Postexpresionismo

Para Roh, el "realismo mágico", como reacción al expresionismo, significaba declarar "[que] la autonomía del mundo objetivo que nos rodea debía disfrutarse una vez más; la maravilla de la materia que podía cristalizarse en objetos debía verse de nuevo". ^{[ 5 ]} Con este término, enfatizaba la "magia" del mundo normal tal como se nos presenta : cómo, cuando realmente miramos los objetos cotidianos, pueden parecer extraños y fantásticos.

En Italia, el estilo que identificó Roh surgió de la confluencia de un renovado interés por la armonía y la técnica, impulsado por el «retorno al orden», y el arte metafísico , un estilo desarrollado por Carlo Carrà y Giorgio de Chirico, dos miembros del Novecento. Carrà describió su propósito como la exploración de la vida interior imaginada de los objetos cotidianos cuando se representan fuera de sus contextos explicativos: su solidez, su singularidad en el espacio que se les asigna, el diálogo secreto que puede tener lugar entre ellos.

El pintor italiano más destacado asociado a este estilo es quizás Antonio Donghi , quien se mantuvo fiel a la temática tradicional —la vida cotidiana, los paisajes y los bodegones— pero la presentó con una composición sólida y una claridad espacial que le otorgaban gravedad y serenidad. Sus bodegones suelen consistir en un pequeño jarrón de flores, representado con la simetría cautivadora del arte naíf . También pintaba con frecuencia pájaros cuidadosamente dispuestos para su exhibición en sus jaulas, y perros y otros animales listos para actuar en espectáculos circenses, sugiriendo así una artificialidad superpuesta a la naturaleza. En Alemania, Anton Räderscheidt siguió un estilo similar al de Donghi, recurriendo al realismo mágico tras abandonar el constructivismo. Georg Schrimpf se asemeja en cierto modo a ambos, trabajando en un estilo influenciado por el primitivismo .

Filippo De Pisis , a menudo asociado con el arte metafísico , también puede considerarse un realista mágico. Al igual que Donghi, pintaba temas tradicionales, pero en lugar de desarrollar un estilo clásico estricto, empleaba una pincelada más pictórica para resaltar la intimidad de los objetos, de forma similar a los animistas belgas . Su asociación con el arte metafísico se debe a que solía contraponer objetos en sus bodegones, situándolos en una escena que les daba contexto.

Otro artista italiano considerado realista mágico es Felice Casorati , cuyas pinturas se caracterizan por una técnica refinada, pero a menudo por efectos de perspectiva inusuales y una audaz paleta de colores. En 1925, Rafaello Giolli resumió los aspectos desconcertantes del arte de Casorati: «Los volúmenes carecen de peso y los colores de cuerpo. Todo es ficticio: incluso los seres vivos carecen de toda vitalidad. El sol parece ser la luna... nada es fijo ni definitivo».

Otros artistas alemanes que trabajaron dentro de este estilo son Alexander Kanoldt y Carl Grossberg . Kanoldt pintaba bodegones y retratos, mientras que Grossberg pintaba paisajes urbanos y sitios industriales representados con fría precisión.

Los artistas más asociados hoy en día con la Nueva Objetividad son aquellos que Hartlaub identificó como «veristas». Estos artistas tendían a oponerse al expresionismo, pero no tanto representaban el «retorno al orden» como lo que consideraban la impotencia política del arte expresionista. Buscaban involucrarse en la política revolucionaria y su forma de realismo distorsionaba las apariencias para enfatizar lo feo, pues querían exponer lo que consideraban la fealdad de la realidad. Su arte era crudo, provocador y mordazmente satírico.

