El cantante de jazz

El cantante de jazz es una película musical dramática estadounidense de 1927, parcialmente sonora, dirigida por Alan Crosland y producida por Warner Bros. Pictures . Es el primer largometraje con música grabada sincronizada y canto y diálogos con sincronización labial (en varias secuencias aisladas). Su estreno anunció el auge comercial del cine sonoro y marcó el fin de la era del cine mudo con el sistema de sonido en disco Vitaphone , que incluye seis canciones interpretadas por Al Jolson . Basada en la obra de teatro homónima de 1925 de Samson Raphaelson , la trama se adaptó de su cuento "El día de la expiación".

La película narra la historia ficticia de Jakie Rabinowitz, un joven que desafía las tradiciones de su devota familia judía . Tras cantar canciones populares en una cervecería al aire libre , su padre, un jazán (cantor), lo castiga , lo que provoca que Jakie huya de casa. Años después, ahora conocido como Jack Robin, se ha convertido en un talentoso cantante de jazz , actuando con la cara pintada de negro . Intenta forjarse una carrera como artista, pero sus ambiciones profesionales acaban entrando en conflicto con las exigencias de su hogar y su herencia cultural.

Darryl F. Zanuck ganó un Premio Honorífico de la Academia por producir la película; Alfred A. Cohn fue nominado a Mejor Guion (Adaptación) en la primera edición de los Premios de la Academia . En 1996, El cantante de jazz fue seleccionado para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativo". En 1998, la película fue elegida en una votación realizada por el American Film Institute como una de las mejores películas estadounidenses de todos los tiempos, ocupando el puesto número noventa. Los derechos de autor de la película expiraron el 1 de enero de 2023, cuando todas las obras publicadas en los Estados Unidos en 1927 pasaron a ser de dominio público .

El cantor Rabinowitz quiere que su hijo de 13 años, Jacob "Jakie" Rabinowitz, continúe la tradición familiar de generaciones y se convierta en cantor en la sinagoga del gueto judío del Lower East Side de Manhattan . Jakie, en cambio, ha desarrollado una afición por cantar jazz en la cervecería local . Moisha Yudelson ve al chico y se lo cuenta al padre de Jakie, quien lo lleva a casa. Jakie se aferra a su madre, Sara, mientras su padre declara: "¡Le enseñaré a no deshonrar la voz que Dios le dio!". Jakie amenaza: "Si me pegas otra vez, me escaparé y no volveré jamás ". Tras el castigo, Jakie besa a su madre para despedirse y, fiel a su palabra, huye. En el servicio de Yom Kippur , Rabinowitz le dice con tristeza a otro celebrante: "Mi hijo iba a estar a mi lado cantando esta noche, pero ahora no tengo hijo". Mientras se canta el sagrado Kol Nidre , Jakie regresa sigilosamente a casa para recuperar una fotografía de su amada madre.

Unos diez años después, Jakie anglicizó su nombre a Jack Robin. Llaman a Jack desde su mesa en un cabaret para que actúe en el escenario (" Manos sucias, cara sucia ").

Jack cautiva al público con su enérgica interpretación de " Toot, Toot, Tootsie ". Después, le presentan a la bella Mary Dale, bailarina de teatro musical. "Hay muchos cantantes de jazz, pero tú tienes una lágrima en la voz", le dice, ofreciéndole su ayuda en su incipiente carrera. Con su ayuda, Jack finalmente consigue su gran oportunidad: un papel protagónico en el nuevo musical April Follies .

De vuelta en la casa familiar que Jack dejó hace mucho tiempo, el anciano Rabinowitz está instruyendo a un joven estudiante en el arte tradicional del canto litúrgico. Jack aparece, intentando explicar su perspectiva y su amor por la música moderna, pero el cantor, horrorizado, lo despide diciendo: «¡No quiero volver a verte nunca más, cantante de jazz!». Al marcharse, Jack hace una predicción: «Volví a casa con el corazón lleno de amor, pero no quieres entenderlo. Algún día lo entenderás, igual que mamá».

Dos semanas después de la expulsión de Jack de la casa familiar y 24 horas antes del estreno de April Follies en Broadway, el padre de Jack cae gravemente enfermo. A Jack se le pide que elija entre el espectáculo y su deber hacia su familia y su fe: para cantar el Kol Nidre de Yom Kippur en lugar de su padre, tendrá que perderse el gran estreno.

Esa noche, víspera de Yom Kippur, Yudelson les dice a los ancianos judíos: «Por primera vez, no tenemos cantor en el Día de la Expiación». Postrado en su cama, débil y demacrado, el cantor Rabinowitz le dice a Sara que no puede cantar en el más sagrado de los días santos: «Mi hijo se me apareció en sueños; cantó Kol Nidre con tanta belleza. Si tan solo cantara así esta noche, seguramente sería perdonado».

