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Consigue Carter

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Get Carter es una película británica de suspense sobre gánsteres de 1971 , escrita y dirigida por Mike Hodges en su debut como director y protagonizada por Michael Caine , Ian Hendry , John Osborne , Britt Ekland y Bryan Mosley . [ 3 ] Basada en la novela de Ted Lewis de 1970, Jack's Return Home , la película sigue a Jack Carter (Caine), un gánster londinense que regresa a su ciudad natal en el noreste de Inglaterra después de la muerte de su hermano. Sospechando de un crimen y con sed de venganza, investiga e interroga, recuperando así la familiaridad con la ciudad y su endurecido entorno criminal.

Producer Michael Klinger optioned Lewis's novel shortly after its publication and made a deal with the ailing Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) to finance and release the film, making Get Carter the last project to be approved by the studio's Borehamwood division before its closure. The production went from novel to finished film in 10 months, with principal photography taking place from July to September 1970 in and around Newcastle upon Tyne, Gateshead and County Durham. Hodges, Klinger and Caine intended to create a more realistic portrayal of violence and criminal behaviour than had previously been seen in British films: Caine, who also served as an uncredited co-producer, incorporated aspects of criminal acquaintances into his characterisation of Carter, while Hodges conducted research into the criminal underworld of Newcastle, in particular the one-armed bandit murder. CinematographerWolfgang Suschitzky worked with Hodges to give scenes a naturalistic feel, drawing heavily on their backgrounds in documentary films.

Turning a respectable profit upon its initial UK release, Get Carter initially attracted mixed reviews. Critics grudgingly appreciated the film's technical achievements and Caine's performance while criticising the complex plot, violence and amorality, in particular Carter's apparent lack of remorse for his actions.[1] American critics were generally more enthusiastic, but the film languished on the drive-in circuit, while MGM focused its resources on producing Hit Man, a 1972 blaxploitation-themed remake of the film.

Get Carter acabó convirtiéndose en una película de culto , y los elogios de directores como Quentin Tarantino y Guy Ritchie llevaron a que la película fuera reevaluada críticamente, [ 4 ] recibiendo elogios considerables por su representación de la estructura de clases y la vida en la Gran Bretaña de los años 70 y la banda sonora minimalista de jazz de Roy Budd . [ 5 ] En 1999, Get Carter ocupó el puesto 16 en la lista de las 100 mejores películas británicas del siglo XX del BFI; cinco años después, una encuesta de críticos de cine británicos en la revista Total Film la eligió como la mejor película británica de todos los tiempos. [ 6 ] En 2000 se estrenó un remake mal recibido, también titulado Get Carter , con Sylvester Stallone interpretando a Jack Carter y Caine en un papel secundario.

Trama

El gánster Jack Carter, originario de Newcastle , lleva años viviendo en Londres al servicio de los jefes del crimen organizado Gerald y Sid Fletcher. Jack tiene una aventura con Anna, la novia de Gerald, y planea escapar con ella a Sudamérica. Primero, debe regresar a Newcastle y Gateshead para asistir al funeral de su hermano Frank, quien falleció en un supuesto accidente de tráfico por conducir ebrio. Sus jefes le advierten que no cause problemas, ya que tienen vínculos con la mafia de Newcastle. Insatisfecho con la explicación oficial, Jack decide investigar por su cuenta. En el funeral, Jack conoce a su sobrina adolescente, Doreen, y a Margaret, la evasiva novia de Frank.

Jack va al hipódromo de Newcastle en busca de su viejo conocido Albert Swift para obtener información sobre la muerte de su hermano, pero Swift lo evade. Jack se encuentra con otro antiguo socio, Eric Paice, quien se niega a decirle quién lo emplea como chófer. Jack sigue a Eric hasta la casa de campo del jefe criminal Cyril Kinnear. Jack confronta a Kinnear, pero obtiene poca información; también conoce a una mujer glamorosa y ebria, Glenda. Al marcharse, Eric le advierte que no perjudique la relación entre Kinnear y los Fletcher. De vuelta en Newcastle, Jack es amenazado por secuaces que quieren que abandone la ciudad, pero él los repele, capturando e interrogando a uno para averiguar quién quiere deshacerse de él. Le dan el nombre de "Brumby".

Jack conoce a Cliff Brumby como un hombre de negocios con intereses en salones recreativos junto al mar . Al visitar su casa, Jack descubre que Brumby no sabe nada de él y, al darse cuenta de que le han tendido una trampa, se marcha. A la mañana siguiente, llegan dos de los colegas londinenses de Jack —Con McCarthy y Peter el Holandés—, enviados por los Fletchers para llevárselo de vuelta, pero él escapa. Jack se reúne con Margaret para hablar de Frank, pero los hombres de los Fletchers lo están esperando y lo persiguen. Glenda lo rescata y lo lleva en su coche deportivo a encontrarse con Brumby en su nuevo restaurante, situado en la parte superior de un aparcamiento de varias plantas . Brumby identifica a Kinnear como el responsable de la muerte de Frank y le explica que Kinnear está intentando apoderarse de su negocio. Le ofrece a Jack 5000 libras para que mate al jefe criminal, pero este se niega.

Jack tiene relaciones sexuales con Glenda en su apartamento, donde encuentra y ve una película pornográfica en la que Doreen es obligada a tener sexo con Albert. Las otras participantes en la película son Glenda y Margaret. Jack se enfurece y sumerge la cabeza de Glenda bajo el agua mientras ella se baña. Ella le dice que la película era de Kinnear y que cree que Eric reclutó a Doreen. Tras obligar a Glenda a meterse en el maletero de su propio coche, Jack se marcha en busca de Albert.

Jack localiza a Albert, quien confiesa haberle dicho a Brumby que Doreen era hija de Frank. Brumby le mostró la película a Frank para incitarlo a llamar a la policía y denunciar a Kinnear, por lo que Eric y dos de sus hombres planearon la muerte de Frank. Tras obtener esta información, Jack apuñala mortalmente a Albert. Jack es emboscado por los gánsteres londinenses y Eric, quien ha informado a Gerald sobre la aventura amorosa de Jack y Anna. En el tiroteo que sigue, Jack mata a Peter. Mientras Eric y Con escapan, empujan el coche de Glenda al río, sin saber que ella está en el maletero. Al regresar al aparcamiento, Jack encuentra a Brumby, lo golpea y lo arroja al vacío. Luego envía la película a la brigada antivicio de Scotland Yard .

Jack secuestra a Margaret. Llama por teléfono a Kinnear (que está en medio de una fiesta desenfrenada en su casa), le dice que tiene la película y le propone un trato: que le entregue a Eric a cambio de su silencio. Kinnear acepta y envía a Eric a un lugar acordado; sin embargo, posteriormente llama a un cómplice. Jack lleva a Margaret a la finca de Kinnear, la mata con una inyección letal y arroja su cuerpo desnudo a un estanque para simular una sobredosis. Luego llama a la policía para que allane la fiesta de Kinnear, y la policía lo arresta.

