Edvard Munch

Edvard Munch nació en 1863 en una granja del pueblo de Ådalsbruk , en Løten , Noruega , hijo de Laura Catherine Bjølstad y Christian Munch, hijo de un sacerdote. Christian era médico y oficial sanitario, y se casó con Laura, una mujer que tenía la mitad de su edad, en 1861. Edvard tenía una hermana mayor, Johanne Sophie, y tres hermanos menores: Peter Andreas, Laura Catherine e Inger Marie. Laura tenía talento artístico y es posible que haya alentado a Edvard y Sophie. Edvard estaba emparentado con el pintor Jacob Munch y el historiador Peter Andreas Munch . ^{[ 7 ]}

La familia se mudó a Oslo (entonces llamada Christiania y rebautizada como Kristiania en 1877) en 1864, cuando Christian Munch fue nombrado médico en la fortaleza de Akershus . En 1868, la madre de Edvard murió de tuberculosis . La hermana favorita de Munch, Johanne Sophie, también murió de tuberculosis a los 15 años, en 1877. ^{[ 8 ]} Tras la muerte de su madre, los hermanos Munch fueron criados por su padre y su tía Karen. A menudo enfermo durante gran parte de los inviernos y sin poder ir a la escuela, Edvard dibujaba para mantenerse ocupado. Recibía clases particulares de sus compañeros de clase y de su tía. Christian Munch también instruyó a su hijo en historia y literatura, y entretenía a los niños con vívidas historias de fantasmas y los cuentos del escritor estadounidense Edgar Allan Poe . ^{[ 9 ]}

Como Edvard lo recordaba, el comportamiento positivo de Christian hacia sus hijos se veía ensombrecido por su piedad mórbida . Munch escribió: «Mi padre era temperamentalmente nervioso y obsesivamente religioso, hasta el punto de la psiconeurosis . De él heredé las semillas de la locura. Los ángeles del miedo, la tristeza y la muerte estuvieron a mi lado desde el día en que nací». ^{[ 10 ]} Christian reprendía a sus hijos diciéndoles que su madre los observaba desde el cielo y se lamentaba por su mal comportamiento. Las obsesiones del padre, la mala salud de Edvard y las vívidas historias de fantasmas contribuyeron a inspirar sus visiones macabras y pesadillas; sentía que la muerte se acercaba constantemente. ^{[ 11 ]} Una de las hermanas menores de Munch, Laura, fue diagnosticada con una enfermedad mental a una edad temprana. De los cinco hermanos, solo Andreas se casó, pero murió pocos meses después de la boda. Munch escribiría más tarde: «Heredé dos de los enemigos más espantosos de la humanidad: la herencia de la tuberculosis y la locura ». ^{[ 12 ]}

El sueldo militar de Christian Munch era muy bajo, y sus intentos de desarrollar una práctica privada paralela fracasaron, manteniendo a su familia en una pobreza digna pero perpetua. ^{[ 8 ]} Se mudaban con frecuencia de un piso barato a otro. Los primeros dibujos y acuarelas de Munch representaban estos interiores y los objetos individuales, como frascos de medicinas e instrumentos de dibujo, además de algunos paisajes. En su adolescencia, el arte dominaba los intereses de Munch. ^{[ 13 ]} A los 13 años, Munch tuvo su primer contacto con otros artistas en la recién formada Asociación de Arte, donde admiró la obra de la escuela paisajista noruega. Regresó para copiar las pinturas, y pronto comenzó a pintar al óleo. ^{[ 14 ]}

Debido en parte a los problemas de salud mental y al internamiento en una institución de su hermana, Laura Catherine, y en parte a las creencias predominantes entonces sobre la locura hereditaria, Edvard Munch expresó a menudo su temor a volverse loco. ^{[ 15 ]} Los críticos de su arte también lo acusaron de locura, empleando este término en un sentido puramente abusivo. Cuando su pintura El niño enfermo se exhibió por primera vez en Oslo en 1886, Gustav Wentzel y otros jóvenes realistas rodearon a Munch y lo acusaron de ser un "loco"; otro crítico, Johan Scharffenberg, afirmó que, dado que Munch provenía de una "familia de locos", su arte también era "demente". ^{[ 16 ]} Más adelante en su vida, fue diagnosticado con trastorno bipolar , depresión y esquizofrenia . ^{[ 17 ]} Munch también mostró alcoholismo , un rasgo a menudo asociado con la impulsividad en el trastorno límite de la personalidad . ^{[ a ]}

En 1879, Munch se matriculó en una escuela técnica para estudiar ingeniería, donde sobresalió en física , química y matemáticas . Aprendió dibujo a escala y perspectiva, pero frecuentes enfermedades interrumpieron sus estudios. ^{[ 18 ]} Al año siguiente, para gran decepción de su padre, Munch abandonó la escuela decidido a convertirse en pintor. Su padre consideraba el arte un «oficio impío», y sus vecinos reaccionaron con amargura y le enviaron cartas anónimas. ^{[ 19 ]} En contraste con el fervoroso pietismo de su padre, Munch adoptó una postura no dogmática hacia el arte. Escribió su objetivo en su diario: «En mi arte intento explicarme a mí mismo la vida y su significado». ^{[ 18 ]}

