arte católico

El arte católico es aquel producido por o para miembros de la Iglesia Católica . Esto incluye las artes visuales ( iconografía ), la escultura , las artes decorativas , las artes aplicadas y la arquitectura . En un sentido más amplio, también se puede incluir la música católica y otras expresiones artísticas. Las manifestaciones artísticas pueden o no intentar ilustrar, complementar y representar de forma tangible la doctrina católica. El arte católico ha desempeñado un papel fundamental en la historia y el desarrollo del arte occidental desde al menos el siglo IV. El tema principal del arte católico ha sido la vida y la época de Jesucristo , junto con las personas asociadas a él, incluidos sus discípulos , los santos y motivos de la Biblia católica .

Las obras de arte más antiguas que se conservan son los frescos pintados en las paredes de las catacumbas y casas de reunión de los cristianos perseguidos del Imperio Romano . La Iglesia en Roma estuvo influenciada por el arte romano y los artistas religiosos de la época. Los sarcófagos de piedra de los cristianos romanos exhiben las estatuas talladas más antiguas que se conservan de Jesús, María y otras figuras bíblicas. La legalización del cristianismo con el Edicto de Milán (313) transformó el arte católico, que adoptó formas más ricas como los mosaicos y los manuscritos iluminados . La controversia de la iconoclasia dividió brevemente a la Iglesia Occidental y a la Iglesia Oriental , tras lo cual el desarrollo artístico progresó en direcciones separadas. El arte románico y gótico floreció en la Iglesia Occidental a medida que el estilo de la pintura y la estatuaria se orientaba hacia un naturalismo cada vez mayor.

La Reforma Protestante del siglo XVI produjo nuevas oleadas de destrucción de imágenes, a las que la Iglesia Católica respondió con los estilos barroco y rococó , dramáticos, elaborados y emotivos, para enfatizar la belleza como algo trascendental . En el siglo XIX, el liderazgo del arte occidental se alejó de la Iglesia Católica, que, tras abrazar el historicismo, se vio cada vez más influenciada por el movimiento modernista , un movimiento que, en su "rebelión" contra la naturaleza, contrarresta el énfasis de la Iglesia en la naturaleza como una buena creación de Dios .

El arte cristiano es casi tan antiguo como el propio cristianismo. Las esculturas cristianas más antiguas provienen de sarcófagos romanos , que datan de principios del siglo II. Sin embargo, como secta perseguida, las primeras imágenes cristianas eran arcanas y estaban destinadas a ser comprensibles solo para los iniciados. Entre los primeros símbolos cristianos se incluyen la paloma, el pez, el cordero, la cruz, la representación simbólica de los Cuatro Evangelistas como bestias y el Buen Pastor . Los primeros cristianos también adaptaron motivos decorativos romanos como el pavo real, las vides y el Buen Pastor. Es en las Catacumbas de Roma donde aparecen por primera vez numerosas representaciones reconocibles de figuras cristianas. La iglesia doméstica de Dura-Europos , recientemente excavada en la frontera con Siria, data de alrededor del año 265 d. C. y conserva muchas imágenes del período de persecución. Los frescos que se conservan del baptisterio se encuentran entre las pinturas cristianas más antiguas. Podemos ver el "Buen Pastor", la "Curación del paralítico" y "Cristo y Pedro caminando sobre las aguas". Un fresco mucho más grande representa a las dos Marías visitando la tumba de Cristo. ^{[ 2 ]}

En el siglo IV, el Edicto de Milán permitió el culto público cristiano y propició el desarrollo de un arte monumental cristiano. Los cristianos pudieron construir edificios de culto más grandes y suntuosos que los lugares de reunión clandestinos que habían utilizado hasta entonces. Las fórmulas arquitectónicas existentes para los templos resultaban inadecuadas, ya que los sacrificios paganos se realizaban al aire libre, a la vista de los dioses, con el templo, que albergaba las figuras de culto y el tesoro, como telón de fondo. Como modelo arquitectónico para las grandes iglesias, los cristianos eligieron la basílica , el edificio público romano utilizado para la justicia y la administración. Estas basílicas-iglesias tenían una nave central con una o más naves laterales y un ábside redondeado en un extremo: sobre esta plataforma elevada se sentaban el obispo y los sacerdotes , así como el altar . Aunque parece que los primeros altares se construían de madera (como en el caso de la iglesia de Dura-Europos), los altares de este período se construían de piedra y comenzaron a presentar diseños más elaborados. Ahora se podían utilizar materiales más ricos para el arte, como los mosaicos que decoran Santa Maria Maggiore en Roma y las basílicas del siglo V de Rávena , donde comienzan a desarrollarse secuencias narrativas.

Gran parte del arte cristiano tomó prestada la iconografía imperial, incluyendo a Cristo en Majestad y el uso del halo como símbolo de santidad. El arte cristiano de la Antigüedad tardía reemplazó el naturalismo helenístico clásico con una estética más abstracta. El propósito principal de este nuevo estilo era transmitir un significado religioso en lugar de representar con precisión objetos y personas. La perspectiva realista, las proporciones, la luz y el color fueron ignorados en favor de la simplificación geométrica, la perspectiva inversa y las convenciones estandarizadas para representar individuos y eventos. Los iconos de Cristo, María y los santos, las tallas de marfil [ ^{3 ]} y los manuscritos iluminados se convirtieron en medios importantes, aún más importantes en términos de comprensión moderna, ya que casi todas las pocas obras que sobreviven, aparte de ^los edificios, de este período consisten en estos objetos portátiles.

