Cinematografía

En la década de 1830, se inventaron tres soluciones diferentes para la proyección de imágenes en movimiento basadas en el concepto de tambores y discos giratorios: el estroboscopio , de Simon von Stampfer en Austria; el fenaquistoscopio, de Joseph Plateau en Bélgica; y el zoótropo, de William Horner en Gran Bretaña.

En 1845, Francis Ronalds inventó la primera cámara capaz de realizar registros continuos de las variaciones de los instrumentos meteorológicos y geomagnéticos a lo largo del tiempo. Estas cámaras se suministraron a numerosos observatorios de todo el mundo y algunas permanecieron en uso hasta bien entrado el siglo XX. ^{[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]}

En 1867, William Lincoln patentó un dispositivo que mostraba imágenes animadas, llamado "rueda de la vida" o " zooproxiscopio ". En él, se observaban dibujos o fotografías en movimiento a través de una rendija.

El 19 de junio de 1878, Eadweard Muybridge logró fotografiar a un caballo llamado " Sallie Gardner " en movimiento rápido utilizando una serie de 24 cámaras estereoscópicas. Las cámaras estaban dispuestas a lo largo de una vía paralela a la del caballo, y el obturador de cada cámara era controlado por un cable disparado por los cascos del animal. Estaban  separadas por 21 pulgadas para cubrir los 20 pies que daba el caballo al caminar, tomando fotografías a una milésima de segundo. ^{[ 5 ]} A finales de la década, Muybridge había adaptado secuencias de sus fotografías a un zoopraxiscopio para proyectar "películas" cortas y primitivas, que causaron sensación en sus giras de conferencias hacia 1879 o 1880.

Cuatro años más tarde, en 1882, el científico francés Étienne-Jules Marey inventó una pistola cronofotográfica capaz de tomar 12 fotogramas consecutivos por segundo y registrar todos los fotogramas de la misma imagen.

Entre finales del siglo XIX y principios del XX, el uso del cine se popularizó no solo para el entretenimiento, sino también para la investigación científica. El biólogo y cineasta francés Jean Painleve impulsó con fuerza el uso del cine en el ámbito científico, ya que este nuevo medio era más eficiente que el ojo humano para capturar y documentar el comportamiento, el movimiento y el entorno de microorganismos, células y bacterias. ^{[ 6 ]} La introducción del cine en los campos científicos permitió no solo la visualización de "nuevas imágenes y objetos, como células y objetos naturales, sino también su visualización en tiempo real", ^{[ 6 ]} mientras que, antes de la invención del cine, científicos y médicos dependían de bocetos a mano de la anatomía humana y sus microorganismos. Esto suponía un gran inconveniente para el mundo científico y médico. El desarrollo del cine y el mayor uso de las cámaras permitieron a médicos y científicos comprender mejor sus proyectos.

Los orígenes del cine actual se remontan a los hermanos Lumière , Auguste y Louis, quienes en 1895 desarrollaron el cinematógrafo, una máquina capaz de capturar y proyectar imágenes en movimiento. La primera época del cine se caracterizó por una rápida innovación. Entre principios y mediados del siglo XX, los cineastas descubrieron y aplicaron nuevos métodos como el montaje, los efectos especiales, los primeros planos, el sonido, el formato panorámico, el color y mucho más. Hollywood comenzó a erigirse como la meca de la industria cinematográfica, y muchos de los estudios más famosos de aquella época aún existen más de cien años después, a principios y mediados del siglo XXI.

La película experimental Roundhay Garden Scene , filmada por Louis Le Prince en Roundhay , Leeds , Inglaterra, el 14 de octubre de 1888, es la película más antigua que se conserva. ^{[ 7 ]} Esta película fue filmada en película de papel. ^{[ 8 ]}

Una cámara de cine experimental fue desarrollada por el inventor británico William Friese Greene y patentada en 1889. ^{[ 9 ]} WKL Dickson , trabajando bajo la dirección de Thomas Alva Edison , fue el primero en diseñar un aparato exitoso, el Kinetógrafo , ^{[ 10 ]} patentado en 1891. ^{[ 11 ]} Esta cámara tomaba una serie de fotografías instantáneas en emulsión fotográfica estándar Eastman Kodak recubierta sobre una tira de celuloide transparente de 35  mm de ancho. Los resultados de este trabajo se mostraron por primera vez en público en 1893, utilizando el aparato de visualización también diseñado por Dickson, el Kinetoscopio . Dentro de una gran caja, solo una persona a la vez, mirando a través de una mirilla, podía ver la película.

Al año siguiente, Charles Francis Jenkins y su proyector, el Phantoscope , ^{[ 12 ]} lograron una exitosa proyección para el público mientras Louis y Auguste Lumière perfeccionaban el Cinématographe , un aparato que tomaba, imprimía y proyectaba películas, en París en diciembre de 1895. ^{[ 13 ]} Los hermanos Lumière fueron los primeros en presentar imágenes fotográficas proyectadas y en movimiento a un público de pago de más de una persona.

En 1896, se abrieron salas de cine en Francia (París, Lyon , Burdeos , Niza, Marsella ); Italia ( Roma , Milán, Nápoles , Génova , Venecia, Bolonia , Forlì ); Bruselas ; y Londres. Las mejoras cronológicas en el medio se pueden enumerar concisamente. En 1896, Edison mostró su proyector Vitascope mejorado, el primer proyector de éxito comercial en los EE. UU. Cooper Hewitt inventó las lámparas de mercurio que hicieron posible filmar películas en interiores sin luz solar en 1905. El primer dibujo animado se produjo en 1906. Los créditos comenzaron a aparecer al principio de las películas en 1911. La cámara de cine Bell and Howell 2709, inventada en 1915, permitió a los directores hacer primeros planos sin mover físicamente la cámara. A finales de la década de 1920, la mayoría de las películas producidas eran sonoras. Los formatos de pantalla ancha se experimentaron por primera vez en la década de 1950. Para la década de 1970, la mayoría de las películas eran en color. IMAX y otros formatos de 70 mm ganaron popularidad. La distribución masiva de películas se generalizó, sentando las bases para los grandes éxitos de taquilla. La cinematografía tradicional dominó la industria cinematográfica desde sus inicios hasta la década de 2010, cuando la cinematografía digital se impuso. Algunos directores aún utilizan la cinematografía tradicional, especialmente en aplicaciones específicas o por aprecio al formato.