En 1881, Munch se matriculó en la Real Escuela de Arte y Diseño de Kristiania, uno de cuyos fundadores fue su pariente lejano Jacob Munch . Sus maestros fueron el escultor Julius Middelthun y el pintor naturalista Christian Krohg . ^{[ 20 ]} Ese año, Munch demostró su rápida asimilación de la formación figurativa en la academia con sus primeros retratos, incluyendo uno de su padre y su primer autorretrato. En 1883, Munch participó en su primera exposición pública y compartió un estudio con otros estudiantes. ^{[ 21 ]} Su retrato de cuerpo entero de Karl Jensen-Hjell, un notorio bohemio de la alta sociedad, obtuvo la respuesta desdeñosa de un crítico: «Es impresionismo llevado al extremo. Es una parodia del arte». ^{[ 22 ]} Las pinturas de desnudos de Munch de este período solo se conservan en bocetos, excepto Desnudo de pie (1887). Es posible que hayan sido confiscadas por su padre. ^{[ 23 ]}

El impresionismo inspiró a Munch desde joven. ^{[ 24 ]} Durante estos primeros años, experimentó con muchos estilos, incluyendo el naturalismo y el impresionismo. Algunas de sus primeras obras recuerdan a Manet . Muchos de estos intentos le granjearon críticas desfavorables de la prensa y constantes reproches de su padre, quien, sin embargo, le proporcionaba pequeñas sumas para sus gastos. ^{[ 22 ]} En un momento dado, el padre de Munch, quizás influenciado por la opinión negativa del primo de Munch, Edvard Diriks (un pintor tradicional consagrado), destruyó al menos un cuadro (probablemente un desnudo) y se negó a adelantarle más dinero para materiales de arte. ^{[ 25 ]}

Munch también recibió la ira de su padre por su relación con Hans Jæger , el nihilista local que vivía según el código "una pasión por destruir es también una pasión creativa" y que abogaba por el suicidio como la vía definitiva hacia la libertad. ^{[ 26 ]} Munch cayó bajo su influencia malévola y antisistema. "Mis ideas se desarrollaron bajo la influencia de los bohemios o, mejor dicho, bajo la de Hans Jæger. Mucha gente ha afirmado erróneamente que mis ideas se formaron bajo la influencia de Strindberg y los alemanes... pero eso es falso. Ya estaban formadas para entonces." ^{[ 27 ]} En ese momento, a diferencia de muchos otros bohemios, Munch seguía siendo respetuoso con las mujeres, además de reservado y educado, pero empezó a ceder ante los excesos con la bebida y las peleas de su círculo. Le inquietaba la revolución sexual que se estaba produciendo en ese momento y las mujeres independientes que lo rodeaban. Más tarde se volvió cínico en lo que respecta a los asuntos sexuales , expresado no solo en su comportamiento y su arte, sino también en sus escritos, un ejemplo de ello es un largo poema llamado La ciudad del amor libre . ^{[ 28 ]}

Tras numerosos experimentos, Munch concluyó que el lenguaje impresionista no permitía una expresión suficiente. Lo encontraba superficial y demasiado parecido a la experimentación científica. Sentía la necesidad de profundizar y explorar situaciones rebosantes de contenido emocional y energía expresiva. Bajo el mandato de Jæger de que Munch «escribiera su vida», es decir, que explorara su propio estado emocional y psicológico, el joven artista inició un período de reflexión y autoexamen, registrando sus pensamientos en su «diario del alma». ^{[ 29 ]} Esta perspectiva más profunda le ayudó a concebir su arte de una manera nueva. Escribió que su cuadro El niño enfermo (1886), basado en la muerte de su hermana, fue su primer «pintura del alma», su primera ruptura con el impresionismo. La obra recibió una respuesta negativa de la crítica y de su familia, y provocó otro «violento estallido de indignación moral» en la comunidad. ^{[ 30 ]}

Solo su amigo Christian Krohg lo defendió:

Él pinta, o mejor dicho, observa las cosas de una manera distinta a la de otros artistas. Solo ve lo esencial, y eso, naturalmente, es todo lo que pinta. Por esta razón, los cuadros de Munch suelen estar "incompletos", como la gente se complace en descubrir por sí misma. Oh, sí, están completos. Su obra completa. El arte está completo cuando el artista ha expresado realmente todo lo que pensaba, y esta es precisamente la ventaja que Munch tiene sobre los pintores de la otra generación: que sabe mostrarnos lo que ha sentido, lo que le ha conmovido, y a esto subordina todo lo demás. ^{[ 31 ]}

Munch continuó empleando una variedad de técnicas de pincelada y paletas de colores a lo largo de la década de 1880 y principios de la de 1890, mientras luchaba por definir su estilo. ^{[ 32 ]} Su lenguaje continuó oscilando entre lo naturalista , como se ve en Retrato de Hans Jæger , y lo impresionista , como en Rue Lafayette . Su obra Inger en la playa (1889), que causó otra tormenta de confusión y controversia, insinúa las formas simplificadas, los contornos gruesos, los fuertes contrastes y el contenido emocional de su estilo maduro. ^{[ 33 ]} Comenzó a calcular cuidadosamente sus composiciones para crear tensión y emoción. Si bien estilísticamente influenciado por los postimpresionistas , lo que evolucionó fue una temática de contenido simbolista , que representaba un estado mental más que una realidad externa. En 1889, Munch presentó su primera exposición individual de casi todas sus obras hasta la fecha. El reconocimiento que recibió le valió una beca estatal de dos años para estudiar en París con el pintor francés Léon Bonnat . ^{[ 34 ]}

Munch parece haber sido uno de los primeros críticos de la fotografía como forma de arte, y comentó que "nunca competirá con el pincel y la paleta, ¡hasta que se puedan tomar fotografías en el Cielo o en el Infierno!" ^{[ 35 ]}