Bertolt Brecht , dramaturgo alemán, fue uno de los primeros críticos del expresionismo, al que calificó de limitado y superficial. Argumentaba que, al igual que en la política Alemania tenía un nuevo parlamento pero carecía de parlamentarios, en la literatura había una expresión de deleite por las ideas, pero no ideas nuevas, y en el teatro una «voluntad de drama», pero no verdadero drama. Sus primeras obras, Baal y Trommeln in der Nacht (Tambores en la noche), expresan un rechazo al interés de moda por el expresionismo. Opuesto al énfasis en la experiencia emocional individual propio del arte expresionista, Brecht inició un método colaborativo para la producción teatral, comenzando con su proyecto Man Equals Man (El hombre es igual al hombre) . ^{[ 6 ]}

En general, la crítica verista del expresionismo estuvo influenciada por el dadaísmo . Los primeros exponentes del dadaísmo se habían reunido en Suiza, un país neutral en la guerra, y, con un objetivo común, querían usar su arte como una forma de protesta moral y cultural, liberándose no solo de las limitaciones de la nacionalidad, sino también del lenguaje artístico, para expresar indignación política y alentar la acción política. ^{[ 7 ]} Para los dadaístas, el expresionismo expresaba toda la angustia y las ansiedades de la sociedad, pero era incapaz de hacer nada al respecto.

A partir de esto, el dadaísmo cultivó un «hiperrealismo satírico», como lo denominó Raoul Hausmann , cuyos ejemplos más conocidos son las obras gráficas y los fotomontajes de John Heartfield . El uso del collage en estas obras se convirtió en un principio compositivo para fusionar realidad y arte, como si se quisiera sugerir que registrar los hechos de la realidad implicaba ir más allá de las apariencias más simples de las cosas. ^{[ 8 ]} Esto se desarrolló posteriormente en retratos y escenas de artistas como George Grosz , Otto Dix y Rudolf Schlichter . Los retratos enfatizaban rasgos u objetos particulares que se consideraban aspectos distintivos de la persona retratada. Las escenas satíricas a menudo representaban una locura subyacente a lo que sucedía, mostrando a los participantes como caricaturas.

Otros artistas veristas , como Christian Schad, representaron la realidad con una precisión clínica, lo que sugería tanto un distanciamiento empírico como un conocimiento profundo del tema. Las pinturas de Schad se caracterizan por "una percepción artística tan aguda que parece penetrar hasta lo más profundo", según Schmied. ^{[ 9 ]} A menudo, introdujo elementos psicológicos en su obra, lo que sugería una realidad inconsciente subyacente a la vida.

En Bélgica, el expresionismo estuvo influenciado por artistas como James Ensor y Louis Pevernagie, quienes combinaron el expresionismo con el simbolismo . Ensor, conocido por sus pinturas de personas con máscaras, trajes de carnaval y junto a esqueletos, también pintaba escenas realistas, pero las impregnaba de pinceladas enérgicas, colores llamativos y fuertes contrastes para sugerir una extraña irrealidad, al igual que Pevernagie. El expresionismo también se manifestó en la Escuela de Latemse , donde sus seguidores, como Constant Permeke y Hubert Malfait, utilizaron la pincelada en la pintura y formas libres en la escultura para mostrar una realidad mística tras la naturaleza.

En lo que se denominó un «retour à l'humain» (retorno a lo humano), muchos artistas belgas de la posguerra conservaron la pincelada expresiva de sus predecesores, pero rechazaron las distorsiones antihumanas e irreales presentes en sus obras. Su objetivo era utilizar la pincelada expresiva para plasmar el alma o el espíritu de los objetos, las personas y los lugares que pintaban, en lugar de la angustia hiperbólica, externalizada y desproporcionada del artista. Estos artistas solían ser caracterizados como «introvertidos», en contraposición a los «extrovertidos» del expresionismo.

