". ^{[ 118 ]} En 1951, Fisher dedicó su canción "smash hit", "Good-bye, GI Al", a Jolson, y le entregó una copia personalmente a la viuda de Jolson. ^{[ 119 ]} Con una de sus últimas esposas, Connie Stevens , tuvo una hija, Joely Fisher , cuyo nombre honra a Jolson. En 1968 grabó un álbum tributo a Al Jolson titulado You Ain't Heard Nothin' Yet , que incluía todas las canciones mencionadas al inicio de este párrafo. También fue su último álbum con RCA Victor . ^{[ 120 ]}

Judy Garland

Garland rindió homenaje a Jolson en sus conciertos de 1951 en el London Palladium y en el Palace Theatre de Nueva York. Ambos conciertos se convertirían en "fundamentales para el primero de sus muchos regresos, y se centraron en su imitación de Al Jolson... interpretando 'Swanee' con su peculiar imitación vocal de Jolson". ^{[ 1 ] [ 96 ]}

Ernest Hemingway

En París era una fiesta , Ernest Hemingway escribió que "Zelda Fitzgerald... se inclinó hacia adelante y me dijo, contándome su gran secreto: 'Ernest, ¿no crees que Al Jolson es más grande que Jesús?'" ^{[ 121 ]}

Jerry Lewis

El actor y comediante Jerry Lewis protagonizó una versión televisada (sin maquillaje negro) de El cantante de jazz en 1959. El biógrafo de Lewis, Murray Pomerance , escribe: «Jerry seguramente tenía a su padre en mente cuando rehizo la película», y añade que el propio Lewis «le dijo a un entrevistador que sus padres habían sido tan pobres que no podían permitirse celebrarle un bar mitzvá». En 1956, Lewis grabó «Rock-a-Bye Your Baby». ^{[ 122 ]}

Jerry Lee Lewis

Según el cantante y compositor Jerry Lee Lewis, "solo hubo cuatro auténticos originales estadounidenses: Al Jolson, Jimmie Rodgers , Hank Williams y Jerry Lee Lewis". ^{[ 123 ]} "Me encantaba Al Jolson", dijo. "Todavía conservo todos sus discos. Incluso cuando era niño lo escuchaba todo el tiempo". ^{[ 124 ]}

Mario Lanza

El biógrafo de Mario Lanza, Armando Cesari, escribe que entre los cantantes favoritos de Lanza se encontraban Al Jolson, Lena Horne, Tony Martin y Toni Arden. ^{[ 125 ]}

David Lee Roth

Al compositor y vocalista principal del grupo de rock Van Halen, le preguntaron durante una entrevista en 1985: "¿Cuándo decidiste por primera vez que querías dedicarte al mundo del espectáculo?". Respondió: "Tenía siete años. Dije que quería ser Al Jolson. Esos eran los únicos discos que tenía: una colección de viejos discos de 78 rpm que se rompían fácilmente. Me aprendí todas las canciones y luego los pasos de baile, que veía en las películas". ^{[ 126 ]}

Rod Stewart

Al cantante y compositor británico Rod Stewart, durante una entrevista en 2003, le preguntaron: "¿Cuál es tu primer recuerdo musical?". Stewart respondió: "Al Jolson, de cuando solíamos hacer fiestas en casa por Navidad o cumpleaños. Teníamos un pequeño piano de cola y yo solía bajar a escondidas... Creo que eso me inculcó un amor muy, muy temprano por la música". ^{[ 127 ]}

Jackie Wilson

El cantante afroamericano Jackie Wilson grabó un álbum tributo a Jolson, You Ain't Heard Nothin' Yet , que incluía su nota personal: "El mejor artista de esta o cualquier otra época... Creo que tengo casi todas las grabaciones que ha hecho, y rara vez me perdía de escucharlo en la radio... Durante los tres años que llevo haciendo discos, he tenido la ambición de hacer un álbum de canciones que, para mí, representan el gran legado de Jolson... Este es simplemente mi humilde tributo al hombre que más admiro en este negocio... para mantener vivo el legado de Jolson". ^{[ 128 ]}