La hermana menor de Munch, Laura, fue el tema de su obra de 1899, Melancolía interior: Laura . Amanda O'Neill comenta sobre la obra: «En esta escena claustrofóbica y tensa, Munch no solo retrata la tragedia de Laura, sino también su propio temor a la locura que podría haber heredado». ^{[ 36 ]}

Munch llegó a París durante las festividades de la Exposición Universal (1889) y se hospedó con dos artistas noruegos. Su cuadro Mañana (1884) se exhibió en el pabellón noruego. ^{[ 37 ]} Pasaba las mañanas en el ajetreado estudio de Bonnat (que incluía modelos femeninas) y las tardes en la exposición, galerías y museos (donde se esperaba que los estudiantes hicieran copias como forma de aprender técnica y observación). ^{[ 38 ]} Munch dejó constancia de poco entusiasmo por las lecciones de dibujo de Bonnat: «Me cansan y me aburren; son adormecedoras», pero disfrutaba de los comentarios del maestro durante las visitas a los museos. ^{[ 39 ] [ 40 ]}

Munch quedó fascinado por la vasta muestra de arte moderno europeo, incluyendo las obras de tres artistas que resultarían influyentes: Paul Gauguin , Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec , todos notables por cómo usaban el color para transmitir emoción. ^{[ 40 ]} Munch se inspiró particularmente en la "reacción contra el realismo" de Gauguin y su credo de que "el arte era obra humana y no una imitación de la Naturaleza", una creencia expresada anteriormente por Whistler . ^{[ 41 ]} Como dijo más tarde uno de sus amigos berlineses sobre Munch: "No necesita ir a Tahití para ver y experimentar lo primitivo en la naturaleza humana. Lleva su propio Tahití dentro de sí". ^{[ 42 ]} Influenciado por Gauguin, así como por los grabados del artista alemán Max Klinger , Munch experimentó con el grabado como medio para crear versiones gráficas de sus obras. En 1896 creó sus primeros grabados en madera, un medio que resultó ideal para la imaginería simbólica de Munch. ^{[ 43 ]} Junto con su contemporáneo Nikolai Astrup , Munch es considerado un innovador del medio del grabado en madera en Noruega. ^{[ 44 ]}

En diciembre de 1889 murió su padre, dejando a la familia de Munch en la indigencia. Regresó a casa y consiguió un gran préstamo de un rico coleccionista noruego cuando sus parientes adinerados no pudieron ayudarlo, y asumió la responsabilidad financiera de su familia a partir de entonces. ^{[ 45 ]} La muerte de Christian lo deprimió y lo atormentaron pensamientos suicidas: «Vivo con los muertos: mi madre, mi hermana, mi abuelo, mi padre... Suicídate y entonces se acaba. ¿Para qué vivir?». ^{[ 46 ]} Las pinturas de Munch del año siguiente incluyeron escenas de taberna esbozadas y una serie de paisajes urbanos brillantes en los que experimentó con el estilo puntillista de Georges Seurat . ^{[ 47 ]}

Para 1892, Munch había formulado su propio estilo sintetista , característico y original , como se aprecia en Melancolía (1891), en la que el color es el elemento cargado de simbolismo. Considerada por el artista y periodista Christian Krohg como la primera pintura simbolista de un artista noruego, Melancolía se exhibió en 1891 en la Exposición de Otoño de Oslo. ^{[ 48 ]} En 1892, Adelsteen Normann , en nombre de la Unión de Artistas de Berlín, invitó a Munch a exponer en su exposición de noviembre, ^{[ 49 ]} la primera exposición individual de la sociedad. Sin embargo, sus pinturas suscitaron una amarga controversia (conocida como «El Caso Munch»), y tras una semana la exposición cerró. ^{[ 49 ]} Munch se mostró complacido con el «gran revuelo» y escribió en una carta: «Nunca me lo he pasado tan bien; es increíble que algo tan inocente como la pintura haya causado tal revuelo». ^{[ 50 ]}

En Berlín, Munch se integró en un círculo internacional de escritores, artistas y críticos, entre ellos el dramaturgo sueco y destacado intelectual August Strindberg , a quien retrató en 1892. ^{[ 51 ]} También conoció al escritor y pintor danés Holger Drachmann , a quien pintó en 1898. Drachmann era diecisiete años mayor que Munch y fue su compañero de copas en Zum schwarzen Ferkel (En el cerdito negro) entre 1893 y 1894. ^{[ 52 ]} En 1894, Drachmann escribió sobre Munch: «Lucha mucho. Buena suerte con tus luchas, solitario noruego». ^{[ 53 ]}

Durante sus cuatro años en Berlín, Munch esbozó la mayoría de las ideas que conformarían su obra principal, El friso de la vida , diseñada inicialmente para la ilustración de libros, pero posteriormente plasmada en pinturas. ^{[ 54 ]} Vendió pocas obras, pero obtuvo algunos ingresos cobrando entrada para ver sus controvertidas pinturas. ^{[ 55 ]} Munch comenzó a permitir la aparición de goteos en sus pinturas, como se observa por primera vez sutilmente en la versión pintada de "En el lecho de muerte" (1895). Este efecto se debía al uso de pintura muy diluida y a la inclusión deliberada de goteos. ^{[ 56 ]} Inicialmente, este efecto era visible en los bordes de su obra, pero posteriormente, los goteos se volvieron más centrales, como se aprecia en "Junto al lecho de muerte" (1915). El efecto de pintura corrida fue adoptado posteriormente por muchos artistas.