Desde sus inicios en la década de 1880, el cine fue predominantemente monocromático. Contrariamente a la creencia popular, monocromo no siempre significa blanco y negro; se refiere a una película filmada en un solo tono o color. Dado que el costo de las bases de película tintadas era considerablemente mayor, la mayoría de las películas se producían en blanco y negro. Incluso con la llegada de los primeros experimentos con el color, su elevado costo hizo que las películas se realizaran mayoritariamente en blanco y negro hasta la década de 1950, cuando se introdujeron procesos de color más económicos. En la década de 1960, el color se convirtió, con diferencia, en el formato de película dominante. En las décadas siguientes, el uso de película en color aumentó enormemente, mientras que las películas monocromáticas se volvieron escasas.

La cinematografía en blanco y negro es una técnica que consiste en capturar y presentar las imágenes en tonos grises, sin color. Este enfoque artístico tiene una rica historia y se ha empleado en películas a lo largo de la evolución del cine. Es una herramienta poderosa que permite a los cineastas enfatizar el contraste, la textura y la iluminación, mejorando la experiencia narrativa visual. El uso de la cinematografía en blanco y negro se remonta a los inicios del cine, cuando aún no existía el color. Los cineastas recurrían a esta técnica para crear películas visualmente impactantes y con una atmósfera envolvente. Incluso con la llegada del color, la cinematografía en blanco y negro continuó utilizándose con fines artísticos y temáticos.

El libro de Ken Dancyger, * La técnica de la edición de cine y vídeo: historia, teoría y práctica*, ofrece una perspectiva profunda sobre los aspectos históricos y teóricos de la cinematografía en blanco y negro. Dancyger explora cómo se ha empleado esta técnica, analizando su impacto en la narrativa, la atmósfera y la estética visual. El libro profundiza en las decisiones artísticas y las consideraciones técnicas que implica la creación de imágenes en blanco y negro impactantes, brindando una comprensión de la técnica.

La cinematografía en blanco y negro permite a los cineastas centrarse en la interacción de la luz y la sombra, enfatizando el contraste entre los diferentes elementos de una escena. Esta técnica puede evocar nostalgia, transportarnos a una época específica o crear una atmósfera clásica y atemporal. Al eliminar el color, los cineastas pueden destacar la composición, las formas y las texturas dentro del encuadre, potenciando el impacto visual. Entre las películas más notables que han utilizado la cinematografía en blanco y negro se encuentran clásicos como Casablanca (1942), Toro salvaje (1980) y La lista de Schindler (1993). Estas películas demuestran el poder y la versatilidad de la cinematografía en blanco y negro para crear imágenes de gran resonancia emocional. La cinematografía en blanco y negro sigue siendo una técnica relevante y ampliamente utilizada en el cine moderno. Los cineastas la siguen empleando para evocar estados de ánimo específicos, transmitir una sensación de atemporalidad y realzar la expresión artística de sus historias.

Tras la llegada del cine, se invirtió una enorme cantidad de energía en la producción de fotografías en color natural. ^{[ 14 ]} La invención del cine sonoro incrementó aún más la demanda del uso de la fotografía en color. Sin embargo, en comparación con otros avances tecnológicos de la época, la llegada de la fotografía en color fue un proceso relativamente lento. ^{[ 15 ]}

Las primeras películas no eran realmente en color, ya que se filmaban en blanco y negro y luego se coloreaban a mano o a máquina (a estas películas se las denomina simplemente en color ) . El primer ejemplo de esto es Annabelle Serpentine Dance, coloreada a mano en 1895 por Edison Manufacturing Company . Posteriormente, el coloreado a máquina se popularizó y continuó hasta la llegada de la cinematografía en color natural en la década de 1910. Muchas películas en blanco y negro se han coloreado recientemente mediante coloreado digital. Esto incluye metraje filmado durante las dos guerras mundiales, eventos deportivos y propaganda política.

En 1902, Edward Raymond Turner produjo las primeras películas con un proceso de color natural en lugar de utilizar técnicas de colorización. ^{[ 16 ]} En 1909, Kinemacolor se mostró por primera vez al público. ^{[ 17 ]}

En 1917 se presentó la primera versión de Technicolor . Kodachrome se lanzó en 1935. Eastmancolor se presentó en 1950 y se convirtió en el estándar de color para el resto del siglo.

En la década de 2010, las películas en color fueron reemplazadas en gran medida por la cinematografía digital en color.

En la cinematografía digital, la película se graba en soportes digitales como el almacenamiento flash , y también se distribuye a través de un soporte digital como un disco duro .

La base de las cámaras digitales son los sensores de imagen de semiconductor de óxido metálico (MOS) . ^{[ 18 ]} El primer sensor de imagen de semiconductor práctico fue el dispositivo de carga acoplada (CCD), ^{[ 19 ]} basado en la tecnología de condensadores MOS . ^{[ 18 ]} Tras la comercialización de los sensores CCD a finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, la industria del entretenimiento comenzó lentamente la transición a la imagen digital y al vídeo digital durante las dos décadas siguientes. ^{[ 20 ]} Al CCD le siguió el sensor de píxeles activos CMOS ( sensor CMOS ), ^{[ 21 ]} desarrollado en la década de 1990. ^{[ 22 ] [ 23 ]}

A finales de la década de 1980, Sony comenzó a comercializar el concepto de " cinematografía electrónica ", utilizando sus cámaras de vídeo profesionales analógicas Sony HDVS . El esfuerzo tuvo escaso éxito. Sin embargo, esto dio lugar a una de las primeras películas rodadas digitalmente, Julia y Julia (1987). En 1998, con la introducción de las grabadoras HDCAM y las cámaras de vídeo profesionales digitales de 1920 × 1080 píxeles basadas en tecnología CCD, la idea, ahora rebautizada como "cinematografía digital", comenzó a ganar terreno.

