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Sistema de estudio

El sistema de estudios es un método de producción cinematográfica en el que la producción y distribución de películas está dominada por un pequeño número de grandes estudios de ...

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El sistema de estudios es un método de producción cinematográfica en el que la producción y distribución de películas está dominada por un pequeño número de grandes estudios de cine . Se utiliza con mayor frecuencia en referencia a los estudios cinematográficos de Hollywood durante los primeros años de la Edad de Oro de Hollywood, desde 1927 (introducción del cine sonoro ) hasta 1948 (el comienzo de la desaparición del sistema de estudios), en el que los estudios producían películas principalmente en sus propios platós con personal creativo a menudo bajo contratos a largo plazo, y dominaban la exhibición a través de la integración vertical , es decir, la propiedad o el control efectivo de los distribuidores y la exhibición , garantizando ventas adicionales de películas a través de técnicas de reserva manipuladoras como la reserva en bloque .

Durante la Edad de Oro de Hollywood, ocho compañías conformaban los principales estudios que impulsaron el sistema de estudios de Hollywood. De estos ocho, cinco eran conglomerados totalmente integrados conocidos como los Cinco Grandes originales, que combinaban la propiedad de un estudio de producción, una división de distribución y una importante cadena de cines, y contrataban a artistas y personal de producción cinematográfica: Metro-Goldwyn-Mayer (propiedad de Loews Incorporated , dueña de la cadena de cines más grande de Estados Unidos), Paramount Pictures , Warner Bros. , 20th Century-Fox y RKO Radio Pictures (el último de estos cinco, que surgió en 1928). También en esta época, dos de los Tres Pequeños estudios ( Columbia Pictures y Universal Pictures ) estaban organizados de manera similar, aunque sin más que pequeños circuitos de cines, y el tercero ( United Artists ) poseía un pequeño número de cines y tenía acceso a dos instalaciones de producción propiedad de miembros de su grupo de socios controladores, pero funcionaba principalmente como patrocinador y distribuidor, financiando producciones independientes y estrenando sus películas.

The Walt Disney Company se fundó en 1923, pero era un estudio de animación y no poseía salas de cine propias, por lo que no se la consideraba a la altura de los grandes estudios. Disney se expandió al cine de acción real en la década de 1940 y, para 1986, ya se había consolidado como una de las nuevas "Seis Grandes". Irónicamente, Disney es el único de estos estudios que se originó en la década de 1940 y ha operado ininterrumpidamente como la misma compañía hasta la actualidad, ya que incluso aquellos que sobrevivieron hasta el siglo XXI, como Paramount y Warner Bros., pasaron por varias fusiones y reestructuraciones.

El sistema de estudios cinematográficos fue cuestionado por las leyes antimonopolio en un fallo de la Corte Suprema de 1948 que buscaba separar la producción de la distribución y exhibición, poniendo fin a dichas prácticas y acelerando así el fin del sistema. Para 1954, con la televisión compitiendo por la audiencia y la ruptura de los últimos vínculos operativos entre los grandes estudios de producción y las cadenas de cines, la era histórica del sistema de estudios había terminado.

El sonido y los cinco grandes

Los años 1927 y 1928 se consideran generalmente el inicio de la Edad de Oro de Hollywood y los últimos pasos importantes para establecer el control del sistema de estudios sobre la industria cinematográfica estadounidense. El éxito de El cantante de jazz de 1927 , el primer largometraje sonoro (de hecho, la mayoría de sus escenas no tenían sonido grabado en directo), dio un gran impulso al entonces estudio mediano Warner Bros. Al año siguiente se produjo la introducción generalizada del sonido en toda la industria y dos éxitos más para Warner: El loco cantante , la secuela aún más rentable de El cantante de jazz , y el primer largometraje sonoro de Hollywood, Luces de Nueva York . Igualmente significativos fueron varios acontecimientos fuera de la pantalla. Warner Bros., ahora con abundantes ingresos, adquirió la extensa cadena de cines Stanley en septiembre de 1928. Un mes después, compró una participación mayoritaria en la productora First National , que por entonces todavía se consideraba la compañía más importante. Con la adquisición de First National, no solo se obtuvo un estudio y un terreno de rodaje de 55 hectáreas (135 acres) , sino también otra gran cadena de salas de cine. 