Mientras Jack se prepara para el ensayo general aplicándose maquillaje de cara negra , él y Mary hablan sobre sus aspiraciones profesionales y las presiones familiares a las que, según coinciden, debe resistir. Sara y Yudelson van al camerino de Jack para rogarle que vaya con su padre y cante en su lugar. Jack está dividido. Ofrece su actuación con la cara pintada de negro ("Mother of Mine, I Still Have You"), y Sara ve a su hijo en el escenario por primera vez. Tiene una revelación entre lágrimas: "Aquí pertenece. Si Dios lo hubiera querido en su casa, lo habría mantenido allí. Ya no es mi hijo; ahora pertenece al mundo entero".

Después, Jack regresa a casa de los Rabinowitz. Se arrodilla junto a la cama de su padre y ambos conversan con cariño: "Hijo mío, te quiero". Sara sugiere que tal vez ayude a sanar a su padre si Jack lo reemplaza en el servicio de Yom Kippur. Mary llega con el productor, quien le advierte a Jack que nunca volverá a trabajar en Broadway si no se presenta en la noche del estreno. Jack no puede decidirse. Mary lo interpela: "¿Mentías cuando dijiste que tu carrera era lo primero? ". Jack no está seguro de poder reemplazar a su padre: "No he cantado Kol Nidre desde que era un niño". Su madre le dice: "Haz lo que te dicte el corazón, Jakie; si cantas y Dios no está en tu voz, tu padre lo sabrá". El productor anima a Jack: "¡Eres un cantante de jazz de corazón!".

En el teatro, al público de la noche del estreno se le comunica que no habrá función. Jack canta el Kol Nidre en lugar de su padre. Su padre escucha desde su lecho de muerte la ceremonia cercana y pronuncia sus últimas palabras de perdón: «Mamá, tenemos a nuestro hijo de nuevo». El espíritu del padre de Jack se manifiesta a su lado en la sinagoga. María ha venido a escuchar. Ella ve cómo Jack ha reconciliado la división en su alma: «un cantante de jazz, cantando a su Dios».

«La temporada pasa, el tiempo lo cura todo, el espectáculo continúa». Jack, como «El cantante de jazz», se presenta ahora en el teatro Winter Garden, aparentemente como telonero de un espectáculo llamado Back Room . En la primera fila del teatro abarrotado, su madre se sienta junto a Yudelson. Jack, con la cara pintada de negro, interpreta la canción « My Mammy » para ella y para el mundo.

• Al Jolson como Jacob "Jakie" Rabinowitz (Jack Robin)
  • Bobby Gordon como Jakie Rabinowitz (13 años)
• Warner Oland como el cantor Rabinowitz, padre de Jakie Rabinowitz (Jack Robin).
• Eugenie Besserer como Sara Rabinowitz, la madre de Jakie Rabinowitz (Jack Robin)
• May McAvoy como Mary Dale
• Otto Lederer como Moisha Yudelson
• Richard Tucker como Harry Lee
• Yossele Rosenblatt como él mismo

• "My Gal Sal" (música y letra de Paul Dresser ; doblada por un cantante desconocido con Bobby Gordon en pantalla) ^{[ 2 ]}
• " Esperando a Robert E. Lee " (música de Lewis F. Muir y letra de L. Wolfe Gilbert ; doblada por un cantante desconocido con Bobby Gordon en pantalla) ^{[ 2 ]}
• "Yussel, Yussel" (música de Samuel Steinberg y letra de Nellie Casman, 1923); se escucha como música de fondo mientras Jolson camina por su barrio marginal.
• " Kol Nidre " (tradicional; doblada por Joseph Diskay con Warner Oland en pantalla; ^{[ 2 ]} cantada también por Al Jolson)
• " Manos sucias, cara sucia " (música de James V. Monaco y letra de Edgar Leslie y Grant Clarke ; interpretada por Al Jolson)
• " Toot, Toot, Tootsie (Goo' Bye) " (música y letra de Gus Kahn , Ernie Erdman y Dan Russo [ortografía del título y créditos de composición según la portada de la partitura original; ^{[ 3 ]} algunas otras fuentes no mencionan a Russo y algunas también nombran a Ted Fio Rito y /o a Robert A. King]; cantada por Al Jolson)
• " Kaddish " (tradicional; cantado por el cantor Yossele Rosenblatt )
• "Yahrzeit Licht"; cantada por el cantor Yossele Rosenblatt
• " Cielos azules " (música y letra de Irving Berlin ; interpretada por Al Jolson)
• "Mother of Mine, I Still Have You" (música de Louis Silvers y letra de Grant Clarke [algunas fuentes también mencionan a Jolson]; interpretada por Al Jolson)
• " Mi mamá " (música de Walter Donaldson y letra de Sam M. Lewis y Joe Young ; interpretada por Al Jolson)