Filmada y estrenada en 1998, The Last Broadcast es considerada por algunos como el primer largometraje filmado y editado completamente con equipo digital de consumo. ^{[ 24 ]} En mayo de 1999, George Lucas desafió por primera vez la supremacía del medio cinematográfico del celuloide al incluir metraje filmado con cámaras digitales de alta definición en Star Wars: Episodio I – La amenaza fantasma . A finales de 2013, Paramount se convirtió en el primer gran estudio en distribuir películas a los cines en formato digital, eliminando por completo la película de 35 mm. Desde entonces, la demanda de películas que se desarrollen en formato digital en lugar de 35 mm ha aumentado significativamente.

Con el avance de la tecnología digital, los estudios cinematográficos comenzaron a inclinarse cada vez más hacia la cinematografía digital. Desde la década de 2010, la cinematografía digital se ha convertido en la forma dominante de cinematografía, tras haber desplazado en gran medida a la cinematografía tradicional.

Las primeras cámaras de cine se fijaban directamente al cabezal de un trípode u otro soporte, con tan solo unos rudimentarios dispositivos de nivelación, al estilo de los trípodes de las cámaras fotográficas de la época. Por lo tanto, las primeras cámaras de cine quedaban prácticamente fijas durante la filmación, y de ahí que los primeros movimientos de cámara fueran el resultado de montarla en un vehículo en movimiento. El primer ejemplo conocido fue una película filmada por un camarógrafo de los hermanos Lumière desde el andén trasero de un tren que salía de Jerusalén en 1896, y para 1898 ya existían varias películas filmadas desde trenes en movimiento. Aunque figuraban bajo el título general de "panoramas" en los catálogos de venta de la época, las películas filmadas de frente desde delante de la locomotora solían denominarse específicamente " viajes fantasma ".

En 1897, Robert W. Paul mandó fabricar el primer cabezal de cámara giratorio para trípode, con el fin de seguir las procesiones del Jubileo de Diamante de la Reina Victoria en una sola toma ininterrumpida. Este dispositivo tenía la cámara montada sobre un eje vertical que podía girarse mediante un engranaje helicoidal accionado por una manivela, y Paul lo puso a la venta al público al año siguiente. Las tomas realizadas con este cabezal panorámico también se denominaban "panoramas" en los catálogos de películas de la primera década del cine. Esto, con el tiempo, dio lugar a la creación de la fotografía panorámica.

El modelo estándar para los primeros estudios cinematográficos lo proporcionó el estudio que Georges Méliès mandó construir en 1897. Este contaba con un techo y tres paredes de cristal, siguiendo el modelo de los grandes estudios de fotografía fija, y estaba equipado con finas telas de algodón que se podían extender bajo el techo para difuminar la luz solar directa en los días soleados. La luz suave y uniforme, sin sombras marcadas, que producía esta disposición —y que también se da de forma natural en días ligeramente nublados— se convertiría en la base de la iluminación cinematográfica en los estudios durante la década siguiente.

La cinematografía en blanco y negro es una técnica cinematográfica que consiste en capturar y presentar las imágenes en tonos grises, sin color. Este enfoque artístico cuenta con una rica historia y se ha empleado en diversas películas a lo largo de la evolución del cine. Es una herramienta poderosa que permite a los cineastas enfatizar el contraste, la textura y la iluminación, mejorando la experiencia narrativa visual. El uso de la cinematografía en blanco y negro se remonta a los inicios del cine, cuando aún no existía el color. Los cineastas recurrían a esta técnica para crear películas visualmente impactantes y atmosféricas. Incluso con la llegada de la tecnología del color, la cinematografía en blanco y negro continuó utilizándose con fines artísticos y temáticos. El libro de Ken Dancyger, * The Technique of Film and Video Editing: History, Theory, and Practice*, ofrece valiosas perspectivas sobre los aspectos históricos y teóricos de la cinematografía en blanco y negro. Dancyger explora cómo se ha empleado esta técnica a lo largo de la historia del cine, examinando su impacto en la narrativa, el ambiente y la estética visual. El libro profundiza en las decisiones artísticas y las consideraciones técnicas que intervienen en la creación de imágenes en blanco y negro impactantes, ofreciendo una comprensión integral de la técnica.

La cinematografía en blanco y negro permite a los cineastas centrarse en la interacción de la luz y la sombra, enfatizando el contraste entre los diferentes elementos de una escena. Esta técnica puede evocar nostalgia, transportarnos a una época específica o crear una atmósfera clásica y atemporal. Al eliminar el color, los cineastas pueden destacar la composición, las formas y las texturas dentro del encuadre, potenciando el impacto visual. Entre las películas más notables que han utilizado la cinematografía en blanco y negro se encuentran clásicos como Casablanca (1942), Toro salvaje (1980) y La lista de Schindler (1993). Estas películas demuestran el poder y la versatilidad de la cinematografía en blanco y negro para crear imágenes de gran resonancia emocional. La cinematografía en blanco y negro sigue siendo una técnica relevante y ampliamente utilizada en el cine moderno. Los cineastas la siguen empleando para evocar estados de ánimo específicos, transmitir una sensación de atemporalidad y realzar la expresión artística de sus historias.

Existen muchos tipos de cinematografía, cada uno diferente según su propósito y proceso de producción. Estos diferentes tipos de cinematografía son similares en el sentido de que todos tienen el objetivo de transmitir una emoción, un estado de ánimo o un sentimiento específico. Sin embargo, cada estilo puede transmitir diferentes emociones y propósitos. Algunos ejemplos de diferentes tipos de cinematografía son el realismo. Este estilo de cinematografía busca crear una representación realista del mundo, a menudo utilizando iluminación natural, cámaras de mano y un enfoque de filmación similar al documental. El Hollywood clásico es un estilo de cinematografía caracterizado por el uso de películas de estudio muy pulidas, con escenarios glamorosos, iluminación brillante y narrativas románticas. El cine negro es un estilo de cinematografía que se caracteriza por el uso de contraste marcado y luz clara, iluminación tenue y una atmósfera oscura y sombría. A menudo presenta crimen, misterio y personajes moralmente ambiguos.

