Presión del canal

Channel Pressure es el álbum debut deldúo de música electrónica Ford & Lopatin , formado por los productores Daniel Lopatin ( también conocido como Oneohtrix Point Never ) y Joel Ford. Tras abandonar su nombre anterior, "Games", por motivos legales, grabaron el álbum en Gary's Electric Studios en Brooklyn , Nueva York . Fue lanzado el 7 de junio de 2011 como el primer álbum publicado por Software, el sello discográfico de Lopatin bajo el sello Mexican Summer .

Channel Pressure es un álbum conceptual sobre un adolescente llamado Joey Rogers al que le lavan el cerebro las voces de una supercomputadora . Musicalmente, el álbum se nutre de una ecléctica variedad de estilos musicales de los años 80, incluyendo electropop , soul blanco , R&B , jazz fusión y new age , así como técnicas de producción más elaboradas y de mayor calidad que las escuchadas en sus lanzamientos anteriores. Cuenta con la producción y las voces de Al Carlson, Autre Ne Veut y Jeff Gitelman .

El álbum fue promocionado con dos sencillos, "Emergency Room" y "Too Much MIDI (Please Forgive Me)". Channel Pressure obtuvo críticas favorables de periodistas musicales profesionales tras su lanzamiento, y ocupó el puesto número 18 en una lista de fin de año de los mejores álbumes de 2011 elaborada por Gorilla vs. Bear .

Ford & Lopatin se formaron en 2009 bajo el nombre de Games. ^{[ 3 ]} Su disco debut That We Can Play (2010) fue un EP que se produjo grabando y editando una única improvisación estéreo de Pro Tools . ^{[ 4 ]} En una entrevista de agosto de 2010, Ford dijo que se había reunido recientemente en Brooklyn con el hijo de Jan Hammer , quien era fan del proyecto Tigercity, para poder hablar sobre la grabación de los sintetizadores para el primer álbum de larga duración de Games en el estudio de Hammer en el norte del estado de Nueva York, y anunció que comenzarían a grabar el LP en el estudio en diciembre: "Todavía estamos perfeccionando [ sic ] el concepto, pero definitivamente incluye cortes atléticos y jazz-fusión suave". ^{[ 3 ]}

En otoño de 2010, Keith Abrahamsson y Andrés Santo Domingo, fundadores del sello Mexican Summer , conversaron con Ford y Lopatin, sugiriéndoles que formaran un nuevo sello y estudio bajo Mexican Summer. ^{[ 5 ]} En febrero de 2011, el dúo cambió su nombre a Ford & Lopatin, supuestamente para evitar problemas legales con el artista de Interscope Records , Game , ^{[ 4 ]} y fundaron el sello Software bajo Mexican Summer; Channel Pressure fue el primer lanzamiento de Software. ^{[ 6 ]} Al igual que That We Can Play , Channel Pressure se produjo con el software Pro Tools. ^{[ 7 ]} Sin embargo, se grabó en un estudio mucho más grande con equipos más avanzados, lo que significa que la grabación de las sesiones de improvisación involucró instrumentos que se enviaron a múltiples canales en lugar de una sola pista como en That We Can Play , lo que dio lugar a muchas más posibilidades en la forma en que se crearía y editaría cada canción. ^{[ 4 ]}

Lopatin dijo que su uso del programa para hacer Channel Pressure aumentó su comodidad y familiaridad con el programa. Describió el proceso de desarrollo como "una especie de cosa del Álbum Blanco, donde algunas canciones fueron impulsadas más por Joel, otras por mí. Pero cualesquiera que fueran las ideas que estaban sobre la mesa, ambos estábamos juntando un montón de cosas". ^{[ 7 ]} El sintetizador Gaia de Roland se usó para lograr lo que él llamó "los extraños sonidos de papá scat": "Definitivamente es como si quisiéramos hacer algo casi de J-pop , caricaturesco y tener esta sobrecarga de momentos de sintetizador interesantes, al estilo de Thomas Dolby , donde te muestra todas estas pequeñas cosas extrañas [...] pero de una manera divertida que no es pretenciosa, siendo un zoológico de pequeñas emociones y formas de sintetizador". ^{[ 7 ]}