El último de los cinco grandes conglomerados de Hollywood de la Edad de Oro surgió en 1928: RKO Pictures . La Radio Corporation of America ( RCA ), dirigida por David Sarnoff , buscaba la manera de explotar las patentes de sonido cinematográfico, recientemente registradas como RCA Photophone , propiedad de su empresa matriz, General Electric . Mientras las principales productoras cinematográficas se preparaban para firmar acuerdos exclusivos con Western Electric para su tecnología, RCA se adentró en el negocio del cine. En enero, General Electric adquirió una participación considerable en Film Booking Offices of America (FBO), una distribuidora y pequeña productora propiedad de Joseph P. Kennedy , padre del futuro presidente John F. Kennedy . En octubre, mediante una serie de transferencias de acciones , RCA obtuvo el control tanto de FBO como de la cadena de cines Keith-Albee-Orpheum ; fusionándolas en una sola empresa, creó la Radio-Keith-Orpheum Corporation, con Sarnoff presidiendo el consejo de administración. Con la incorporación de RKO y Warner Bros. (que pronto se convertiría en Warner Bros.–First National) a Fox, Paramount y Loew's/MGM como actores principales, los Cinco Grandes que se mantendrían durante treinta años ya estaban establecidos.

Aunque RKO fue una excepción, los directores de los estudios de la costa oeste, los "magnates del cine", llevaban en su mayoría en sus puestos varios años: Louis B. Mayer en MGM, Jack L. Warner en Warner Bros., Adolph Zukor en Paramount, William Fox y Darryl F. Zanuck (en 20th Century Fox desde 1935), Carl Laemmle en Universal y Harry Cohn en Columbia.

El reinado de las grandes ligas y el primer declive

La clasificación de las Cinco Grandes en términos de rentabilidad (estrechamente relacionada con la cuota de mercado) se mantuvo bastante constante durante la Edad de Oro: MGM fue la número uno durante once años consecutivos, de 1931 a 1941. Paramount, el estudio más rentable de la primera era del cine sonoro (1928-1930), se desvaneció durante la mayor parte de la década siguiente, y Fox fue la número dos durante la mayor parte del reinado de MGM. Paramount comenzó un ascenso constante en 1940, superando finalmente a MGM dos años después; desde entonces hasta su reorganización en 1949, volvió a ser la más exitosa financieramente de las Cinco Grandes. Con la excepción de 1932, cuando todas las compañías excepto MGM perdieron dinero, y RKO perdió algo menos que sus competidores, RKO fue la penúltima o (generalmente) la última cada año de la Edad de Oro, con Warner generalmente manteniéndose a la zaga. De las grandes productoras más pequeñas, las Tres Pequeñas, United Artists se mantuvo consistentemente en la retaguardia, con Columbia como la más fuerte en la década de 1930 y Universal a la cabeza durante la mayor parte de la década de 1940. [ 1 ]

El éxito de Hollywood creció durante la Gran Depresión , posiblemente porque las películas ayudaron al público a escapar de sus dificultades personales. El presidente Franklin Delano Roosevelt dijo de Shirley Temple : «Cuando el ánimo del pueblo está más bajo que nunca durante esta Depresión, es algo espléndido que por solo quince centavos un estadounidense pueda ir al cine, ver la cara sonriente de un bebé y olvidar sus problemas». [ 2 ] Los estudios estrenaban hasta 70 películas al año. [ 3 ] En 1939 había 15.000 salas de cine en Estados Unidos, más que bancos; el número de salas per cápita era el doble que a mediados de la década de 1980. La industria cinematográfica era más grande que la de las máquinas de oficina. Si bien ocupaba el puesto 14 en ingresos, era la segunda en porcentaje de ganancias que recibían sus ejecutivos. Estrellas de la talla de Bing Crosby y Claudette Colbert ganaban más de 400.000 dólares al año ( 9.258.373 dólares en la actualidad [ 4 ] ). [ 5 ]