El 25 de abril de 1917, Samson Raphaelson , oriundo del Lower East Side de Nueva York y estudiante de la Universidad de Illinois, asistió a una función del musical Robinson Crusoe, Jr. en Champaign, Illinois . La estrella del espectáculo era Al Jolson , un cantante de treinta años , judío de origen lituano, que actuaba con la cara pintada de negro. ^{[ 4 ]} En una entrevista de 1927, Raphaelson describió la experiencia: «Jamás olvidaré los primeros cinco minutos de Jolson: su velocidad, la asombrosa fluidez con la que pasaba de una tremenda concentración en su público a una tremenda concentración en su canción». Explicó que solo había visto una intensidad emocional como la de Jolson entre los cantores de sinagoga. ^{[ 4 ]}

Unos años más tarde, en busca de una carrera literaria profesional, Raphaelson escribió "El día de la expiación", un cuento sobre un joven judío llamado Jakie Rabinowitz, basado en la vida real de Jolson. El cuento se publicó en enero de 1922 en Everybody's Magazine . ^{[ 5 ]} Posteriormente, Raphaelson adaptó el cuento a una obra de teatro, El cantante de jazz . Un drama puro, todo el canto en la versión de Raphaelson tiene lugar fuera del escenario. ^{[ 6 ]} Con George Jessel en el papel principal, el espectáculo se estrenó en el Warner Theatre en Times Square en septiembre de 1925 y se convirtió en un éxito. ^{[ 7 ]} Warner Bros. adquirió los derechos cinematográficos de la obra el 4 de junio de 1926 y firmó un contrato con Jessel. ^{[ 8 ]} The Moving Picture World publicó un artículo en febrero de 1927 anunciando que la producción de la película comenzaría con Jessel el 1 de mayo. ^{[ 9 ]}

Pero los planes para hacer la película con Jessel fracasarían por múltiples razones. El contrato de Jessel con Warner Bros. no había previsto que la película para la que lo habían contratado específicamente se haría con sonido (había hecho una comedia muda de presupuesto modesto mientras tanto). Cuando Warner tuvo éxitos con dos largometrajes de Vitaphone , aunque sin diálogos, a finales de 1926, la producción de El cantante de jazz había sido replanteada. ^{[ 8 ]} Jessel pidió una bonificación o un nuevo contrato, pero fue rechazado. Según la descripción de Jessel en su autobiografía, Harry Warner "estaba teniendo dificultades con la financiación de la compañía... Habló de cuidarme si la película era un éxito. No sentí que eso fuera suficiente". ^{[ 10 ]} De hecho, a principios de 1927, Harry Warner, el mayor de los hermanos que dirigían el estudio homónimo, había vendido 4 millones de dólares de sus acciones personales para mantener solvente al estudio. ^{[ 8 ]} Luego surgió otro problema importante. Según Jessel, la primera lectura de la adaptación del guionista Alfred A. Cohn «me enfureció. En lugar de que el chico abandonara el teatro y siguiera las tradiciones de su padre cantando en la sinagoga, como en la obra, el guion de la película lo mostraba regresando al Winter Garden como un comediante con la cara pintada de negro, mientras su madre aplaudía efusivamente desde el palco. Armé un escándalo. Con dinero o sin dinero, jamás haría esto». ^{[ 11 ]}

Según el intérprete Eddie Cantor , mientras las negociaciones entre Warner Bros. y Jessel se estancaban, Jack L. Warner y el jefe de producción del estudio, Darryl Zanuck , lo llamaron para ver si estaba interesado en el papel. Cantor, amigo de Jessel, respondió que estaba seguro de que cualquier diferencia con el actor podría resolverse y ofreció su ayuda. ^{[ 12 ]} Cantor no fue invitado a participar en las conversaciones con Jessel; en cambio, el papel se le ofreció a Jolson, quien lo había inspirado en primer lugar. Al describir a Jolson como la mejor opción para la producción como protagonista, el historiador de cine Donald Crafton escribió: "El artista, que cantaba números de juglares con toques de jazz y con la cara pintada de negro, estaba en la cima de su fenomenal popularidad. Anticipándose al estrellato posterior de los cantantes melódicos y las estrellas de rock, Jolson electrizó al público con la vitalidad y el atractivo sexual de sus canciones y gestos, que debían mucho a las fuentes afroamericanas". ^{[ 13 ]} Como lo describió el historiador de cine Robert L. Carringer, "Jessel era un comediante de vodevil y maestro de ceremonias con una obra de teatro exitosa y una película de éxito moderado en su haber. Jolson era una superestrella". ^{[ 14 ]} Jolson aceptó el papel, firmando un contrato de $75,000 el 26 de mayo de 1927, por ocho semanas de servicio a partir de julio. ^{[ 15 ]} Ha habido varias afirmaciones, pero ninguna prueba, de que Jolson invirtió parte de su propio dinero en la película. ^{[ 16 ]} Jessel y Jolson, también amigos, no se hablaron durante un tiempo después; por un lado, Jessel le había estado confiando a Jolson sus problemas con los Warners; por otro, Jolson había firmado con ellos sin informarle a Jessel de sus planes. En su autobiografía, Jessel escribió que, al final, Jolson "no debe ser culpado, ya que los Warners habían decidido definitivamente que yo estaba fuera". ^{[ 17 ]}

