Armonía

En música , la armonía es el concepto de combinar diferentes sonidos para crear ideas musicales nuevas y distintas. ^{[ 1 ]} Las teorías de la armonía buscan describir o explicar los efectos creados por la coincidencia de diferentes tonos o alturas ; en el desarrollo de estas teorías, se identifican, definen y categorizan objetos armónicos como acordes , texturas y tonalidades . La armonía se entiende generalmente como aquella que involucra tanto una dimensión "vertical" (espacio de frecuencias) como una dimensión "horizontal" (espacio de tiempo), y a menudo se superpone con conceptos musicales relacionados como melodía , timbre y forma . ^{[ 2 ]}

Un énfasis particular en la armonía es uno de los conceptos centrales que subyacen a la teoría y la práctica de la música occidental . ^{[ 3 ]} El estudio de la armonía implica la yuxtaposición de notas individuales para crear acordes, y a su vez la yuxtaposición de acordes para crear progresiones de acordes más extensas . Los principios de conexión que rigen estas estructuras han sido objeto de siglos de trabajo teórico y práctica popular. ^{[ 4 ]}

Basándose tanto en las tradiciones teóricas musicales como en el campo de la psicoacústica , su percepción consiste en gran parte en reconocer y procesar la consonancia , un concepto cuya definición precisa ha variado a lo largo de la historia, pero que a menudo se asocia con proporciones matemáticas simples entre frecuencias de tono coincidentes. En el enfoque fisiológico, la consonancia se considera una variable continua que mide la capacidad del cerebro humano para "decodificar" la información sensorial auditiva. Culturalmente, las relaciones de tono consonantes suelen describirse como más agradables, eufónicas y bellas que las relaciones de tono disonantes , que, por el contrario, pueden caracterizarse como desagradables, discordantes o ásperas. ^{[ 5 ]}

En la armonía popular y del jazz , los acordes se nombran por su raíz más diversos términos y caracteres que indican sus cualidades. En muchos tipos de música, especialmente barroca, romántica, moderna y jazz, los acordes suelen ir acompañados de «tensiones». Una tensión es un elemento adicional del acorde que crea un intervalo relativamente disonante con respecto al bajo. La noción de contrapunto busca comprender y describir las relaciones entre las líneas melódicas, a menudo en el contexto de una textura polifónica de varias voces simultáneas pero independientes. Por lo tanto, a veces se considera un tipo de comprensión armónica y otras veces se distingue de la armonía. ^{[ 6 ]}

Típicamente, en el período de la práctica común clásica , un acorde disonante (acorde con tensión) se resuelve en un acorde consonante. La armonización suele sonar agradable cuando existe un equilibrio entre consonancia y disonancia. Esto ocurre cuando hay un equilibrio entre momentos de tensión y relajación. La disonancia es una parte importante de la armonía cuando puede resolverse y contribuir a la composición musical en su conjunto. Una nota mal tocada o cualquier sonido que se considere que desmerece la composición en su totalidad puede describirse como disarmónico en lugar de disonante. ^{[ 1 ]}

El término armonía deriva del griego ἁρμονία harmonia , que significa "unión, acuerdo, concordia", ^{[ 7 ] [ 8 ]} del verbo ἁρμόζω harmozō , "(yo) encajar, unir". ^{[ 9 ]} Aristóxeno escribió una obra titulada Elementos de la armonía , considerada la primera obra en la historia europea sobre el tema de la armonía. ^{[ 10 ]} En este libro, Aristóxeno se refiere a experimentos previos realizados por los pitagóricos para determinar la relación entre pequeñas proporciones de números enteros y notas consonantes (por ejemplo, 1:2 describe una relación de octava, que es una duplicación de la frecuencia). Si bien se identifica como pitagórico, Aristóxeno afirma que las proporciones numéricas no son el determinante último de la armonía; en cambio, sostiene que el oído del oyente determina la armonía. ^{[ 11 ]}

