Ellsworth Kelly

Ellsworth Kelly (31 de mayo de 1923  - 27 de diciembre de 2015) fue un pintor, escultor y grabador estadounidense asociado con la pintura de bordes duros , la pintura de campos de color y el minimalismo . Sus obras demuestran técnicas sencillas que enfatizan la línea, el color y la forma, similares a las de John McLaughlin y Kenneth Noland . Kelly solía emplear colores brillantes. Vivió y trabajó en Spencertown, Nueva York .

Kelly nació como el segundo de tres hijos de Allan Howe Kelly y Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly en Newburgh, Nueva York , aproximadamente a 60 millas al norte de la ciudad de Nueva York. ^{[ 1 ]} Su padre era un ejecutivo de una compañía de seguros de ascendencia escocesa-irlandesa y alemana. Su madre era una exmaestra de escuela de ascendencia galesa y germano-pensilvana. Su familia se mudó de Newburgh a Oradell, Nueva Jersey , un pueblo de casi 7500 habitantes. Su familia vivía cerca del embalse de Oradell , donde su abuela paterna lo introdujo a la ornitología cuando tenía ocho o nueve años.

Allí desarrolló su pasión por la forma y el color. John James Audubon tuvo una influencia particularmente fuerte en la obra de Kelly a lo largo de su carrera. El autor Eugene Goossen especuló que las pinturas de dos y tres colores (como Tres paneles: rojo, amarillo, azul, I, 1963) por las que Kelly es tan conocido pueden atribuirse a su afición por la observación de aves y al estudio de las aves de dos y tres colores que veía con tanta frecuencia desde temprana edad. Kelly dijo que a menudo estaba solo de niño y que se convirtió en una especie de "solitario". Tenía un ligero tartamudeo que persistió hasta su adolescencia. ^{[ 1 ]}

Kelly asistió a una escuela pública, donde las clases de arte hacían hincapié en los materiales y buscaban desarrollar la "imaginación artística". Este currículo era típico de la tendencia general en la educación que había surgido de las teorías de la educación progresista promulgadas por el Teachers College de la Universidad de Columbia , donde había enseñado el pintor modernista estadounidense Arthur Wesley Dow . ^{[ 1 ]} Aunque sus padres se mostraron reacios a apoyar la formación artística de Kelly, su maestra, Dorothy Lange Opsut, lo animó a ir más allá. ^{[ 2 ]} Como sus padres solo pagarían la formación técnica, Kelly estudió primero en el Instituto Pratt de Brooklyn , al que asistió desde 1941 hasta que se alistó en el Ejército el día de Año Nuevo de 1943. ^{[ 3 ]}

Al ingresar al servicio militar estadounidense en 1943, Kelly solicitó ser asignado al 603.er Batallón de Camuflaje de Ingenieros, que admitía a muchos artistas. Fue reclutado en Fort Dix, Nueva Jersey , y enviado a Camp Hale, Colorado , donde entrenó con tropas de esquí de montaña . Nunca antes había esquiado. De seis a ocho semanas después, fue transferido a Fort Meade, Maryland . ^{[ 1 ]} Durante la Segunda Guerra Mundial , sirvió con otros artistas y diseñadores en el Ejército Fantasma , una unidad de engaño del Ejército de los Estados Unidos que utilizaba tanques inflables, camiones y otros elementos de subterfugio para despistar a las fuerzas del Eje sobre la dirección y disposición de las fuerzas aliadas. ^{[ 4 ]} Antes de que la unidad fuera a Europa, experimentó con técnicas de camuflaje y ayudó a serigrafiar carteles que presentaban a las unidades de infantería los principios básicos del camuflaje. Una vez en Europa, pasó la mayor parte de su tiempo oficial al volante de un camión. ^{[ 5 ]}