Jack persigue a Eric por una playa desierta. Lo obliga a beberse una botella de whisky, tal como Eric había hecho con Frank, luego lo mata a golpes con su escopeta y se deshace del cuerpo en una cinta transportadora de carbón. Tras vengar a Frank y Doreen, Jack camina por la orilla, donde el asesino de Kinnear le dispara a quemarropa.

Elenco

  • Michael Caine como Jack Carter. Mike Hodges escribió el guion pensando en Ian Hendry para el papel de Carter, pero se enteró de que Michael Klinger ya había contratado a Caine. [ 7 ] Con el respaldo de un gran estudio, Klinger estaba ansioso por conseguir un nombre importante para el protagonista, y Caine era muy prominente en ese momento, habiendo protagonizado Alfie , The Italian Job y The Ipcress File . Hodges se sorprendió de que una estrella de la talla de Caine quisiera interpretar a una persona tan antipática como Carter. Al explicar sus razones para querer participar en la película, el actor dijo: "Una de las razones por las que quería hacer esa película era mi experiencia. En las películas inglesas, los gánsteres eran o estúpidos o graciosos. Quería demostrar que no son ninguna de las dos cosas. Los gánsteres no son estúpidos, y ciertamente no son muy graciosos". Se identificó con Carter como un recuerdo de su crianza en la clase trabajadora , teniendo amigos y familiares involucrados en el crimen [ 8 ] y sintió que Carter representaba un camino que su vida podría haber tomado en otras circunstancias: "Carter es el producto sin salida de mi propio entorno, mi infancia; lo conozco bien. Es el fantasma de Michael Caine". [ 9 ] Hizo cambios sutiles a la descripción de Carter que Hodges hizo en el guion, eliminó las cortesías y le dio un toque frío y duro; más cercano a la visión original de Lewis del personaje. [ 7 ] Aunque no aparece acreditado como tal en la película, Caine ha sido reconocido retrospectivamente como coproductor. [ 5 ] Por una extraña coincidencia, el doble de Caine en la película fue un hombre llamado Jack Carter. [ 7 ]
  • Ian Hendry como Eric Paice. Hendry ya había sido elegido por el productor Klinger para Repulsión de Roman Polanski , y era la primera opción de Hodges para interpretar a Carter, pero en 1970 su carrera estaba en rápido declive. El alcoholismo de Hendry [ 10 ] y su mala condición física [ 11 ] eran evidentes en el set en Newcastle , y su envidia por el éxito de su contemporáneo Caine se veía exacerbada por su consumo de alcohol. A Hodges le preocupaba que el esfuerzo físico del personaje en el clímax de la película pudiera ser demasiado para Hendry, por lo que dispuso que fuera la primera secuencia que se filmara como precaución, para no tener que volver a filmar el resto de la película si fuera necesario reemplazar a Hendry. Hodges y Caine aprovecharon la animosidad de Hendry hacia Caine para crear tensión adicional en las escenas entre Carter y Paice. [ 12 ]
  • John Osborne como Cyril Kinnear, el principal adversario de Jack. Osborne, un famoso dramaturgo, fue una elección inusual de actor; fue sugerido por el agente de Hodges. [ 13 ] El escritor disfrutó del cambio y lo vio como una forma de borrar la imagen que el público tenía de él como un joven iracundo . [ 10 ] Osborne nunca había jugado a las cartas y practicó póquer antes del rodaje para dar realismo a la escena de juego. La interpretación de Osborne contrastaba con la descripción de Kinnear en la novela de Ted Lewis , Jack's Return Home, como un estafador corpulento y sin cultura , dándole un porte urbano y relajado, su dicción era tan relajada y tranquila que al técnico de sonido le costaba captarla, pero a Hodges le gustó la "amenaza en esa tranquilidad". [ 14 ]
  • Britt Ekland como Anna. Ekland fue elegida como la protagonista femenina de la película, ya que era un símbolo sexual prominente de la época y el público estadounidense ya la conocía por su trabajo en The Night They Raided Minsky's y Stiletto . Por consiguiente, su papel secundario en la película fue sobrevalorado en la publicidad. Ekland temía encasillarse, ya que había interpretado a dos amantes de gánsteres antes de Carter en Stiletto y Machine Gun McCain . [ 10 ] También se mostró reacia a aceptar el papel porque no quería desnudarse; sin embargo, en ese momento tenía problemas financieros debido a las malas decisiones de inversión de su contable. Posteriormente se alegró de haber participado en el proyecto. [ 15 ]
  • Bryan Mosley como Cliff Brumby. Los ejecutivos de MGM inicialmente querían a Telly Savalas para el papel del "grandulón", pero quedaron impresionados por la actuación del actor de Coronation Street , Mosley, en las escenas de lucha en Lejos del mundanal ruido . [ 16 ] Siendo un católico romano devoto , Mosley estaba preocupado por participar en una película tan violenta con representaciones de comportamiento criminal , y consultó a su sacerdote sobre las implicaciones morales. [ 17 ]
  • George Sewell como Con McCarty. Sewell fue quien presentó a Barbara Windsor a Charlie Kray . Creció en el barrio obrero de Hoxton y se inició en la actuación tarde, cuando, en 1959, se unió al Theatre Workshop de Joan Littlewood . Un rostro conocido en la televisión británica de los años 60, sus rasgos marcados y su mirada esquiva y atormentada lo hacían ideal para interpretar personajes villanos o detectives duros. Parecía la elección perfecta para el papel de colega gánster londinense de Carter. Después de Carter , Sewell se hizo más conocido por interpretar a policías que a villanos. [ 10 ] [ 18 ]
  • Tony Beckley como Peter el holandés. Lewis describió a Peter como un homosexual misógino en su novela; estos elementos no se enfatizaron en la película, aunque el personaje es extravagante y amanerado . Beckley se había especializado en interpretar a criminales sádicos, por lo que su papel en Carter fue algo similar a su papel de "Camp Freddy" junto a Caine en The Italian Job . [ 13 ]
  • Glynn Edwards as Albert Swift. Like Sewell, Edwards was an apprentice of Joan Littlewood's Theatre Workshop who had come to acting in his 30s. He had previously appeared alongside Caine in Zulu and The Ipcress File. After the film Edwards found work as a character actor and appeared regularly in the TV show Minder.[19]
  • Alun Armstrong as Keith Lacey. This was Armstrong's screen debut. The themes of Get Carter echo to a certain extent those of Armstrong's better-known role 25 years later in BBC drama Our Friends in the North. He wrote a letter to MGM when he learned it was making the film in Newcastle, and he was invited to meet director Mike Hodges, who wanted to cast local actors.[20]
  • Bernard Hepton as Thorpe. Bradford-born Hepton was cast by Hodges as Kinnear's nervous messenger.
  • Petra Markham as Doreen Carter. Petra Markham was a 24-year-old experienced theatre actress when she was asked to play the role of Carter's 16-year-old niece. Her appearance in only four scenes in the film meant she could balance the film work with appearing at the Royal Court and her role in the television series Albert and Victoria. She went on to play the unfortunate Rose Chapman in EastEnders.[21]
  • Geraldine Moffat as Glenda. Moffatt was an experienced actress who had trained at the Bristol Old Vic Theatre School. She attracted Hodges's attention not just for her good looks but for her work on Alun Owen's television playsStella and Doreen.[22]
  • Dorothy White as Margaret. White had a successful career as a television actress and was particularly well known for Z-Cars, but the part of Margaret was her first credited cinematic role (the only other being a part in the 1955 film Touch & Go). She had previously worked with Mike Hodges on the television play Suspect.[22]
  • Rosemarie Dunham as Edna Garfoot, Carter's landlady. Although she had appeared in The Avengers and A Family at War on television, this was Scottish-born Dunham's film debut.
  • John Bindon as Sid Fletcher. He was the son of a London cab driver who was discovered by Ken Loach in a pub. As a young man Bindon had been in and out of borstal, and spent most of his adult life associating with criminals, so he was ideally suited to play a gangland boss, despite being young, having intimate knowledge of that world. In the late 1970s his career suffered as he became entangled in accusations of protection racketeering in Fulham and was acquitted of murder at the Old Bailey.[23]
  • Terence Rigby as Gerald Fletcher, one of the London crime boss brothers. Rigby was another actor Hodges cast from his familiarity in television police drama.[24]