La consagración de Constantinopla como capital en el año 330 d. C. creó un nuevo e importante centro artístico cristiano para el Imperio Romano de Oriente , que pronto se convirtió en una unidad política independiente. Entre las principales iglesias constantinopolitanas construidas bajo el emperador Constantino y su hijo, Constancio II , se encuentran los cimientos originales de Santa Sofía y la Iglesia de los Santos Apóstoles . ^{[ 4 ]} A medida que el Imperio Romano de Occidente se desintegraba y era conquistado por pueblos considerados «bárbaros», el arte del Imperio Bizantino alcanzó niveles de sofisticación, poder y maestría nunca antes vistos en el arte cristiano, y estableció los estándares para aquellas partes de Occidente que aún mantenían contacto con Constantinopla.

Este logro se vio contrarrestado por la controversia sobre el uso de imágenes talladas y la interpretación correcta del Segundo Mandamiento, lo que condujo a la crisis de la iconoclasia o destrucción de imágenes religiosas, que sacudió el Imperio entre 726 y 843. La restauración del iconodismo ortodoxo resultó en una estricta estandarización de la iconografía religiosa dentro de la Iglesia Ortodoxa Oriental . El arte bizantino se volvió cada vez más conservador, ya que la forma de las imágenes mismas, muchas de las cuales se atribuían a un origen divino o se creía que habían sido pintadas por San Lucas u otras figuras, se consideraba que tenía un estatus casi igual al de un texto bíblico. Podían copiarse, pero no mejorarse. Como concesión al sentimiento iconoclasta, la escultura religiosa monumental fue prohibida de facto. Ninguna de estas actitudes prevaleció en Europa Occidental, pero el arte bizantino, no obstante, tuvo una gran influencia allí hasta la Alta Edad Media , y siguió siendo muy popular mucho después, con un gran número de iconos de la Escuela Cretense exportados a Europa hasta el Renacimiento . Siempre que fue posible, se contrató a artistas bizantinos para proyectos como los mosaicos de Venecia y Palermo . Los enigmáticos frescos de Castelseprio podrían ser un ejemplo de la obra de un artista griego que trabajó en Italia.

El arte del catolicismo oriental siempre ha estado más cerca del arte ortodoxo de Grecia y Rusia, y en países cercanos al mundo ortodoxo, especialmente en Polonia , el arte católico presenta numerosas influencias ortodoxas. La Virgen Negra de Częstochowa bien podría ser de origen bizantino; ha sido repintada y resulta difícil determinarlo. Otras imágenes de origen griego, como la Salus Populi Romani y Nuestra Señora del Perpetuo Socorro , ambas iconos en Roma, han sido objeto de veneración específica durante siglos.

Aunque a menudo se ha resistido a esta influencia, sobre todo en Rusia, el arte católico también ha afectado a las representaciones ortodoxas en muchos aspectos, especialmente en países como Rumanía y en la Escuela Cretense posbizantina , que lideró el arte ortodoxo griego bajo el dominio veneciano en los siglos XV y XVI. El Greco abandonó Creta siendo relativamente joven, pero Miguel Damaskinos regresó tras una breve estancia en Venecia y pudo alternar entre los estilos italiano y griego. Incluso el tradicionalista Teófanes el Cretense , que trabajó principalmente en el Monte Athos , muestra, sin embargo, una inconfundible influencia occidental.

La postura teológica católica sobre las imágenes sagradas se ha mantenido prácticamente idéntica a la expuesta en los Libri Carolini , si bien esta, la expresión medieval más completa de la visión occidental sobre las imágenes, era desconocida durante la Edad Media. Fue redactada alrededor del año 790 para Carlomagno después de que una mala traducción llevara a su corte a creer que el Segundo Concilio de Nicea bizantino había aprobado el culto a las imágenes, lo cual no era cierto. La respuesta católica propuso una postura intermedia entre las posiciones extremas de la iconoclasia bizantina y los iconódulos , aprobando la veneración de las imágenes por lo que representaban, pero sin aceptar lo que se convertiría en la postura ortodoxa, según la cual las imágenes participaban en cierta medida de la naturaleza de aquello que representaban (una creencia que resurgiría más tarde en Occidente con el neoplatonismo renacentista ).

Para la Iglesia occidental, las imágenes eran simplemente objetos hechos por artesanos, utilizados para estimular los sentidos de los fieles y respetados por el tema representado, no por sí mismos. Si bien en la práctica devocional popular a menudo ha existido una tendencia a trascender estos límites, antes del surgimiento de la idea de coleccionar arte antiguo, la Iglesia solía ser implacable al deshacerse de las imágenes que ya no necesitaba, para gran pesar de los historiadores del arte. La mayor parte de la escultura monumental del primer milenio que ha sobrevivido fue desmantelada y reutilizada como escombros en la reconstrucción de iglesias.