Al igual que muchos otros artistas del Ejército Fantasma, realizó numerosos bocetos y pinturas durante su estancia en el frente europeo, y apreció la oportunidad de conocer la arquitectura y el paisaje europeos (y su breve visita a París). Su contacto con el camuflaje militar durante su servicio se convirtió en parte fundamental de su formación artística. ^{[ 1 ]} Kelly sirvió en la unidad desde 1943 hasta el final de la fase europea de la guerra. El Ejército Fantasma recibió la Medalla de Oro del Congreso el 21 de marzo de 2024, en una ceremonia celebrada en el Salón de la Emancipación del Capitolio de los Estados Unidos . ^{[ 6 ]}

Kelly utilizó la Ley GI para estudiar de 1946 a 1947 en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston , donde aprovechó las colecciones del museo, y luego en la École nationale supérieure des Beaux-Arts de París. Mientras estuvo en Boston, expuso en su primera exposición colectiva en la Galería Boris Mirski y dio clases de arte en el Norfolk House Center en Roxbury . ^{[ 7 ]} Mientras estuvo en París, Kelly estableció su estética. ^{[ 8 ]} Asistió a clases con poca frecuencia, pero se sumergió en los ricos recursos artísticos de la capital francesa. ^{[ 9 ]} Había escuchado una conferencia de Max Beckmann sobre el artista francés Paul Cézanne en 1948 y se mudó a París ese año. ^{[ 10 ]} Allí conoció a sus compatriotas estadounidenses John Cage y Merce Cunningham , que experimentaban con la música y la danza, respectivamente; el artista surrealista francés Jean Arp ; y el escultor abstracto Constantin Brâncuși , cuya simplificación de las formas naturales tuvo un efecto duradero en él. ^{[ 11 ]} La experiencia de visitar a artistas como Alberto Magnelli , Francis Picabia , Alberto Giacometti y Georges Vantongerloo en sus estudios fue transformadora. ^{[ 12 ]}

Tras pasar seis años en el extranjero, el francés de Kelly seguía siendo deficiente y solo había vendido un cuadro. En 1953 fue desalojado de su estudio y regresó a Estados Unidos al año siguiente. ^{[ 13 ]} Se había interesado en el arte tras leer una reseña de una exposición de Ad Reinhardt , un artista con cuya obra sentía que la suya guardaba relación. A su regreso a Nueva York, encontró el mundo del arte «muy duro». ^{[ 1 ]} Aunque Kelly es considerado hoy un innovador y contribuyente esencial al movimiento artístico estadounidense, a muchos les resultaba difícil encontrar la conexión entre su arte y las tendencias estilísticas dominantes. ^{[ 8 ]} En mayo de 1956, Kelly realizó su primera exposición en la ciudad de Nueva York, en la galería de Betty Parsons . Su arte se consideraba más europeo de lo que era popular en Nueva York en aquel momento. Volvió a exponer en su galería en otoño de 1957. Tres de sus obras: Atlantic , Bar y Painting in Three Panels, fueron seleccionadas para la exposición «Young America 1957» del Museo Whitney de Arte Estadounidense , donde se exhibieron. Sus obras se consideraban radicalmente diferentes de las de los otros veintinueve artistas. Por ejemplo, «Pintura en tres paneles» fue particularmente destacada; en su momento, los críticos cuestionaron que creara una obra a partir de tres lienzos. ^{[ 1 ]} Por ejemplo, Michael Plante afirmó que, con frecuencia, las obras de múltiples paneles de Kelly resultaban estrechas debido a las restricciones de instalación, lo que reducía la interacción entre las piezas y la arquitectura de la sala. ^{[ 14 ]}

Finalmente, Kelly se mudó de Coenties Slip , donde a veces había compartido un estudio con su amiga y también artista Agnes Martin , al noveno piso del edificio de apartamentos cooperativos Hotel des Artistes en 27 West 67th Street. ^{[ 15 ]}