Aunque muchas películas sonoras anteriores tenían diálogos, todas eran cortometrajes. El largometraje de DW Griffith , Dream Street (1921), se proyectó en Nueva York con una única secuencia de canto y ruidos de multitud, utilizando el sistema de sonido en disco Photokinema . La película fue precedida por un programa de cortos sonoros, incluyendo una secuencia en la que Griffith hablaba directamente al público, pero el largometraje en sí no tenía escenas habladas. ^{[ 18 ]} El 15 de abril de 1923, Lee De Forest presentó el sistema de sonido en película Phonofilm , que tenía sonido y diálogo sincronizados, pero la calidad del sonido era deficiente y las películas producidas con este proceso eran solo cortometrajes. ^{[ 19 ]}

Las primeras películas de Warner Bros. Vitaphone, Don Juan (estrenada en agosto de 1926) y The Better 'Ole (estrenada en octubre de 1926), al igual que otras tres que le siguieron a principios de 1927 ( When a Man Loves , Old San Francisco y The First Auto ), solo tenían una banda sonora instrumental sincronizada y efectos de sonido. El cantante de jazz contiene eso, así como numerosas secuencias de canto sincronizadas y algo de diálogo sincronizado: Dos melodías populares son interpretadas por el joven Jakie Rabinowitz, el futuro cantante de jazz; su padre, un cantor, interpreta el devocional Kol Nidre ; el famoso cantor Yossele Rosenblatt , apareciendo como él mismo, canta un extracto de otra melodía religiosa, Kaddish , y la canción "Yahrzeit Licht". Como el adulto Jack Robin, Jolson interpreta seis canciones: cinco melodías populares de "jazz" y el Kol Nidre. El sonido para la película fue grabado por el británico George Groves , quien también había trabajado en Don Juan . Para dirigir la película, el estudio eligió a Alan Crosland , quien ya tenía dos películas de Vitaphone en su haber: Don Juan y El viejo San Francisco , que se estrenó mientras El cantante de jazz estaba en producción.

La primera interpretación vocal de Jolson, aproximadamente a los quince minutos de la película, es " Manos sucias, cara sucia ", con música de James V. Monaco y letra de Edgar Leslie y Grant Clarke . El primer discurso sincronizado, pronunciado por Jack ante un público de cabaret y al pianista de la banda que lo acompaña, ocurre inmediatamente después de esa interpretación, a partir del minuto 17:25 de la película. Las primeras palabras de Jack —"Esperen un minuto, esperen un minuto, aún no han oído nada"— eran frases recurrentes de Jolson en el escenario. Incluso había dicho líneas muy similares en un cortometraje anterior, A Plantation Act (1926). ^{[ 20 ]} La frase se había convertido prácticamente en una broma interna. En noviembre de 1918, durante un concierto de gala que celebraba el fin de la Primera Guerra Mundial, Jolson corrió al escenario en medio de los aplausos para el intérprete anterior, el gran tenor de ópera Enrico Caruso , y exclamó: "Gente, aún no han oído nada". ^{[ 21 ]} Al año siguiente, grabó la canción "You Ain't Heard Nothin' Yet". ^{[ 22 ]} En una escena posterior, Jack habla con su madre, interpretada por Eugenie Besserer , en la sala familiar; su padre entra y pronuncia una palabra muy concluyente, "¡Alto!", la última línea de diálogo de la película.

En total, la película contiene apenas dos minutos de diálogo sincronizado, gran parte o la totalidad del mismo improvisado. El resto de los diálogos se presenta mediante los intertítulos, habituales en las películas mudas de la época; como era común, estos títulos no fueron compuestos por el guionista de la película, Alfred Cohn, sino por otro escritor, en este caso, Jack Jarmuth. ^{[ 23 ]}

Mientras Jolson estaba de gira con un espectáculo teatral durante junio de 1927, la producción de El cantante de jazz comenzó con el rodaje de las escenas exteriores por la segunda unidad . A finales de junio, Alan Crosland se dirigió a la ciudad de Nueva York para filmar los exteriores del Lower East Side y el Winter Garden en exteriores. Jolson se unió a la producción a mediados de julio (su contrato especificaba el 11 de julio). El rodaje con Jolson comenzó con sus escenas mudas; las secuencias más complejas de Vitaphone se realizaron principalmente a finales de agosto. ^{[ 24 ]} Tanto Jolson como Zanuck se atribuirían más tarde el mérito de haber ideado la secuencia de diálogo improvisado entre Jack y su madre; otra historia cuenta que Sam Warner quedó impresionado por la breve improvisación de Jolson en la escena del cabaret y le pidió a Cohn que escribiera algunas líneas en el momento. ^{[ 25 ]} El 23 de septiembre, Motion Picture News informó que la producción de la película había finalizado. ^{[ 26 ]}