Las definiciones actuales de los diccionarios, si bien intentan ofrecer descripciones concisas, a menudo resaltan la ambigüedad del término en el uso moderno. Las ambigüedades tienden a surgir de consideraciones estéticas (por ejemplo, la opinión de que solo las concordancias agradables pueden ser armoniosas) o desde el punto de vista de la textura musical (distinguiendo entre armónico (tonos que suenan simultáneamente) y "contrapuntístico" (tonos que suenan sucesivamente)). ^{[ 12 ]} Según A. Whittall :

Si bien toda la historia de la teoría musical parece depender precisamente de esa distinción entre armonía y contrapunto, no es menos evidente que los desarrollos en la naturaleza de la composición musical a lo largo de los siglos han presupuesto la interdependencia —a veces equivalente a la integración, otras veces a una fuente de tensión constante— entre las dimensiones vertical y horizontal del espacio musical. ^{[ 12 ]}

La idea de que la armonía tonal moderna en la música occidental comenzó alrededor de 1600 es común en la teoría musical. Esto suele explicarse por la sustitución de la composición horizontal (o contrapuntística ), común en la música del Renacimiento , por un nuevo énfasis en el elemento vertical de la música compuesta. Sin embargo, los teóricos modernos tienden a considerar esta generalización como insatisfactoria. Según Carl Dahlhaus :

No se trató de que el contrapunto fuera suplantado por la armonía (el contrapunto tonal de Bach es sin duda tan polifónico como la escritura modal de Palestrina), sino de que un tipo más antiguo de contrapunto y de técnica vertical fue sucedido por uno más nuevo. Y la armonía comprende no solo la estructura ("vertical") de los acordes, sino también su movimiento ("horizontal"). Al igual que la música en su conjunto, la armonía es un proceso. ^{[ 13 ] [ 12 ]}

Las descripciones y definiciones de armonía y práctica armónica a menudo muestran un sesgo hacia las tradiciones musicales europeas (u occidentales ), aunque muchas culturas practican la armonía vertical. ^{[ 14 ]} Además, la música artística del sur de Asia ( música indostaní y carnática ) se cita frecuentemente como un ejemplo de música que pone poco énfasis en lo que se percibe en la práctica occidental como armonía convencional; el fundamento armónico subyacente para la mayoría de la música del sur de Asia es el bordón , un intervalo de quinta (o cuarta) abierto y sostenido que no altera su tono a lo largo de la composición. ^{[ 15 ]} La simultaneidad del tono, en particular, rara vez es una consideración importante. Sin embargo, muchas otras consideraciones sobre el tono son relevantes para la música, su teoría y su estructura, como el complejo sistema de ragas , que combina consideraciones y codificaciones tanto melódicas como modales. ^{[ 16 ]}

Así pues, en la música clásica india se producen combinaciones de tonos intrincadas que suenan simultáneamente , pero rara vez se estudian como progresiones armónicas o contrapuntísticas teleológicas , como ocurre en la música occidental con notación. Este énfasis contrastante (en particular en la música india) se manifiesta en los diferentes métodos de interpretación adoptados: en la música india, la improvisación desempeña un papel fundamental en la estructura de una pieza, ^{[ 17 ]} mientras que en la música occidental la improvisación ha sido poco común desde finales del siglo XIX. ^{[ 18 ]} Cuando se produce en la música occidental (o se ha producido en el pasado), la improvisación embellece la música prenotada o se basa en modelos musicales previamente establecidos en composiciones notadas, y por lo tanto utiliza esquemas armónicos familiares. ^{[ 19 ]}

El énfasis en la música culta europea, tanto en lo precompuesto como en la teoría escrita que la rodea, muestra un considerable sesgo cultural. El Diccionario Grove de Música y Músicos ( Oxford University Press ) lo identifica claramente:

En la cultura occidental, las músicas que dependen en mayor medida de la improvisación, como el jazz, se han considerado tradicionalmente inferiores a la música culta, en la que la precomposición se considera primordial. La concepción de las músicas que perviven en la tradición oral como algo compuesto mediante técnicas de improvisación las distingue de las obras de mayor prestigio que utilizan notación. ^{[ 20 ]}

Sin embargo, la evolución de la práctica armónica y del lenguaje mismo, en la música culta occidental, se vio y se ve facilitada por este proceso de composición previa, que permitió el estudio y análisis por parte de teóricos y compositores de obras individuales preconstruidas en las que las alturas (y hasta cierto punto los ritmos) permanecieron inalterados independientemente de la naturaleza de la interpretación. ^{[ 12 ]}

La música religiosa occidental primitiva a menudo presenta intervalos perfectos paralelos; estos intervalos preservaban la claridad del canto llano original . Estas obras se crearon e interpretaron en catedrales y aprovecharon los modos resonantes de sus respectivas catedrales para crear armonías. Sin embargo, a medida que se desarrolló la polifonía, el uso de intervalos paralelos fue reemplazado gradualmente por el estilo de consonancia inglés, que utilizaba terceras y sextas. Se consideraba que el estilo inglés tenía un sonido más dulce y era más adecuado para la polifonía, ya que ofrecía mayor flexibilidad lineal en la escritura de voces.

Carl Dahlhaus (1990) distingue entre armonía coordinada y subordinada . La armonía subordinada es la tonalidad jerárquica o armonía tonal bien conocida hoy en día. La armonía coordinada es la antigua tonalidad medieval y renacentista , "El término significa que las sonoridades se enlazan una tras otra sin dar la impresión de un desarrollo dirigido a un objetivo. Un primer acorde forma una 'progresión' con un segundo acorde, y un segundo con un tercero. Pero la primera progresión de acordes es independiente de la segunda y viceversa". La armonía coordinada sigue relaciones directas (adyacentes) en lugar de indirectas como en la subordinada. Los ciclos de intervalos crean armonías simétricas, que han sido ampliamente utilizadas por los compositores Alban Berg , George Perle , Arnold Schoenberg , Béla Bartók y Density 21.5 de Edgard Varèse .

La armonía cerrada y la armonía abierta utilizan acordes en posición cerrada y abierta, respectivamente. Véase: Voces (música) y Armonía cerrada y abierta .

Otros tipos de armonía se basan en los intervalos de los acordes que la componen. La mayoría de los acordes en la música occidental se basan en la armonía terciaria, es decir, acordes construidos con intervalos de terceras. En el acorde de Do mayor 7, de Do a Mi hay una tercera mayor; de Mi a Sol, una tercera menor; y de Sol a Si, una tercera mayor. Otros tipos de armonía son la armonía cuartal y la quintal .

Un unísono se considera un intervalo armónico, al igual que una quinta o una tercera, pero es único porque son dos notas idénticas producidas simultáneamente. El unísono, como componente de la armonía, es importante, especialmente en la orquestación. ^{[ 21 ]} En la música pop, el canto al unísono se suele llamar duplicación , una técnica que The Beatles utilizaron en muchas de sus primeras grabaciones. Como un tipo de armonía, cantar al unísono o tocar las mismas notas, a menudo utilizando diferentes instrumentos musicales, al mismo tiempo se denomina comúnmente armonización monofónica .

Un intervalo es la relación entre dos notas musicales distintas. Por ejemplo, en la melodía " Estrellita, ¿dónde estás? ", entre las dos primeras notas (el primer "brillo") y las dos siguientes (el segundo "brillo") hay un intervalo de quinta. Esto significa que si las dos primeras notas fueran Do , las dos siguientes serían Sol , cuatro notas de la escala, o siete notas cromáticas (una quinta justa), por encima de esta.