Mike Hodges recruited a band of experienced character actors to play the small supporting roles. Godfrey Quigley was cast as Eddie Appleyard, a colleague of Frank Carter's. Kevin Brennan appears as Harry the card-player. Ben Aris, who plays one of the architects, had previously appeared in such films as if...., The Charge of the Light Brigade and Hamlet.[24]

Carl Howard's character of the assassin, "J", is only identified by the initial on his ring, in his only film role, and an appropriate mystery surrounds his real identity. His name does not appear on the credits of some prints. Mike Hodges explained that Howard was an extra in his TV film Rumour, and the director gave him a line to say, but another extra was wrongly credited. Hodges promised he would make it up to him and cast him in Carter, but his name was missed off some of the original prints. If you look closely, the assassin also appears briefly in the same train compartment as Jack approaches Newcastle. When the film credits were printed in the Radio Times and TV Times, Howard was also trimmed. Hodges said in 2002 that "Carl and credits don't seem destined for each other".[25]

Production

Development

In the late 1960s, a relaxation in film censorship produced an increase in dark, uncompromising films, with many directors pushing the boundaries of acceptability. Get Carter was a film that explored this freedom.[26] The project went from concept to finished film in just 10 months.[2]

In 1969, producer Michael Klinger devised plans for a gangster film to capitalise on public interest in the British criminal underworld after the Kray Twins' convictions. Klinger was invited to view a first print of Peter Walker's Man of Violence (1969) and was unimpressed, telling the director "I'm going to make a gangster film, but it's going to cost a lot more than this and it's going to be better".[27] After searching many publishers for material to adapt into a film, Klinger purchased the rights to Ted Lewis's novel Jack's Return Home. Andrew Spicer has written that "he [Klinger] sensed its potential to imbue the British crime thriller with the realism and violence of its American counterparts".[28]

Klinger had been approached in 1969 by another producer, Nat Cohen, to make films for Metro-Goldwyn-Mayer (MGM).[29] In financial trouble and shutting down its British operations, MGM was in the process of closing its British studios at Borehamwood[30] and was looking to make smaller-budget films to turn a profit. At this time Klinger's friend Robert Littman had been appointed head of MGM Europe and so Klinger took his proposal to him.[31][27][32]

MGM agreed to a reasonable but below-average budget of 750,000 (there is some dispute as to whether this figure refers to dollars or pounds)[2] for the production.[33] Within months of agreeing to the deal MGM had pulled out of the UK.[27] Klinger had seen Mike Hodges's television film Suspect (1969) and immediately decided he was the ideal candidate to direct his new project.[27] Hodges had also previously worked on current affairs programme World in Action, the arts programme Tempo and a 1968 children's television serial, The Tyrant King, and all these past experiences informed his approach to his film debut.[34]

Klinger contactó a Hodges el 27 de enero de 1970 con una copia de Jack's Return Home y lo contrató [ 35 ] para escribir y dirigir la película, pagándole una tarifa fija de £7,000 (£135,700 en 2024) por sus servicios. [ 36 ] El título de trabajo original de Hodges para la película era Carter's The Name . [ 37 ] Steve Chibnall escribe: "su tratamiento conservó la estructura esencial de la novela de Lewis con su fuerte impulso narrativo, pero introdujo algunos cambios menores en la caracterización y alteraciones más fundamentales en la narratología ". [ 37 ] Dado que Ted Lewis no había especificado dónde se desarrollaba su novela, Hodges se sintió libre de reubicar la historia [ 38 ] en un lugar que le resultaba familiar, considerando Grimsby , Lowestoft , Hull y North Shields [ 2 ] antes de decidirse por Newcastle upon Tyne. Hodges afirmó que su escritura estuvo influenciada por las obras de Raymond Chandler y las películas de serie B de Hollywood , como Kiss Me Deadly , porque mostraban "cómo usar la historia del crimen como una autopsia de los males de la sociedad". [ 35 ] Sin embargo, no empleó la técnica tradicional del cine negro de usar una voz en off para exponer los sentimientos internos del personaje. [ 37 ] También prescindió de los flashbacks a la juventud de Carter que aparecían en la novela y que exploraban su relación con su hermano Frank, simplificando la trama a una narración lineal que abarca un solo fin de semana. Como escribe Chibnall:

La consecuencia inmediata fue la pérdida de las claves para comprender las motivaciones de Carter, aportadas por sus recuerdos de infancia y sus relaciones con su hermano Frank y el líder de la banda criminal Albert Swift. También se perdió la historia de los tratos de Carter con Eric Paice durante su época como gánsteres rivales en Londres, en particular, el trato violento de Eric hacia Audrey (Anna en el guion), la amante de Carter, cuyo recuerdo alimenta el odio de Carter. [ 37 ]

El significado de la escopeta de dos cañones como arma elegida por Carter (que en la novela simboliza los lazos familiares y los recuerdos de Carter de tiempos más inocentes cazando con su hermano) se perdió en la adaptación cinematográfica.

