Pintura de la Edad de Oro holandesa

La pintura de la Edad de Oro holandesa es la pintura de la Edad de Oro holandesa , un período de la historia holandesa que abarca aproximadamente el siglo XVII, ^{[ 1 ]} durante y después de la última parte de la Guerra de los Ochenta Años (1568-1648) por la independencia holandesa.

La nueva República Holandesa era la nación más próspera de Europa y lideraba el comercio y la ciencia europeos. ^{[ 2 ]} Las provincias del norte de los Países Bajos que conformaban el nuevo estado habían sido tradicionalmente centros artísticos menos importantes que las ciudades de Flandes , en el sur. Las convulsiones y los traslados masivos de población de la guerra, y la ruptura radical con las antiguas tradiciones culturales monárquicas y católicas, obligaron al arte holandés a reinventarse casi por completo, tarea en la que tuvo un éxito considerable. La pintura de temas religiosos decayó drásticamente, pero surgió un nuevo y amplio mercado para todo tipo de temas seculares.

Si bien la pintura holandesa de la Edad de Oro se incluye dentro del período general de la pintura barroca europea y a menudo presenta muchas de sus características, carece en su mayoría de la idealización y el amor por el esplendor típicos de gran parte de la obra barroca, incluida la de la vecina Flandes . La mayoría de las obras, incluidas aquellas por las que el período es más conocido, reflejan las tradiciones de realismo detallado heredadas de la pintura flamenca temprana .

Una característica distintiva del período es la proliferación de distintos géneros pictóricos, ^{[ 3 ]} y la mayoría de los artistas producían la mayor parte de su obra dentro de uno de ellos. El pleno desarrollo de esta especialización se observa a partir de finales de la década de 1620, y el período comprendido entre entonces y la invasión francesa de 1672 constituye el núcleo de la pintura del Siglo de Oro. Los artistas dedicaban la mayor parte de sus carreras a pintar únicamente retratos, escenas de género, paisajes, marinas y barcos, o bodegones , y a menudo un subtipo particular dentro de estas categorías. Muchos de estos tipos de temas eran nuevos en la pintura occidental, y la forma en que los holandeses los representaron en este período fue decisiva para su desarrollo futuro.

Una característica distintiva de este periodo, en comparación con la pintura europea anterior, fue la escasa presencia de pintura religiosa. El calvinismo holandés prohibía la pintura religiosa en las iglesias, y aunque los temas bíblicos eran aceptables en los hogares, se produjeron relativamente pocas obras de este tipo. Si bien existían otros géneros tradicionales como la pintura histórica y el retrato, este periodo destaca por la gran variedad de otros géneros, subdivididos en numerosas categorías especializadas, como escenas de la vida campesina, paisajes, vistas urbanas, paisajes con animales, pinturas marítimas, pinturas florales y bodegones de diversos tipos. El desarrollo de muchos de estos géneros pictóricos estuvo decisivamente influenciado por los artistas holandeses del siglo XVII.

La teoría ampliamente aceptada de la « jerarquía de géneros » en la pintura, según la cual algunos tipos se consideraban más prestigiosos que otros, llevó a muchos pintores a querer producir pintura histórica. ^{[ 4 ]} Sin embargo, esta era la más difícil de vender, como incluso Rembrandt descubrió. Muchos se vieron obligados a producir retratos o escenas de género, que se vendían con mucha más facilidad. En orden descendente de estatus, las categorías en la jerarquía eran:

• Pintura histórica , incluyendo alegorías y temas religiosos populares.
• Pintura de retratos , incluyendo el tronie
• Pintura de género o escenas de la vida cotidiana
• Paisaje , incluyendo paisajes marinos, escenas de batalla, paisajes urbanos y ruinas (los paisajistas eran los " soldados rasos del Ejército del Arte" según Samuel van Hoogstraten . ^{[ 5 ]} )
• Bodegón