En cuestiones prácticas relativas al uso de imágenes, a diferencia de su lugar teórico en la teología, los Libri Carolini se situaban en el extremo antiicónico del espectro de las posturas católicas, mostrando, por ejemplo, una clara desaprobación del encendido de velas ante las imágenes. Estas opiniones eran expresadas con frecuencia por líderes eclesiásticos individuales, como el famoso ejemplo de San Bernardo de Claraval , aunque muchos otros se inclinaban en sentido contrario y fomentaban y encargaban obras de arte para sus iglesias. De hecho, Bernardo solo se oponía a las imágenes decorativas en los monasterios que no fueran específicamente religiosas, y predicadores populares como San Bernardino de Siena y Savonarola criticaban con frecuencia las imágenes seculares propiedad de los laicos.

Si bien la estructura política del Imperio Romano de Occidente se derrumbó tras la caída de Roma, la Iglesia continuó financiando el arte siempre que pudo. Las obras más numerosas que se conservan de este período temprano son manuscritos iluminados, presumiblemente creados por el clero, a menudo incluyendo abades y otras figuras importantes. El híbrido monástico entre los estilos decorativos "bárbaros" y el libro en el arte insular de las Islas Británicas desde el siglo VII tuvo una enorme influencia en el arte europeo durante el resto de la Edad Media , ofreciendo una vía alternativa al clasicismo, transmitida al continente por la misión hiberno-escocesa . En este período, el libro de los Evangelios , con el arte figurativo confinado principalmente a los retratos de los evangelistas , solía ser el tipo de libro más ricamente decorado; el Libro de Kells es el ejemplo más famoso.

El emperador Carlomagno, en el siglo IX , se propuso crear obras de arte acordes con el estatus de su Imperio restaurado. El arte carolingio y otoniano se limitaba en gran medida al círculo de la corte imperial y a distintos centros monásticos, cada uno con su propio estilo artístico. Los artistas carolingios intentaron conscientemente emular los ejemplos de arte bizantino y de la Antigüedad tardía que tenían a su alcance, copiando manuscritos como la Cronografía del año 354 y produciendo obras como el Salterio de Utrecht , que aún divide a los historiadores del arte sobre si se trata de una copia de un manuscrito mucho más antiguo o de una creación carolingia original. Este, a su vez, fue copiado tres veces en Inglaterra, la última en estilo gótico temprano.

Las tallas de marfil, a menudo para cubiertas de libros, se inspiraron en los dípticos de la Antigüedad tardía . Por ejemplo, las cubiertas delantera y trasera de los Evangelios de Lorsch son de un triunfo imperial del siglo VI, adaptado al triunfo de Cristo y la Virgen. Sin embargo, también se inspiraron en la tradición insular, especialmente en los detalles decorativos, a la vez que la mejoraron notablemente en cuanto a la representación de la figura humana. En abadías y conventos de toda Europa occidental se producían copias de las escrituras o libros litúrgicos ilustrados en pergamino y adornados con metales preciosos. Una obra como el Códice Áureo de Estocolmo ("Libro de Oro") podía estar escrita en pan de oro sobre pergamino púrpura , imitando los manuscritos imperiales romanos y bizantinos. ^{[ 5 ]} El arte anglosajón solía ser más libre, haciendo un mayor uso de dibujos lineales vivos, y existían otras tradiciones distintas, como el grupo de extraordinarios manuscritos mozárabes de España, incluido el Beato de San Severo , y los de Girona y la Biblioteca Morgan .

Carlomagno poseía un crucifijo de tamaño natural con la figura de Cristo en metal precioso en su capilla palatina de Aquisgrán , y muchos objetos similares, ahora desaparecidos, se conservan en grandes iglesias anglosajonas y otros lugares. La Virgen Dorada de Essen y algunas figuras relicarias más pequeñas son todo lo que queda de esta espectacular tradición, completamente ajena a las normas bizantinas. Al igual que la figura de Essen, se presume que todas estaban hechas de finas láminas de oro o plata sostenidas por un núcleo de madera.

El arte románico , precedido en gran medida por el prerrománico , se desarrolló en Europa occidental desde aproximadamente el año 1000 d. C. hasta el auge del estilo gótico. La construcción de iglesias se caracterizó por un aumento en altura y tamaño general. Las bóvedas se sostenían sobre gruesos muros de piedra, pilares macizos y arcos de medio punto. Los interiores oscuros estaban iluminados por frescos de Jesús, María y los santos, a menudo basados ​​en modelos bizantinos.

Las tallas en piedra adornaban los exteriores e interiores, especialmente el tímpano sobre la entrada principal, que a menudo representaba a Cristo en Majestad o en Juicio, y el gran crucifijo de madera fue una innovación alemana al comienzo del período. Los capiteles de las columnas también solían estar elaboradamente tallados con escenas figurativas. El conjunto de iglesias grandes y bien conservadas de Colonia , entonces la ciudad más grande al norte de los Alpes, y Segovia en España, se encuentran entre los mejores lugares hoy para apreciar el impacto de las nuevas iglesias de mayor tamaño en el paisaje urbano, pero existen muchos edificios individuales, desde las catedrales de Durham , Ely y Tournai hasta un gran número de iglesias individuales, especialmente en el sur de Francia e Italia. En las zonas más prósperas, muchas iglesias románicas sobreviven cubiertas por una remodelación barroca, mucho más fácil de realizar en estas que en una iglesia gótica.