El fin del sistema y la muerte de RKO

Una de las técnicas utilizadas para sustentar el sistema de estudios fue la venta en bloque , un sistema que consistía en vender varias películas a un cine como un conjunto. Dicho conjunto —cinco películas era la práctica habitual durante la mayor parte de la década de 1940— generalmente incluía solo una película particularmente destacada, siendo el resto una mezcla de películas de gran presupuesto de menor calidad y películas de serie B. [ 6 ] Como escribió la revista Life en 1957 en una retrospectiva sobre el sistema de estudios: «No era buen entretenimiento ni arte, y la mayoría de las películas producidas tenían una mediocridad uniforme, pero también eran uniformemente rentables... La mediocridad millonaria era la columna vertebral misma de Hollywood». [ 7 ]

El 4 de mayo de 1948, en una demanda federal antimonopolio conocida como el caso Paramount , interpuesta contra los cinco grandes conglomerados cinematográficos, la Corte Suprema de Estados Unidos declaró ilegal la práctica de la venta de entradas en bloque. Si bien los magistrados dictaminaron que los conglomerados habían violado las leyes antimonopolio, se abstuvieron de emitir un fallo definitivo sobre cómo remediar dicha infracción . El caso fue devuelto al tribunal inferior de donde provenía, con un lenguaje que sugería la separación total entre los intereses de exhibición y las operaciones de producción y distribución como solución. Sin embargo, los cinco grandes parecían unidos en su determinación de seguir luchando y prolongar los procedimientos legales durante años, como ya habían demostrado ser expertos en ello; después de todo, la demanda de Paramount se había presentado originalmente el 20 de julio de 1938.

Sin embargo, tras bambalinas en RKO, el conglomerado con mayor inestabilidad financiera, el fallo judicial se interpretó como una oportunidad para el estudio. El mismo mes en que se dictó la sentencia, el multimillonario Howard Hughes adquirió una participación mayoritaria en la compañía. Dado que RKO controlaba el menor número de salas de cine de las Cinco Grandes, Hughes decidió que iniciar un efecto dominó de desinversiones podría, de hecho, ayudar a su estudio a competir en igualdad de condiciones con sus rivales. Hughes manifestó su disposición al gobierno federal a firmar un decreto de consentimiento que obligara a la división de su negocio cinematográfico. Según el acuerdo, Hughes dividiría su estudio en dos entidades, RKO Pictures Corporation y RKO Theatres Corporation, y se comprometería a vender su participación en una u otra antes de una fecha determinada. La decisión de Hughes de aceptar la desinversión socavó definitivamente el argumento de los abogados del resto de las Cinco Grandes de que tales divisiones eran inviables.

Si bien muchos hoy en día señalan el fallo judicial de mayo, en realidad fue el acuerdo de Hughes con el gobierno federal —firmado el 8 de noviembre de 1948— el que marcó el fin de la Edad de Oro de Hollywood. Paramount pronto capituló, firmando un decreto de consentimiento similar en febrero del año siguiente. El estudio, que había luchado contra la separación durante tanto tiempo, se convirtió en el primero de los grandes estudios en disolverse, antes de lo previsto, finalizando la desinversión el 31 de diciembre de 1949. Para entonces, había 19 000 salas de cine en Estados Unidos. [ 8 ]

Gracias al acuerdo de Hughes con las autoridades federales, y a los que pronto siguieron los demás estudios, el sistema de estudios se mantuvo durante otra media década. El gran estudio que se adaptó a las nuevas circunstancias con mayor éxito inmediato fue el más pequeño, United Artists; bajo un nuevo equipo directivo que asumió el control en 1951, se redujeron los gastos generales al rescindir el contrato de arrendamiento con las instalaciones de producción de Pickford-Fairbanks y se forjaron nuevas relaciones con productores independientes, que ahora a menudo implicaban inversión directa: un modelo de negocio que Hollywood emularía cada vez más en los años venideros. El sistema de estudios en torno al cual se había organizado la industria durante tres décadas finalmente desapareció en 1954, cuando Loew's, el último en resistirse, rompió todos los lazos operativos con MGM.

