Kara María

Las primeras obras de Maria, en su mayoría abstractas, fueron descritas por el crítico del San Francisco Chronicle, Kenneth Baker, como "post-Pop Art" con títulos de pintura de campos de color (por ejemplo, Pink/Green , 1998) que "incorporaban explosiones de tiras cómicas y líneas de velocidad en patrones de color que de otro modo serían elegantes". ^{[ 22 ]} Con pinturas como Boom y Un Jeu (ambas de 1999), comenzó a moverse hacia paletas más estridentes, representaciones gráficas, parecidas a dibujos animados, y comentarios culturales y sociales. ^{[ 12 ] [ 4 ] [ 10 ]} Por ejemplo, Boom , rosa, naranja y morado, yuxtaponía la exclamación del título, explosiones y estelas de humo con estrellas inscritas con dibujos de líneas blancas de manos y genitales de mujeres y un misil fálico de color lavanda; ^{[ 12 ]} Un Jeu era una obra de múltiples capas que incorporaba un patrón de interrupción de televisión, arabescos en bucle , siluetas de conejos y pistolas, y puntos negros que sugerían excrementos o perdigones de munición. ^{[ 4 ]} En otra serie, María —entonces vegetariana— representó cortes de carne basados ​​en imágenes de folletos de supermercados, incluyendo una baraja de cartas nudie en la que reemplazó torsos de mujeres con trozos de carne. ^{[ 31 ] [ 32 ]}

En trabajos posteriores, presentados en las exposiciones individuales "Paradise Lost" (2007) y "Dystopia" (2008), cambió a representaciones detalladas y realistas de figuras y objetos cargados de emoción que a menudo dominaban fondos con gestos abstractos y de arte pop. ^{[ 10 ] [ 29 ]} Estas pinturas fusionaron incómodamente la iconografía de la guerra (soldados, aviones de combate, patrones de camuflaje y referencias al escándalo de tortura de Abu Ghraib ), la carne palpable de la pornografía y la imaginería de la cultura de consumo (por ejemplo, Gas Pump , 2007) para lograr un efecto visceral. ^{[ 29 ] [ 7 ]} La pintura Hot and Bothered (2007) yuxtapuso un mandala decorativo junto con chorros de pintura rosa, púrpura y blanco al estilo Richter, de debajo de los cuales asomaban soldados armados y mujeres desnudas en poses provocativas, creando un campo de juego uniforme y cubierto de azúcar que fusionaba la violencia militar con la explotación sexual de las mujeres. ^{[ 10 ]} En una reseña de la exposición "Distopía", Reyhan Harmanci del San Francisco Chronicle escribió: "La energía en sus pinturas es intensa: Maria ha llevado el encuentro de mujeres desnudas e instrumentos de guerra más allá de lo aceptable, y las imágenes pueden impactar". ^{[ 7 ]} En sus exposiciones "Invitando a la tormenta" (2009) y "Artwarpornica" (2012), Maria amplió estos temas, introduciendo la preocupación por el estado del medio ambiente en su obra. ^{[ 33 ] [ 8 ]}

En 2014, Maria fue artista residente en Recology —el vertedero de la ciudad de San Francisco— donde se le retó a crear un conjunto de obras utilizando únicamente materiales desechados. ^{[ 30 ] [ 1 ]} Recogiendo lienzos y obras de arte producidas en masa y repintándolos con pintura acrílica reciclada, descubrió un nuevo tema. Incrustó retratos cuidadosamente elaborados de animales que habitaban o pasaban por el lugar (por ejemplo, gaviotas, mapaches, halcones) en composiciones de colores brillantes de formas abstractas disjuntas y arremolinadas que transmitían la cualidad tumultuosa y en constante movimiento de las instalaciones. ^{[ 9 ] [ 34 ]} Las pinturas mezclaban la alegría con una conciencia más sombría del abandono, el desplazamiento y el peligro —expresados ​​por criaturas aparentemente inconscientes que miraban directamente desde el lienzo— que hablaban de la interconexión de los humanos, los animales y los hábitats a través del consumo y los desechos. ^{[ 9 ] [ 30 ]} Amplió estas obras para incluir una gama más amplia de animales (por ejemplo, primates, rinocerontes, murciélagos y leopardos) y gestos pictóricos (explosiones estelares, estelas de vapor en espiral, espacios cuasi cubistas de bordes duros, manchas de pintura y puntos y rayas al estilo Lichtenstein) en la exposición "Haywire" (2015), que fue comparada en una reseña con un réquiem surrealista pop sobre una "resignación distópica". ^{[ 6 ] [ 35 ]}

En sus exposiciones "Post-Nature" (2018), "Regarding Extinction" (2021) y "Precious and Precarious" (2022), estas pinturas evolucionaron en representaciones en miniatura, al estilo de Audubon, de animales solitarios de especies en peligro de extinción de todo el mundo, inspiradas en parte por el libro de Elizabeth Kolbert , The Sixth Extinction: An Unnatural History (2014), que detallaba una pérdida de especies contemporánea proyectada sin precedentes desde la extinción de los dinosaurios. ^{[ 36 ] [ 11 ]} Estas criaturas a menudo eran apenas visibles en medio de lo que David M. Roth describió como "paisajes abstractos gonzo-poéticos: pastiches de abstracción gestual , Pop Art, iconografía de cómic de acción e historia natural representados en colores que hacen vibrar la retina, [que] son ​​ejercicios meticulosamente elaborados en un caos bien ordenado". ^{[ 1 ] [ 13 ]} Entre las especies representadas estaban el oso polar ( Not Fade Away , 2014 ), primates de ojos grandes ( Mayday ( tarsier ) , 2017 ), abejas perdidas entre formas geométricas, marcas gestuales y un arma de asalto ( Trump's Bee , 2017 ), y grullas blancas defendiéndose de manchas de pintura abstractas y SUV ( An Exercise of Freedom , 2018 ). ^{[ 3 ] [ 11 ]} The Sea, The Sky, The You And I (Blue Whale) (2021) representó una ballena flotando en un lienzo similar al tie-dye que sugiere las profundidades del océano, pero bañado con puntos azules, morados y magenta similares a fuegos artificiales, al estilo del Op art . ^{[ 5 ] [ 1 ]}

Los escritores han señalado en estas obras una clara metáfora visual de lo contenido frente a lo salvaje: animales desarmantemente imperturbables representados con gran control que sirven como puntos de calma, inmóviles dominados y empequeñecidos dentro de marañas abstractas decididamente antinaturales y heterogéneas. ^{[ 3 ] [ 6 ] [ 1 ]} Sugieren que la impactante disparidad transmite no solo una sensación de hábitats despojados de todos los marcadores familiares —y de la baja prioridad que los humanos otorgan a los animales— sino que también insinúa un futuro influenciado por la IA de la naturaleza bajo asedio y irremediablemente degradada. ^{[ 10 ] [ 5 ] [ 36 ]} David Roth sostuvo que las escenas de desorden catastrófico convertían a los espectadores en testigos, si no en cómplices, y "funcionaban como polémicas incendiarias, argumentos contra la ficción de que la vida puede existir separada o fuera de la naturaleza". ^{[ 36 ]} Jaimie Baron escribió: "Las vibrantes obras de Maria sirven como una interpretación extrañamente alegre y cinética de esta muerte animal inminente, tal vez similar a la segunda línea en un funeral de jazz de Nueva Orleans". ^{[ 11 ]}