El estilo de Channel Pressure fue descrito por Beats per Minute como una mezcla de " electropop retro de los 80 , ganchos alegres, temas de mundos de videojuegos con tintes new age , R&B industrial de la era de Rhythm Nation y una capa generosamente aplicada de cursilería sintetizada" ^{[ 8 ]} y por la revista Spin como un pastiche al estilo de Ariel Pink . ^{[ 9 ]} Algunos críticos señalaron los arreglos y estructuras sonoras frenéticas y con fallos del disco. AllMusic describió el álbum como "que difumina los límites entre el digi-funk frágil, el R&B suave y empalagoso, el jazz fusión extraño , el electro- prog desordenado y el new age cursi ". ^{[ 2 ]} Scott Morrow de la revista Alarm categorizó el álbum como un "giro moderno y experimental" de la música de los 80 y describió el sonido como " Prefuse 73 girando alrededor del tema de Miami Vice ". ^{[ 10 ]} En palabras de Patrick Hajduch, otro periodista de la revista Alarm , Channel Pressure es una "amalgama nerviosa y repetitiva de vibraciones basura de los 80" donde las grabaciones de instrumentos y voces se reducen en frecuencia de muestreo , se "deconstruyen" y se "vuelven a juntar"; el disco tiene un "sonido suave de los 80 y estructuras de canciones cuasi R&B " que contradicen su "programación loca". ^{[ 10 ]}

La edición de sonido frenética es más frecuente en la faceta instrumental del álbum, ^{[ 10 ]} donde, como explicó Conrad Tao de Sputnikmusic , "las capas se construyen unas sobre otras y desaparecen sin previo aviso, los ritmos aparecen de la nada y los flangers se emplean con generosidad". ^{[ 11 ]} El crítico de PopMatters, Richard Elliott, señaló un "tartamudeo del pasado" en las partes de batería del álbum que era un símbolo de la "batalla general entre lo analógico y lo digital, lo "real" y lo sintetizado, que ocupó gran parte de la estética de esa época". ^{[ 12 ]}

Como analizó Becker, el uso de voces en Channel Pressure convierte al álbum en "una colección de canciones pop en lugar de otro álbum electrónico instrumental tan viejo que es nuevo". ^{[ 8 ]} Joel Ford canta en falsete ^{[ 1 ]} al estilo de Green Gartside , ^{[ 1 ]} Jimmy Somerville , ^{[ 12 ]} y Lewis Taylor , ^{[ 1 ]} y sus voces están filtradas con auto-tune . ^{[ 1 ]} Tao describió el canto como "inquietantemente inexpresivo" y "deliberadamente robótico, actuando como la voz de Dios si Dios sonara como una versión masculina de GLaDOS "; analiza que el aspecto robótico del canto le da a "las melodías conscientemente cursis una bienvenida (aunque superficial) sensación de gravedad". ^{[ 11 ]}

Channel Pressure es un álbum conceptual imaginado como una historia retrofuturista que tiene lugar en el año 2082. ^{[ 1 ]} Combinando elementos de las tramas de WarGames (1983), ^{[ 1 ]} Tron (1982), ^{[ 1 ]} y Donnie Darko (2001), ^{[ 2 ]} la historia involucra a un antihéroe adolescente de "modos suaves" llamado Joey Rogers que es sometido a un lavado de cerebro por varias voces transmitidas a su subconsciente por una supercomputadora que controla la industria discográfica llamada System II desde un televisor mientras duerme. ^{[ 13 ] [ 14 ] [ 2 ] [ 1 ]} Las voces lo controlan para que irrumpa en una tienda de equipos de música. ^{[ 14 ]} Rowan Savage encontró esta historia similar al concepto de Victor Tausk de la "máquina de influencia" que controla al humano. Explicó que la frecuente cantidad de referencias a la televisión en las letras "situan el álbum en algún punto entre la tecnología del pasado y la del futuro, entre 1984 y la separación virtualizada de la imagen de la máquina". ^{[ 1 ]} Ford y Lopatin concibieron la idea del personaje de Joey Rogers mientras viajaban en autobús a Boston , Massachusetts . ^{[ 13 ]}