Para transmitir el estado de ánimo, la emoción, la narrativa y otros factores dentro de la toma, la cinematografía se implementa utilizando diferentes aspectos dentro de una película. La iluminación en la escena puede afectar el estado de ánimo de una escena o película. Las tomas más oscuras con menos luz natural pueden ser sombrías, aterradoras, tristes e intensas. Una iluminación más brillante puede equivaler a un estado de ánimo más alegre, emocionante y positivo. El ángulo de la cámara puede afectar una escena al establecer la perspectiva. Transmite cómo los personajes o el público ven algo y desde qué ángulo. El ángulo de la cámara puede jugar un papel importante al resaltar un detalle en primer plano o el escenario del fondo. Un ángulo de primer plano puede resaltar detalles en el rostro de alguien, mientras que una lente más amplia puede brindar información clave que tiene lugar en el fondo de una toma. La distancia de la cámara puede resaltar detalles específicos que pueden ser importantes para una toma de película. Desde muy lejos, un grupo de personas puede parecer todo igual, pero al hacer zoom, el espectador puede ver diferencias dentro de la población a través de detalles como la expresión facial y el lenguaje corporal. El color es similar a la iluminación, en el sentido de que juega un papel importante en el establecimiento del estado de ánimo y la emoción a lo largo de una toma. Un color como el verde puede transmitir equilibrio y paz a través de escenas de la naturaleza. Una toma con mucho rojo puede expresar ira, intensidad, pasión o amor. Si bien algunas de estas emociones pueden no manifestarse intencionalmente al ver el color, es un hecho subconsciente que el color en la cinematografía puede tener un gran efecto. La velocidad es un elemento vital en la cinematografía que se puede utilizar de diversas maneras, como para crear acción o una sensación de movimiento. La velocidad también se puede usar para ralentizar el tiempo, resaltar momentos importantes y, a menudo, generar una sensación de suspenso en una película. La cámara lenta es una técnica que consiste en filmar a una velocidad de fotogramas más alta y luego reproducir el metraje a velocidad normal. Esto crea un efecto de cámara lenta en la película, que puede enfatizar o añadir fluidez a una escena. Por otro lado, la cámara rápida es lo opuesto a la cámara lenta: filmar a una velocidad de fotogramas más baja y luego reproducir la película a velocidad normal. Esto crea un efecto de aceleración que puede ayudar a enfatizar el paso del tiempo o crear una sensación de urgencia. La técnica de time-lapse consiste en tomar una serie de fotografías fijas a intervalos regulares durante un largo periodo de tiempo. Al reproducirlas de forma continua, se obtiene un efecto de aceleración. El time-lapse se utiliza con mayor eficacia para mostrar fenómenos como amaneceres, movimientos naturales o el crecimiento de plantas. Se emplea comúnmente para mostrar el paso del tiempo en una secuencia corta. El movimiento inverso consiste en filmar una escena normalmente y luego reproducirla al revés. Esto se suele utilizar para crear efectos inusuales o surrealistas y escenas insólitas. Las diversas técnicas que implican velocidad pueden aumentar la intensidad y la atmósfera de una película, mostrar el paso del tiempo y tener muchos otros efectos. El movimiento de la cámara dentro de una película puede contribuir a mejorar la calidad visual y el impacto de la misma.Algunos aspectos del movimiento de la cámara que contribuyen a esto son:

• Zoom: Este movimiento consiste en cambiar la distancia focal del objetivo para que el sujeto parezca más cercano o más lejano. Puede utilizarse para crear una sensación de cercanía o distancia con respecto al sujeto.
• Inclinación: Rotación vertical de la cámara desde una posición fija. Puede utilizarse para mostrar la altura de un sujeto o para destacar un elemento concreto de la escena.
• Panorámica: Rotación horizontal de la cámara desde una posición fija. Se puede utilizar para seguir un sujeto en movimiento o para mostrar una vista panorámica de una escena.
• Movimiento vertical/de brazo/de grúa: Mover la cámara verticalmente en su totalidad. Esto se puede usar para mostrar el movimiento vertical con respecto a un sujeto en un encuadre.
• Movimiento de cámara: Desplazamiento horizontal completo de la cámara. Esto permite mostrar el movimiento horizontal con respecto a un sujeto dentro del encuadre.
• Rodar: Rotar la cámara por completo de forma horizontal.

La cinematografía puede comenzar con sensores de imagen digitales o rollos de película. Los avances en la emulsión y la estructura del grano de la película han dado lugar a una amplia gama de tipos de película disponibles . La selección del tipo de película es una de las primeras decisiones que se toman al preparar una producción cinematográfica típica.

Además de la selección del calibre de la película ( 8 mm [aficionado], 16 mm [semiprofesional], 35 mm [profesional] y 65 mm [fotografía épica, rara vez utilizada excepto en eventos especiales]), el director de fotografía dispone de una selección de películas en formato de inversión (que, al revelarse, crea una imagen positiva) y negativo, junto con una amplia gama de velocidades de película (sensibilidad variable a la luz) desde ISO 50 (lenta, menos sensible a la luz) hasta 800 (muy rápida, extremadamente sensible a la luz) y diferentes respuestas al color (baja saturación , alta saturación) y al contraste (niveles variables entre negro puro [sin exposición] y blanco puro [sobreexposición completa]). Los avances y ajustes en casi todos los calibres de película crean los formatos "super", en los que se amplía el área de la película utilizada para capturar un solo fotograma, aunque el calibre físico de la película permanece igual. Super 8  mm , Super 16  mm y Super 35  mm. Todas utilizan una mayor superficie total de la película para la imagen que sus contrapartes "regulares" no super. Cuanto mayor sea el calibre de la película, mayor será la claridad de la resolución general de la imagen y la calidad técnica. Las técnicas utilizadas por el laboratorio de película para procesar el material también pueden ofrecer una variación considerable en la imagen producida. Al controlar la temperatura y variar el tiempo en que la película está sumergida en los químicos de revelado, y al omitir ciertos procesos químicos (o omitirlos parcialmente todos), los cineastas pueden lograr apariencias muy diferentes a partir de un mismo material de película en el laboratorio. Algunas técnicas que se pueden utilizar son el procesamiento forzado , el blanqueo indirecto y el procesamiento cruzado .