El costo de producción de El cantante de jazz fue de $422,000 ^{[ 27 ]} (aproximadamente US$6.11 millones en dólares de 2024), ^{[ 23 ]} una suma considerable, especialmente para Warner Bros., que rara vez gastaba más de $250,000. Sin embargo, no fue en absoluto un récord para el estudio; dos largometrajes protagonizados por John Barrymore habían sido más costosos: La bestia marina (1926), una adaptación libre y completamente muda de Moby Dick , con $503,000 y Don Juan con $546,000. ^{[ 28 ]} No obstante, el desembolso constituyó una gran apuesta en vista de las dificultades financieras del estudio: mientras El cantante de jazz estaba en producción, Harry Warner dejó de cobrar un salario, empeñó las joyas de su esposa y mudó a su familia a un apartamento más pequeño. ^{[ 29 ]}

El estreno tuvo lugar el 6 de octubre de 1927 en el cine principal de Warner Bros. en la ciudad de Nueva York. En consonancia con el tema de la película, un conflicto dentro de una familia judía, el estreno se produjo después del atardecer en la víspera de la festividad de Yom Kippur . ^{[ 30 ]} La preparación para el estreno fue tensa. Además de la precaria situación financiera de Warner Bros., la presentación física de la película en sí fue notablemente compleja:

Cada uno de los números musicales de Jolson se grabó en una bobina independiente con su correspondiente disco de sonido. Aunque la película duraba solo ochenta y nueve minutos, había quince bobinas y quince discos que manejar, y el proyeccionista debía ser capaz de enhebrar la película y colocar los discos Vitaphone con gran rapidez. El más mínimo tropiezo, vacilación o error humano habría supuesto una humillación pública y económica para la compañía. ^{[ 31 ]}

Ninguno de los cuatro hermanos Warner ^{[ 32 ]} pudo asistir: Sam Warner —entre ellos el defensor más acérrimo de Vitaphone— había fallecido el día anterior de neumonía, y los hermanos supervivientes habían regresado a California para su funeral. ^{[ 25 ]}

Según Doris Warner, quien asistió a la proyección, aproximadamente a la mitad de la película comenzó a sentir que algo excepcional estaba sucediendo. De repente, el rostro de Jolson apareció en un primer plano y dijo: "¡Un momento, un momento, aún no han oído nada!". La frase de Jolson, "¡Un momento!", provocó una fuerte y entusiasta respuesta del público, que quedó estupefacto al ver y oír a alguien hablar en una película por primera vez, tanto que al principio no captaron el doble sentido. Cada una de sus canciones fue recibida con aplausos. La emoción fue en aumento, y cuando Jolson y Eugenie Besserer comenzaron su escena de diálogo, "el público se volvió histérico". ^{[ 33 ]} Después de la proyección, el público se convirtió en una "turba agitada y bulliciosa", según la descripción de un periodista, coreando "¡Jolson, Jolson, Jolson!". ^{[ 31 ]} Entre quienes reseñaron la película, el crítico que previó con mayor claridad lo que presagiaba para el futuro del cine fue Robert E. Sherwood , de la revista Life . Describió la escena del diálogo hablado entre Jolson y Besserer como «cargada de un significado trascendental... Yo, por mi parte, me di cuenta de repente de que el fin del drama mudo está cerca». ^{[ 34 ]}

La reacción de la crítica fue generalmente positiva, aunque no universalmente. El crítico del New York Times , Mordaunt Hall , al reseñar el estreno de la película, declaró que

Desde la primera presentación de las características de Vitaphone, hace más de un año (es decir, Don Juan ), no se había escuchado una ovación semejante en una sala de cine... Las canciones y algunos diálogos grabados con Vitaphone se han introducido con gran destreza. Esto, en sí mismo, es una decisión ambiciosa, pues en la interpretación musical, Vitaphone dinamiza enormemente la producción. El diálogo no es tan efectivo, ya que no siempre capta los matices del habla ni las inflexiones de la voz, por lo que no se perciben las características mecánicas. ^{[ 35 ]}

Variety la llamó "[sin duda lo mejor que Vitaphone ha puesto en la pantalla... [con] abundante poder y atractivo". ^{[ 36 ]} Richard Watts Jr. del New York Herald Tribune la llamó una "orgía agradablemente sentimental que trata una lucha entre la religión y el arte... [E]sta no es esencialmente una película, sino más bien una oportunidad de capturar para una inmortalidad comparativa la imagen y el sonido de un gran intérprete". ^{[ 31 ]} La opinión del Exhibitors Herald fue prácticamente idéntica: "apenas una película. Debería ser más apropiadamente etiquetada como un disco Vitaphone ampliado de Al Jolson en media docena de canciones". ^{[ 25 ]} La película recibió críticas favorables tanto en la prensa judía como en periódicos afroamericanos como el Baltimore Afro-American , el New York Amsterdam News y el Pittsburgh Courier . ^{[ 37 ]} El titular de la reseña del Los Angeles Times contaba una historia algo diferente: "'Jazz Singer' logra un éxito: Vitaphone y Al Jolson son los responsables, la película en sí es de segunda categoría". ^{[ 38 ]} Photoplay desestimó a Jolson diciendo que "no era un actor de cine. Sin su reputación en Broadway , no se le consideraría un actor secundario". ^{[ 34 ]}