Kelly dejó la ciudad de Nueva York para ir a Spencertown en 1970 y allí se le unió su pareja, el fotógrafo Jack Shear, en 1984. ^{[ 16 ]} Desde 2001 hasta su muerte, Kelly trabajó en un estudio de 20 000 pies cuadrados en Spencertown, reconfigurado y ampliado por el arquitecto Richard Gluckman ; el estudio original había sido diseñado por los arquitectos Werner Feibes y James Schmitt, con sede en Schenectady , a cambio de una pintura específica para el lugar que Kelly creó para ellos. ^{[ 17 ]} Kelly y Shear se mudaron en 2005 a la residencia que compartieron hasta la muerte del pintor, una casa colonial revestida de madera construida alrededor de 1815. ^{[ 16 ]} Shear se desempeña como director de la Fundación Ellsworth Kelly. ^{[ 12 ]} En 2015, Kelly entregó su concepto de diseño de edificio para un lugar de contemplación al Museo de Arte Blanton en la Universidad de Texas en Austin. Titulado Austin , el edificio de piedra de 251 metros cuadrados (2715 pies cuadrados), que cuenta con vidrieras de colores, una escultura totémica de madera y paneles de mármol blanco y negro, es el único edificio que diseñó Kelly y su obra más monumental. ^{[ 18 ]} Austin , que Kelly diseñó treinta años antes, se inauguró en febrero de 2018. ^{[ 19 ]}

Kelly murió en Spencertown, Nueva York , el 27 de diciembre de 2015, a los 92 años. ^{[ 20 ]}

Cuadro

Durante su estancia en París, Kelly continuó pintando la figura humana, pero en mayo de 1949 realizó sus primeras pinturas abstractas. ^{[ 2 ]} Observando cómo se dispersaba la luz en la superficie del agua, pintó Seine (1950), compuesta por rectángulos blancos y negros dispuestos al azar. En 1951 comenzó una serie de ocho collages titulada Spectrum Colors Arranged by Chance I to VIII . La creó utilizando tiras de papel numeradas; cada una correspondía a un color, uno de los dieciocho tonos diferentes que debían colocarse en una cuadrícula de 40 pulgadas por 40 pulgadas. Cada uno de los ocho collages empleó un proceso diferente. ^{[ 21 ]}

El descubrimiento que Kelly hizo en 1952 de la obra tardía de Monet le infundió una nueva libertad de expresión pictórica: comenzó a trabajar en formatos extremadamente grandes y exploró los conceptos de serialidad y pintura monocromática. ^{[ 22 ]} Como pintor, a partir de entonces trabajó exclusivamente en un modo abstracto. A finales de la década de 1950, su pintura enfatizaba la forma y las masas planas (a menudo asumiendo formatos no rectilíneos). Su obra de este período también proporcionó un puente útil entre la abstracción geométrica estadounidense de vanguardia de las décadas de 1930 y principios de 1940 y el minimalismo y el arte reductivo de mediados de las décadas de 1960 y 1970. ^{[ 2 ]} La pintura en relieve de Kelly, Blue Tablet (1962), por ejemplo, se incluyó en la exposición fundamental de 1963, Toward a New Abstraction , en el Museo Judío . ^{[ 23 ]}

Durante la década de 1960, comenzó a trabajar con lienzos de ángulos irregulares. Yellow Piece (1966), el primer lienzo con forma del artista, representa la ruptura crucial de Kelly con el soporte rectangular y su redefinición de la relación figura/fondo en la pintura. Con sus esquinas curvas y un único color que lo abarca todo, el lienzo mismo se convierte en la composición, transformando la pared que hay detrás en el fondo del cuadro. ^{[ 24 ]}

En la década de 1970 añadió formas curvas a su repertorio. ^{[ 22 ]} Green White (1968) marca la primera aparición del triángulo en la obra de Kelly, una forma que se repite a lo largo de su carrera; la pintura se compone de dos lienzos monocromáticos con formas distintas, instalados uno encima del otro: un trapecio verde invertido de gran tamaño se sitúa verticalmente sobre un triángulo blanco más pequeño, formando una nueva composición geométrica. ^{[ 25 ]}