Los holandeses se concentraron en gran medida en las categorías "inferiores", pero de ninguna manera rechazaron el concepto de jerarquía. ^{[ 6 ]} La mayoría de las pinturas eran relativamente pequeñas; el único tipo común de pinturas realmente grandes eran los retratos grupales. La pintura directa sobre paredes era prácticamente inexistente; cuando se necesitaba decorar un espacio de pared en un edificio público, normalmente se utilizaba lienzo enmarcado. Para la mayor precisión posible en una superficie dura, muchos pintores continuaron utilizando paneles de madera, algún tiempo después de que el resto de Europa Occidental los hubiera abandonado; algunos usaban planchas de cobre, generalmente reciclando planchas de grabado . A su vez, el número de pinturas del Siglo de Oro que sobrevivieron se redujo debido a que fueron repintadas con nuevas obras por artistas a lo largo de los siglos XVIII y XIX; las obras de mala calidad solían ser más baratas que un lienzo, un bastidor y un marco nuevos.

Durante este periodo, la escultura holandesa fue escasa; se encuentra principalmente en monumentos funerarios y en edificios públicos, y las pequeñas esculturas para el hogar brillan por su ausencia, siendo reemplazadas por la platería y la cerámica . Los azulejos de Delft pintados eran muy baratos y comunes, aunque rara vez de alta calidad, pero la platería, especialmente la de estilo auricular , dominaba Europa. Con esta excepción, los mejores esfuerzos artísticos se concentraron en la pintura y el grabado.

Los extranjeros comentaban la enorme cantidad de arte producido y las grandes ferias donde se vendían muchas pinturas; se ha estimado que  se pintaron más de 1,3 millones de cuadros holandeses solo en los 20 años posteriores a 1640. ^{[ 7 ]} El volumen de producción significó que los precios fueran bastante bajos, excepto para los artistas más conocidos; como en la mayoría de los períodos posteriores, existía una marcada diferencia de precios para los artistas más de moda. ^{[ 8 ]} Aquellos sin una sólida reputación contemporánea, o que habían caído en el olvido, incluyendo muchos considerados ahora entre los más grandes del período, como Vermeer , Frans Hals y Rembrandt en sus últimos años, tuvieron considerables problemas para ganarse la vida y murieron pobres; muchos artistas tuvieron otros trabajos o abandonaron el arte por completo. ^{[ 9 ]} En particular, la invasión francesa de 1672 (el Rampjaar , o "año del desastre") provocó una grave depresión en el mercado del arte, que nunca volvió a alcanzar sus niveles anteriores. ^{[ 10 ]}

La distribución de cuadros era muy amplia: «Sí, muchas veces, herreros, zapateros, etc., tienen algún cuadro junto a su fragua y en su puesto. Tal es la noción general, la inclinación y el deleite que estos nativos del campo tienen por la pintura», informó un viajero inglés en 1640. ^{[ 11 ]} Por primera vez, prácticamente, había muchos marchantes de arte profesionales, varios de ellos también artistas importantes, como Vermeer y su padre, Jan van Goyen y Willem Kalf . El marchante de Rembrandt, Hendrick van Uylenburgh , y su hijo Gerrit se encontraban entre los más importantes. Los paisajes eran las obras no encargadas más fáciles de vender, y sus pintores eran los « soldados rasos del ejército del arte», según Samuel van Hoogstraten . ^{[ 12 ]}

La calidad técnica de los artistas holandeses era generalmente alta, y seguían en su mayoría el antiguo sistema medieval de aprendizaje con un maestro. Por lo general, los talleres eran más pequeños que en Flandes o Italia, con solo uno o dos aprendices a la vez, número que a menudo estaba limitado por las normas del gremio. La agitación de los primeros años de la República, con artistas desplazados del sur que se trasladaban al norte y la pérdida de los mercados tradicionales en la corte y la iglesia, propició un resurgimiento de los gremios de artistas, a menudo todavía llamados Gremio de San Lucas . En muchos casos, esto implicó que los artistas se desvincularan de las agrupaciones medievales donde compartían un gremio con otros oficios, como la pintura de casas. Se establecieron varios gremios nuevos en ese período: Ámsterdam en 1579, Haarlem en 1590, y Gouda , Rotterdam , Utrecht y Delft entre 1609 y 1611. ^{[ 13 ]} Las autoridades de Leiden desconfiaban de los gremios y no permitieron ninguno hasta 1648. ^{[ 14 ]}