Pocos de los grandes murales que originalmente cubrían la mayoría de las iglesias han sobrevivido en buen estado. El Juicio Final se representaba normalmente en la pared occidental, con un Cristo en Majestad en la semicúpula del ábside. Se desarrollaron extensos ciclos narrativos de la Vida de Cristo , y la Biblia, junto con el Salterio , se convirtió en el foco principal de la iluminación, con un amplio uso de iniciales historiadas . La orfebrería, incluyendo la decoración en esmalte , se volvió muy sofisticada, y han sobrevivido muchos santuarios espectaculares hechos para albergar reliquias, de los cuales el más conocido es el Santuario de los Tres Reyes Magos en la Catedral de Colonia, obra de Nicolás de Verdún y otros (ca. 1180–1225).

El arte gótico surgió en Francia a mediados del siglo XII. La Basílica de Saint-Denis, construida por el abad Suger, fue el primer gran edificio de estilo gótico. Las nuevas órdenes monásticas , especialmente los cistercienses y los cartujos , fueron importantes constructores que desarrollaron estilos distintivos que difundieron por toda Europa. Los frailes franciscanos construyeron iglesias urbanas funcionales con enormes naves abiertas para predicar a grandes congregaciones. Sin embargo, las variaciones regionales siguieron siendo importantes, incluso cuando, a finales del siglo XIV, se había desarrollado un estilo universal coherente conocido como gótico internacional , que perduró hasta finales del siglo XV y más allá en muchas zonas. Los principales medios del arte gótico fueron la escultura, la pintura sobre tabla , las vidrieras , el fresco y el manuscrito iluminado , aunque la imaginería religiosa también se expresó en la metalistería, los tapices y las vestimentas bordadas. Las innovaciones arquitectónicas del arco apuntado y el arbotante permitieron la construcción de iglesias más altas y ligeras con grandes superficies acristaladas. El arte gótico aprovechó al máximo este nuevo entorno, narrando historias a través de pinturas, esculturas, vidrieras y una arquitectura imponente. La catedral de Chartres es un claro ejemplo de ello.

El arte gótico solía ser de naturaleza tipológica , reflejando la creencia de que los acontecimientos del Antiguo Testamento prefiguraban los del Nuevo, y que ese era, de hecho, su principal significado. Escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento se mostraban una junto a la otra en obras como el Speculum Humanae Salvationis y en la decoración de iglesias. El período gótico coincidió con un gran resurgimiento de la devoción mariana , en la que las artes visuales desempeñaron un papel fundamental. Las imágenes de la Virgen María evolucionaron desde los tipos hieráticos bizantinos, pasando por la Coronación de la Virgen , hasta representaciones más humanas e íntimas, y los ciclos de la Vida de la Virgen gozaron de gran popularidad. Artistas como Giotto , Fra Angelico y Pietro Lorenzetti en Italia, y la pintura flamenca temprana , aportaron realismo y una humanidad más natural al arte. Los artistas occidentales, y sus mecenas, adquirieron mayor confianza en la iconografía innovadora , y se observa una mayor originalidad, aunque la mayoría de los artistas seguían utilizando fórmulas copiadas. El libro de horas se desarrolló principalmente para el público laico con recursos económicos —el ejemplo más antiguo conocido parece haber sido escrito para una laica desconocida que vivía en un pequeño pueblo cerca de Oxford alrededor de 1240— y, a partir de entonces, los manuscritos reales y aristocráticos se convirtieron en el tipo de manuscrito que con mayor frecuencia se decoraba con profusión. La mayor parte del arte religioso, incluidos los manuscritos iluminados, era ahora producido por artistas laicos, pero el mecenas que encargaba la obra solía especificar con detalle su contenido.

La iconografía se vio afectada por los cambios en la teología, con las representaciones de la Asunción de María ganando terreno a la antigua Muerte de la Virgen , y en prácticas devocionales como la Devotio Moderna , que produjo nuevas representaciones de Cristo en temas de andachtsbilder como el Varón de Dolores , Cristo Pensativo y la Piedad , que enfatizaban su sufrimiento humano y vulnerabilidad, en un movimiento paralelo al de las representaciones de la Virgen. Muchas de estas imágenes eran ahora pequeños óleos destinados a la meditación y devoción privadas en los hogares de los ricos. Incluso en el Juicio Final, Cristo solía mostrarse con el pecho descubierto para mostrar las heridas de su Pasión . Los santos se representaban con mayor frecuencia, y los retablos mostraban santos relevantes para la iglesia o el donante en particular asistiendo a una Crucifixión o a la Virgen con el Niño entronizada , o bien ocupando ellos mismos el espacio central (esto generalmente en obras destinadas a capillas laterales). Durante ese período, muchos elementos iconográficos antiguos que se originaron en los apócrifos del Nuevo Testamento fueron eliminados gradualmente bajo la presión clerical, como las parteras en la Natividad , aunque otros estaban demasiado arraigados y se consideraban inofensivos. ^{[ 6 ]}