La película se convirtió en un gran éxito, demostrando el potencial de ganancias de los largometrajes sonoros , pero Donald Crafton ha demostrado que la reputación que la película adquirió posteriormente como uno de los mayores éxitos de Hollywood hasta la fecha fue exagerada. La película tuvo un buen desempeño, pero no asombroso, en las principales ciudades donde se estrenó, obteniendo gran parte de sus impresionantes ganancias con largas y constantes proyecciones en centros de población grandes y pequeños de todo el país. Como la conversión de los cines al sonido aún estaba en sus primeras etapas, la película llegó a muchos de esos lugares secundarios en una versión muda. Por otro lado, la afirmación de Crafton de que El cantante de jazz "estaba en un segundo o tercer nivel de atracciones en comparación con las películas más populares del día e incluso con otros sonoros de Vitaphone" también es incorrecta. ^{[ 39 ]} De hecho, la película fue fácilmente la que más recaudó en la historia de Warner Bros., y lo seguiría siendo hasta que fue superada un año después por El loco cantante , otra película de Jolson. En el contexto más amplio de Hollywood, entre las películas estrenadas originalmente en 1927, la evidencia disponible sugiere que El cantante de jazz fue uno de los tres mayores éxitos de taquilla, solo superado por Alas y, quizás, El rey de reyes . ^{[ a ]}

Según los registros de Warner Bros., la película obtuvo ingresos de $1,974,000 en Estados Unidos y Canadá, ^{[ 40 ]} y $651,000 en otros lugares, ^{[ 1 ]} para un alquiler bruto mundial en cines de aproximadamente $2.6 millones (la parte del estudio de la recaudación en taquilla) y una ganancia de $1,196,750. ^{[ 23 ]}

Una de las claves del éxito de la película fue un innovador plan de marketing ideado por Sam Morris, gerente de ventas de Warner Bros. En la descripción de Crafton:

Una cláusula especial en el contrato de exhibición de Warner Bros. con Vitaphone prácticamente garantizaba largas temporadas en cartelera. Los cines debían programar El cantante de jazz para semanas completas en lugar de semanas divididas. En lugar de la tarifa de alquiler fija tradicional, Warner Bros. cobraba un porcentaje de la taquilla. Una escala variable significaba que la ganancia del exhibidor aumentaba cuanto más tiempo se proyectaba la película. La firma de este contrato por parte del circuito de cines Fox de Nueva York se consideró un precedente de gran repercusión. ^{[ 27 ]}

Acuerdos similares, basados ​​en un porcentaje de los ingresos brutos en lugar de tarifas de alquiler fijas, pronto se convertirían en la norma para los productos de alta gama o de categoría "A" de la industria cinematográfica estadounidense.

Aunque en retrospectiva se entiende que el éxito de El cantante de jazz marcó el fin de la era del cine mudo , esto no fue evidente de inmediato. Mordaunt Hall, por ejemplo, elogió a Warner Bros. por "comprender astutamente que una adaptación cinematográfica de El cantante de jazz era uno de los pocos temas que se prestaban al uso del Vitaphone". ^{[ 35 ]} En palabras del historiador Richard Koszarski: "Las películas mudas no desaparecieron de la noche a la mañana, ni las películas sonoras inundaron inmediatamente las salas de cine... Sin embargo, 1927 sigue siendo el año en que Warner Bros. decidió cerrar el capítulo de la historia del cine mudo, aunque su objetivo original hubiera sido algo más modesto". ^{[ 41 ]}

La película tuvo otros efectos más inmediatos. George Jessel, que estaba en su tercera temporada de gira con la producción teatral de El cantante de jazz , describió más tarde lo que le sucedió a su espectáculo, quizás anticipando cómo el sonido pronto consolidaría el dominio de Hollywood en la industria del entretenimiento estadounidense: "Una o dos semanas después de la temporada en Washington, la versión con sonido e imagen de El cantante de jazz con Al Jolson estaba arrasando en todo el país, y yo quebré. No podía competir con un cine al otro lado de la calle que proyectaba la primera gran película sonora del mundo... por cincuenta centavos, mientras que el precio en mi cine era de 3 dólares". ^{[ 42 ]}

Como el evento verdaderamente crucial, Crafton señala el estreno nacional de la versión sonora de la película a principios de 1928; él lo fecha en enero, ^{[ 27 ]} Block y Wilson en el 4 de febrero. ^{[ 23 ]} En marzo, Warner anunció que El cantante de jazz se estaba proyectando en un récord de 235 cines (aunque muchos todavía podían mostrarlo solo en silencio). ^{[ 27 ]} En mayo, un consorcio que incluía a los principales estudios de Hollywood firmó con la división de licencias de Western Electric , ERPI, para la conversión sonora. En julio, Warner Bros. estrenó el primer largometraje completamente sonoro, Luces de Nueva York , un melodrama musical de crimen.