El crítico de arte belga Paul Haesaerts posteriormente denominó a este movimiento animismo , término que tomó del libro del antropólogo E.B. Tylor , *Cultura Primitiva* (1871), donde se describe el animismo como una religión primitiva basada en la idea de que un alma habitaba todos los objetos. Más tarde, impulsado por la crítica, Haesaerts también utilizó los términos realismo poético e intimismo , aunque animismo sigue siendo el término más común en la literatura. ^{[ 10 ]} El intimismo se referirá con mayor frecuencia al arte practicado por algunos miembros de los Nabis . ^{[ 11 ]}

El pintor más reconocido de este grupo es Henri-Victor Wolvens , quien pintó numerosas escenas de la playa y el mar en Ostende . En sus escenas playeras, las olas bravas están representadas con pinceladas toscas, las nubes en parches —más densas durante las tormentas— y la arena con un aspecto raspado. Las figuras están pintadas con la mayor sencillez posible, a menudo como figuras esquemáticas, y se les otorga translucidez y movimiento ; así, sus bañistas reflejan la actividad de la playa y esta actividad se funde con el vaivén de las olas en la orilla.

La obra de Floris Jespers estuvo fuertemente influenciada por el espíritu animista tras la guerra. Utiliza la forma y el color para dotar a los sujetos de sus pinturas de distintos grados de viveza, según la medida en que el espectador los asociaría con la vida real.

Otros pintores asociados a este movimiento son Anne Bonnet , Albert Dasnoy , Henri Evenepoel , Mayou Iserentant , Jacques Maes , Marcel Stobbaerts , Albert Van Dyck , Louis Van Lint , War Van Overstraeten y Jozef Vinck .

Filippo De Pisis, mencionado anteriormente, mostró tendencias animistas.

George Grard es el escultor más asociado al animismo. Al igual que los expresionistas, se opuso tanto al naturalismo como a las tendencias clásicas, pero utilizó exageraciones en sus modelos para realzar la expresividad y la sensualidad de la forma, y ​​eligió temas líricos. Grard fue amigo de Charles LePlae , quien tenía un estilo similar, pero se apegaba más a las formas naturales y clásicas.

Herman De Cuyper también está asociado con el animismo, y lo abstrajo en un grado más extremo que Grard o LaPlae, y en algunos aspectos es más similar a Henry Moore .

Corrado Cagli fue miembro de este grupo y se identificó a sí mismo y a otros que conoció como miembros de la “Nueva Escuela Romana de Pintura”, o nuovi pittori romani (nuevos pintores romanos). ^{[ 12 ]} Cagli habló de una sensibilidad que se extendía y de un Astro di Roma (Estrella Romana) que los guiaba, afirmándolo como la base poética de su arte:

En un amanecer primordial todo debe ser reconsiderado, y la Imaginación revive todas las maravillas y tiembla ante todos los misterios.

A veces denominado expresionismo romántico , el arte de este grupo exhibe un estilo pictórico audaz, expresivo y desordenado, violento y con cálidos tonos ocres y granates. A diferencia del expresionismo temprano, el foco no está en la angustia y la agitación, sino en ver el mundo con nuevos ojos, como describió Cagli, a través de la imaginación romántica. Sin embargo, el rigor formal del Novecento fue reemplazado por una visión claramente expresionista. ^{[ 13 ]}

Scipione dio vida a una especie de expresionismo barroco romano, donde aparecen paisajes a menudo decadentes del centro histórico barroco de Roma, poblado por sacerdotes y cardenales, vistos con una mirada vigorosamente expresiva y alucinatoria.

Mario Mafai pintó numerosas escenas de Roma y sus alrededores, empleando colores cálidos y cromáticos para transmitir una sensación de frescura y curiosidad pictórica. Esta tendencia se acentúa especialmente en su obra de 1936-1939, en una serie de pinturas titulada Demoliciones , donde, con el fin de hacer una declaración política, pintó la reestructuración urbana llevada a cabo por el régimen fascista. Durante la Segunda Guerra Mundial pintó una serie de Fantasías que representaban los horrores cometidos por los fascistas. ^{[ 14 ]} Antonietta Raphaël , esposa de Mafai y escultora, también fue miembro de este grupo.

Otro miembro fue Renato Guttuso , quien, al igual que Mafai, realizó pinturas que denunciaban el régimen fascista. Las obras de Guttuso suelen ser brillantes, vivaces y rozan la abstracción.

Emanuele Cavalli y Giuseppe Capogrossi tienen vínculos tanto con la Scuola Romana como con el realismo mágico.