La arriesgada estrategia de Hughes contribuyó a desmantelar el sistema de estudios, pero tuvo poco efecto en RKO. Su liderazgo disruptivo, sumado a la fuga de audiencias hacia la televisión que afectaba a toda la industria, tuvo consecuencias negativas para el estudio, algo evidente para los observadores de Hollywood. Cuando Hughes intentó desprenderse de su participación en RKO en 1952, tuvo que recurrir a un consorcio con sede en Chicago, liderado por intermediarios poco fiables y sin experiencia en la industria cinematográfica. El acuerdo fracasó, por lo que Hughes volvió a estar al mando cuando la cadena de cines RKO finalmente se vendió, tal como se había estipulado, en 1953. Ese mismo año, General Tire and Rubber Company, que estaba expandiendo su pequeña división de radiodifusión, con apenas una década de antigüedad, se puso en contacto con Hughes para hablar sobre la disponibilidad de la biblioteca de películas de RKO para su programación. Hughes adquirió la propiedad casi total de RKO Pictures en diciembre de 1954 y concretó la venta de todo el estudio a General Tire el verano siguiente.

Los nuevos propietarios recuperaron rápidamente parte de su inversión vendiendo los derechos televisivos de la valiosa colección de películas a C&C Television Corp., una filial de una empresa de bebidas. (RKO conservó los derechos de las pocas cadenas de televisión que General Tire había adquirido). Según el acuerdo, las películas fueron despojadas de su identidad RKO antes de ser enviadas por C&C a las cadenas locales; se eliminó el famoso logotipo inicial, con su globo terráqueo y su torre de radio, así como las demás marcas registradas del estudio.

De vuelta en Hollywood, los nuevos dueños de RKO no tenían mucho éxito en la industria cinematográfica y, en 1957, General Tire cerró la producción y vendió las principales instalaciones de RKO a Desilu , la productora de Lucille Ball y Desi Arnaz . Al igual que United Artists, el estudio se quedó sin sede; a diferencia de UA, apenas poseía sus antiguas películas y no obtenía beneficios de la producción de nuevas. En 1959, abandonó por completo el negocio del cine.

En Europa y Asia

Si bien el sistema de estudios se identifica en gran medida como un fenómeno estadounidense, las compañías de producción cinematográfica de otros países lograron y mantuvieron en ocasiones una integración total de manera similar a las Cinco Grandes de Hollywood. Como describe el historiador James Chapman,

En Gran Bretaña, solo dos compañías lograron una integración vertical completa (la Rank Organization y la Associated British Picture Corporation ). Otros países donde se produjo algún grado de integración vertical fueron Alemania durante la década de 1920 (Universum Film Aktiengesellschaft, o Ufa ), Francia durante la década de 1930 ( Gaumont -Franco-Film-Aubert y Pathé -Natan) y Japón ( Nikkatsu , Shochiku y Toho ). En Hong Kong, Shaw Brothers adoptó el sistema de estudios para sus películas de wuxia a lo largo de las décadas de 1950 y 1960. India, que representa quizás el único rival serio de la industria cinematográfica estadounidense debido a su dominio tanto de su propio mercado como del de la diáspora asiática, en contraste, nunca ha logrado ningún grado de integración vertical. [ 9 ]

Por ejemplo, en 1929 casi el 75 por ciento de los cines japoneses estaban conectados con Nikkatsu o Shochiku, los dos estudios más grandes de la época. [ 10 ]

Después del sistema

Nos encontramos... tratando con corporaciones en lugar de con individuos.