Tras dejar Nueva York para instalarse en Spencertown en 1970, alquiló un antiguo teatro en la cercana localidad de Chatham, lo que le permitió trabajar en un estudio más espacioso que cualquiera de los que había ocupado anteriormente. Después de trabajar allí durante un año, Kelly se embarcó en una serie de 14 pinturas que conformarían la Serie Chatham . Cada obra tiene la forma de una vara invertida y está compuesta por dos lienzos unidos, cada uno monocromático de un color diferente. Las obras varían en proporción y paleta de una a otra; se prestó especial atención al tamaño de cada panel y al color seleccionado para lograr equilibrio y contraste entre ambos. ^{[ 26 ]}

Gray, una serie más extensa de doce obras que Kelly comenzó en 1972 y no completó hasta 1983, fue concebida originalmente como una declaración antibélica y carece de color. ^{[ 27 ]} En 1979 utilizó curvas en pinturas de dos colores hechas de paneles separados. ^{[ 2 ]}

En pinturas posteriores, Kelly destiló su paleta e introdujo nuevas formas. En cada obra, comenzaba con un lienzo rectangular que pintaba cuidadosamente con muchas capas de pintura blanca; encima colocaba un lienzo con forma, pintado mayormente de negro. ^{[ 28 ]}

En referencia a su propia obra, Kelly declaró en una entrevista en 1996: «Creo que lo que todos buscamos en el arte es una sensación de estabilidad, una oposición al caos de la vida cotidiana. Esto es una ilusión, por supuesto. El lienzo se deteriora. La pintura cambia de color. Pero uno sigue intentando congelar el mundo como si pudiera hacerlo durar para siempre. En cierto modo, lo que he intentado capturar es la realidad del cambio constante, mantener el arte como una situación abierta e incompleta, para alcanzar el éxtasis de la visión». ^{[ 29 ]}

Kelly comentó: «Me di cuenta de que no quería componer imágenes… quería encontrarlas. Sentía que mi visión consistía en elegir cosas del mundo y presentarlas. Para mí, la investigación de la percepción era de suma importancia. Había tanto que ver, y todo me parecía fantástico». ^{[ 29 ]}

Escultura

Aunque Kelly sea más conocido por sus pinturas, también trabajó en escultura a lo largo de su carrera. En 1958, Kelly concibió una de sus primeras esculturas de madera, Concorde Relief I (1958), un relieve mural de modesta escala en olmo, que explora el juego visual y el equilibrio entre dos formas rectangulares superpuestas, la superior con sus esquinas superior derecha e inferior izquierda eliminadas. Hizo 30 esculturas en madera a lo largo de su carrera. ^{[ 39 ]} Desde 1959 en adelante, creó esculturas plegables independientes. ^{[ 40 ]} La serie Rocker comenzó en 1959 después de una conversación casual de Kelly con Agnes Martin , que vivía debajo de él en Coenties Slip en el Bajo Manhattan. Jugando con la tapa de papel de un vaso de café para llevar, Kelly cortó y dobló una sección del objeto redondo, que luego puso sobre la mesa y meció de un lado a otro. Poco después, construyó su primera escultura en bulto redondo, Pony . El título hace referencia a un caballito de juguete infantil con soportes basculantes curvos. ^{[ 41 ]}