El 27 de septiembre, El cantante de jazz se convirtió en el primer largometraje sonoro proyectado en Europa al estrenarse en el Teatro Piccadilly de Londres . La película "causó sensación", según la historiadora de cine británica Rachael Low . " El cantante de jazz marcó un punto de inflexión [para la introducción del sonido]. El Bioscope la recibió diciendo: 'Nos preguntamos por qué alguna vez las llamamos 'Películas vivientes'". ^{[ 43 ]} El estreno sonoro en París tuvo lugar en enero de 1929. ^{[ 44 ]}

Antes de que se celebrara la primera ceremonia de los Premios de la Academia en mayo de 1929, que premiaba a las películas estrenadas entre agosto de 1927 y julio de 1928, El cantante de jazz fue declarado no elegible para los dos premios principales —Mejor película, mejor producción y mejor producción única y artística— con el argumento de que habría sido una competencia desleal para las películas mudas en consideración. ^{[ 23 ]} A mediados de 1929, Hollywood producía casi exclusivamente películas sonoras; a finales del año siguiente, lo mismo ocurría en gran parte de Europa Occidental. Jolson continuó haciendo una serie de películas para Warner, incluyendo El loco cantante , una película parcialmente sonora, y los largometrajes totalmente sonoros Say It with Songs (1929), Mammy (1930) y Big Boy (1930).

El uso de maquillaje de cara negra por parte de Jack Robin en su espectáculo de Broadway —una práctica común en la época, ahora ampliamente condenada como racista ^{[ 45 ]} — es el foco principal de muchos estudios sobre El cantante de jazz . Su papel crucial e inusual es descrito por el académico Corin Willis:

A diferencia de los chistes y las insinuaciones raciales que se manifestaron posteriormente en el cine sonoro primitivo, las imágenes de blackface en El cantante de jazz constituyen el núcleo del tema central de la película: una exploración expresiva y artística de la noción de duplicidad e hibridación étnica dentro de la identidad estadounidense. De los más de setenta ejemplos de blackface en el cine sonoro primitivo (1927-1953) que he visto (incluidas las nueve apariciones de blackface que Jolson realizó posteriormente), El cantante de jazz es único, ya que es la única película donde el blackface es fundamental para el desarrollo narrativo y la expresión temática. ^{[ 46 ]}

La función y el significado del blackface en la película están íntimamente ligados a la herencia judía de Jack y a su deseo de dejar huella en la cultura popular estadounidense, tal como lo hacían Jolson, de origen judío, y los hermanos Warner. Jack Robin «combina tradición y estrellato. La tesis de los hermanos Warner es que, para triunfar, un hombre debe primero reconocer su identidad étnica», argumenta WT Lhamon. «Toda la película culmina en la escena del blackface durante el ensayo general. Jack Robin necesita la máscara de blackface como símbolo de su identidad compuesta. El blackface unificará todas las identidades sin congelarlas en una relación singular ni sustituir sus partes». ^{[ 47 ]}

La visión de Seymour Stark es menos optimista. Al describir la extensa experiencia de Jolson actuando con la cara pintada de negro en musicales, afirma: «El judío inmigrante como estrella de Broadway... trabaja dentro de una tradición de juglares con la cara pintada de negro que oculta su ascendencia judía, pero proclama su identidad blanca. El ligero acento yiddish de Jolson estaba oculto por una apariencia sureña». ^{[ 48 ]} Argumentando que El cantante de jazz en realidad evita abordar honestamente la tensión entre la asimilación estadounidense y la identidad judía, afirma que su «mensaje encubierto... es que el símbolo de la cara pintada de negro proporciona al inmigrante judío los mismos derechos y privilegios otorgados a generaciones anteriores de inmigrantes europeos iniciados en los rituales del espectáculo de juglares». ^{[ 49 ]}

Lisa Silberman Brenner contradice esta visión. Retoma las intenciones expresadas por Samson Raphaelson, en cuya obra se basó fielmente el guion de la película: «Para Raphaelson, el jazz es oración, al estilo estadounidense, y el juglar con la cara pintada de negro, el nuevo cantor judío. Según las propias palabras del autor, la obra trata sobre el blackface como un medio para que los judíos expresen un nuevo tipo de judaísmo, el del judío estadounidense moderno». ^{[ 50 ]} Observa que, durante ese mismo período, la prensa judía destacaba con orgullo que los artistas judíos estaban adoptando aspectos de la música afroamericana.