En la pintura flamenca temprana, procedente de las ciudades más ricas del norte de Europa, un nuevo realismo minucioso en la pintura al óleo se combinó con sutiles y complejas alusiones teológicas, expresadas con precisión a través de la minuciosa representación de escenas religiosas. El retablo de Mérode (década de 1420) de Robert Campin y la Anunciación o Virgen del Canciller Rolin de Washington Van Eyck (ambas de la década de 1430, de Jan van Eyck ) son ejemplos de ello. ^{[ 7 ]}

En el siglo XV, la introducción de grabados baratos , principalmente en madera , permitió incluso a los campesinos tener imágenes devocionales en casa. Estas imágenes, diminutas y de baja calidad, a menudo con colores toscos, se vendían por miles, pero ahora son extremadamente raras, ya que la mayoría fueron pegadas a las paredes. Los recuerdos de peregrinaciones a santuarios, como insignias de arcilla o plomo, medallas y ampollas estampadas con imágenes, también eran populares y baratos. A partir de mediados de siglo , los libros impresos en xilografía , con texto e imágenes grabados, parecen haber sido asequibles para los párrocos de los Países Bajos , donde gozaron de mayor popularidad. A finales de siglo, los libros impresos con ilustraciones, todavía en su mayoría sobre temas religiosos, se volvieron rápidamente accesibles para la próspera clase media, al igual que los grabados de bastante calidad de impresores como Israhel van Meckenem y el Maestro ES

Para los ricos, los pequeños cuadros sobre tabla , incluso los polípticos al óleo , se estaban volviendo cada vez más populares, mostrando a menudo retratos de donantes junto a la Virgen o los santos representados, aunque generalmente en un tamaño mucho menor. Estos solían exhibirse en el hogar.

El arte renacentista , fuertemente influenciado por el "renacimiento" (en francés: renaissance ) del interés por el arte y la cultura de la antigüedad clásica, inicialmente continuó las tendencias del período precedente sin cambios fundamentales, pero utilizando vestimentas y escenarios arquitectónicos clásicos que, después de todo, eran muy apropiados para las escenas del Nuevo Testamento. Sin embargo, se aprecia una clara pérdida de intensidad religiosa en muchas pinturas religiosas del Renacimiento temprano : los famosos frescos de la Capilla Tornabuoni de Domenico Ghirlandaio (1485-1490) parecen más interesados ​​en la representación detallada de escenas de la vida burguesa de la ciudad que en sus temas reales, la Vida de la Virgen y la de Juan el Bautista , y la Capilla de los Reyes Magos de Benozzo Gozzoli (1459-1461) es más una celebración del estatus de los Medici que una llegada de los Reyes Magos . Ambos ejemplos (que aún utilizaban vestimenta contemporánea) provienen de Florencia , el corazón del Renacimiento temprano, y el lugar donde el carismático predicador dominico Savonarola lanzó su ataque contra el mundanismo de la vida y el arte de los ciudadanos, culminando en su famosa Hoguera de las Vanidades en 1497; de hecho, otros predicadores habían estado realizando eventos similares durante décadas, pero a menor escala. Muchos artistas del Renacimiento temprano , como Fra Angelico y Botticelli, eran extremadamente devotos, y este último fue uno de los muchos que cayeron bajo la influencia de Savonarola.

El breve Alto Renacimiento ( c. 1490-1520 ) de Leonardo da Vinci , Miguel Ángel y Rafael transformó el arte católico de manera más profunda, rompiendo con la iconografía tradicional, que estaba completamente integrada con las convenciones teológicas, para crear composiciones originales que reflejaban tanto los imperativos artísticos como la influencia del humanismo renacentista . Tanto Miguel Ángel como Rafael trabajaron casi exclusivamente para el Papado durante gran parte de sus carreras, incluyendo el año 1517, cuando Martín Lutero escribió sus Noventa y cinco tesis . La conexión entre ambos eventos no fue meramente cronológica, ya que las indulgencias que provocaron a Lutero contribuyeron a financiar el programa artístico papal, como han señalado numerosos historiadores.

La mayoría de las pinturas del siglo XV de este período eran religiosas. Esto es evidente, en cierto sentido, pero "pinturas religiosas" se refiere a algo más que una determinada gama de temas; significa que las pinturas existían para cumplir fines institucionales. La Iglesia encargaba obras de arte por tres razones principales: la primera era la adoctrinación, ya que las imágenes claras podían transmitir significado a una persona sin educación. La segunda era la facilidad de recuerdo, pues las representaciones de santos y otras figuras religiosas permitían un punto de contacto mental. La tercera era infundir asombro en el corazón del espectador; Juan de Génova creía que esto era más fácil de lograr con imágenes que con palabras. Considerando estos tres principios, se puede suponer que el oro se utilizaba para inspirar asombro en la mente y el corazón del observador, mientras que más tarde, durante la Reforma Protestante, la capacidad de representar el oro mediante el uso de pigmentos simples demostraba la habilidad del artista de una manera que la aplicación de pan de oro a un panel no lo hace ^{[ 9 ].}