Los siguientes son intervalos comunes:

Al afinar notas usando un temperamento igual, como el temperamento igual de 12 tonos que se ha vuelto omnipresente en la música occidental, cada intervalo se crea usando pasos del mismo tamaño, produciendo relaciones armónicas ligeramente "desafinadas" de las proporciones de frecuencia puras exploradas por los antiguos griegos. El temperamento igual de 12 tonos evolucionó como un compromiso de sistemas anteriores donde todos los intervalos se calculaban en relación con una frecuencia raíz elegida, como la entonación justa y el temperamento bien temperado . En esos sistemas, una tercera mayor construida a partir de C no producía la misma frecuencia que una tercera menor construida a partir de D♭. Muchos instrumentos de teclado y de cuerdas con trastes fueron construidos con la capacidad de tocar, por ejemplo, tanto G♯ como A♭ sin reafinar. Las notas de estos pares (incluso aquellos donde una carece de alteración, como E y F♭) no eran la "misma" nota en ningún sentido.

Utilizando la escala diatónica , la construcción de las tonalidades mayores y menores, con cada una de las 12 notas como tónica, se logra empleando únicamente bemoles o sostenidos para representar las notas dentro de dicha tonalidad, nunca ambos. Esto se suele visualizar como un recorrido por el círculo de quintas , donde cada paso implica un cambio en la alteración de una sola nota. De este modo, las alteraciones adicionales pueden transmitir información más matizada en el contexto de un pasaje musical y las demás notas que lo componen. Incluso fuera del contexto diatónico, es convencional, siempre que sea posible, utilizar cada letra del alfabeto solo una vez para describir una escala.

Una nota escrita como F♭ transmite información armónica diferente al lector que una nota escrita como E. En un sistema de afinación donde dos notas escritas de forma diferente se afinan a la misma frecuencia, se dice que esas notas son enarmónicas . Incluso si son idénticas de forma aislada, las diferentes grafías de las notas enarmónicas proporcionan un contexto significativo al leer y analizar música. Por ejemplo, aunque E y F♭ son enarmónicas, la primera se considera una tercera mayor por encima de C, mientras que F♭ se considera una cuarta disminuida por encima de C. En el contexto de una tonalidad de C mayor, la primera es la tercera de la escala, mientras que la segunda podría (como una de las numerosas justificaciones posibles) estar cumpliendo la función armónica de la tercera de un acorde de D♭ menor, un acorde prestado dentro de la escala.

Por lo tanto, la combinación de notas con sus intervalos específicos —un acorde— crea armonía. ^{[ 22 ]} Por ejemplo, en un acorde de Do mayor, hay tres notas: Do, Mi y Sol. La nota Do es la tónica. Las notas Mi y Sol proporcionan la armonía, y en un acorde de Sol7 (Sol dominante séptima), la tónica Sol con cada nota subsiguiente (en este caso Si, Re y Fa) proporciona la armonía. ^{[ 22 ]}

En la escala musical hay doce notas. Cada nota se denomina "grado" de la escala. Los nombres A, B, C, D, E, F y G son irrelevantes. ^{[ 23 ]} Sin embargo, los intervalos no lo son. He aquí un ejemplo:

Como se puede observar, ninguna nota siempre tendrá el mismo grado de la escala. La tónica , o nota de primer grado, puede ser cualquiera de las 12 notas (clases de altura) de la escala cromática. Todas las demás notas se corresponden. Por ejemplo, cuando Do es la tónica, el cuarto grado o subdominante es Fa. Cuando Re es la tónica, el cuarto grado es Sol. Si bien los nombres de las notas permanecen constantes, pueden referirse a diferentes grados de la escala, lo que implica diferentes intervalos con respecto a la tónica. La gran ventaja de este hecho es que cualquier obra musical puede interpretarse en cualquier tonalidad. Se trata de la misma pieza musical, siempre que los intervalos sean los mismos, transponiendo así la melodía a la tonalidad correspondiente. Cuando los intervalos superan la octava perfecta (12 semitonos), se denominan intervalos compuestos , que incluyen particularmente los intervalos de novena, undécima y decimotercera, ampliamente utilizados en el jazz y el blues . ^{[ 24 ]}