Más adelante en el siglo, todos los involucrados comenzaron a comprender que la antigua idea de un gremio que controlara tanto la formación como las ventas ya no funcionaba bien, y gradualmente los gremios fueron reemplazados por academias , a menudo dedicadas únicamente a la formación de artistas. La Haya , con su corte, fue un ejemplo temprano, donde los artistas se dividieron en dos grupos en 1656 con la fundación de la Confrérie Pictura . Con la obvia excepción de los retratos, muchas más pinturas holandesas se realizaron "especulativamente" sin un encargo específico que en otros países en aquel entonces, una de las muchas maneras en que el mercado artístico holandés mostró el futuro. ^{[ 15 ]}

Existían numerosas dinastías de artistas, y muchos se casaban con las hijas de sus maestros o de otros artistas. Muchos provenían de familias acomodadas, que costeaban sus aprendizajes, y a menudo contraían matrimonio con miembros de familias adineradas. Rembrandt y Jan Steen estudiaron durante un tiempo en la Universidad de Leiden . Varias ciudades tenían estilos y especialidades distintas según la temática, pero Ámsterdam era el mayor centro artístico debido a su gran riqueza. ^{[ 16 ]} Ciudades como Haarlem y Utrecht fueron más importantes en la primera mitad del siglo, con Leiden y otras ciudades emergiendo después de 1648, y sobre todo Ámsterdam, que atraía cada vez más a artistas del resto de los Países Bajos, así como de Flandes y Alemania. ^{[ 17 ]}

Los artistas holandeses se preocupaban mucho menos por la teoría artística que los de muchas otras naciones, y eran menos propensos a hablar de su arte; parece que también había mucho menos interés por la teoría artística en los círculos intelectuales en general y entre el público en general que lo que era común entonces en Italia. ^{[ 18 ]} Como casi todos los encargos y ventas eran privados, y entre individuos burgueses cuyos registros no se han conservado, estos también están menos documentados que en otros lugares. Pero el arte holandés era una fuente de orgullo nacional, y los principales biógrafos son fuentes de información cruciales. Estos son Karel van Mander (Het Schilderboeck, 1604), que esencialmente abarca el siglo anterior, y Arnold Houbraken ( De groote schouburgh der Nederlantsche konstschilders en schilderessen – "El gran teatro de los pintores holandeses", 1718–21). Ambos siguieron, e incluso superaron, a Vasari al incluir un gran número de breves biografías de artistas —más de 500 en el caso de Houbraken— y ambos son considerados generalmente precisos en cuestiones de hecho.

El artista alemán Joachim von Sandrart (1606-1688) trabajó durante ciertos periodos en Holanda, y su Deutsche Akademie, en el mismo formato, abarca a muchos artistas holandeses que conoció. El maestro de Houbraken y discípulo de Rembrandt fue Samuel van Hoogstraten (1627-1678), cuyas obras Zichtbare wereld e Inleyding tot de Hooge Schoole der Schilderkonst (1678) contienen más información crítica que biográfica y se encuentran entre los tratados más importantes sobre pintura de la época. Al igual que otras obras holandesas sobre teoría del arte, exponen muchos lugares comunes de la teoría renacentista y no reflejan completamente el arte holandés contemporáneo, que a menudo se centra aún en la pintura histórica. ^{[ 19 ]}