La Reforma Protestante supuso un holocausto del arte en muchas partes de Europa. Si bien el luteranismo estaba dispuesto a convivir con gran parte del arte católico existente siempre que no se convirtiera en objeto de devoción, las posturas más radicales de Calvino , Zwinglio y otros consideraban las imágenes religiosas públicas de cualquier tipo como idolatría , y el arte fue sistemáticamente destruido en las zonas donde sus seguidores ejercían influencia. Este proceso destructivo continuó hasta mediados del siglo XVII, cuando las guerras de religión dieron paso a periodos de control protestante iconoclasta sobre gran parte del continente. En Inglaterra y Escocia, la destrucción del arte religioso, especialmente intensa durante la Commonwealth inglesa , fue particularmente grave. Sobrevivieron algunas esculturas de piedra, manuscritos iluminados y vidrieras (de gran coste de reemplazo), pero de las miles de obras de arte de alta calidad, tanto pintadas como talladas en madera, producidas en la Gran Bretaña medieval, prácticamente ninguna se conserva. ^{[ 10 ]}

En Roma, el saqueo de 1527 por el emperador católico Carlos V y sus tropas mercenarias, en su mayoría protestantes, fue enormemente destructivo tanto para el arte como para los artistas, muchos de cuyos registros biográficos terminan abruptamente. Otros artistas lograron escapar a diferentes partes de Italia, a menudo encontrando dificultades para retomar el rumbo de sus carreras. Los artistas italianos, con alguna excepción como Girolamo da Treviso , parecen haber tenido poca atracción por el protestantismo. En Alemania, sin embargo, las figuras más destacadas, como Albrecht Dürer y sus discípulos, Lucas Cranach el Viejo , Albrecht Altdorfer y la escuela del Danubio , y Hans Holbein el Joven , siguieron a los reformadores. El desarrollo de la pintura religiosa alemana se detuvo abruptamente hacia 1540, aunque se siguieron produciendo numerosos grabados e ilustraciones de libros, especialmente de temas del Antiguo Testamento.

La pintura italiana posterior a 1520, con la notable excepción del arte veneciano , evolucionó hacia el Manierismo , un estilo sumamente sofisticado que buscaba el efecto y que preocupó a muchos clérigos por su falta de atractivo para el gran público. La presión de la Iglesia para restringir las imágenes religiosas afectó al arte a partir de la década de 1530 y culminó en los decretos de la sesión final del Concilio de Trento en 1563, que incluían pasajes breves y bastante ambiguos sobre las imágenes religiosas, los cuales tendrían un gran impacto en el desarrollo del arte católico. Los concilios anteriores de la Iglesia Católica rara vez habían sentido la necesidad de pronunciarse sobre estos asuntos, a diferencia de los ortodoxos , que a menudo se han pronunciado sobre tipos específicos de imágenes.

El decreto confirmó la doctrina tradicional de que las imágenes solo representaban a la persona retratada, y que la veneración a las mismas se rendía a la persona misma, no a la imagen, e instruyó además que:

...se eliminará toda superstición... se evitará toda lascivia; de tal manera que las figuras no se pinten ni se adornen con una belleza que incite a la lujuria... no se verá nada desordenado, ni dispuesto de forma indecorosa o confusa, nada profano, nada indecoroso, puesto que la santidad conviene a la casa de Dios. Y para que estas cosas se observen con mayor fidelidad, el santo Sínodo ordena que a nadie se le permita colocar, ni hacer colocar, ninguna imagen inusual, en ningún lugar o iglesia, por muy exenta que esté, a menos que dicha imagen haya sido aprobada por el obispo... ^{[ 11 ]}

Diez años después del decreto, Paolo Veronese fue citado por la Inquisición para explicar por qué su Última Cena , un enorme lienzo para el refectorio de un monasterio, contenía, en palabras de la Inquisición: "bufones, alemanes borrachos, enanos y otras groserías semejantes", así como trajes y escenarios extravagantes, en lo que es, de hecho, una versión fantástica de un banquete patricio veneciano. ^{[ 12 ]} A Veronese se le dijo que debía cambiar su pintura en un plazo de tres meses; de hecho, solo cambió el título a El banquete en la casa de Leví , que seguía siendo un episodio de los Evangelios, pero uno menos central doctrinalmente, y no se dijo nada más. ^{[ 13 ]} Pero el número de tales tratamientos decorativos de temas religiosos disminuyó drásticamente, al igual que las piezas manieristas "desordenadas de manera indecorosa o confusa", ya que varios libros, en particular del teólogo flamenco Molanus ( De Picturis et Imaginibus Sacris, pro vero earum usu contra abusus ("Tratado sobre imágenes sagradas"), 1570), el cardenal Federico Borromeo ( De Pictura Sacra ) y el cardenal Gabriele Paleotti ( Discorso , 1582), e instrucciones de obispos locales, ampliaron los decretos, a menudo entrando en detalles minuciosos sobre lo que era aceptable. Uno de los primeros de estos, Degli Errori dei Pittori (1564), del teólogo dominico Andrea Gilio da Fabriano, se unió al coro de críticas al Juicio Final de Miguel Ángel y defendió la naturaleza devota y sencilla de gran parte de la imaginería medieval. Pero otros escritores fueron menos comprensivos con el arte medieval y muchas iconografías tradicionales consideradas sin fundamento bíblico adecuado fueron, de hecho, prohibidas (por ejemplo, el Desmayo de la Virgen ), al igual que cualquier inclusión de elementos paganos clásicos en el arte religioso, y casi toda desnudez, incluida la del Niño Jesús. ^{[ 14 ]} Según el medievalista Émile Mâle , esto fue «la muerte del arte medieval». ^{[ 15 ]}