El asesinato de Brumby por parte de Carter [ 39 ] y su propio asesinato fueron alteraciones adicionales de la novela, enfatizando los paralelismos de la película con la tragedia de venganza [ 37 ] y el papel de Carter como lo que Geoff Mayer llama "el agente moral [...] un " caballero " obligado a impartir su propio sentido de la justicia en un mundo corrupto". [ 33 ] Sin embargo, en su comentario del DVD, Hodges da a entender que no veía a Carter moralmente más justificado que aquellos a quienes mata, y su muerte tiene la intención de presentar sus acciones al público como moralmente corruptas e inútiles: "Quería que se le tratara exactamente de la misma manera que él trataba a otras personas. Ahora bien, eso es una especie de ética cristiana en cierto modo [...] Ese era un requisito previo de la película para mí, que el sicario hiciera [clic] y eso es todo". [ 40 ] La decisión de Hodges de matar a Carter fue protestada inicialmente por los ejecutivos de MGM, ya que querían que el personaje sobreviviera en caso de que la película tuviera el éxito suficiente como para justificar una secuela . [ 5 ]

Fundición

MGM presionó para que aparecieran grandes estrellas de Hollywood en la película, presión a la que Hodges se resistió con éxito. Además de Telly Savalas , Klinger y los ejecutivos del estudio mencionaron a Joan Collins y a alguien que Hodges describió como "la actriz principal canadiense de la serie de televisión Peyton Place ", probablemente una referencia a Barbara Parkins . [ 2 ] La producción también empleó a un gran número de extras, la mayoría de los cuales eran lugareños que casualmente se encontraban en el lugar durante el rodaje. Otros fueron reclutados a través de la agencia de casting local Beverley Artistes, que envió a todos sus inscritos a audiciones; una de ellas fue Denea Wilde, quien fue elegida para el papel de la cantante del pub. Varios actores de la compañía también aparecieron en escenas de fondo de la película, incluyendo el casino, las calles, los bares y la escena de la redada policial. [ 41 ]

Preproducción

El aparcamiento de Trinity Square, donde se encontraba la cafetería en la azotea de Brumby, fue demolido en 2010.

Hodges y Klinger exploraron lugares a lo largo de la costa este de Inglaterra en la primavera de 1970 para encontrar un paisaje que sugiriera un "entorno duro y marginado". [ 41 ] Newcastle fue seleccionado después de que la primera opción de Hodges, Hull, resultara inadecuada. [ 41 ] [ 37 ] Hodges investigó a fondo la escena del crimen local de Newcastle, adaptando el guion para aprovechar los escenarios e incorporando elementos de su investigación a la historia. [ 35 ] Su experiencia en World in Action lo había acostumbrado a hacer películas basadas en una investigación rigurosa, lo que influyó en su enfoque de Get Carter . [ 2 ] [ 34 ] Uno de los primeros lugares que atrajo la atención de Hodges fue el aparcamiento de varias plantas de Trinity Square , que dominaba el centro de Gateshead . Para Hodges, el aparcamiento y los puentes de hierro fundido sobre el Tyne "parecían capturar la naturaleza del propio Jack Carter". [ 38 ] El aparcamiento encarna uno de los temas más sutiles de la película, que es la destrucción de un antiguo paisaje urbano y su reconstrucción en consonancia con el brutalismo moderno . [ 42 ] Hodges describió cómo, mientras vagaba solo por la estructura superior, se dio cuenta de cómo los diferentes niveles podían usarse para revelar al cazador, Carter, y a la presa, Brumby, simultáneamente, pero sin que ninguno fuera consciente del otro, lo que aumentaba el suspense. [ 38 ] El centro comercial y el aparcamiento fueron cerrados a principios de 2008 y demolidos a finales de 2010. [ 43 ]

Beechcroft, Broomside Lane, Condado de Durham , donde se ubicaba la casa de Cliff Brumby, estaba a la espera de ser demolida en 2007. Beechcroft permaneció abandonada durante muchos años y finalmente fue demolida en diciembre de 2008, [ 44 ] a pesar de una campaña para preservarla como atracción turística. [ 45 ]

The location for Cyril Kinnear's house, Dryderdale Hall, near Hamsterley, Bishop Auckland, provided a real-life connection with organised crime.[46] It was the recently vacated country house of North Eastfruit machine businessman Vince Landa, who had fled the country in 1969 after the murder of his right-hand man Angus Sibbett, the so-called one-armed bandit murder. Many believed the crime was part of a failed attempt by the Kray twins to gain control of the Newcastle underworld.[47] Michael Klinger and the MGM publicity spokesman dismissed the use of the location as mere coincidence; however, Hodges was aware of the significance of the house and chose it deliberately.[35] Steve Chibnall writes "It proved a perfect location, wreaking[sic] of authenticity and full of useful details such as the cowboys and Indians wallpaper [...] the African shield and crossed spears on the wall of the crime lord's living room".[48] The Landa case also is referenced at the start of the film with a shot of a newspaper bearing the headline "Gaming Wars".[49] Other locations in Newcastle and Gateshead, Northumberland and County Durham were also used.[50][51]

Filming

El rodaje principal tuvo lugar en el noreste entre el 17 de julio y el 15 de septiembre de 1970. [ 25 ] Hodges prefirió el uso de lentes de larga distancia focal (como ya había usado en Rumour ) en muchas escenas para crear una sensación documental naturalista, especialmente en las escenas de multitudes. [ 34 ] La película se rodó en Metrocolor , [ 5 ] que era el nombre comercial de MGM para las películas procesadas en su laboratorio Eastmancolor . Este laboratorio procesaba el Eastman Color Negative de Kodak , por lo que es muy probable que la película se haya rodado en este tipo de película. [ 52 ] [ 53 ] Al preguntarle sobre lo que buscaba en la estética de la película, el director de fotografía Wolfgang Suschitzky dijo: "El trabajo de cámara en ella [...] estuvo muy influenciado por Mike Hodges, quien tiene un ojo excelente para las configuraciones y, por supuesto, consultó con su operador y conmigo, pero nos influyó a todos, y gran parte de la buena estética se debe a él, lo confieso. Mi tarea principal fue iluminar en locación, de manera muy moderada, y esperar la luz natural adecuada y ajustar la exposición en la lente". [ 54 ] En la primera semana de rodaje en Newcastle, el ACTT convocó al equipo a una huelga de un día. [ 55 ] Siguiendo el consejo de Richard Lester , Hodges y su asistente de dirección se hospedaron en un hotel separado del resto del elenco y el equipo, lo que le permitió tener un respiro de la producción después de que terminara la jornada de rodaje. [ 56 ] Klinger estuvo presente en el set durante gran parte del rodaje. Sin embargo, Hodges dijo que encontró muy poca interferencia por parte del productor. En un momento dado, Klinger y Caine preguntaron si Hodges podría trabajar en una "secuencia de persecución", pero él los convenció de que generaría demasiadas comparaciones con Bullitt [ 2 ] (en el guion de rodaje se menciona una secuencia de persecución entre Carter y los gánsteres londinenses). [ 57 ] Hodges intentó ensayar la escena del hipódromo entre Caine y Hendry en su hotel la noche anterior al rodaje, pero "el estado de embriaguez y resentimiento de Hendry obligó a Hodges a abandonar [el] intento". [ 58 ] Hodges describió a Caine como "un sueño trabajar con él". [ 59 ] Caine solo perdió los estribos una vez en el set, durante el tenso y emotivo día de rodaje en el apartamento de Glenda, cuando el foquista ruined his first take. Caine apologised immediately.[7]

The most complicated scene to shoot was Kinnear's game of cards. There are four simultaneous conversations, with a lot of plot exposition and the introduction of two important characters, Kinnear and Glenda. The technical complexity was compounded by the variation in light coming through the windows, and Osborne's whispered delivery[48] which made microphone placement difficult. Hodges moved the camera and the boom closer to Osborne as the scene progressed.[13] Chibnall says that Hodges regretted not rehearsing the scene more thoroughly.[48]

The location of the closing scene of the film, Blackhall Beach near Hartlepool
Base of the North Side coal staithes, North Blyth, Northumberland. Near the film's conclusion, Carter chases Paice along these. The tops of the staithes as they appear in the film have been demolished; only the base of the structure remains.