Sus otras pinturas, incluidas las escenas de casino, muestran una simplificación de la forma y el detalle que caracterizó su estilo maduro temprano. ^{[ 57 ]} Munch también comenzó a favorecer un espacio pictórico poco profundo y un fondo minimalista para sus figuras frontales. Dado que las poses se elegían para producir las imágenes más convincentes de estados de ánimo y condiciones psicológicas, como en Cenizas , las figuras transmiten una cualidad monumental y estática. Las figuras de Munch parecen representar papeles en un escenario teatral ( Muerte en la habitación del enfermo ), cuya pantomima de posturas fijas significa diversas emociones; dado que cada personaje encarna una sola dimensión psicológica, como en El grito , los hombres y mujeres de Munch comenzaron a parecer más simbólicos que realistas. Escribió: «Ya no deberían pintarse interiores, gente leyendo y mujeres tejiendo: habría gente viva, respirando y sintiendo, sufriendo y amando». ^{[ 58 ]}

El Grito existe en cuatro versiones: dos pasteles (1893 y 1895) y dos pinturas (1893 y 1910). También existen varias litografías de El Grito (1895 y posteriores). ^{[ 59 ]}

El pastel de 1895 se vendió en subasta el 2 de mayo de 2012 por 119.922.500 dólares estadounidenses , incluyendo la comisión. Es la versión más colorida ^{[ 60 ]} y se distingue por la postura de una de las figuras del fondo, que mira hacia abajo. Es también la única versión que no se encuentra en un museo noruego. ^{[ 61 ]}

La versión de 1893 fue robada de la Galería Nacional de Oslo en 1994 y recuperada. La pintura de 1910 fue robada en 2004 del Museo Munch de Oslo, pero recuperada en 2006 con daños menores. ^{[ 62 ]}

El Grito es la obra más famosa de Munch y una de las pinturas más reconocibles de todo el arte. Se ha interpretado ampliamente como una representación de la ansiedad universal del hombre moderno. ^{[ 58 ]} Pintada con amplias franjas de colores chillones y formas muy simplificadas, y empleando un punto de vista elevado, reduce la figura agonizante a una calavera vestida en medio de una crisis emocional.

Con esta pintura, Munch cumplió su objetivo declarado de "el estudio del alma, es decir, el estudio de mi propio ser". ^{[ 63 ]} Munch escribió sobre cómo surgió la pintura: "Caminaba por el camino con dos amigos cuando se puso el sol; de repente, el cielo se volvió rojo como la sangre. Me detuve y me apoyé en la cerca, sintiéndome terriblemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás, temblando de miedo. Entonces oí el enorme e infinito grito de la naturaleza". ^{[ 64 ]} Más tarde describió la angustia personal detrás de la pintura: "Durante varios años estuve casi loco... ¿Conoces mi cuadro, 'El Grito'? Estaba al límite; la naturaleza gritaba en mi sangre... Después de eso, perdí la esperanza de poder amar de nuevo". ^{[ 65 ]}

En 2003, al comparar la pintura con otras grandes obras, la historiadora de arte Martha Tedeschi escribió:

La Madre de Whistler , American Gothic de Wood, la Mona Lisa de Leonardo da Vinciy El Grito de Edvard Munch han logrado algo que la mayoría de las pinturas —independientemente de su importancia histórico-artística, belleza o valor monetario— no han conseguido: comunicar un significado específico casi de inmediato a casi cualquier espectador. Estas pocas obras han logrado con éxito la transición del ámbito elitista del visitante de museo al enorme escenario de la cultura popular. ^{[ 66 ]}

En diciembre de 1893, Unter den Linden, en Berlín, acogió una exposición de la obra de Munch, que incluía, entre otras piezas, seis pinturas tituladas Estudio para una serie: Amor . Esto dio inicio a un ciclo que más tarde denominaría El friso de la vida: un poema sobre la vida, el amor y la muerte . Los motivos de El friso de la vida , como La tormenta y Luz de luna , están impregnados de atmósfera. Otros motivos iluminan el lado nocturno del amor, como Rosa y Amélie y Amor y dolor . En Muerte en la habitación del enfermo , el tema es la muerte de su hermana Sophie, que reelaboró ​​en numerosas variaciones posteriores. El foco dramático de la pintura, que retrata a toda su familia, se dispersa en las figuras separadas y desconectadas del dolor. En 1894, amplió el espectro de motivos añadiendo Ansiedad , Cenizas , Virgen y Mujeres en tres etapas (de la inocencia a la vejez). ^{[ 69 ]}

Hacia principios del siglo XX, Munch trabajó para terminar el «Friso». Pintó varios cuadros, algunos de ellos de gran formato y que, en cierta medida, reflejaban la estética del Art Nouveau de la época. Realizó un marco de madera con relieves tallados para el cuadro de gran formato Metabolismo (1898), inicialmente titulado Adán y Eva . Esta obra revela la preocupación de Munch por la «caída del hombre» y su filosofía pesimista del amor. Motivos como La Cruz Vacía y el Gólgota (ambos hacia 1900 ) reflejan una orientación metafísica, así como la educación pietista de Munch. El Friso completo se exhibió por primera vez en la exposición secesionista de Berlín en 1902. ^{[ 70 ]}

Los temas del «Friso de la Vida» se repiten a lo largo de la obra de Munch, pero se centró especialmente en ellos a mediados de la década de 1890. En bocetos, pinturas, pasteles y grabados, exploró las profundidades de sus sentimientos para examinar sus principales motivos: las etapas de la vida, la mujer fatal, la desesperanza del amor, la ansiedad, la infidelidad, los celos, la humillación sexual y la separación entre la vida y la muerte. ^{[ 71 ]} Estos temas se expresan en pinturas como El niño enfermo (1885), Amor y dolor (retitulada Vampiro ; 1893-94), Cenizas (1894) y El puente . Esta última muestra figuras flácidas con rostros inexpresivos u ocultos, sobre las cuales se ciernen las amenazantes formas de árboles pesados ​​y casas sombrías. Munch retrató a las mujeres como sufrientes frágiles e inocentes (véase Pubertad y Amor y dolor ) o como la causa de gran anhelo, celos y desesperación (véase Separación , Celos y Cenizas ).