En 1973, Kelly comenzó a realizar regularmente esculturas exteriores de gran formato. Kelly abandonó las superficies pintadas y optó por acero, aluminio o bronce sin barnizar, ^{[ 42 ]} a menudo en configuraciones similares a tótems, como Curve XXIII (1981). Mientras que las formas totémicas de sus esculturas independientes pueden medir hasta 4,5 metros de altura, sus relieves murales pueden abarcar más de 4,3 metros de ancho. ^{[ 39 ]} La escultura de Kelly "se fundamenta en su adhesión a la simplicidad y claridad de forma absolutas". ^{[ 43 ]} Para sus esculturas de la década de 1980, durante este período de su estancia en Spencertown, el artista dedicó por primera vez tanta energía a sus esculturas como a su pintura, y en el proceso produjo más del sesenta por ciento de sus 140 esculturas totales. ^{[ 41 ]} Kelly creó sus piezas utilizando una sucesión de ideas en diversas formas. Podía haber comenzado con un dibujo, mejorarlo para crear una impresión, tomar la impresión y crear una pieza independiente, que luego se convertía en una escultura. Sus esculturas están concebidas para ser completamente simples y pueden apreciarse rápidamente, a menudo con una sola mirada. El espectador observa superficies lisas y planas que se encuentran aisladas del espacio que las rodea. Esta sensación de planitud y minimalismo dificulta distinguir entre el primer plano y el fondo. ^{[ 43 ]} El Disco Azul de Kelly se incluyó en la trascendental exposición de 1966 en el Museo Judío de Nueva York, titulada Estructuras Primarias , junto con muchos artistas mucho más jóvenes que apenas comenzaban a trabajar con formas minimalistas.

In 1956, he met Robert Indiana who moved in the same building and they became partners. Kelly became his mentor. They broke up around 1964. One of the reasons was Indiana's use of words in his paintings and Kelly considered such technique not worthy of high art.^[47]

Desde 1984 hasta su muerte, Kelly vivió con su esposo, el fotógrafo Jack Shear, quien se desempeña como director de la Fundación Ellsworth Kelly. ^{[ 48 ] [ 49 ] [ 50 ]}

• Rojo Amarillo Azul Blanco y Negro, Rojo Amarillo Azul Blanco y Negro II 1953, óleo sobre lienzo, Instituto de Arte de Chicago , Chicago
• Disco blanco, Disco blanco III, 1961, óleo sobre madera, Instituto de Arte de Chicago , Chicago.
• Ventana, Museo de Arte Moderno, París , 1949, óleo y madera sobre lienzo, Colección privada
• Espectro de colores dispuestos al azar , 1951-1953, óleo sobre madera, Museo de Arte Moderno de San Francisco.
• Negro maduro , 1955, óleo sobre lienzo, Colección de Harry W. y Mary Margaret Anderson
• Escultura para una gran pared , 1956-57, aluminio anodizado, Museo de Arte Moderno , Nueva York.
• Rojo anaranjado (Maya) , 1959, óleo sobre lienzo, Wadsworth Atheneum , Hartford
• Rojo Azul Verde , 1963, óleo sobre lienzo, Museo de Arte Contemporáneo , San Diego.
• Curva IX , 1974, aluminio pulido, Colección privada
• Tríptico de Houston , 1986, bronce, Museo de Bellas Artes de Houston.
• Tres paneles: naranja, gris oscuro, verde , 1986, óleo sobre lienzo, Museo de Arte Moderno , Nueva York.
• Curvas rojas , 1996, óleo sobre lienzo, Colección privada
• Amarillo intenso , 1960, óleo sobre lienzo, Museo de Arte Blanton en Austin, Texas.
• Nueve cuadrados , 1976-77, óleo sobre lienzo, Colección de la Tate.
• "Spectrum VIII" (2014), acrílico sobre lienzo, 12 paneles unidos, Fundación Louis Vuitton, París.
• Austin , 2015, estructura, Museo de Arte Blanton en Austin, Texas
• Barcelona alberga esculturas de Ellsworth Kelly (1987). Una pieza de su serie «Tótem» se encuentra en la entrada del Parc de la Creueta del Coll . La Plaça del General Moragues , una pequeña plaza cerca del puente Bac de Roda , está adornada con dos piezas: otro tótem y una escultura de forma diedra . ^{[ 51 ]}

La primera exposición individual de Kelly se celebró en la Galerie Arnaud, París, en 1951. Su primera exposición individual en Nueva York se celebró en la Betty Parsons Gallery en 1956. En 1957, mostró obras en una exposición colectiva en la Ferus Gallery , Los Ángeles. ^{[ 52 ]} En 1959 fue incluido en la innovadora exposición del Museo de Arte Moderno , Sixteen Americans. ^{[ 53 ]} Kelly fue invitado a exponer en la Bienal de São Paulo en 1961. Su obra fue incluida posteriormente en la documenta en 1964, 1968, 1977, 1992. Una sala de sus pinturas fue incluida en la Bienal de Venecia de 2007 .