Estado de California

Según las historiadoras californianas Stephanie Barron y Sheri Bernstein, "pocos artistas han hecho tanto por dar a conocer California como Al Jolson", quien interpretó y escribió la letra de " California, Here I Come ". ^{[ 129 ]} Se considera la canción no oficial de California. ^{[ 130 ]} Otro ejemplo es la canción de 1928 "Golden Gate" ( Dave Dreyer , Joseph Meyer , Billy Rose y Jolson). ^{[ 1 ] [ 96 ]}

El cortometraje de Jolson de 1926, A Plantation Act , que se presumía perdido en 1933, fue redescubierto y restaurado en abril de 1995. ^{[ 131 ] [ 132 ]} Varias grabaciones redescubiertas de Jolson, consideradas de dominio público , como la primera grabación de “ Rock-a-bye Your Baby with a Dixie Melody ”, algunas rarezas y diversas apariciones en la radio, fueron reeditadas en abril de 2024 como parte del álbum Al Jolson: Rediscovered . ^{[ 133 ] [ 134 ]}

Jolson actuaba a menudo con maquillaje de cara negra . ^{[ 135 ]} Actuar con maquillaje de cara negra era una convención teatral de muchos artistas a principios del siglo XX, que tuvo su origen en el espectáculo de juglares , una forma de teatro estadounidense en la que los actores blancos usaban maquillaje de cara negra con el propósito de representar estereotipos raciales de los afroamericanos. ^{[ 136 ]} Según el historiador de cine Eric Lott :

Para el juglar blanco, adoptar las formas culturales de la «negritud» implicaba participar en un complejo asunto de imitación masculina... Usar o incluso disfrutar del blackface era, literalmente, durante un tiempo, volverse negro, heredar la frialdad, la virilidad, la humildad, el abandono o la alegría de corazón que eran los componentes principales de las ideologías blancas sobre la masculinidad negra. ^{[ 137 ]}

Sin embargo, en la visión retrospectiva de una época posterior, el uso de la cara pintada de negro es visto por muchos como racista. ^{[ 11 ] [ 138 ] [ 139 ]} El crítico musical Ted Gioia , al comentar sobre el uso de la cara pintada de negro por parte de Jolson, escribió:

El blackface evoca recuerdos del lado más desagradable de las relaciones raciales y de una época en la que los artistas blancos usaban el maquillaje para ridiculizar a los afroamericanos, apropiándose descaradamente de las ricas tradiciones musicales negras que rara vez tenían permitido expresarse directamente en la sociedad dominante. Esto representa una pesada carga para Al Jolson. ^{[ 11 ]}

Relaciones con los afroamericanos

El legado de Jolson como el intérprete más popular de rutinas con la cara pintada de negro se complementó con sus relaciones con los afroamericanos y su aprecio y uso de las tendencias culturales afroamericanas. ^{[ 11 ]} Jolson escuchó por primera vez jazz, blues y ragtime en los callejones de Nueva Orleans. Disfrutaba cantando jazz, a menudo actuando con la cara pintada de negro, especialmente en las canciones que popularizó, como " Swanee ", " My Mammy " y " Rock-a-Bye Your Baby with a Dixie Melody ".

Durante su infancia, Jolson fue amigo de Bill "Bojangles" Robinson , quien se convirtió en un destacado bailarín de claqué . ^{[ 21 ]} En 1924, promovió la obra Appearances de Garland Anderson , ^{[ 143 ]} que se convirtió en la primera producción con un elenco completamente negro producida en Broadway. También trajo un grupo de baile negro de San Francisco que intentó presentar en un espectáculo de Broadway, y exigió igualdad de trato para Cab Calloway, con quien interpretó duetos en la película The Singing Kid .

Jolson leyó en el periódico que a los compositores Eubie Blake y Noble Sissle , de quienes nunca había oído hablar, les negaron el servicio en un restaurante de Connecticut debido a su raza. Los localizó y los invitó a cenar, «¡insistiendo en que le daría un puñetazo en la nariz a cualquiera que intentara echarnos!» ^{[ 11 ]} Según el biógrafo Al Rose, Jolson y Blake se hicieron amigos y fueron juntos a combates de boxeo. ^{[ 144 ]}

El historiador de cine Charles Musser señala: «La acogida que los afroamericanos le dieron a Jolson no fue una reacción espontánea a su aparición en películas sonoras. En una época en la que los afroamericanos no tenían que buscar enemigos, Jolson era percibido como un amigo». ^{[ 145 ]} A pesar de esta afirmación, el historiador de estudios judíos Michael Alexander reconoció que ningún periódico afroamericano importante había mencionado El cantante de jazz . ^{[ 146 ]}