Munch suele usar sombras y anillos de color alrededor de sus figuras para enfatizar un aura de miedo, amenaza, ansiedad o intensidad sexual. ^{[ 72 ]} Estas pinturas se han interpretado como reflejos de las ansiedades sexuales del artista, aunque también podría argumentarse que representan su turbulenta relación con el amor mismo y su pesimismo general respecto a la existencia humana. ^{[ 73 ]} Muchos de estos bocetos y pinturas se realizaron en varias versiones, como Madonna , Manos y Pubertad , y también se transcribieron como grabados en madera y litografías. Munch odiaba desprenderse de sus pinturas porque consideraba su obra como un único cuerpo de expresión. Así que, para capitalizar su producción y obtener algunos ingresos, recurrió a las artes gráficas para reproducir muchas de sus pinturas, incluidas las de esta serie. ^{[ 74 ]} Munch admitió los objetivos personales de su obra, pero también ofreció su arte a un propósito más amplio: «Mi arte es realmente una confesión voluntaria y un intento de explicarme a mí mismo mi relación con la vida; por lo tanto, es en realidad una especie de egoísmo, pero espero constantemente que a través de esto pueda ayudar a otros a alcanzar la claridad». ^{[ 75 ]}

Aunque atrajo reacciones muy negativas, en la década de 1890 Munch comenzó a recibir cierta comprensión de sus objetivos artísticos, como escribió un crítico: "Con un desprecio implacable por la forma, la claridad, la elegancia, la integridad y el realismo, pinta con una fuerza intuitiva de talento las visiones más sutiles del alma". ^{[ 76 ]} Uno de sus grandes partidarios en Berlín fue Walther Rathenau , más tarde ministro de Asuntos Exteriores de Alemania , quien contribuyó en gran medida a su éxito.

A pesar de que más de la mitad de sus pinturas son paisajes, rara vez se considera a Munch como paisajista. Sin embargo, Munch tenía una fascinación por diversos elementos de la naturaleza que se reflejaron en motivos recurrentes a lo largo de su obra. La costa y el bosque son escenarios importantes en su trabajo. El uso que hace Munch de la naturaleza para transmitir emociones es el tema central de la exposición « Edvard Munch: Tierra temblorosa» en el Instituto de Arte Clark .

En 1896, Munch se trasladó a París, donde se centró en las representaciones gráficas de los temas de su Friso de la Vida . Desarrolló aún más su técnica de grabado en madera y litografía. El Autorretrato con brazo esquelético (1895) de Munch está realizado con un método de grabado con aguja y tinta que también utilizó Paul Klee . ^{[ 77 ]} Munch también produjo versiones multicolores de El niño enfermo , sobre la tuberculosis , que se vendieron bien, así como varios desnudos y múltiples versiones de El beso (1892). ^{[ 77 ]} En mayo de 1896, Siegfried Bing organizó una exposición de la obra de Munch en la Maison de l'Art Nouveau de Bing . La exposición mostró 60 obras, incluyendo El beso, El grito, Madonna, El niño enfermo, La cámara de la muerte y El día después. La exposición de Bing ayudó a presentar a Munch al público francés. ^{[ 78 ]} Aun así, muchos críticos parisinos seguían considerando la obra de Munch «violenta y brutal», incluso cuando sus exposiciones recibían seria atención y buena asistencia. ^{[ 79 ]} Su situación financiera mejoró considerablemente y, en 1897, Munch se compró una casa de verano frente a los fiordos de Kristiania, una pequeña cabaña de pescadores construida a finales del siglo XVIII, en el pequeño pueblo de Åsgårdstrand, en Noruega. Bautizó esta casa como la «Casa Feliz» y regresó allí casi todos los veranos durante los siguientes 20 años. ^{[ 80 ]} Era este lugar el que echaba de menos cuando estaba en el extranjero y cuando se sentía deprimido y agotado. «Pasear por Åsgårdstrand es como caminar entre mis cuadros; me inspira mucho para pintar cuando estoy aquí».