La mayor parte del cine moderno utiliza cinematografía digital y no emplea película , pero las cámaras se pueden ajustar de maneras que van mucho más allá de las capacidades de un tipo de película específico. Pueden ofrecer distintos grados de sensibilidad al color, contraste de imagen, sensibilidad a la luz, etc. Una sola cámara puede lograr todos los estilos que ofrecen las diferentes emulsiones. Los ajustes digitales de imagen, como la ISO y el contraste, se realizan estimando los mismos ajustes que se producirían si se utilizara película, por lo que son vulnerables a la percepción que tienen los diseñadores del sensor de la cámara sobre los distintos tipos de película y parámetros de ajuste de imagen.

Los filtros , como los de difusión o los de efectos de color, también se utilizan ampliamente para realzar el ambiente o crear efectos dramáticos. La mayoría de los filtros fotográficos están compuestos por dos piezas de vidrio óptico pegadas entre sí, con algún tipo de material de manipulación de imagen o luz entre ellas. En el caso de los filtros de color, suele haber un medio de color translúcido presionado entre dos planos de vidrio óptico. Los filtros de color funcionan bloqueando ciertas longitudes de onda de luz que llegan a la película. Con la película en color, esto funciona de forma muy intuitiva: un filtro azul reduce el paso de la luz roja, naranja y amarilla, creando un tinte azul en la película. En la fotografía en blanco y negro, los filtros de color se utilizan de forma algo contraintuitiva; por ejemplo, un filtro amarillo, que reduce las longitudes de onda azules de la luz, puede usarse para oscurecer un cielo diurno (eliminando la luz azul que llega a la película, subexponiendo así considerablemente el cielo, que es mayoritariamente azul) sin alterar el tono de la piel. Los filtros pueden usarse delante del objetivo o, en algunos casos, detrás del objetivo para obtener diferentes efectos.

Algunos directores de fotografía, como Christopher Doyle , son conocidos por su uso innovador de filtros; Doyle fue un pionero en el mayor uso de filtros en el cine y es muy respetado en todo el mundo cinematográfico.

Se pueden acoplar lentes a la cámara para lograr una apariencia, sensación o efecto determinado mediante el enfoque, el color, etc. Al igual que el ojo humano , la cámara crea perspectiva y relaciones espaciales con el resto del mundo. Sin embargo, a diferencia del ojo humano, un director de fotografía puede seleccionar diferentes lentes para diferentes propósitos. La variación en la distancia focal es una de las principales ventajas. La distancia focal del lente determina el ángulo de visión y, por lo tanto, el campo de visión . Los directores de fotografía pueden elegir entre una gama de lentes gran angular , lentes "normales" y lentes de larga distancia focal , así como lentes macro y otros sistemas de lentes para efectos especiales, como lentes de endoscopio . Los lentes gran angular tienen distancias focales cortas y hacen que las distancias espaciales sean más evidentes. Una persona en la distancia se muestra mucho más pequeña, mientras que alguien en primer plano parecerá mucho más grande. Por otro lado, los lentes de larga distancia focal reducen estas exageraciones, mostrando los objetos lejanos como si estuvieran cerca y aplanando la perspectiva. Las diferencias en la representación de la perspectiva no se deben a la distancia focal en sí, sino a la distancia entre los sujetos y la cámara. Por lo tanto, el uso de diferentes distancias focales en combinación con diferentes distancias entre la cámara y el sujeto crea estas distintas representaciones. Cambiar únicamente la distancia focal manteniendo la misma posición de la cámara no afecta la perspectiva, sino solo el ángulo de visión.

Un objetivo zoom permite al operador de cámara cambiar la distancia focal durante una toma o rápidamente entre diferentes configuraciones de toma. Dado que los objetivos de focal fija ofrecen mayor calidad óptica y son más luminosos (mayor apertura, lo que permite usarlos con menos luz), suelen emplearse en la cinematografía profesional. Sin embargo, ciertas escenas o incluso tipos de filmación pueden requerir el uso de objetivos zoom por su rapidez o facilidad de uso, así como para tomas que impliquen movimientos de zoom.

Como en otras técnicas fotográficas, el control de la imagen expuesta se realiza en el objetivo mediante el diafragma . Para una correcta selección, el cineasta necesita que todos los objetivos tengan grabado el número T , no el número f, para que la posible pérdida de luz debida al cristal no afecte al control de la exposición al ajustarla con los fotómetros habituales. La elección del diafragma también influye en la calidad de la imagen (aberraciones) y en la profundidad de campo.

La distancia focal y la apertura del diafragma afectan la profundidad de campo de una escena, es decir, cuánto del fondo, el plano medio y el primer plano se mostrarán con un enfoque aceptable (solo un plano exacto de la imagen está enfocado con precisión) en la película o el soporte de vídeo. La profundidad de campo (que no debe confundirse con la profundidad de enfoque ) está determinada por el tamaño de la apertura y la distancia focal. Una gran profundidad de campo se genera con una apertura de iris muy pequeña y enfocando un punto lejano, mientras que una profundidad de campo reducida se logra con una apertura de iris grande (abierta) y enfocando más cerca del objetivo. La profundidad de campo también depende del tamaño del formato. Si se considera el campo de visión y el ángulo de visión, cuanto más pequeña sea la imagen, menor deberá ser la distancia focal para mantener el mismo campo de visión. Por lo tanto, cuanto más pequeña sea la imagen, mayor será la profundidad de campo obtenida para el mismo campo de visión. Por lo tanto, 70 mm tiene menos profundidad de campo que 35 mm para un campo de visión determinado, 16 mm más que 35 mm, y las primeras videocámaras, así como la mayoría de las videocámaras modernas de consumo, incluso más profundidad de campo que 16 mm.