Según Scott Eyman , la película «marca una de las pocas ocasiones en que los judíos de Hollywood se permitieron contemplar su propio mito cultural central y los dilemas que conlleva. El cantante de jazz celebra implícitamente la ambición y el impulso necesarios para escapar de los shtetls de Europa y los guetos de la ciudad de Nueva York, y el consiguiente ansia de reconocimiento. Jack, Sam y Harry [Warner] le permitieron a Jack Robin tenerlo todo: la satisfacción de ocupar el lugar de su padre y de conquistar el Winter Garden. Estaban, tal vez sin darse cuenta, dramatizando parte de su propia ambivalencia respecto a la deuda que los estadounidenses de primera generación tenían con sus padres». ^{[ 51 ]}

Se han producido tres versiones cinematográficas posteriores de El cantante de jazz : una nueva versión de 1952 , protagonizada por Danny Thomas y Peggy Lee ; ^{[ 52 ]} una nueva versión para televisión de 1959 , protagonizada por Jerry Lewis ; y una nueva versión de 1980 protagonizada por Neil Diamond , Lucie Arnaz y Laurence Olivier . ^{[ 53 ]} El cantante de jazz fue adaptado como una obra de radio de una hora en dos emisiones de Lux Radio Theatre , ambas protagonizadas por Al Jolson, quien retomó su papel cinematográfico. La primera se emitió el 10 de agosto de 1936; la segunda, también protagonizada por Gail Patrick , el 2 de junio de 1947. ^{[ 54 ]}

Disney hizo referencia a la película y a su secuela, The Singing Fool , en el título del corto de Mickey Mouse de 1929, The Jazz Fool . ^{[ 55 ]} The Jazz Singer fue parodiada en el dibujo animado de Warner Bros. de 1936, I Love to Singa , dirigido por Tex Avery . Su héroe es "Owl Jolson", un joven búho que canta canciones populares, como la canción que da título a la película, en contra de los deseos de su padre, un profesor de música clásica. ^{[ 56 ]} Entre las muchas referencias a The Jazz Singer en la cultura popular, quizás la más significativa sea la del musical de MGM Singin' in the Rain (1952). La historia, ambientada en 1927, gira en torno a los esfuerzos por convertir una producción de cine mudo, The Dueling Cavalier , en una película sonora en respuesta al éxito de The Jazz Singer . En un momento dado, el personaje de Donald O'Connor sugiere un nuevo nombre para el ahora musical: "¡Lo tengo! 'The Dueling Mammy'". La trama del episodio de Los Simpson " De tal palo, tal astilla " (1991) guarda paralelismos con la historia de Jakie Rabinowitz/Jack Robin. ^{[ 57 ]} El padre rabino de Krusty el Payaso desaprueba la decisión de su hijo de ser comediante, diciéndole: "¡Has deshonrado a nuestra familia! Si fueras músico o cantante de jazz, podría perdonarte". ^{[ 58 ]}

Según el historiador de cine Krin Gabbard, El cantante de jazz «proporciona la narrativa básica de las vidas de los músicos de jazz y de música popular en el cine. Si este argumento implica que, a partir de 1959, la narrativa debe pertenecer a los rockeros pop, solo demuestra el poder de la película original de 1927 para determinar cómo Hollywood cuenta las historias de los músicos populares». ^{[ 59 ]} De manera más general, también sugiere que esta «película aparentemente única» se ha «convertido en un paradigma de las historias de éxito estadounidenses». ^{[ 60 ]} Más específicamente, examina un ciclo de biopics de músicos de jazz blancos que abarca desde El nacimiento del blues (1941) hasta Cinco centavos (1959) y que tienen sus raíces en El cantante de jazz . ^{[ 61 ]}

En 1996, El cantante de jazz fue seleccionado para su preservación en el Registro Nacional de Cine de películas "cultural, histórica o estéticamente significativas". ^{[ 62 ]} En 1998, la película fue elegida en una votación realizada por el Instituto Americano de Cine como una de las mejores películas estadounidenses de todos los tiempos, ocupando el puesto número noventa. ^{[ 63 ]} En 2007, se lanzó una edición de lujo en DVD de tres discos de la película. El material adicional incluye el cortometraje de Jolson para Vitaphone, A Plantation Act (1926).

La frase dicha por Al Jolson, "Espera un minuto, espera un minuto. ¡Todavía no has oído nada!", fue votada como la 71ª mejor cita por el American Film Institute .

• Lista de los primeros largometrajes sonoros (1926–1929)
• Lista de los primeros largometrajes sonoros y hablados de Warner Bros.

• La cantante de jazz en el catálogo de largometrajes del AFI.
• La cantante de jazz en IMDb
• La cantante de jazz en Rotten Tomatoes
• La cantante de jazz en la base de datos de películas de TCM (archivada)
• Libro de prensa de Warner Bros. en el Archivo de Internet
• Promoción de The Jazz Singer enYouTube(cortometraje de Vitaphone)
• El sitio web oficial de la Sociedad Al Jolson incluye un fragmento de El cantante de jazz con el primer discurso y la interpretación en pantalla de Jolson de "Toot, Toot, Tootsie" (siga los enlaces: Su obra – Películas – El cantante de jazz – Toot, Toot, Tootsie).
• Fragmento de la película Let's Go To The Movies (1948) , con un extracto de "My Mammy" en el minuto 2:30; disponible en Internet Archive.
• Lux Radio Theater/ Versión radiofónica de El cantante de jazz, emitida originalmente el 10 de agosto de 1936; disponible en Internet Archive.
• La película El cantante de jazz está disponible para su visualización y descarga gratuitas en Internet Archive.