En 1897, Munch regresó a Kristiania, donde también recibió una aceptación a regañadientes; un crítico escribió: «Muchos de estos cuadros ya se han expuesto antes. En mi opinión, mejoran con el tiempo». ^{[ 80 ]} En 1899, Munch inició una relación íntima con Tulla Larsen, una mujer de clase alta «liberada». Viajaron juntos a Italia y, a su regreso, Munch comenzó otro período fructífero en su arte, que incluyó paisajes y su última pintura de la serie «El Friso de la Vida», La Danza de la Vida (1899). ^{[ 82 ]} Larsen ansiaba casarse, pero Munch no. Su alcoholismo y mala salud reforzaron sus temores, como escribió en tercera persona: «Desde niño había odiado el matrimonio. Su hogar, enfermo y nervioso, le había hecho sentir que no tenía derecho a casarse». ^{[ 83 ]} Munch casi cedió ante Tulla, pero huyó de ella en 1900, rechazando también su considerable fortuna, y se mudó a Berlín. ^{[ 83 ]} Su obra Chicas en el muelle , creada en 18 versiones diferentes, demostró el tema de la juventud femenina sin connotaciones negativas. ^{[ 74 ]} En 1902, exhibió sus obras temáticamente en el salón de la Secesión de Berlín, produciendo "un efecto sinfónico: causó gran revuelo, mucho antagonismo y mucha aprobación". ^{[ 84 ]} Los críticos berlineses comenzaban a apreciar la obra de Munch, aunque el público aún la consideraba ajena y extraña.

La buena cobertura de prensa le granjeó a Munch la atención de los influyentes mecenas Albert Kollman y Max Linde . Describió el giro de los acontecimientos en su diario: «Después de 20 años de lucha y miseria, las fuerzas del bien finalmente acuden en mi ayuda en Alemania, y se abre ante mí una puerta brillante». ^{[ 85 ]} Sin embargo, a pesar de este cambio positivo, el comportamiento autodestructivo y errático de Munch lo llevó primero a una violenta disputa con otro artista, y luego a un disparo accidental en presencia de Tulla Larsen, quien había regresado para una breve reconciliación, que le hirió dos dedos. Posteriormente, Munch cortó por la mitad un autorretrato que lo representaba a él y a Larsen como consecuencia del disparo y los sucesos posteriores. ^{[ 86 ]} Finalmente, ella lo abandonó y se casó con un colega más joven de Munch. Munch lo tomó como una traición y se lamentó de la humillación durante algún tiempo, canalizando parte de la amargura en nuevas pinturas. ^{[ 87 ]} Sus pinturas Naturaleza muerta (La asesina) y La muerte de Marat I , realizadas en 1906-07, hacen clara referencia al incidente del tiroteo y a las consecuencias emocionales. ^{[ 88 ]}

En 1903-04, Munch expuso en París, donde los fauvistas emergentes , famosos por sus colores audazmente falsos, probablemente vieron sus obras y pudieron haber encontrado inspiración en ellas. Cuando los fauvistas realizaron su propia exposición en 1906, Munch fue invitado y exhibió sus obras junto con las de ellos. ^{[ 89 ]} Después de estudiar la escultura de Rodin , Munch pudo haber experimentado con plastilina como ayuda para el diseño, pero produjo poca escultura. ^{[ 90 ]} Durante este tiempo, Munch recibió muchos encargos de retratos y grabados que mejoraron su generalmente precaria situación financiera. ^{[ 91 ]} En 1906, pintó el biombo para una obra de Ibsen en el pequeño Teatro Kammerspiele ubicado en el Deutsches Theater de Berlín , en el que se colgó el Friso de la Vida . El director del teatro, Max Reinhardt, lo vendió más tarde; ahora se encuentra en la Nationalgalerie de Berlín . ^{[ 92 ]} Después de un período anterior dedicado a los paisajes, en 1907 volvió a centrar su atención en las figuras y situaciones humanas. ^{[ 93 ]}

En el otoño de 1908, la ansiedad de Munch, agravada por el consumo excesivo de alcohol y las peleas, se agudizó. Como escribió más tarde: «Mi estado rozaba la locura; era una situación crítica». ^{[ 94 ]} Sufriendo alucinaciones y sentimientos de persecución, ingresó en la clínica de Daniel Jacobson. La terapia que recibió durante los siguientes ocho meses incluyó dieta y «electrificación» (un tratamiento entonces de moda para los trastornos nerviosos, que no debe confundirse con la terapia electroconvulsiva ). ^{[ 95 ]} La estancia de Munch en el hospital estabilizó su personalidad, y tras regresar a Noruega en 1909, su obra se volvió más colorida y menos pesimista. Para mejorar aún más su estado de ánimo, el público de Kristiania finalmente se encariñó con su obra, y los museos comenzaron a adquirir sus pinturas. Fue nombrado Caballero de la Real Orden de San Olaf «por sus servicios al arte». ^{[ 96 ]} Su primera exposición en Estados Unidos tuvo lugar en 1912 en Nueva York. ^{[ 97 ]}

Como parte de su recuperación, Jacobson le aconsejó a Munch que solo socializara con buenos amigos y evitara beber en público . Munch siguió este consejo y, en el proceso, produjo varios retratos de cuerpo entero de gran calidad de amigos y mecenas: representaciones honestas y desprovistas de adulación. ^{[ 98 ]} También creó paisajes y escenas de personas trabajando y divirtiéndose, utilizando un nuevo estilo optimista: pinceladas amplias y sueltas de colores vibrantes con un uso frecuente del espacio en blanco y un uso escaso del negro, con solo referencias ocasionales a sus temas mórbidos. Con mayores ingresos, Munch pudo comprar varias propiedades que le brindaron nuevas perspectivas para su arte y finalmente pudo mantener a su familia. ^{[ 99 ]}

El estallido de la Primera Guerra Mundial encontró a Munch con lealtades divididas, como afirmó: «Todos mis amigos son alemanes, pero amo a Francia». ^{[ 100 ]} Dado su historial de salud delicado, durante 1918 Munch se sintió afortunado de haber sobrevivido a un ataque de gripe española , la pandemia mundial de ese año. ^{[ 101 ]} En la década de 1930, sus mecenas alemanes, muchos de ellos judíos, perdieron sus fortunas y algunos la vida durante el auge del movimiento nazi. ^{[ 102 ]} Munch encontró impresores noruegos que sustituyeran a los alemanes que habían estado imprimiendo su obra gráfica. ^{[ 103 ]}