En Ciudadano Kane (1941), el director de fotografía Gregg Toland y el director Orson Welles utilizaron aperturas más cerradas para lograr que cada detalle del primer plano y del fondo de los decorados estuviera enfocado con nitidez. Esta práctica se conoce como enfoque profundo . El enfoque profundo se convirtió en un recurso cinematográfico popular a partir de la década de 1940 en Hollywood. Hoy en día, la tendencia es hacia un enfoque más selectivo . Cambiar el plano de enfoque de un objeto o personaje a otro dentro de una toma se conoce comúnmente como cambio de enfoque .

Al principio de la transición a la cinematografía digital, la incapacidad de las videocámaras digitales para lograr fácilmente una profundidad de campo reducida, debido a sus pequeños sensores de imagen, fue inicialmente un problema para los cineastas que intentaban emular la estética del celuloide de 35 mm. Se idearon adaptadores ópticos que conseguían esto montando un objetivo de mayor formato que proyectaba su imagen, del tamaño de dicho formato, sobre una pantalla de vidrio esmerilado, preservando así la profundidad de campo. El adaptador y el objetivo se montaban entonces en la videocámara de formato pequeño, que a su vez enfocaba sobre la pantalla de vidrio esmerilado.

Las cámaras réflex digitales tienen sensores de tamaño similar al de las cámaras de 35 mm, lo que les permite producir imágenes con una profundidad de campo parecida. La incorporación de funciones de vídeo a estas cámaras revolucionó la cinematografía digital, y cada vez más cineastas las adoptaron para este fin debido a la calidad cinematográfica de sus imágenes. Más recientemente, un número creciente de videocámaras especializadas se están equipando con sensores más grandes capaces de lograr una profundidad de campo similar a la de las películas de 35 mm.

La relación de aspecto de una imagen es la proporción entre su ancho y su alto. Esta se puede expresar como una proporción de dos números enteros, como 4:3, o en formato decimal, como 1,33:1 o simplemente 1,33. Las diferentes relaciones de aspecto producen distintos efectos estéticos. Los estándares para la relación de aspecto han variado significativamente con el tiempo.

Durante la era del cine mudo, las relaciones de aspecto variaban ampliamente, desde el formato cuadrado 1:1 hasta el formato panorámico extremo 4:1 de Polyvision . Sin embargo, a partir de la década de 1910, las películas mudas generalmente adoptaron la relación de 4:3 (1,33). La introducción del sonido en la película redujo brevemente la relación de aspecto para dejar espacio para una banda sonora. En 1932, se introdujo un nuevo estándar, la relación de la Academia de 1,37, mediante el engrosamiento de la línea del fotograma .

Durante años, los cineastas convencionales se limitaron a usar el formato estándar de la Academia, pero en la década de 1950, gracias a la popularidad del Cinerama , se introdujeron los formatos panorámicos con el objetivo de atraer al público de nuevo a las salas de cine y alejarlo de sus televisores domésticos . Estos nuevos formatos panorámicos proporcionaron a los cineastas un encuadre más amplio para componer sus imágenes.

En la década de 1950 se inventaron y utilizaron muchos sistemas fotográficos patentados diferentes para crear películas en formato panorámico, pero uno dominó el cine: el proceso anamórfico , que comprime ópticamente la imagen para fotografiar el doble del área horizontal al mismo tamaño vertical que las lentes "esféricas" estándar. El primer formato anamórfico de uso común fue CinemaScope , que utilizaba una relación de aspecto de 2,35, aunque originalmente era de 2,55. CinemaScope se utilizó desde 1953 hasta 1967, pero debido a fallos técnicos en el diseño y a su propiedad por parte de Fox, varias empresas de terceros, lideradas por las mejoras técnicas de Panavision en la década de 1950, dominaron el mercado de lentes de cine anamórficas. Los cambios en los estándares de proyección SMPTE alteraron la relación de proyección de 2,35 a 2,39 en 1970, aunque esto no cambió nada con respecto a los estándares anamórficos fotográficos; Todos los cambios en la relación de aspecto de  la fotografía anamórfica de 35 mm dependen del tamaño de la compuerta de la cámara o del proyector, no del sistema óptico. Tras la "guerra de la pantalla ancha" de la década de 1950, la industria cinematográfica adoptó 1.85 como estándar para la proyección en salas de cine en Estados Unidos y el Reino Unido. Esta es una versión recortada de 1.37. Europa y Asia optaron inicialmente por 1.66, aunque 1.85 se ha extendido ampliamente en estos mercados en las últimas décadas. Algunas películas "épicas" o de aventuras utilizaron el formato anamórfico 2.39 (a menudo denominado incorrectamente "2.40").

En la década de 1990, con la llegada del vídeo de alta definición , los ingenieros de televisión crearon la relación de aspecto 1,78 (16:9) como un compromiso matemático entre el estándar cinematográfico de 1,85 y el televisivo de 1,33, ya que no era práctico fabricar un tubo de rayos catódicos tradicional con un ancho de 1,85. Hasta ese momento, nunca se había creado nada con la relación de aspecto 1,78. Hoy en día, esta es la relación estándar para el vídeo de alta definición y para la televisión panorámica.

La luz es esencial para crear una exposición de imagen en un fotograma de película o en un soporte digital (CCD, etc.). Sin embargo, el arte de la iluminación cinematográfica va mucho más allá de la exposición básica, adentrándose en la esencia de la narración visual. La iluminación contribuye considerablemente a la respuesta emocional del espectador al ver una película. El uso cada vez mayor de filtros puede influir notablemente en la imagen final y afectar la iluminación.