El arte barroco, que se desarrolló durante las décadas posteriores al Concilio de Trento, aunque el grado de influencia que este tuvo en él es objeto de debate, ciertamente cumplió con la mayoría de los requisitos del concilio, especialmente en las fases iniciales y más sencillas asociadas con los Carracci y Caravaggio , quienes, sin embargo, se enfrentaron a la oposición clerical por el realismo de sus figuras sagradas.

Los temas se mostraban de forma directa y dramática, con relativamente pocas alusiones abstrusas. La variedad de temas se amplió considerablemente, ya que los artistas barrocos se deleitaban encontrando nuevos episodios bíblicos y momentos dramáticos de la vida de los santos. A medida que el movimiento avanzaba en el siglo XVII, la simplicidad y el realismo tendieron a disminuir, más lentamente en España y Francia, pero el dramatismo se mantuvo, producido por la representación de momentos extremos, el movimiento dramático, el color y la iluminación de claroscuro , y, si era necesario, multitudes de querubines agitados y nubes arremolinadas, todo ello destinado a abrumar al devoto. La arquitectura y la escultura buscaban los mismos efectos; Bernini (1598-1680) personifica el estilo barroco en estas artes. El arte barroco se extendió por la Europa católica y las misiones de ultramar de Asia y América, promovido por los jesuitas y los franciscanos , destacando la pintura y/o la escultura de la Escuela de Quito , la Escuela de Cuzco y la Escuela Chilote de Imagen Religiosa .

Entre los nuevos temas icónicos que se popularizaron en el Barroco se encontraban el Sagrado Corazón de Jesús y la Inmaculada Concepción de María; la iconografía definitiva de esta última parece haber sido establecida por el maestro y luego suegro de Diego Velázquez , el pintor y teórico Francisco Pacheco , a quien la Inquisición de Sevilla también encomendó la aprobación de nuevas imágenes. La Asunción de María se convirtió en un tema muy común, y (a pesar de un Caravaggio sobre el tema) la Muerte de la Virgen prácticamente desapareció del arte católico; Molanus y otros habían escrito en contra de ella.

En el siglo XVIII, el barroco profano evolucionó hacia el estilo rococó , aún más exuberante pero más ligero , que resultó difícil de adaptar a temas religiosos, aunque Gianbattista Tiepolo lo logró. A finales de siglo, se produjo una reacción, sobre todo en la arquitectura, contra el barroco, y un retorno a las formas clásicas y palladianas más austeras .

Para entonces, el ritmo de producción de arte religioso se estaba ralentizando notablemente. Tras una oleada de construcción y reconstrucción en el período barroco, los países católicos estaban claramente sobreabastecidos de iglesias, monasterios y conventos, en el caso de algunos lugares como Nápoles , casi de forma absurda. La Iglesia era ahora menos importante como mecenas que la realeza y la aristocracia, y la demanda de arte de la clase media, mayoritariamente secular, aumentaba rápidamente. Los artistas podían ahora tener una carrera exitosa pintando retratos, paisajes, bodegones u otras especialidades de género, sin pintar nunca un tema religioso, algo hasta entonces inusual en los países católicos, aunque durante mucho tiempo la norma en los protestantes. El número de ventas de pinturas, objetos de metal y otros accesorios de iglesia a coleccionistas privados aumentó durante el siglo, especialmente en Italia, donde el Grand Tour dio lugar a redes de comerciantes y agentes. La Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci , de Londres , fue vendida al artista y comerciante escocés Gavin Hamilton por la iglesia de Milán para la que fue pintada alrededor de 1781; La versión que se encuentra en el Louvre , al parecer, fue desviada de la misma iglesia tres siglos antes por el propio Leonardo para ser entregada al rey de Francia.

Las guerras posteriores a la Revolución Francesa propiciaron la apropiación de grandes cantidades de las mejores obras de arte, especialmente pinturas, por parte de los ejércitos franceses o los regímenes seculares que estos establecieron. Muchas fueron enviadas a París para el Louvre (algunas fueron devueltas posteriormente, otras no) o a museos locales fundados por los franceses, como el Museo de Brera en Milán . La supresión de los monasterios, que llevaba décadas en marcha bajo los déspotas católicos ilustrados del Antiguo Régimen , por ejemplo, en el Edicto sobre las instituciones ociosas (1780) de José II de Austria , se intensificó considerablemente. Hacia 1830, gran parte del mejor arte religioso católico se exhibía al público en museos, como ha sido el caso desde entonces. Esto, sin duda, amplió el acceso a muchas obras y promovió la conciencia pública sobre el patrimonio del arte católico, pero a un precio, ya que los objetos pasaron a considerarse de importancia principalmente artística más que religiosa, y se vieron fuera de su contexto original y del entorno para el que fueron diseñados.