La primera retrospectiva de Kelly se celebró en el Museo de Arte Moderno en 1973. Desde entonces, su obra ha sido reconocida en numerosas exposiciones retrospectivas, incluyendo una exposición de escultura en el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York en 1982; una exposición de obras sobre papel y una muestra de sus grabados que recorrieron extensamente Estados Unidos y Canadá entre 1987 y 1988; y una retrospectiva de su trayectoria en 1996 organizada por el Museo Solomon R. Guggenheim , que viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, la Tate Gallery de Londres y la Haus der Kunst de Múnich. Desde entonces, se han realizado exposiciones individuales de la obra de Kelly en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (1998), el Museo de Arte Fogg de Cambridge (1999), el Museo de Arte Moderno de San Francisco (1988/2002), el Museo de Arte de Filadelfia (2007) y el Museo de Arte Moderno de Nueva York (2007). ^{[ 54 ]}

En 1993, la Galerie nationale du Jeu de Paume de París organizó la exposición «Ellsworth Kelly: Los años franceses, 1948-1954», basada en la relación del artista con la ciudad, que viajó a la National Gallery of Art de Washington D. C.; en 2008, el Musée d'Orsay homenajeó a Kelly con la exposición «Correspondencias: Paul Cézanne Ellsworth Kelly». ^{[ 55 ]} La Haus der Kunst exhibió la primera retrospectiva completa de las obras en blanco y negro de Kelly en 2012. ^{[ 56 ]}

Con motivo del 90 cumpleaños del artista en 2013, la Galería Nacional de Arte de Washington organizó una exposición de sus grabados titulada Ellsworth Kelly: Imágenes en papel de colores ; ^{[ 57 ]} la Fundación Barnes de Filadelfia reunió cinco esculturas en una muestra; la Colección Phillips de Washington exhibió sus pinturas sobre tabla; ^{[ 58 ]} y el Museo de Arte Moderno inauguró una exposición de la "Serie Chatham". ^{[ 59 ]}

La obra de Kelly fue adquirida por el Pérez Art Museum Miami, Florida, gracias a una generosa donación del Holding Capital Group, y se exhibió como parte de Beyond the Limited Life of Painting: Prints and Multiples from the Holding Capital Group Collection en 2014 y 2015. En 2024, el PAMM vuelve a incluir la obra de Kelly en Every Sound Is a Shape of Time: Selections from PAMM's Collection . ^{[ 60 ] [ 61 ] [ 62 ]}

En 2023, el Museo Glenstone de Potomac, Maryland, organizó una retrospectiva titulada "Ellsworth Kelly a los 100 años", que posteriormente itineró a París y Doha . ^{[ 63 ]}

En 1957, Kelly recibió el encargo de producir una escultura de pared de 65 pies de largo para el Edificio de Transporte en Penn Center en Filadelfia, su obra más grande hasta la fecha. En gran parte olvidada, la escultura titulada Escultura para una gran pared (1957) fue finalmente desmantelada. Desde entonces, Kelly ha ejecutado muchos encargos públicos, incluyendo Wright Curve (1966), una escultura de acero diseñada para instalación permanente en el Teatro Peter B. Lewis del Guggenheim; ^{[ 66 ]} un mural para la sede de la UNESCO en París en 1969; Curve XXII (I Will) en Lincoln Park en Chicago en 1981; un encargo de 1985 de IM Pei para el edificio Raffles City en Singapur; el Tríptico de Houston , planos verticales de bronce montados sobre un alto hormigón en el Museo de Bellas Artes de Houston , en 1986; Tótem (1987), una escultura para el Parc de la Creueta del Coll , Barcelona; los Paneles de Dallas (Azul Verde Negro Rojo) (1989) para el Centro Sinfónico Morton H. Meyerson , Dallas; ^{[ 67 ]} una escultura de 1989 para la sede de Nestlé en Vevey , Suiza; ^{[ 35 ]} Galia (1993), una escultura monumental encargada por el Instituto de Arte Contemporáneo, Nîmes, Francia; un monumento en dos partes para el Museo Conmemorativo del Holocausto de los Estados Unidos , Washington, DC, en 1993; y paneles de gran escala de Berlín para el Bundestag Alemán , Berlín, en 1998. Para el Palacio de Justicia de los Estados Unidos John Joseph Moakley (diseñado por Henry N. Cobb ) en Boston, diseñó los Paneles de Boston, 21 paneles de aluminio de colores brillantes instalados en la rotonda central como una sola obra en todo el edificio. ^{[ 68 ]}