Channel Pressure comienza con "Scumsoft", donde Rogers, mientras cambia de canal en el televisor, es poseído por fragmentos de programas demoníacos. ^{[ 13 ]} La pista es un montaje de muestras de videos de YouTube elegidos al azar que Lopatin reprodujo a través del filtro de eco de cinta de Al Carlson. ^{[ 13 ]} Lopatin describió en broma a YouTube como el "segundo mejor sintetizador" utilizado para la creación del álbum, siendo superado por el Roland Jupiter-8 . ^{[ 13 ]} Heems del grupo de hip hop alternativo Das Racist grabó un verso completo para el álbum, pero solo se usó una parte y apareció cerca del final de "Scumsoft". ^{[ 13 ]} La pista que da título a Channel Pressure , descrita por Lopatin como "una de las jams MIDI de Jupiter 8 más desarrolladas ", presenta la supercomputadora System II que lava el cerebro de Rogers a lo largo del álbum. ^{[ 13 ]} En esta pista, la computadora tiene la voz de Julia Krivonos, miembro del personal de Mexican Summer. ^{[ 13 ]} Las cuerdas de Omnisphere que suenan durante el estribillo de la canción fueron añadidas por Ford y Lopatin después de que se hiciera la mezcla, lo que enfureció a Guillermo. ^{[ 13 ]} Paisajes sonoros secos y ominosos al estilo dub , ^{[ 15 ]} una guitarra con influencias ska ^{[ 15 ]} tocada por Jeff Gitelman, y un riff de trino de flauta repetitivo que interpreta un riff al estilo del tema de El bueno, el malo y el feo también están presentes en la instrumentación. ^{[ 11 ]}

"Emergency Room" fue el sencillo principal de Channel Pressure , lanzado el 25 de abril de 2011. ^{[ 16 ]} Es una canción alegre que Zach Kelly de Pitchfork comparó con "bandas sonoras olvidadas de películas B de la década del exceso" ^{[ 17 ]} y Ken Taylor de XLR8R con las obras de Oingo Boingo . ^{[ 18 ]} En la mitad de la duración de la canción, ^{[ 17 ]} el solo de guitarra de estilo jazz metal de Gitelman se interpreta con punzantes voces inarmónicas de fondo. ^{[ 13 ]} Todos los momentos esporádicos se calman cuando Ford canta "Aunque estoy maltrecho, las voces se están yendo". ^{[ 17 ]} El riff de bajo Roland D-50 de la canción ^{[ 13 ]} fue comparado por Kelly con el de la canción " Cars " de Gary Numan . ^{[ 17 ]} En "Rock Center Paranoia", que Lopatin llamó una "improvisación de metal falso", ^{[ 13 ]} Rogers tiene un ataque de ansiedad en una tienda de equipos de música. ^{[ 13 ]} La canción incluye un Minimoog que el dúo compró en la puerta contigua a donde estaban grabando Channel Pressure , así como otra parte de guitarra de Gitelman donde está "destrozando al estilo de séptimo grado". ^{[ 13 ]}

"Too Much MIDI (Please Forgive Me)" fue el segundo sencillo de Channel Pressure ; fue el primero de diez temas que se publicaron bajo el programa de sencillos de Adult Swim de 2011. ^{[ 19 ]} Tras su lanzamiento el 13 de junio de 2011 bajo el programa, recibió la etiqueta de "Mejor tema nuevo" de una reseña del tema por Kelly para Pitchfork . ^{[ 20 ]} El tema muestra a Rogers emocionado por grabar un álbum en su propio mundo de ensueño mientras viaja en un hatchback por una autopista elevada . ^{[ 13 ]} Comienza como un lamento ^{[ 20 ]} que suena como lo que Lopatin describió como un "mundo subterráneo de vapor S&M ", ^{[ 13 ]} arreglado musicalmente con sintetizadores de "sonido alienígena" y sonidos que se encuentran comúnmente en la música industrial . ^{[ 20 ]} Luego se convierte en un "éxito arquetípico del synth pop" con toques de sintetizador que recuerdan a los de " Purple Rain " de Prince y The Revolution y "un lamento de guitarra deliciosamente cursi", analizó Kelly. ^{[ 20 ]} Savage comparó su instrumental con " Blue Monday " de New Order y señaló su "característica estética de bajo sin trastes" similar a la del músico Mick Karn . ^{[ 1 ]}