Munch pasó la mayor parte de sus últimas dos décadas en soledad en su finca casi autosuficiente en Ekely, en Skøyen , Oslo. ^{[ 104 ]} Muchas de sus últimas pinturas celebran la vida rural, incluyendo varias en las que usó a su caballo de trabajo "Rousseau" como modelo. ^{[ 105 ]} Sin ningún esfuerzo, Munch atrajo un flujo constante de modelos femeninas, a quienes pintó como sujetos de numerosos cuadros de desnudos. Probablemente tuvo relaciones sexuales con algunas de ellas. ^{[ 106 ]} Munch ocasionalmente salía de su casa para pintar murales por encargo, incluyendo los que realizó para la fábrica de chocolate Freia . ^{[ 107 ]}

Hasta el final de su vida, Munch continuó pintando autorretratos implacables, sumándose a su ciclo de introspección vital y a su serie inquebrantable de representaciones de sus estados emocionales y físicos. En las décadas de 1930 y 1940, los nazis calificaron la obra de Munch como « arte degenerado » (junto con la de Picasso , Klee , Matisse , Gauguin y muchos otros artistas modernos) y retiraron 82 de sus obras de los museos alemanes. ^{[ 108 ]} Adolf Hitler anunció en 1937: «Nos da igual que esos bárbaros de la cultura prehistórica de la Edad de Piedra y esos tartamudos del arte regresen a las cuevas de sus ancestros y allí apliquen sus primitivos arañazos internacionales». ^{[ 109 ]}

En 1940, los alemanes invadieron Noruega y el partido nazi tomó el control del gobierno. Munch tenía 76 años. Con casi toda su colección de arte en el segundo piso de su casa, Munch vivía con el temor de una confiscación nazi. Setenta y una de las pinturas previamente confiscadas por los nazis habían sido devueltas a Noruega gracias a la compra por parte de coleccionistas (las otras 11 nunca fueron recuperadas), incluyendo El grito y El niño enfermo , y también fueron escondidas de los nazis. ^{[ 110 ]} Sin embargo, a pesar de que su obra fue retirada de los museos noruegos durante la ocupación nazi de Noruega , el arte de Munch no fue retratado de forma totalmente negativa en la propaganda nazi, e incluso algunos medios de prensa alemanes y noruegos simpatizantes del nazismo intentaron rehabilitar su obra y presentar su vida como un ejemplo de los rasgos nórdicos . ^{[ 111 ]} A pesar de este importante esfuerzo de reclutamiento, Munch se negó a participar en estos u otros esfuerzos para reclutarlo para la causa del Tercer Reich y sus aliados. ^{[ 111 ]}

En la tarde del 19 de diciembre de 1943, un incendio en un depósito de municiones en Filipstad provocó una serie de explosiones en Oslo , que causaron la muerte de unas 115 personas y graves daños a 400 edificios. Munch, cuya casa resultó parcialmente dañada por las explosiones, presenció cómo la conflagración resultante iluminó de forma inusual el cielo nocturno, escena que plasmó en su cuadro «Explosión» . Mientras observaba y pintaba la escena en una noche fría y húmeda, el artista, de 80 años, sucumbió a una enfermedad respiratoria que le causó la muerte el 23 de enero de 1944 en su casa de Ekely. ^{[ 112 ]}

Poco después de la muerte de Munch, varios hombres, entre ellos Fritz Jenssen , el alcalde nacionalsocialista de Oslo, llegaron a su casa en Ekely para ofrecer a su familia un funeral de Estado. Su familia rechazó la oferta, pero fue en vano: los nazis insistieron. ^{[ 113 ]} A pesar del deseo de Munch de una cremación privada sin la presencia de nadie, su funeral fue instrumentalizado por los nazis y convertido en una oportunidad propagandística. ^{[ 114 ] [ 115 ]}

Durante la vida de Munch, los nazis se esforzaron por apropiárselo como una figura heroica dentro de la esfera cultural germánica, ^{[ 116 ]} pero tras su muerte se convirtió en presa fácil para Josef Terboven y el nacionalsocialismo . ^{[ 113 ]} Dos días después de la muerte de Munch, el periódico nacionalsocialista Fritt Folk publicó un poema obituario de Knut Hamsun en primera plana y dedicó casi toda la segunda página a Munch. Utilizaron a Munch para difundir la ideología nazi y, entre otras cosas, proclamaron que «Edvard Munch fue una estrella fugaz de la raza nórdica, un representante de las mejores cualidades de nuestro pueblo». ^{[ 117 ]} Tres días después de la muerte de Munch, Vidkun Quisling pudo, en nombre del Estado, jactarse en los periódicos de que pagarían el funeral de Edvard Munch. ^{[ 118 ]}

El funeral de Munch tuvo lugar el 31 de enero de 1944 en Oslo. Su ataúd estaba rodeado de flores y coronas, con dos enormes coronas decoradas con esvásticas colocadas prominentemente a ambos lados. Estas coronas fueron firmadas personalmente por Terboven, Quisling y el líder nacionalsocialista de Información Pública y Propaganda, Georg Wilhelm Müller . ^{[ 119 ]} Entre la cobertura periodística de la muerte de Edvard Munch y su funeral de Estado orquestado por los nazis, estos lograron crear la impresión de que Munch apoyaba las ideologías y los métodos nazis. Esto llevó a muchos noruegos a cuestionar si Munch albergaba o no simpatías nazis. ^{[ 114 ]}