Los intervalos compuestos se forman y se nombran de la siguiente manera:

• 2.ª + Octava = 9.ª
• 3.ª + Octava = 10.ª
• 4.ª + Octava = 11.ª
• 5ta + Octava = 12a
• Sexta + Octava = Decimotercera
• 7.ª + Octava = 14.ª

Estos números no se suman porque los intervalos se numeran incluyendo la nota fundamental (por ejemplo, un tono más arriba es una segunda), por lo que la fundamental se cuenta dos veces al sumarlos. Además de esta categorización, los intervalos también se pueden dividir en consonantes y disonantes. Como se explica en los siguientes párrafos, los intervalos consonantes producen una sensación de relajación y los disonantes una sensación de tensión. En la música tonal, el término consonante también significa «que trae resolución» (al menos en cierta medida, mientras que la disonancia «requiere resolución»).

Los intervalos consonantes se consideran el unísono perfecto , la octava , la quinta , la cuarta y la tercera y sexta mayores y menores, y sus formas compuestas. Un intervalo se denomina "perfecto" cuando la relación armónica se encuentra en la serie de armónicos naturales (es decir, el unísono 1:1, la octava 2:1, la quinta 3:2 y la cuarta 4:3). Los demás intervalos básicos (segunda, tercera, sexta y séptima) se denominan "imperfectos" porque las relaciones armónicas no se encuentran matemáticamente exactas en la serie de armónicos. En la música clásica, la cuarta perfecta por encima del bajo puede considerarse disonante cuando su función es contrapuntística . Otros intervalos, la segunda y la séptima (y sus formas compuestas) se consideran disonantes y requieren resolución (de la tensión producida) y generalmente preparación (dependiendo del estilo musical ^{[ 25 ]} ).

El efecto de la disonancia se percibe de forma relativa dentro del contexto musical: por ejemplo, un intervalo de séptima mayor por sí solo (es decir, de Do a Si) puede percibirse como disonante, pero el mismo intervalo como parte de un acorde de séptima mayor puede sonar relativamente consonante. Un tritono (el intervalo del cuarto grado al séptimo grado de la escala mayor, es decir, de Fa a Si) suena muy disonante por sí solo, pero menos dentro del contexto de un acorde de séptima dominante (Sol7 o Re ♭ 7 en ese ejemplo).

En la tradición occidental, en la música posterior al siglo XVII, la armonía se manipula mediante acordes , que son combinaciones de clases de altura . En la armonía terciaria , llamada así por el intervalo de tercera, los miembros de los acordes se encuentran y nombran apilando intervalos de tercera, comenzando con la "fundamental", luego la "tercera" por encima de la fundamental, y la "quinta" por encima de la fundamental (que es una tercera por encima de la tercera), etc. (Los miembros del acorde se nombran según su intervalo por encima de la fundamental). Las díadas , los acordes más simples, contienen solo dos miembros (véase acordes de quinta ).

Un acorde con tres miembros se llama tríada porque tiene tres miembros, no porque necesariamente esté construido en terceras (ver Armonía de cuartas y quintas para acordes construidos con otros intervalos). Dependiendo del tamaño de los intervalos que se apilan, se forman diferentes cualidades de acordes. En la armonía popular y de jazz, los acordes se nombran por su raíz más varios términos y caracteres que indican sus cualidades. Para mantener la nomenclatura lo más simple posible, se aceptan algunos valores predeterminados (no tabulados aquí). Por ejemplo, los miembros del acorde C, E y G, forman una tríada de C mayor, llamada por defecto simplemente acorde de C. En un acorde de A ♭ (pronunciado A bemol), los miembros son A ♭ , C y E ♭ .