Importancia de la iluminación en el cine La iluminación en el cine es esencial por tres razones principales: visibilidad, composición y ambiente. En primer lugar, la iluminación garantiza que el sujeto o la escena estén correctamente iluminados, lo que permite a los espectadores percibir los detalles y comprender la narrativa. Ayuda a guiar la atención del público hacia elementos específicos dentro del encuadre, destacando personajes u objetos importantes. En segundo lugar, la iluminación contribuye a la composición de una toma. Los cineastas colocan estratégicamente las luces para crear equilibrio, profundidad e interés visual dentro del encuadre. Les permite controlar los elementos visuales dentro de la escena, enfatizando ciertas áreas y restando importancia a otras. Por último, la iluminación impacta significativamente el ambiente y la atmósfera de una película. Al manipular la intensidad, el color y la dirección de la luz, los cineastas pueden evocar diferentes emociones y realzar la narrativa. Una iluminación brillante y uniforme puede evocar una sensación de seguridad y felicidad, mientras que una iluminación tenue con sombras puede crear tensión, misterio o miedo. La elección del estilo de iluminación también puede reflejar el género de la película, como la iluminación de alto contraste comúnmente utilizada en el cine negro.

En la realización cinematográfica se emplean numerosas técnicas de iluminación para lograr los efectos deseados. Estas son algunas de las técnicas más utilizadas: Iluminación de tres puntos: Esta técnica clásica implica el uso de tres luces: la luz principal, la luz de relleno y la luz de fondo. La luz principal sirve como fuente primaria, iluminando al sujeto desde un lado para crear profundidad y dimensión. La luz de relleno reduce las sombras causadas por la luz principal, suavizando la iluminación general. La luz de fondo separa al sujeto del fondo, proporcionando un efecto de halo y realzando la sensación de profundidad. Iluminación de clave alta: La iluminación de clave alta produce una escena brillante y uniformemente iluminada, a menudo utilizada en comedias o películas ligeras. Minimiza las sombras, creando una atmósfera alegre y optimista. Iluminación de clave baja: La iluminación de clave baja implica el uso de una sola luz principal o algunas luces colocadas estratégicamente para crear fuertes contrastes y sombras profundas. Esta técnica se utiliza comúnmente en los géneros de cine negro y terror para evocar suspenso, misterio o miedo.

Los cineastas a veces emplean iluminación natural para crear una apariencia auténtica y realista. Esta técnica utiliza fuentes de luz existentes, como la luz del sol o lámparas, sin iluminación artificial adicional. Se suele ver en escenas al aire libre o en películas que buscan una estética naturalista. Iluminación de color: El uso de luces o filtros de color puede alterar drásticamente el ambiente y la atmósfera de una escena. Los diferentes colores evocan distintas emociones y pueden enriquecer la narrativa. Por ejemplo, los tonos cálidos como el rojo o el naranja pueden crear una sensación de calidez o pasión, mientras que los tonos fríos como el azul pueden transmitir tristeza o aislamiento.

La cinematografía no solo puede representar un sujeto en movimiento, sino que también puede utilizar una cámara, que representa el punto de vista o la perspectiva del espectador, que se mueve durante el rodaje. Este movimiento juega un papel considerable en el lenguaje emocional de las imágenes cinematográficas y en la reacción emocional del espectador ante la acción. Las técnicas abarcan desde los movimientos más básicos de paneo (desplazamiento horizontal del punto de vista desde una posición fija; como girar la cabeza de un lado a otro) e inclinación (desplazamiento vertical del punto de vista desde una posición fija; como inclinar la cabeza hacia atrás para mirar al cielo o hacia abajo para mirar al suelo) hasta dolly (colocar la cámara sobre una plataforma móvil para acercarla o alejarla del sujeto), seguimiento (colocar la cámara sobre una plataforma móvil para moverla hacia la izquierda o la derecha), grúa (mover la cámara en posición vertical; poder levantarla del suelo y balancearla de lado a lado desde una posición fija) y combinaciones de las anteriores. Los primeros cineastas a menudo se enfrentaban a problemas que no eran comunes a otros artistas gráficos debido al elemento del movimiento. ^{[ 25 ]}

Las cámaras se han instalado en prácticamente cualquier medio de transporte imaginable. La mayoría también se pueden usar de mano , es decir, se sostienen en las manos del operador mientras se mueve de una posición a otra durante la filmación. Las plataformas de estabilización personal surgieron a finales de la década de 1970 gracias a la invención de Garrett Brown , conocida como Steadicam . La Steadicam es un arnés corporal con brazo estabilizador que se conecta a la cámara, sujetándola y aislándola de los movimientos del operador. Tras la expiración de la patente de la Steadicam a principios de la década de 1990, muchas otras empresas comenzaron a fabricar sus propios estabilizadores de cámara personales. Este invento es mucho más común en el mundo cinematográfico actual. Desde largometrajes hasta noticieros, cada vez más cadenas de televisión utilizan estabilizadores de cámara personales.

La otra técnica básica para la cinematografía de efectos especiales consiste en la doble exposición de la película en la cámara, que fue realizada por primera vez por George Albert Smith en julio de 1898 en el Reino Unido. La película de Smith, Los hermanos corsos (1898), fue descrita en el catálogo de la Warwick Trading Company , que se hizo cargo de la distribución de las películas de Smith en 1900, de la siguiente manera:

Uno de los hermanos gemelos regresa a casa tras una cacería en las montañas de Córcega y recibe la visita del fantasma del otro. Mediante una fotografía sumamente cuidadosa, el fantasma aparece prácticamente transparente. Tras indicar que ha muerto de una estocada y clamar venganza, desaparece. Entonces aparece una «visión» que muestra el duelo fatal en la nieve. Para asombro del corso, el duelo y la muerte de su hermano se representan vívidamente en la visión, y abrumado por la emoción, cae al suelo justo cuando su madre entra en la habitación.