La ciudad de Oslo compró la finca Ekely de Edvard Munch a sus herederos en 1946; la casa fue demolida en mayo de 1960. ^{[ 120 ]}

En 1911, Munch y Emanuel Vigeland disputaron la final del concurso para la decoración de las grandes paredes del Aula (sala de actos) de la Universidad de Oslo . Este episodio se conoce como la «controversia del Aula». En 1914, Munch recibió finalmente el encargo de decorar el Aula, obra que se completó en 1916. Esta importante obra de la pintura monumental noruega consta de 11 cuadros que cubren ²²³ m² ( 2400 pies cuadrados ) . El Sol , Historia y Alma Mater son las obras clave de esta secuencia. Munch declaró: «Quería que las decoraciones formaran un mundo de ideas completo e independiente, y que su expresión visual fuera a la vez distintivamente noruega y universalmente humana». En 2014, se estimó que las pinturas del Aula tenían un valor de al menos 500 millones de coronas noruegas (aproximadamente 111 millones de dólares estadounidenses en 2025). ^{[ 149 ] [ 150 ]}    

En 2007, la Noche de verano en la playa de Munch fue devuelta a la nieta de Alma Mahler , quien se vio obligada a huir de los nazis con su esposo judío en marzo de 1938, después de la anexión de Austria por Hitler. ^{[ 151 ] [ 152 ]} En 2008, el Museo de Bellas Artes de Basilea rechazó una reclamación por la Madonna de Munch, una litografía de un desnudo en negro, rojo y azul , de los herederos del coleccionista judío Curt Glaser . ^{[ 153 ]} En 2012, el Kupferstichkabinett de Berlín restituyó tres dibujos de Munch a los herederos de Glaser, un coleccionista judío forzado al exilio por los nazis. ^{[ 154 ]} En 2012, una reclamación por El grito de los herederos de Hugo Simon fue rechazada cuando fue subastado. ^{[ 155 ]} En 2023, La danza en la playa de Munch fue objeto de un acuerdo entre los herederos de Glaser y los herederos de Thomas Olsen, un armador noruego, vecino y coleccionista de Munch. ^{[ 156 ] [ 157 ]}

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  Las manos , 1893, óleo sobre lienzo, 91 x 77  cm, Museo Munch , Oslo
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  La pubertad , 1894-1895, óleo sobre lienzo, 151,5 x 110 cm, National Gallery (Noruega)
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  Sirena (detalle), 1896, óleo sobre lienzo. 100 cm × 320 cm ( 39 + 1/2 pulg . × 126 pulg.)      
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  Metabolismo , 1898–1899, 172 cm × 142 cm ( 67 + 3/4 pulg . × 56 pulg.) , Museo Munch , Oslo      
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  La muerte de Marat, 1907, 150 x 199  cm, Museo Munch , Oslo.
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  Hombres bañándose , 1907-1908, óleo sobre lienzo, 206 x 227,5  cm, Ateneum , Helsinki
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  Mujer llorando , 1907-1909, óleo sobre lienzo, colección privada.
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  Bostezo matutino , 1913, óleo sobre lienzo, 108 × 98 cm, Museos de Arte de Bergen
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  Desnudo llorando , 1913–1914, 110 cm × 135 cm ( 43 + 1/4 pulg . × 53 + 1/4 pulg . ) , Museo Munch , Oslo      
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  Modelo junto a la silla de mimbre , 1919-1921, óleo sobre lienzo, 122,5 × 100 cm, Museo Munch , Oslo.

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  Pequeño lago con barca , 1880, óleo sobre papel montado sobre tabla, 12 x 18  cm, Museo Munch , Oslo.
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  De Sandviken , c. 1882 , óleo sobre cartón, 20 x 25  cm, Museo de Arte Flaten
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  De Saxegårdsgate , c. 1882 , óleo sobre lienzo, Museo de Arte de Lillehammer , Lillehammer
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  Boceto para 'Ashes' , 1894, óleo sobre lienzo, Bergen Kunstmuseum
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  Humo de tren , 1900, 84 cm × 109 cm (33 pulg. × 43 pulg.) , Museo Munch , Oslo      
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  Orilla con casa roja , 1904, óleo sobre lienzo, 69 × 109  cm, Museo Munch , Oslo
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  Paisaje marino , 1918, óleo sobre lienzo, 120,9 x 160, Kunstmuseum Basel
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  La noche estrellada , 1922-1924, óleo sobre lienzo, 120,5 x 100  cm, Museo Munch , Oslo.
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  Noche de invierno, Ekely , 1930-1931, óleo sobre lienzo

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  Autorretrato en 53 Am Strom en Warnemünde , 1907, Museo Munch , Oslo
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  Edvard Munch en la playa de Warnemünde , 1907, Museo Munch , Oslo. El cuadro en el que está trabajando es Hombres bañándose (1907-08).
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  Autorretrato "à la Marat" , 1908-09, Museo Munch , Oslo
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  Autorretrato en algún lugar del continente I , 1906, Museo Munch , Oslo
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  Retrato a los 26 años
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  Retrato de Edvard Munch, 1902
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  Retrato de Edvard Munch
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  Munch en 1912
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  Rosa Meissner en el Hotel Rohn en Warnemünde , 1907, fotografía, Museo Munch , Oslo