En 2013, Ellsworth Kelly recibió el encargo de realizar la obra "Spectrum VIII" (terminada en 2014), una pintura de gran formato compuesta por varios paneles que sirve de telón para el Auditorio diseñado por Frank Gehry en la Fundación Louis Vuitton de París. ^{[ 69 ]}

La obra de Kelly, Blue Black (2001), de dos paneles , de 8,5 metros de altura y hecha de aluminio pintado con estructura de panal, fue encargada por la Fundación Pulitzer de las Artes de San Luis, ^{[ 70 ]} y la escultura de bronce a gran escala Untitled (2005) fue encargada específicamente para el patio de la Colección Phillips . ^{[ 71 ]} En 2005, Renzo Piano le encargó a Kelly la única obra específica para el sitio del ala moderna del Instituto de Arte de Chicago . Creó White Curve, la escultura de pared más grande que jamás haya realizado, que se exhibe desde 2009. ^{[ 72 ]} Kelly instaló Berlin Totem , una escultura de acero inoxidable de 12 metros, en el patio de la Embajada de los Estados Unidos en Berlín , en 2008. ^{[ 73 ]}

En 1986, Kelly concibió su primer edificio independiente para un coleccionista privado, pero nunca se construyó. Recién en 2015, el Museo de Arte Blanton adquirió su diseño para un edificio de piedra de 251 metros cuadrados, que incluía 14 paneles de mármol blanco y negro y vidrieras de colores, con la intención de construirlo en los terrenos del museo en la Universidad de Texas en Austin . ^{[ 74 ]} El edificio se inauguró al público el 18 de febrero de 2018. Austin , una obra de arte y arquitectura , se considera la culminación de la carrera de Kelly. ^{[ 75 ]}

En 1968, Kelly recibió el encargo de crear una gran escultura al aire libre para la Colección de Arte Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza en Albany, Nueva York. La escultura, titulada Yellow Blue, se inspiró en el entorno de Empire State Plaza y es la escultura vertical más grande de Kelly, con nueve pies de altura y casi dieciséis pies de ancho. Yellow Blue fue su primera escultura en acero y sigue siendo la única realizada hasta la fecha en acero pintado. ^{[ 76 ]}

En 1957, el Museo Whitney de Arte Estadounidense compró una pintura, Atlantic , que representaba dos arcos blancos con forma de olas sobre un fondo negro sólido; fue la primera compra de Kelly por parte de un museo. ^{[ 77 ]} Hoy en día, su obra se encuentra en muchas colecciones públicas, incluidas las del Centro Pompidou , París, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid, la Colección de Arte Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza , Albany, NY, The Hyde Collection , Glens Falls, NY, y la Tate Modern , Londres. En 1999, el Museo de Arte Moderno de San Francisco anunció que había comprado 22 obras, pinturas, relieves murales y esculturas, de Ellsworth Kelly. Han sido valoradas en más de 20 millones de dólares. ^{[ 78 ]} En 2003, la Colección Menil recibió Kelly's Tablet, 188 obras enmarcadas sobre papel, que incluyen bocetos, dibujos de trabajo y collages. ^{[ 79 ]} Entre los coleccionistas privados notables se encuentran, entre otros, Eli Broad y Gwyneth Paltrow . ^{[ 15 ]}