El efecto fantasma se logró cubriendo el decorado con terciopelo negro después de filmar la acción principal y luego volviendo a exponer el negativo con el actor que interpretaba al fantasma realizando las acciones en el momento adecuado. De igual manera, la visión, que aparecía dentro de una viñeta circular o máscara , se superponía sobre un área negra en el fondo de la escena, en lugar de sobre una parte del decorado con detalles, de modo que nada se transparentaba a través de la imagen, que parecía bastante sólida. Smith volvió a utilizar esta técnica en Santa Claus (1898).

Georges Méliès utilizó por primera vez la superposición sobre un fondo oscuro en La Caverne maudite (La cueva de los demonios), rodada un par de meses después, en 1898, y la perfeccionó con numerosas superposiciones en el plano secuencia de Un Homme de têtes ( Los cuatro cabezones ) . Creó nuevas variaciones en películas posteriores.

Las imágenes de las películas se presentan al público a una velocidad constante. En el cine, la velocidad es de 24 fotogramas por segundo ; en la televisión NTSC (EE. UU.), de 30 fotogramas por segundo (29,97 para ser exactos); y en la televisión PAL (Europa), de 25 fotogramas por segundo. Esta velocidad de presentación no varía.

Sin embargo, al variar la velocidad de captura de la imagen, se pueden crear diversos efectos, sabiendo que la imagen grabada, ya sea a mayor o menor velocidad, se reproducirá a velocidad constante. Esto brinda al director de fotografía aún más libertad creativa y expresiva.

Por ejemplo, la fotografía de lapso de tiempo se crea exponiendo una imagen a una velocidad extremadamente lenta. Si un cineasta configura una cámara para exponer un fotograma por minuto durante cuatro horas, y luego ese metraje se proyecta a 24 fotogramas por segundo, un evento de cuatro horas se presentará en 10 segundos, y se pueden presentar los eventos de un día completo (24 horas) en tan solo un minuto.

Lo contrario ocurre si una imagen se captura a velocidades superiores a la de su presentación, lo que produce un efecto de ralentización considerable ( cámara lenta ). Si un director de fotografía filma a una persona zambulléndose en una piscina a 96 fotogramas por segundo y la imagen se reproduce a 24 fotogramas por segundo, la presentación durará cuatro veces más que el evento en sí. La cámara superlenta, que captura miles de fotogramas por segundo, permite visualizar elementos normalmente invisibles para el ojo humano , como balas en vuelo y ondas expansivas que se propagan a través de los medios; una técnica cinematográfica potencialmente poderosa.

En el cine, la manipulación del tiempo y el espacio es un factor determinante en la narrativa. El montaje cinematográfico desempeña un papel fundamental en esta manipulación, pero la selección de la velocidad de fotogramas durante la filmación también contribuye a alterar el tiempo. Por ejemplo, Tiempos modernos de Charlie Chaplin se filmó a velocidad normal (18 fps) pero se proyectó a velocidad normal (24 fps), lo que hace que la acción cómica parezca aún más frenética.

El aumento gradual de velocidad , o simplemente "rampa", es un proceso mediante el cual la velocidad de fotogramas de la cámara cambia con el tiempo. Por ejemplo, si en el transcurso de 10 segundos de grabación, la velocidad de fotogramas se ajusta de 60 a 24 fotogramas por segundo, al reproducirse a la velocidad estándar de película de 24 fotogramas por segundo, se logra un efecto único de manipulación del tiempo. Por ejemplo, alguien que abre una puerta y sale a la calle parecería comenzar en cámara lenta , pero unos segundos después, dentro de la misma toma, la persona parecería caminar en "tiempo real" (velocidad normal). El aumento gradual de velocidad opuesto se realiza en Matrix cuando Neo regresa a la Matrix por primera vez para ver al Oráculo. Al salir del "punto de carga" del almacén, la cámara hace zoom sobre Neo a velocidad normal, pero a medida que se acerca a su rostro, el tiempo parece ralentizarse, presagiando la manipulación del tiempo en Matrix más adelante en la película.

GA Smith fue pionero en la técnica del movimiento inverso y mejoró la calidad de las imágenes autoinducidas. Lo logró repitiendo la acción una segunda vez mientras la filmaba con una cámara invertida y luego uniendo la cola del segundo negativo con la del primero. Las primeras películas que utilizaron esta técnica fueron Tipsy, Topsy, Turvy y The Awkward Sign Painter , esta última mostrando a un rotulista pintando un letrero, y luego la pintura del letrero desapareciendo bajo el pincel del pintor. El ejemplo más antiguo que se conserva de esta técnica es The House That Jack Built de Smith , realizada antes de septiembre de 1901. En ella, se muestra a un niño pequeño derribando un castillo recién construido por una niña con bloques de construcción infantiles. Luego aparece un título que dice "Invertido", y la acción se repite en sentido inverso para que el castillo se vuelva a erigir bajo sus golpes.

Cecil Hepworth perfeccionó esta técnica imprimiendo el negativo del movimiento hacia adelante en sentido inverso, fotograma a fotograma, de modo que en la producción de la copia la acción original se invertía exactamente. Hepworth realizó Los bañistas en 1900, en la que los bañistas que se han desnudado y saltado al agua parecen salir disparados hacia atrás, y su ropa vuelve mágicamente a sus cuerpos.

El uso de diferentes velocidades de cámara también surgió alrededor de 1900. En *On a Runaway Motor Car through Piccadilly Circus * (1899), de Robert Paul, la cámara giraba tan lentamente que, al proyectarse la película a los habituales 16 fotogramas por segundo, el paisaje parecía pasar a gran velocidad. Cecil Hepworth utilizó el efecto contrario en * The Indian Chief and the Seidlitz powder* (1901), donde un ingenuo indígena americano ingiere una gran cantidad de un medicamento efervescente para el estómago, lo que provoca que este se expanda y luego salte como un globo. Esto se logró haciendo girar la cámara más rápido que los 16 fotogramas por segundo habituales, lo que produjo el primer efecto de " cámara lenta ".