Como la "receta secreta" de Ford y Lopatin, la mayoría de las canciones escritas para Channel Pressure , comenzaron como canciones de smooth jazz antes de que Ford y Lopatin comenzaran a experimentar con ellas. ^{[ 13 ]} La creación de "New Planet" es el mejor ejemplo de este proceso; ^{[ 13 ]} Ford y Lopatin construyeron la pista en torno a melodías principales de guitarra de bajo sin trastes y pads de sintetizador, y Prefuse 73 , en palabras del dúo, "llevó esta por encima de las nubes". ^{[ 13 ]} Descrita en broma por Ford y Lopatin como "nuestra dulce jam de imitación de ELO ", "The Voices" tiene un doble significado lírico ; la canción trata sobre Roger escuchando voces, pero al mismo tiempo también habla de las melodías pegadizas que el narrador odia tener en su cabeza. ^{[ 13 ]} A pesar del sonido glitch de la pista, la canción también contiene elementos de música pop que le dan un tono melancólico y perfumado. ^{[ 13 ]} Le sigue el tema principal de Joey Rogers, que lleva su nombre y trata sobre la necesidad de que System II produzca el disco que quiere hacer, el cual, en palabras de Ford, "domina sus sueños". ^{[ 13 ]}

"Dead Jammer" fue descrito por Ford como " un John McLaughlin ambiental que se encuentra con Jerry Garcia y Steve Roach ". ^{[ 13 ]} Los característicos riffs de sintetizador arpegiados y ecos de cinta de Jan Hammer están presentes en la pista, así como el trabajo de guitarra de Andrew Brady de Tigercity. ^{[ 13 ]} Fue descrito por Marrow como una " mezcla polirrítmica pero relajante donde la guitarra, el bajo y los sonidos programados hacen cosas diferentes". ^{[ 10 ]} "Break Inside", etiquetada como "la jam de Babyface " durante el desarrollo, presenta a Autre Ne Veut y Gitelman cantando la misma melodía vocal principal en diferentes estilos, mientras que Ford actúa como "un pegamento informático extraño que los mantiene unidos", dijo Lopatin. ^{[ 13 ]} Categorizada como una canción de "reggae Casio para amantes " por Lopatin, "I Surrender" es otra pista en Channel Pressure que presenta las voces de Autre Ne Veut. ^{[ 13 ]} La canción es seguida por "Green Fields", otro corte influenciado por Hammer en Channel Pressure . ^{[ 13 ]} Musicalmente influenciada por la canción " Oh Yeah " de Yello que Ford y Lopatin escucharon en un anuncio de televisión de Twix , "World of Regret" es la parte de la historia del álbum donde tiene lugar la "última cena hedonista" de Rogers, con un coro de "padres" asistiendo a ella. ^{[ 13 ]} Channel Pressure cierra con "G's Dream".

Channel Pressure obtuvo críticas moderadamente positivas tras su lanzamiento. El crítico de PopMatters, Richard Elliot, escribió una reseña muy favorable del disco, calificándolo como "una obra de herencia heroica, que reorganiza una era que con demasiada frecuencia se descarta como estéril y vacía" y un disco que "mejora con cada escucha, con cada desvelamiento de sus capas más obvias y brillantes". ^{[ 12 ]} Analizó que el LP estaba "lejos de estar sujeto a una nostalgia por la inautenticidad, o un deseo de estilo sobre el contenido", y el dúo "se involucra en el trabajo de la memoria , uniendo texturas y recomponiendo fragmentos de sonido de maneras que desafían y cambian su lógica original". ^{[ 12 ]} También destacó cómo los arreglos "rotos" e inestables de las pistas se convierten en "sonidos pop mágicos". ^{[ 12 ]} K. Ross Hoffman, periodista de AllMusic , lo comparó con el álbum Stainless Style (2008) de Neon Neon , escribiendo que Channel Pressure "es igualmente disfrutable como una minuciosa recreación de época empapada de nostalgia neón y náuseas de nylon, y como una pieza de música pop electrónica excelente (aunque decididamente distorsionada) por derecho propio". ^{[ 2 ]} Elogió la habilidad del dúo para hacer que los sonidos de la música de la década de 1980 "se sientan sorprendentemente frescos, gracias a su evidente afecto por el material y su igualmente dedicada atención a las canciones [...] y los sonidos". ^{[ 2 ]}