Jeni LeGon , una bailarina de claqué negra , ^{[ 147 ]} recuerda su vida como bailarina de cine: «Pero claro, en aquellos tiempos era un mundo en blanco y negro. No te relacionabas mucho socialmente con ninguna de las estrellas. Las veías en el estudio, ya sabes, agradable, pero no te invitaban. Los únicos que nos invitaron a su casa fueron Al Jolson y Ruby Keeler ». ^{[ 148 ]}

El intérprete británico Brian Conley , antiguo protagonista de la obra británica de teatro Jolson de 1995 , declaró durante una entrevista: «Descubrí que Jolson era en realidad un héroe para la gente negra de Estados Unidos. En su funeral, actores negros se alinearon a su paso; realmente apreciaban lo que había hecho por ellos». ^{[ 149 ]}

Noble Sissle , quien para entonces era presidente del Gremio de Actores Negros , representó a esa organización en su funeral. ^{[ 150 ]}

La expresividad física de Jolson también influyó en los estilos musicales de algunos artistas negros. El historiador musical Bob Gulla escribe que "la influencia más importante en la juventud de Jackie Wilson fue Al Jolson". Señala que las ideas de Wilson sobre lo que un artista podía hacer para que su actuación fuera "emocionante" y "apasionante" se moldearon por las actuaciones de Jolson, "llenas de contorsiones desenfrenadas y teatralidad excesiva". Wilson sentía que Jolson "debía ser considerado el precursor estilístico del rock and roll". ^{[ 151 ]}

Según la Enciclopedia de Cultura Popular de St. James : "Prácticamente sin ayuda de nadie, Jolson contribuyó a introducir innovaciones musicales afroamericanas como el jazz, el ragtime y el blues entre el público blanco... [y] allanó el camino para que artistas afroamericanos como Louis Armstrong , Duke Ellington , Fats Waller y Ethel Waters ... cerraran la brecha cultural entre la América negra y la blanca". ^{[ 1 ]}

Amiri Baraka escribió: «La entrada del hombre blanco en el jazz... al menos lo acercó mucho más al negro ». Señala que «la aceptación del jazz por parte de los blancos marca un momento crucial en el que un aspecto de la cultura negra se convirtió en parte esencial de la cultura estadounidense». ^{[ 152 ]}

Sin embargo, el influyente periódico afroamericano The Pittsburgh Courier se volvería más crítico con Jolson en 1938, y Noble Sissle también describió abiertamente su rutina de "Mammy" y el uso de maquillaje de cara negra como humillantes para los afroamericanos. ^{[ 105 ] [ 153 ]}

Álbumes

• 1946: Al Jolson en Canciones que hizo famosas (Decca 469) también conocido como Al Jolson, Volumen 1          
• 1947: Álbum de recuerdos de Al Jolson (Decca 575) también conocido como Al Jolson, Volumen 2          
• 1948: Al Jolson, Volumen 3
• 1949: Jolson vuelve a cantar
• 1949: Álbum de recuerdos de Al Jolson, volumen 4
• 1950: Canciones de Stephen Foster
• 1951: Álbum de recuerdos de Al Jolson, volumen 5
• 1951: Álbum de recuerdos de Al Jolson, volumen 6

• Lista de personas de Harlem

• Young, Jordan R. (1999). The Laugh Crafters: Comedy Writing in Radio & TV's Golden Age. Beverly Hills: Past Times Publishing. ISBN 0-940410-37-0.

• Sociedad Internacional Al Jolson
• Grabaciones de Al Jolson en la Discografía de Grabaciones Históricas Americanas .
• Noticiero en Internet Archive, incluyendo la muerte y el funeral de Jolson.
• El Museo de Historia Familiar
• Al Jolson en Historia Virtual
• Programas de radio de Zoot Radio archivados el 4 de agosto de 2020 en Wayback Machine .
• Documental sobre Al Jolson y la realización de El cantante de jazz. Archivado el 12 de marzo de 2012 en Wayback Machine .
• Catálogo de Al Jolson en el American Film Institute
• Al Jolson en la base de datos de Broadway en Internet
• Al Jolson en IMDb
• Al Jolson en la base de datos de películas de TCM (archivado)