In shooting the scene in which Carter throws Brumby to his death from the multi-storey car park, Hodges used four shots: one of the pair struggling high up on the stairs; one from the lowest level of the stairwell where Caine actually threw Bryan Mosley over the side onto mattresses; one shot of a dummy falling; and one of the body of Brumby on top of a crushed car.[38]

La persecución culminante de Carter a Eric utilizó una amalgama de dos lugares separados por 56 km (35 millas) : los muelles de Blyth y la playa de Blackhall cerca de la mina de carbón de Blackhall . [ 60 ] [ 61 ] La escena de la persecución se filmó en orden inverso, con Hodges filmando primero la escena de la muerte de Eric debido a la mala condición de Hendry, ya que Hodges temía que estuviera demasiado sin aliento para interpretar la escena de la muerte después de correr. Hodges eligió la playa por su atmósfera sombría y oscura, pero cuando regresó para filmar la escena la encontró bañada por un sol brillante, inadecuado para el final lúgubre que esperaba. Esperó horas hasta que el sol comenzó a ponerse para capturar la iluminación nublada y sombría que se ve en la película. [ 62 ] La película muestra la playa negra por los escombros de carbón, vertidos allí por el sistema de cintas transportadoras de la mina. La cinta transportadora, una vista común en la costa este de Durham, era conocida localmente como The Flight. A principios de la década de 2000, se gastaron 10 millones de libras esterlinas en la eliminación de estas cintas transportadoras y las torres de hormigón, y en la limpieza de toneladas de residuos de carbón de las playas del este de Durham. El programa de limpieza se conoció como Turning the Tide. [ 63 ] 

Postproducción

Klinger fue un productor muy involucrado que estuvo presente durante todo el rodaje y la posproducción. Sugirió a Hodges que contratara a John Trumper como editor. Hodges comentó que él y Trumper discutían y discrepaban constantemente, pero aun así lo consideraba un "editor brillante" y le estaba "muy agradecido por [...] todo lo que aportó". La edición de sonido y el doblaje corrieron a cargo de Jim Atkinson, a quien Hodges describió como "obsesivo con su trabajo". Atkinson le ofreció a Hodges múltiples posibilidades para el doblaje y exploró todas las opciones. A Klinger le preocupaba que el director debutante se sintiera abrumado por tantas opciones, pero Hodges afirmó que él y Atkinson se llevaban muy bien. [ 2 ]

Música

La mayor parte de la música de la película fue compuesta por Roy Budd , un pianista y compositor de jazz, que había trabajado anteriormente en las bandas sonoras de Soldier Blue y Flight of the Doves . Además de su banda sonora, Budd también compuso tres canciones: "Looking For Someone", "Love Is A Four Letter Word" (con letra de Jack Fishman) y "Hallucinations". [ 5 ] El tema (también conocido como "Carter Takes a Train"), la pieza más conocida de la película, fue interpretado por Budd y los otros miembros de su trío de jazz, Jeff Clyne ( contrabajo ) y Chris Karan ( percusión ), y se grabó con un presupuesto de 450 libras esterlinas (8700 libras esterlinas en 2024). Los músicos grabaron la banda sonora en vivo, directamente a la imagen, tocando junto con la película. [ 64 ] Para ahorrar tiempo y dinero, Budd no utilizó sobregrabaciones, tocando simultáneamente un clavecín real , un piano eléctrico Wurlitzer y un piano de cola . [ 65 ] [ 66 ] Budd describió la experiencia como "incómoda, pero sonaba agradable". La sintonía incluye los sonidos del viaje en tren del personaje desde Londres hasta Newcastle.

El tema fue lanzado como un sencillo de vinilo de 7" por Pye Records en 1971, titulado simplemente "Carter" y con "Plaything" en la cara B, otra pieza compuesta para la banda sonora. Las copias originales del disco son muy buscadas por los coleccionistas y se venden por alrededor de £100. [ 67 ] La banda sonora, incluyendo piezas no utilizadas en la película, originalmente solo estuvo disponible en su totalidad en Japón, donde fue lanzada por Odeon Records . [ 68 ] Fue lanzada en el Reino Unido en 1998 por el sello Cinephile, una subsidiaria de Castle Communications . En 2012, el tema fue incluido en la compilación de Soul Jazz Records British TV, Film and Library Composers . [ 69 ]

La película incluye otra música que no está incluida en el LP de la banda sonora. La música que suena en la escena del club nocturno es una versión animada del tema de Willie Mitchell de 1969 "30-60-90", interpretada en vivo por la Jack Hawkins Showband, que era la banda residente del club nocturno Oxford Galleries. [ 70 ] La cantante del pub, interpretada por Denea Wilde, interpreta una versión de " How About You? " de Burton Lane y Ralph Freed , [ 5 ] una canción más asociada con las glamurosas películas de Hollywood que con las trastiendas de los pubs de Newcastle. Los Pelaw Hussars, una banda de jazz juvenil local y un grupo de majorettes , también aparecen e interpretan dos números: " When The Saints Go Marching In " y " Auld Lang Syne ". [ 5 ]

Liberar

Teatral

Un autobús AEC Routemaster de Londres con carteles promocionales de Get Carter .

El estreno mundial de Get Carter tuvo lugar en Los Ángeles el 3 de febrero de 1971. [ 5 ] La película finalmente se estrenó en el Reino Unido el 10 de marzo de 1971 y en Estados Unidos el 18 de marzo, donde fue clasificada como 'X' por violencia y desnudez femenina, lo que significaba que era solo para adultos. [ 71 ] Posteriormente fue reclasificada como 'R' , lo que significaba que los menores de 17 años debían estar acompañados por un adulto. [ 5 ] Una versión censurada se estrenó en Alemania Occidental el 6 de agosto de 1971, con una duración nueve minutos menor que la original. Michael Klinger participó en la promoción de la película en el Reino Unido, utilizando su experiencia como distribuidor para llevar a cabo una fuerte campaña publicitaria. Los carteles promocionales de la película aparecieron en la parte delantera de los autobuses de Londres, con el lema "Caine es Carter". [ 2 ]