• 1963: Premio de Artes Creativas de Brandeis, Universidad de Brandeis , Waltham, Massachusetts.
• 1964: Carnegie International
• 1974: Miembro del Instituto Nacional de Artes y Letras
• 1987: Caballero de la Orden de las Artes y las Letras ^{[ 35 ]}
• 1999: Medalla Edward MacDowell ^{[ 80 ]}
• 2000: Praemium Imperiale
• 2013: Doctorado honoris causa en Humanidades por la Universidad de Brandeis , Waltham, Massachusetts.
• 2013: Medalla Nacional de las Artes , presentada por el Presidente de los Estados Unidos ^{[ 81 ]}

Kelly también ha recibido numerosos títulos honoríficos, entre otros de Bard College (1996), Annandale-on-Hudson, Nueva York; ^{[ 82 ]} Royal College of Art , Londres (1997); ^{[ 35 ]} Universidad de Harvard , Cambridge (2003); y Williams College (2005). ^{[ 83 ]}

La galerista Betty Parsons le ofreció por primera vez una exposición individual en 1956. En 1965, después de casi una década con Parsons, comenzó a exponer con la Galería Sidney Janis . ^{[ 77 ]} En las décadas de 1970 y 1980, su obra fue representada conjuntamente por Leo Castelli y Blum Helman en Nueva York. ^{[ 77 ]} En 1992, se unió a la Galería Matthew Marks , Nueva York y Los Ángeles, y a la Galería Anthony d'Offay en Londres. La fachada de la galería de Marks en Los Ángeles se inspiró en Estudio para paneles en blanco y negro , un collage que realizó mientras vivía en París en 1954, y en una pintura, Negro sobre blanco . ^{[ 87 ]} Desde 1964 produjo grabados y esculturas de edición limitada en Gemini GEL en Los Ángeles y Tyler Graphics Ltd cerca de la ciudad de Nueva York.

En 2014, la pintura de Kelly, Red Curve (1982), se vendió en subasta por 4,5 millones de dólares en Christie's Nueva York. ^{[ 88 ]} Ese récord de subasta para una obra de Ellsworth Kelly lo estableció la pintura de 13 partes Spectrum VI (1969), que se vendió por 5,2 millones de dólares en la subasta nocturna de arte contemporáneo de Sotheby's Nueva York, el 14 de noviembre de 2007. ^{[ 89 ]}

En noviembre de 2019, Christie's estableció un récord de subasta para el artista con la obra Red Curve VII , vendida por 9,8 millones de dólares. ^{[ 90 ]}

• Sitio web oficial
• Austin en profundidad — páginas web oficiales del sitio del Museo Blanton
• Ellsworth Kelly en el Museo de Arte Moderno
• Exposición de Ellsworth Kelly en St Ives, Tate St Ives , Reino Unido, 2006.
• Ellsworth Kelly en "Blue Green Black Red: The Dallas Panels" en la pared norte del vestíbulo principal del Meyerson Symphony Center en Dallas, Texas.
• Biografía del Museo de Arte Moderno, incluye imágenes seleccionadas y bibliografía.
• La biografía del Museo Guggenheim incluye una selección de obras y una lista de lecturas recomendadas.
• Entrevista de VernissageTV con Ellsworth Kelly en la feria Art 39 de Basilea.
• Ellsworth Kelly en la colección Kenneth Tyler de la Galería Nacional de Australia
• Ellsworth Kelly: Escultura en la pared. Catálogo de la exposición de la Fundación Barnes, 2013.
• Smithsonian , diciembre de 2015: Por qué Ellsworth Kelly fue un gigante en el mundo del arte estadounidense.
• Anuncio del Servicio Postal de los Estados Unidos (USPS) sobre los sellos de Ellsworth Kelly
• Ellsworth Kelly en el Museo Metropolitano de Arte
• Ellsworth Kelly en la Galería Nacional de Arte