En muchos tipos de música, especialmente barroca, romántica, moderna y jazz, los acordes suelen ir acompañados de "tensiones". Una tensión es un elemento adicional del acorde que crea un intervalo relativamente disonante con respecto al bajo. Siguiendo la práctica terciaria de construir acordes apilando terceras, la primera tensión más sencilla se añade a una tríada apilando, sobre la tónica, la tercera y la quinta existentes, otra tercera por encima de la quinta, añadiendo un nuevo elemento, potencialmente disonante, a una séptima de la tónica (llamada la "séptima" del acorde), lo que produce un acorde de cuatro notas llamado " acorde de séptima ".

Dependiendo de la amplitud de las terceras individuales que componen el acorde, el intervalo entre la tónica y la séptima puede ser mayor, menor o disminuido. (El intervalo de una séptima aumentada reproduce la tónica y, por lo tanto, se omite en la nomenclatura de acordes). La nomenclatura permite que, por defecto, "C7" indique un acorde con tónica, tercera, quinta y séptima representadas por las letras C, E, G y B ♭ . Otros tipos de acordes de séptima deben nombrarse de forma más explícita, como "C Mayor 7" (representado por las letras C, E, G, B), "C aumentado 7" (en este caso, la palabra "aumentado" se refiere a la quinta, no a la séptima, representada por las letras C, E, G♯ y B ♭ ), etc. (Para una explicación más completa de la nomenclatura, véase Acorde (música) ).

Continuar apilando terceras sobre un acorde de séptima produce extensiones e introduce las "tensiones extendidas" o "tensiones superiores" (aquellas que están más de una octava por encima de la raíz cuando se apilan en terceras), las novenas, undécimas y decimoterceras. Esto crea los acordes que llevan su nombre. (Excepto las díadas y las tríadas, los tipos de acordes terciarios se nombran según el intervalo de mayor tamaño y magnitud en uso en la pila, no por el número de miembros del acorde  : así, un acorde de novena tiene cinco miembros [tónica, tercera, quinta, séptima, novena ] , no nueve). Las extensiones más allá de la decimotercera reproducen miembros de acordes existentes y (generalmente) se omiten de la nomenclatura. Las armonías complejas basadas en acordes extendidos se encuentran en abundancia en el jazz, la música del romanticismo tardío, las obras orquestales modernas, la música de cine, etc.

Típicamente, en el período de la práctica común clásica , un acorde disonante (acorde con tensión) resuelve en un acorde consonante. La armonización suele sonar agradable al oído cuando existe un equilibrio entre los sonidos consonantes y disonantes. En otras palabras, esto ocurre cuando hay un equilibrio entre momentos de tensión y de relajación. Por esta razón, la tensión suele prepararse y luego resolverse, ^{[ 26 ]} donde preparar la tensión significa colocar una serie de acordes consonantes que conducen suavemente al acorde disonante. De esta manera, el compositor se asegura de introducir la tensión suavemente, sin perturbar al oyente. Una vez que la pieza alcanza su clímax, el oyente necesita un momento de relajación para disipar la tensión, lo cual se obtiene tocando un acorde consonante que resuelve la tensión de los acordes anteriores. La resolución de esta tensión suele sonar agradable al oyente, aunque no siempre es así en la música de finales del siglo XIX, como en Tristán e Isolda de Richard Wagner. ^{[ 27 ]}

Diversas características contribuyen a la percepción de la armonía de un acorde.

La creación y destrucción de tensiones armónicas y "estadísticas" es esencial para el mantenimiento del dramatismo compositivo. Cualquier composición (o improvisación) que se mantenga consistente y "regular" de principio a fin es, para mí, equivalente a ver una película con solo "buenos" o a comer requesón.

• Prout, Ebenezer , Armonía, su teoría y práctica (1889, revisado en 1903)

• Geometría de acordes: herramienta de análisis gráfico de la armonía