El póster británico original de formato cuádruple con ilustraciones de Arnaldo Putzu , al igual que muchos carteles de cine, presenta aspectos o imágenes que difieren de la versión final en pantalla. Carter aparece con una llamativa chaqueta floral, en contraste con el impermeable oscuro y el traje de mohair que viste en la película. Al ser consultado en 2006, Putzu no recordaba su justificación artística para pintar la chaqueta floral, pero afirmó que en ese momento pintaba muchas flores en sus diseños. [ 72 ] Chibnall describe la imaginería del flower power como «lo que parece un intento desesperado y desacertado de sugerir la modernidad de un género que había caído en desuso». [ 73 ] Sin embargo, al experto en carteles de cine Sim Branaghan le gustó su excentricidad, calificándola como «ese tipo de peculiaridad que ya no se ve hoy en día». [ 72 ] Jonny Trunk de Trunk Records —un aficionado de larga data de la película y su historia— ha observado que el patrón floral de la chaqueta de Carter está tomado del distintivo diseño de la almohada y la sábana a juego de la cama en la escena donde Britt Ekland se retuerce desnuda mientras habla por teléfono con Jack. El póster también coloca la escopeta de Carter en las manos de Eric, y presenta a un hombre y una mujer forcejeando que parecen pertenecer a otra película. [ 74 ] Existen tomas promocionales y arte de póster de la película que muestran a Carter sosteniendo una escopeta de corredera ; en la película terminada, la única escopeta que usa Carter es una escopeta de dos cañones, que Carter encuentra encima del armario de su hermano Frank.

MGM vendió los derechos de distribución de la película en EE. UU. a su futura subsidiaria United Artists , que la promocionó mal, en medio de la preocupación de que el diálogo cockney en la escena inicial fuera ininteligible para el público estadounidense. El estreno de la película se retrasó mientras se redoblaban partes de la película, sin gran mejora. [ 75 ] En el proceso de redoblar el inicio, se perdió la versión de la película con el diálogo original. Durante años, la versión que se mostró en la televisión británica fue el montaje estadounidense redoblado. [ 75 ] UA colocó la película en el circuito de autocines en declive , [ 1 ] donde se proyectó al final de una sesión doble con Dirty Dingus Magee , un vehículo para Frank Sinatra . [ 76 ] [ 77 ] Michael Klinger se quejó en 1974 al presidente de UA, Eric Pleskow, sobre la promoción poco entusiasta de Carter , e intentó que renunciara a los derechos estadounidenses de la película para que Klinger pudiera encontrar un mejor distribuidor. [ 78 ]

La película no tuvo muchos problemas de censura, aunque la escena en la que Carter apuñala a Albert Swift causó preocupación al censor británico John Trevelyan . [ 79 ] En Sudáfrica, el censor eliminó la escena de sexo telefónico de Britt Ekland, acortando su ya breve papel; su nombre aún figuraba en el cartel, lo que hizo que los espectadores se preguntaran por qué se anunciaba su participación. [ 80 ]

Un resurgimiento del interés de la crítica y del público por la película en la década de 1990 llevó al British Film Institute (BFI) a lanzar una nueva copia en 1999. Colaboró ​​con Hodges para restaurar la película, y Hodges consiguió otro conjunto de negativos de la secuencia inicial original, que se encontraron en los archivos de la BBC. El equipo luego empalmó el segmento inicial en una copia de alta calidad de la película. [ 75 ] El reestreno tuvo lugar en el National Film Theatre [ 81 ] y se estrenó en cines el 11 de junio de 1999, proyectándose en el Tyneside Cinema de Newcastle. [ 75 ]

El 16 de marzo de 2022, el BFI anunció su colaboración con Warner Bros. y Warner Bros. Home Entertainment para el relanzamiento de la película en el BFI Southbank, dentro del programa retrospectivo « Return of the Outsider: The Films of Mike Hodges» , que se llevó a cabo del 1 al 31 de mayo e incluyó diversos eventos presenciales, como «Mike Hodges in Conversation» el 3 de mayo. Posteriormente, el 27 de mayo, se estrenó en cines británicos e irlandeses. Este lanzamiento utilizó una nueva restauración en 4K del negativo original de la película, aprobada por Hodges. [ 82 ]

Medios domésticos

Chibnall ha establecido que la película se emitió en LWT en 1976 y 1980 "en una versión censurada " (que eliminaba la escena de sexo telefónico de Britt Ekland) [ 80 ] y una vez en Westward Television y en Granada en agosto de 1981, pero no se emitió a nivel nacional y en su totalidad hasta una transmisión de la BBC fuera del horario de protección infantil en 1986. [ 83 ] Finalmente, MGM/UA la lanzó en formato doméstico en 1993 como parte de su "Elite Collection". Chibnall dice: "No hubo publicidad que sugiriera que había ocurrido un evento significativo. Simplemente fue parte del largo proceso de explotar el catálogo anterior de MGM en la antesala de la Navidad". A pesar de esto, el lanzamiento recibió una reseña de cinco estrellas en Empire , donde se la describió como "una de las mejores películas británicas de los 70". Chibnall señala: "Sin embargo, no encontró un lugar en los cincuenta mejores videos del año de Empire " . [ 83 ]

Warner Bros. reeditó la película en una edición especial en DVD en octubre de 2000 en su formato original 1.85:1 . Los extras incluían tres tráileres: el tráiler internacional, una presentación de Michael Caine a la gente de Newcastle y un tercero con Roy Budd interpretando el tema de apertura. Este formato también se utilizó en un set de VHS lanzado por Warner en 2001, que incluía Bullitt y Shaft . El DVD también incluía comentarios de Caine, Hodges y Suschitzky, elaborados a partir de entrevistas individuales con los tres. La banda sonora se presentó en Dolby Digital mono 1.0 . [ 84 ]

La película se incluyó en el set de DVD de 2008 "Movies That Matter – 70's Classics" junto con Deliverance y Dog Day Afternoon . [ 85 ] Está disponible en Warner Archive Collection como DVD-R bajo demanda (MOD) o para descarga, con los mismos extras que el lanzamiento de 2000, aunque con solo dos tráileres y esta vez en formato 16:9 . [ 86 ]

La película Get Carter fue lanzada en Blu-ray Disc por Warner el 22 de abril de 2014; esta edición incluye los mismos extras que la edición especial en DVD, pero debido a un error de fabricación, las copias estadounidenses del disco utilizan la versión doblada al inglés de la secuencia inicial en lugar del audio original. Este cambio se mantuvo en las primeras copias británicas del disco, pero posteriormente se revirtió tras la reacción negativa del público; las copias británicas posteriores vendidas por distribuidores como Amazon UK incluyen la pista de audio original. [ 87 ]

BFI Video lanzó su restauración en 4K de Get Carter el 1 de agosto de 2022 en Blu-ray estándar y Ultra HD ; [ 82 ] los sets de dos discos incluyen las características especiales de los lanzamientos anteriores de la película en formato doméstico, así como un nuevo comentario de audio con los críticos Kim Newman y Barry Forshaw , una pista musical aislada, entrevistas con Hodges, el fundador de Trunk Records Jonny Trunk, la actriz Petra Markham y el hijo de Michael Klinger, Tony , el documental de Philip Trevelyan de 1966 , The Ship Hotel, Tyne Main , un folleto que contiene varios ensayos sobre la película y otros artículos, postales y un póster de doble cara tanto para la restauración como para una réplica del póster original del Reino Unido. [ 88 ]

Recepción

Respuesta crítica

La persecución de Eric por parte de Jack, tal como se ve en el tráiler de la película.