— Harry Cohn de Columbia Pictures, 1957 [ 7 ]

Sistema impulsado por estrellas

En la década de 1950, Hollywood se enfrentó a tres grandes desafíos: el caso Paramount, que puso fin al sistema de estudios; la creciente popularidad de la televisión; y el aumento del gasto de los consumidores , que ofreció a su público muchas otras opciones de ocio. La magnitud de los éxitos y fracasos de taquilla aumentó, con una zona intermedia peligrosa formada por películas que en la época anterior habrían sido rentables. Un cineasta afirmó en 1957 que «el mayor desastre hoy en día es hacer una película mediocre que recaude un millón de dólares. Con una de estas, no solo se puede perder toda la inversión, sino también la camisa». Para ese año, Hollywood producía solo unas 300 películas al año, en comparación con las aproximadamente 700 de la década de 1920. [ 7 ] Darryl F. Zanuck , director de 20th Century Fox, no tuvo ninguna participación directa con el estudio entre 1956 y 1962, [ 11 ] y Louis B. Mayer , despedido de MGM en 1951, murió en 1957. [ 12 ] Harry Cohn de Columbia, quien murió al año siguiente, [ 13 ] informó a los inversores en el informe anual del estudio de 1957 que:

Nos encontramos en un mercado altamente competitivo para estos talentos [estrellas, directores, productores, guionistas]. Bajo la estructura tributaria actual, el salario para quienes tratamos resulta menos atractivo que la oportunidad de obtener ganancias de capital . Por lo tanto, tratamos con corporaciones en lugar de con individuos. También nos vemos obligados a negociar en términos de un porcentaje de las ganancias de la película, en lugar de un salario garantizado como en el pasado. Esto es especialmente notorio entre las grandes estrellas. [ 7 ]

La mayoría de los actores se convirtieron en autónomos tras el fin del sistema de estudios. [ 14 ] Los patrocinadores financieros exigían cada vez más actores, directores y guionistas estrella para los proyectos con el fin de reducir el riesgo de fracaso. La creciente importancia del mercado internacional —entre el 40 y el 50 % de los ingresos totales de Hollywood en 1957— también reforzó la imagen de las estrellas como atractivo para la taquilla. Eran muy solicitados; el director de Paramount, Y. Frank Freeman, declaró en 1957 que, incluso si Hollywood tuviera un dictador con control absoluto y un conocimiento perfecto de lo que querían los cinéfilos, «aún así no podría producir 25 películas imprescindibles al año. Ese es el límite máximo impuesto por la cantidad de talento que tenemos». [ 7 ]

Con su nuevo poder, "trabajar gratis" —recibir un porcentaje de las ganancias en lugar de un salario— se convirtió en un símbolo de estatus para las estrellas. Un actor de primera línea podía esperar el 50% de las ganancias, con una garantía mínima, o el 10% de los ingresos brutos. Cary Grant , por ejemplo, recibió más de 700.000 dólares (equivalentes a 6,4 millones de dólares en 2024 ) por su 10% de los ingresos brutos de Atrapa a un ladrón (1955), mientras que el director y productor Alfred Hitchcock recibió menos de 50.000 dólares. En un caso extremo, Paramount le prometió a Marlon Brando el 75% de las ganancias de lo que se convertiría en One-Eyed Jacks (1961). (Debido a las prácticas contables de Hollywood , los estudios seguían recibiendo gran parte de los ingresos antes de cualquier reparto de beneficios; por lo tanto, preferían el 50% de las ganancias al 10% de los ingresos brutos). Los salarios más altos también aumentaron el poder de agentes de talentos como Lew Wasserman de MCA , cuya oficina ahora era conocida como " Fort Knox ". [ 7 ]