Larry Fitzmaurice calificó a Channel Pressure como "sobrecargado y ridículo, pero también una invitación tentadora a conectarse y desconectarse". Elogió las voces y la instrumentación "meramente funcional", opinando que ayuda a "mantener el equilibrio correcto", así como la composición al estilo de la vieja escuela. ^{[ 15 ]} Savage describió Channel Pressure como una "creación que es a partes iguales experimentación y familiaridad, sinceridad cursi, afecto adolescente, diagnósticos culturales y una generosa racha de encanto ingenuo". ^{[ 1 ]} Destacó cómo las melodías "no se impresionarán instantáneamente en la conciencia, sino que se abrirán paso en ella", lo cual fue ingenioso dado el concepto del álbum sobre computadoras que manipulan el comportamiento de un humano. ^{[ 1 ]} Hajduch elogió Channel Pressure como "algo extraño y bastante universalmente agradable al mismo tiempo" y uno de los pocos discos que rinden un homenaje adecuado a la música de la década de 1980. ^{[ 10 ]} Reseña para Exclaim! Cam Lindsay elogió el álbum por ser "ingenioso" y accesible para muchos oyentes, sin dejar de ser complejo. ^{[ 25 ]} El LP llegó más tarde al puesto número 16 en la lista de la publicación de los "20 mejores álbumes de música dance y electrónica de 2011". ^{[ 26 ]} Tao destacó la complejidad de los sonidos utilizados en el álbum, lo que ayudó a que valiera la pena escucharlo repetidamente dado que las letras en su mayoría tienen "referencias vagas al concepto del álbum o expresan algún sentimiento genérico del tipo "El Gran Hermano está vigilando"." ^{[ 11 ]}

En una reseña más mixta, el escritor Ben Schumer opinó que, si bien el LP era "entretenido", no era "más que una cápsula del tiempo". ^{[ 24 ]} También señaló que los oyentes de las obras del proyecto Oneohtrix Point Never se "sorprenderían de lo extravagante que puede llegar a ser el oscuro señor del synth". ^{[ 24 ]} Becker lo describió como "un viaje innegablemente divertido a través de sueños con temática de EPCOT y misticismo tecnológico", comparándolo con "un dulce; no es bueno para la salud, pero tiene un sabor delicioso y se bebe fácilmente". ^{[ 8 ]} Sin embargo, también lo comparó con el álbum Returnal (2010) de Lopatin, lanzado un año antes, y con las obras de Joel Vandroogenbroeck y los artistas de Software Peter Mergener y Michael Weisser, quienes produjeron música del mismo estilo que Channel Pressure más de 20 años antes. Opinó que, en ese sentido, "gran parte de Channel Pressure se queda corto decepcionantemente". ^{[ 8 ]} Taylor consideró que el LP era inferior al lanzamiento anterior del proyecto That We Can Play (2010); opinó que la interpretación autoconsciente y "sobreestudiada" del dúo sobre la música de los años 80, así como la "composición y producción centradas y [...] demasiado pensadas" en Channel Pressure, se hicieron a expensas de la "agradable espontaneidad" de That We Can Play . ^{[ 18 ]} Sintió que esto llevó a que "se nos presentaran demasiadas referencias culturales". ^{[ 18 ]} En general, describió el disco como "anticuado, pero no en el buen sentido". ^{[ 18 ]} Channel Pressure fue el número 18 en la lista de Gorilla vs. Bear de los mejores álbumes de 2011. ^{[ 27 ]}

Derivado de la presión del canal . ^{[ 28 ]}

Derivado de las notas del álbum Channel Pressure . ^{[ 28 ]}