En Rotten Tomatoes , la película tiene una calificación de aprobación del 85% basada en 40 reseñas, con una calificación promedio de 7.50/10; el consenso de la crítica del sitio dice: "Oscura, entretenida y tensa, Get Carter es una cruda historia de venganza bien hecha". [ 89 ]

Metacritic , que utiliza un promedio ponderado , asignó a la película una puntuación de 80 sobre 100, basada en 15 críticos, lo que indica críticas "generalmente favorables". [ 90 ] En 2003, Steve Chibnall observó un gran desequilibrio de género en la votación de la película hasta abril de 2002, con menos del 6% de los votos emitidos (donde los votantes indicaron su género) por mujeres (53 de 947). También notó un aumento sustancial en la participación femenina en la película en los ocho meses previos a abril de 2002. [ 91 ]

Al describir la respuesta inicial de la crítica a la película, Steve Chibnall escribió: «La vilipendiación o indiferencia inicial de la crítica establece las condiciones en las que puede florecer un culto. Get Carter tuvo que conformarse con la ambivalencia». [ 92 ] Pensó que la postura general de los críticos británicos «era admirar el poder y el profesionalismo de la película, al tiempo que condenaban su amoralidad y violencia excesiva». [ 91 ] Geoff Mayer observó que «los críticos convencionales de la época estaban consternados por la compleja trama de la película y la falta de remordimiento de Carter». [ 93 ] En Sight and Sound , Tom Milne dijo que la película estaba bien construida y tenía una buena caracterización, pero carecía del misterio y el carisma de las películas de crimen estadounidenses anteriores que intentaba emular. Encontró que las motivaciones de Carter eran inconsistentes, siendo o bien un ángel vengador o un «auténtico antihéroe pospermisivo, que se deleitaba en el sadismo casual». [ 94 ] [ 95 ]

En contraste, Nigel Andrews consideró que los personajes eran arquetipos clichés del mundo criminal, como el "chofer homosexual, el magnate obeso, la amante glamorosa", describiendo la película como "superficial". [ 96 ] Richard Weaver en Films and Filming elogió el realismo de la película, describiéndola como "crimen en su forma más descarada", [ 94 ] [ 97 ] mientras que George Melly escribiendo en The Observer confesó haberla disfrutado indirectamente, pero admitió que era "como una botella de ginebra pura tragada antes del desayuno. Es embriagadora, sí, pero no te hará ningún bien". [ 98 ]

Steve Chibnall escribe que «Estados Unidos estaba bastante más acostumbrado a la narrativa cruda» y que los críticos allí estaban «más preparados que la crítica británica para tratar Get Carter como una obra seria», [ 99 ] Pauline Kael admira su «calculada falta de alma» [ 100 ] y se pregunta si señalaba un «nuevo género de virtuosismo cruel». [ 101 ] La publicación estadounidense Box Office dio una crítica cautelosamente favorable, describiendo la película como «desagradable, violenta y sexy a la vez». Predijo que «Debería gustar en el mercado de acción, pero no le dará ningún laurel a Caine, aunque su interpretación del cruel antihéroe impresiona». [ 102 ] El crítico también opinó que «Un montaje más ajustado ayudaría considerablemente». Roger Ebert fue menos reservado en sus elogios, escribiendo que «la película tiene un toque seguro». Destacó el «detalle proletario» de la película, que es «inusual en una película policíaca británica. Normalmente vemos todo ostentación y nada de humanidad, muchos trucos de cámara sofisticados pero ninguna sensibilidad hacia los estratos criminales de la sociedad». [ 103 ] Sobre la actuación de Caine escribió: «El personaje creado por Caine es particularmente interesante. Es duro y despiadado, pero muy callado y cargado de una terrible ironía». Judith Crist, en la revista New York, publicó una crítica entusiasta, diciendo que «Michael Caine está soberbio, elegante y sexy» y describiendo la película como «una crítica mordaz, cruel y satisfactoria de la vieja escuela de detectives duros, realizada en términos contemporáneos y francos». [ 104 ] Variety también elogió la película, diciendo que «no solo mantiene el interés, sino que transmite con rara maestría, contención y claridad los numerosos giros argumentales brutales, sórdidos y salvajes». [ 105 ] Sin embargo, Jay Cocks, escribiendo en Time , fue despectivo, calificando la película como "una obra obstinadamente desagradable" y comparándola desfavorablemente con Point Blank . [ 106 ] La película apareció en varias listas de críticos estadounidenses de las mejores películas del año. [ 78 ]

En el obituario de Michael Klinger publicado en The Guardian en 1989, Derek Malcolm recordó la película como "uno de los thrillers británicos más formidables de su época". [ 107 ]

Taquillas

Get Carter fue un éxito financiero y, según Steve Chibnall, su recaudación en taquilla fue "muy respetable". En su semana de estreno en el cine ABC2 de Shaftesbury Avenue , Londres, batió el récord de taquilla, recaudando 8188 libras. Superó a Up Pompeii , que se proyectaba en el cine ABC1, de mayor tamaño. También tuvo un buen desempeño cuando se trasladó a los cines ABC de Edgware y Fulham Road . En su estreno general en el norte de Inglaterra, Chibnall señala que tuvo una "primera semana muy fuerte", antes de que una ola de calor inusual afectara la asistencia a los cines. Chibnall escribe que "Curiosamente, aunque el tono melancólico y poco sentimental de la película se considera ahora que expresa el estado de ánimo de su época, el público cinematográfico masivo prefirió Love Story (1970), que siguió siendo la película más popular en Gran Bretaña durante toda la exhibición de Get Carter ". [ 99 ] Fue la sexta película de "estreno general" más popular en la taquilla británica en 1971. [ 108 ]

Elogios

En el momento de su estreno, el único reconocimiento que recibió la película fue una nominación a los premios BAFTA de 1972 para Ian Hendry como Mejor Actor de Reparto . [ 93 ] En 1999, Get Carter fue clasificada en el puesto 16 de las 100 mejores películas británicas del siglo XX del BFI; cinco años después, una encuesta de críticos de cine británicos en la revista Total Film la eligió como la mejor película británica de todos los tiempos. [ 6 ] En 2008, la película fue colocada en el puesto 225 de la lista de Empire de las 500 mejores películas de todos los tiempos, que fue seleccionada por más de 10 000 lectores de Empire , 150 cineastas y 50 críticos de cine. [ 109 ] En octubre de 2010, los críticos del periódico The Guardian colocaron la película en su lista de "Las mejores películas de todos los tiempos", colocándola en el número 7 de las 25 mejores películas de crimen. [ 110 ] En la encuesta adjunta realizada entre los lectores de The Guardian , fue votada en quinto lugar. [ 111 ] En 2011, Time Out London colocó la película en el puesto 32 de su lista de las 100 mejores películas británicas , que fue seleccionada por un panel de 150 expertos de la industria cinematográfica. [ 112 ]