Para 1957, los productores independientes realizaban el 50% de los largometrajes estadounidenses. Además de trabajar para otros, actores de la talla de Gregory Peck y Frank Sinatra crearon sus propias productoras y compraron guiones. Directores independientes de renombre como George Stevens , Billy Wilder y William Wyler también vieron aumentar sus ingresos, en parte porque su participación atrajo a actores estrella. Los estudios proporcionaron cada vez más financiación e instalaciones a los productores independientes en lugar de que estos produjeran sus propias películas, o, como United Artists, se centraron en la distribución. [ 7 ]

Si bien la televisión había perjudicado a Hollywood y crecía en el extranjero, las productoras de televisión como Desilu y las propias divisiones de televisión de los estudios cinematográficos ayudaron a salvar la industria utilizando instalaciones que de otro modo habrían quedado sin usar. [ 7 ] Los productores independientes produjeron gran parte de la programación televisiva estadounidense hasta la década de 1960. A medida que los grandes estudios descubrieron que el éxito de los programas de televisión, así como los costos y los plazos de producción, eran más predecibles (un ejecutivo de Universal dijo: «Así como General Motors produce automóviles, nosotros producimos programas de televisión. Es un negocio») que las películas, a principios de la década de 1970 sus programas dominaban el horario estelar . [ 15 ]

Sindicación, televisión, recesión y conglomerado de Hollywood

A principios de la década de 1960, los grandes estudios comenzaron a reeditar películas antiguas para su sindicación y se transformaron en la producción principalmente de telefilmes y películas de serie B para satisfacer la demanda de programación de la televisión. [ 16 ] : 17 La industria sufrió una grave recesión, debido en parte a los fracasos de grandes presupuestos, pero pronto se recuperó artísticamente con películas como El Padrino (1972) y El Exorcista (1973).

Tiburón (1975) de Steven Spielberg [ 17 ] [ 18 ] y Star Wars (1977) de George Lucas se convirtieron en el prototipo del éxito de taquilla moderno . [ 16 ] : 19 Antes de Tiburón , la mayoría de las películas se estrenaban inicialmente en unas pocas ciudades clave y luego se extendían a "mercados secundarios" en todo el país según la respuesta en esos mercados, un sistema llamado "plataforma". [ 18 ] Tiburón, en cambio, se estrenó inmediatamente de forma simultánea en todo el país y contó con un presupuesto de publicidad televisiva de 700 000 dólares, la primera vez que se emitieron tráileres en la televisión nacional, junto con una extensa comercialización promocional. [ 18 ] El estreno de películas en cientos de salas se convirtió en la norma, con éxitos como las secuelas de Star Wars de Lucas , El Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi , los éxitos consecutivos de Spielberg con En Busca del Arca Perdida y E.T., el Extraterrestre , y el desarrollo del vídeo doméstico y la televisión por cable. Mientras tanto, el presupuesto descontrolado de Heaven's Gate (1980) y su limitada recaudación en taquilla dieron como resultado la venta de United Artists a MGM un año después.

De 1990 a 1995, el Nuevo Hollywood se convirtió en un conglomerado de Hollywood y rápidamente dominó toda la industria del entretenimiento global. [ 16 ] : 25–26 Hoy, dos de los cinco grandes estudios de la Edad de Oro integrados verticalmente (Paramount y Warner Bros.) continúan existiendo como importantes entidades de estudios de Hollywood junto con Universal y Sony Pictures (formada por una fusión entre Columbia y TriStar), todos los cuales fueron tomados por muchas compañías diferentes que fueron adquiridas y fusionadas con conglomerados de medios más grandes. Además, en 1986, Walt Disney Studios surgió como un gran estudio en lugar de MGM, manteniendo un "Big Six" hasta que su adquisición de 20th Century Fox a principios de 2019 resultó en un "Big Five" una vez más. Con la excepción de Disney, los otros cuatro grandes estudios actuales (Paramount, Sony Pictures, Universal y Warner Bros.) se basan esencialmente no en el modelo de los cinco grandes clásicos (en aquel entonces Paramount y Warner Bros., además de 20th Century Fox, MGM y RKO), sino en el de la antigua United Artists: es decir, son principalmente distribuidores y patrocinadores (y arrendatarios de estudios físicos) en lugar de productoras propiamente dichas.