El siglo XIX presenció un rechazo generalizado, tanto por parte de las iglesias católicas como protestantes, del clasicismo, asociado a la Revolución Francesa y al secularismo de la Ilustración . Esto dio lugar al renacimiento gótico , un retorno a las formas de influencia gótica en la arquitectura, la escultura y la pintura, liderado por figuras como Augustus Pugin en Inglaterra y Eugène Viollet-le-Duc en Francia. En todo el mundo, se construyeron miles de iglesias y catedrales góticas en una nueva oleada de edificación religiosa, y el estilo gótico colegial se convirtió en la norma para otras instituciones eclesiásticas. Las iglesias góticas medievales, especialmente en Inglaterra y Francia, fueron restauradas, a menudo de forma muy drástica. En la pintura, actitudes similares dieron lugar al movimiento nazareno alemán y a los prerrafaelitas ingleses . Ambos movimientos acogieron a miembros tanto católicos como protestantes, e incluyeron a algunos artistas que se convirtieron al catolicismo. Fuera de estos y otros movimientos similares, el mundo artístico establecido produjo mucha menos pintura religiosa que en cualquier otro momento desde el Imperio Romano, aunque se realizaron numerosos tipos de arte aplicado para la decoración de iglesias en estilo gótico. El arte católico popular comercial floreció gracias a técnicas más económicas para la reproducción en masa. La litografía en color permitió reproducir imágenes a color a bajo costo, lo que propició una mayor circulación de estampas religiosas . Gran parte de este arte continuó utilizando versiones simplificadas de los estilos barrocos. El Inmaculado Corazón de María fue un tema novedoso del siglo XIX, y las nuevas apariciones en Lourdes y Fátima , así como los nuevos santos, proporcionaron nuevos temas para el arte.

Los arquitectos comenzaron a revivir otros estilos cristianos anteriores y a experimentar con otros nuevos, dando como resultado obras como el Sacré-Cœur en París, la Sagrada Familia en Barcelona y la Catedral de Westminster en Londres , de influencia bizantina . El siglo XX propició la adopción de estilos modernistas en la arquitectura y el arte. Este movimiento rechazó las formas tradicionales en favor de formas utilitarias con una mínima decoración. El arte que surgió en este movimiento prescindió del naturalismo y las cualidades humanas, favoreciendo las formas estilizadas y abstractas. Ejemplos de modernismo incluyen la Catedral Metropolitana de Cristo Rey de Liverpool y la Catedral de Los Ángeles .

Entre los artistas católicos modernos se incluyen Brian Whelan , Efren Ordoñez , Ade Bethune , Imogen Stuart y Georges Rouault . ^{[ 16 ]}

La temprana adopción de estilos modernistas a principios del siglo XXI continuó con las tendencias del siglo XX. Los artistas comenzaron a experimentar con materiales y colores. En muchos casos, esto contribuyó a simplificaciones que dieron lugar a una semejanza con el arte paleocristiano. La simplicidad se consideraba la mejor manera de transmitir mensajes cristianos puros al espectador. ^{[ 17 ]}

En el siglo XXI, el arte católico recibió influencias de movimientos artísticos globales como el estilo anime japonés . Luce , la mascota oficial del Jubileo de 2025 , se inspiró en diseños de personajes de estilo anime. ^{[ 18 ]}

El Díptico de Wilton ( c. 1395-1399 ), témpera sobre madera, cada sección de 57  cm ×  29,2  cm (22,44 pulg. × 11,50 pulg.). National Gallery, Londres .   

Algunos de los temas más comunes representados en el arte católico:

• Categoría: Iconografía cristiana

La vida de Cristo en el arte :

• Anunciación
• La Natividad de Jesús en el arte
• Adoración de los Magos
• Adoración de los pastores
• El bautismo de Jesús
• La Última Cena
• El arresto de Jesús
• La Elevación de la Cruz
• La crucifixión
• Descendimiento de la Cruz
• Noli me tangere
• Ascensión de Jesús
• Cristo en Majestad

María:

• Arte mariano católico romano
• Vida de la Virgen
• Cristo despidiéndose de su Madre
• Muerte de la Virgen
• La Asunción de la Virgen María en el arte
• Coronación de la Virgen
• La Sagrada Familia
• Virgen (arte)
• Virgen y Niño
• Hortus conclusus
• Pariente sagrado

Otro:

• La Trinidad en el arte
• Ángeles en el arte
• Retrato de un evangelista
• Maestà
• Vía Crucis
• Árbol de Jesé

• arte cristiano
• cultura católica
• Lista de artistas católicos
• Arte mariano católico romano
• pintura del Renacimiento temprano
• arquitectura barroca
• Lista de manuscritos iluminados
• Pintura occidental

• Bühren, Ralf van ; Jasiński, Maciej Jan (2024), Lo divino invisible en la historia del arte. ¿Sigue siendo relevante Erwin Panofsky (1892–1968) para descifrar la iconografía cristiana?, en Church, Communication and Culture 9, pp.  1–36. DOI: 10.1080/23753234.2024.2322546.
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