Remakes

El sicario (1972)

En 1972, MGM estrenó la película de blaxploitation Hit Man , escrita y dirigida por George Armitage y producida por Gene Corman ; los créditos de la película identifican a Jack's Return Home de Lewis como su base. Esta fue la segunda vez que Corman produjo una película de blaxploitation basada en una novela que ya había sido adaptada al cine, después de Cool Breeze (1972), la cuarta adaptación de The Asphalt Jungle de WR Burnett . [ 113 ] Sin embargo, Hodges y los críticos han identificado a Hit Man como una nueva versión de Get Carter , transponiendo la acción de Newcastle a Los Ángeles . La película está protagonizada por Bernie Casey como Tyrone Tackett, el equivalente de Jack Carter en la historia, mientras que Glenda es reinventada como Gozelda, una "estrella de películas eróticas sensuales" interpretada por Pam Grier . [ 114 ]

Armitage reveló que no había visto Get Carter cuando trabajó en la película, y que Corman le había dado una copia sin título del guion de Hodges, pidiéndole que lo reescribiera en un contexto afroamericano; no supo que la película estaba basada en Get Carter hasta que su agente se lo informó. [ 115 ] [ 116 ] Si bien las películas comparten varios detalles y tratamientos de la trama, como un francotirador apuntando a Carter/Tackett en una playa rocosa, [ 117 ] Hit Man incluye varias divergencias de Get Carter , incluyendo una escena en la que Gozelda es atacada hasta la muerte por tigres, [ 114 ] y no termina con la muerte del personaje principal. [ 113 ]

Hodges y Klinger se indignaron por la decisión de MGM de rehacer la película, ya que consideraban que Hit Man era inferior a Get Carter ; Lewis afirmó más tarde que nunca recibió regalías por Hit Man . [ 114 ] [ 118 ] La película fue lanzada por Warner Archive Collection como un DVD-R MOD el 4 de mayo de 2010. [ 119 ]

Consigan a Carter (2000)

Warner Bros., que posee los derechos de la biblioteca de MGM anterior a 1986, produjo otro remake de Get Carter en 2000 con el mismo título, protagonizado por Sylvester Stallone como Jack Carter. Anunciado originalmente en 1997, Tarsem Singh y Samuel Bayer fueron considerados para dirigir la película antes de que Stephen Kay firmara, con David McKenna escribiendo el guion. [ 120 ] [ 121 ] [ 122 ] Al igual que con Hit Man , la película acreditó a Jack's Return Home de Ted Lewis como su fuente, no a la película de Hodges, y nuevamente contiene escenas que son tomadas directamente del original, como el viaje en tren inicial. [ 123 ] También utiliza una remezcla del tema original de Roy Budd ("Carter Takes a Train"), arreglado por Tyler Bates . Michael Caine aparece como Cliff Brumby, en lo que Elvis Mitchell describió como "un papel que aumentará el respeto por el original", especulando que "tal vez esa era su intención". [ 123 ] Mickey Rourke interpreta al villano Cyrus (en lugar de 'Eric') Paice.

El remake fue comparado desfavorablemente con el original por la mayoría de los críticos. [ 124 ] [ 125 ] La opinión consensuada de los críticos en Rotten Tomatoes fue que era "un remake que no se acerca al nivel del original, Get Carter probablemente dejará a los espectadores confundidos e insatisfechos. Además, las críticas son mixtas con respecto a la actuación de Stallone". [ 126 ] Fue tan mal recibido en su estreno en EE. UU. que Warner Bros. decidió no estrenarlo en cines del Reino Unido, anticipando que la película sería destrozada por los críticos y fanáticos británicos. [ 127 ] Elvis Mitchell en The New York Times escribió "tiene una trama tan mínima que no solo carece de subtexto o contexto, sino que también puede ser la primera película del mundo sin siquiera un texto ". [ 123 ] Mike Hodges dijo en 2003 que todavía no había visto el remake, pero un amigo le informó que era "indescriptible". Su hijo le trajo un DVD de la película desde Hong Kong y él intentó verlo, pero el formato de región era incompatible, "así que lo tiramos a la basura". [ 36 ]

La película fue votada como el peor remake de todos los tiempos en 2004 por los usuarios del sitio web británico de alquiler de DVD ScreenSelect (precursor de Lovefilm ). [ 128 ] El 13 de febrero de 2001, el remake fue lanzado en DVD de la Región 1 por Warner Bros. Home Entertainment. [ 129 ]

Legado

Tom Cox escribe que muchos cineastas británicos "han robado a Hodges sin igualar el impacto frío y realista" de Get Carter . [ 59 ] Películas como The Long Good Friday , Face y Lock, Stock and Two Smoking Barrels toman prestado del modelo de la película. La película de Steven Soderbergh de 1999, The Limey, es un homenaje a Get Carter y otras películas británicas de gánsteres, y contiene elementos argumentales y temas similares de venganza, familia y corrupción. Soderbergh dijo que imaginó The Limey como " Get Carter hecha por Alain Resnais ". [ 130 ] La película de Shane Meadows, Dead Man's Shoes, también ha sido comparada con Get Carter , siendo igualmente una historia de venganza de gánsteres ambientada en un pueblo provincial inglés. [ 131 ] [ 132 ] El equipo de producción de la serie de televisión Life on Mars también citó a Get Carter como una de sus influencias para el programa. [ 133 ]

La música de la película también disfrutó de un resurgimiento en popularidad, ya que aprovechó el interés de los años noventa por las bandas sonoras de películas clásicas. Adrian Utley de Portishead explicó que la música de Get Carter les resultó inspiradora porque "se hizo de forma rápida y económica con solo unos pocos instrumentos, y tuvo que ser intensamente creativa para disimular sus limitaciones". [ 64 ] El álbum Dare de The Human League de 1981 contiene una versión del tema de Get Carter , aunque se trataba solo de una versión del escaso leitmotiv que abre y cierra la película, a diferencia de la pieza de jazz completa que acompaña el viaje en tren. Stereolab también versiona el tema de Roy Budd en su álbum recopilatorio Aluminum Tunes de 1998 , aunque llaman a su versión "Get Carter", en lugar de su título original, "Main Theme (Carter Takes A Train)". Esta versión de Stereolab se usó posteriormente como muestra en la canción "Got Carter" de 76. La banda de rock finlandesa Laika & the Cosmonauts versiona el tema de la película en su álbum de 1995, The Amazing Colossal Band . BB Davis & the Red Orchidstra lanzaron una versión del tema principal de la película en 1999. Jah Wobble produjo una versión dub del tema principal en 2009. [ 134 ] [ 135 ] Wobble había sido fanático de la línea de bajo de la pista durante mucho tiempo, diciendo en una entrevista de 2004 con The Independent que "Hay algunas líneas de bajo que contienen todo el misterio de la creación en ellas". [ 136 ]

Véase también

Referencias

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Further reading

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  • Get Carter locations at Reelstreets
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