En 1996, Time Warner adquirió la otrora independiente New Line Cinema mediante la compra de Turner Broadcasting System . En 2008, New Line se fusionó con Warner Bros., donde continúa existiendo como subsidiaria. Cada una de las cinco grandes compañías cinematográficas actuales controla divisiones cuasi independientes de cine de autor , como Paramount Vantage . Miramax Films (que originalmente era un estudio independiente) fue propiedad de Disney hasta 2010. La mayoría también tiene divisiones que se centran en películas de género, películas de serie B, ya sea literalmente por sus bajos presupuestos o en un sentido más amplio; por ejemplo, Screen Gems de Sony . Una de las llamadas divisiones independientes, Focus Features de Universal , estrena películas de autor bajo esa marca principal. Tanto Focus como la división de cine de autor de Disney, Searchlight Pictures , son lo suficientemente grandes como para ser consideradas mini-grandes productoras. Dos grandes empresas independientes también califican como mini-grandes productoras: Lionsgate y la ya mencionada MGM (adquirida por Amazon en 2022). Se sitúan en algún punto intermedio entre las versiones más recientes del antiguo modelo "mayor-menor" —al igual que Columbia y Universal en las décadas de 1930 y 1940, solo que Lionsgate tiene aproximadamente la mitad de su cuota de mercado— y las principales productoras independientes de la Edad de Oro, como Samuel Goldwyn Inc. y las compañías de David O. Selznick .

La era de la independencia y el comienzo de la Segunda Decadencia

A mediados de la década de 2010, los grandes estudios se orientaron hacia la producción de películas que atrajeran a un público más amplio a nivel mundial. Las producciones exitosas generaron grandes ingresos, como Avengers: Endgame , con 2799 millones de dólares en todo el mundo en 2019. Sin embargo, el considerable aumento en los costos de producción y marketing incrementó significativamente el riesgo financiero, y producciones como Indiana Jones y el Dial del Destino , con un presupuesto de producción superior a los 300 millones de dólares, generaron una pérdida estimada de 143 millones de dólares para Disney. Esto precipitó, en parte, la Segunda Declinación, ya que el público comenzó a alejarse de las salas de cine. Con esta nueva declinación, se abrió una oportunidad para que las compañías independientes produjeran películas que han desbancado a las películas de los grandes estudios en la lucha por el Óscar a la Mejor Película . La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (que produce los Premios Óscar anuales ) suele otorgar el Óscar a la Mejor Película a películas de mérito artístico y científico, en lugar de a las películas de franquicia. En los últimos años, los múltiples premios obtenidos por películas independientes como Spotlight ( Open Road , 2015), Moonlight ( A24 , 2016), Parasite ( CJ / Neon , 2019) y CODA ( Apple TV+ , 2021) han tenido un impacto notable en la recaudación de taquilla de otras películas de grandes estudios. El continuo reconocimiento del cine independiente sugiere que el éxito no depende del formato de la película, ya sea 3D, exclusiva de streaming o gran formato como IMAX . Los resultados recientes del Festival de Cannes y la falta de películas estadounidenses que hayan ganado estos premios también pueden haber influido en el predominio del cine independiente.

La crisis de la COVID-19 contribuyó a un mayor descenso , ya que el público empezó a pasar de las salas de cine a los servicios de streaming como Netflix , Hulu y Apple TV+ .

Véase también

Referencias

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  2. ↑ "Shirley Temple, la icónica estrella infantil, muere a los 85 años" , Associated Press (11 de febrero de 2014).
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Fuentes

Publicado

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En línea

Autor

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Archivo

  • El caso antimonopolio de Hollywood, también conocido como el caso antimonopolio de Paramount , ofrece una historia detallada del archivo de investigación de la Sociedad de Productores Cinematográficos Independientes.