Esta categoría comprende no solo pinturas que representaban eventos históricos del pasado, sino también pinturas que mostraban escenas bíblicas, mitológicas, literarias y alegóricas . Los eventos históricos recientes esencialmente quedaron fuera de la categoría y fueron tratados de manera realista, como la combinación apropiada de retratos con temas marinos, urbanos o paisajísticos. ^{[ 20 ]} Las grandes escenas históricas o bíblicas dramáticas se producían con menos frecuencia que en otros países, ya que no existía un mercado local para el arte religioso y había pocas grandes casas barrocas aristocráticas para decorar. Más aún, la población protestante de las principales ciudades había estado expuesta a algunos usos notablemente hipócritas de la alegoría manierista en la fallida propaganda de los Habsburgo durante la Revuelta Holandesa , lo que había producido una fuerte reacción contra el realismo y una desconfianza hacia la retórica visual grandilocuente. ^{[ 21 ]} La pintura histórica era ahora un "arte minoritario", aunque en cierta medida esto se compensó con un interés relativamente agudo en las versiones impresas de temas históricos. ^{[ 22 ]}

Más que en otros tipos de pintura, los pintores históricos holandeses continuaron recibiendo la influencia de la pintura italiana. Se difundieron grabados y copias de obras maestras italianas que sugerían ciertos esquemas compositivos. La creciente habilidad holandesa en la representación de la luz se aplicó a estilos derivados de Italia, en particular al de Caravaggio . Algunos pintores holandeses también viajaron a Italia, aunque esto fue menos común que entre sus contemporáneos flamencos, como se puede apreciar en la membresía del club Bentvueghels en Roma. ^{[ 15 ]}

A principios de siglo, muchos artistas manieristas nórdicos con estilos formados en el siglo anterior continuaron trabajando, hasta la década de 1630 en los casos de Abraham Bloemaert y Joachim Wtewael . ^{[ 23 ]} Muchas pinturas históricas eran de pequeño formato, y el pintor alemán (afincado en Roma) Adam Elsheimer influyó tanto como Caravaggio (ambos fallecieron en 1610) en pintores holandeses como Pieter Lastman , maestro de Rembrandt, y Jan y Jacob Pynas . En comparación con la pintura histórica barroca de otros países, compartían el énfasis holandés en el realismo y la narrativa directa, y a veces se les conoce como los "pre-rembrandtistas", ya que las primeras pinturas de Rembrandt eran de este estilo. ^{[ 24 ]}

El caravaggismo de Utrecht describe a un grupo de artistas que produjeron tanto pintura histórica como escenas de género generalmente de gran tamaño en un estilo de influencia italiana, a menudo haciendo un uso intensivo del claroscuro . Utrecht, antes de la revuelta la ciudad más importante del nuevo territorio holandés, era una ciudad holandesa inusual, todavía alrededor del 40% católica a mediados de siglo, incluso más entre los grupos de élite, que incluían a muchos nobles rurales y aristocracia con casas urbanas allí. ^{[ 25 ]} Los artistas principales fueron Hendrick ter Brugghen , Gerard van Honthorst y Dirck van Baburen , y la escuela estuvo activa alrededor de 1630, aunque van Honthorst continuó hasta la década de 1650 como un exitoso pintor de la corte para las cortes inglesa, holandesa y danesa en un estilo más clásico. ^{[ 26 ]} La sala Oranjezaal en Huis ten Bosch fue pintada a mediados de siglo por muchos artistas de ambas partes de los Países Bajos y representa un raro conjunto holandés en un estilo palaciego barroco.

Rembrandt comenzó como pintor de historia antes de alcanzar el éxito financiero como retratista, y nunca abandonó sus ambiciones en este campo. Un gran número de sus grabados representan escenas religiosas narrativas, y la historia de su último encargo histórico, La conspiración de Claudio Civilis (1661), ilustra tanto su compromiso con la forma como las dificultades que tuvo para encontrar un público. ^{[ 27 ]} Varios artistas, muchos de ellos sus alumnos, intentaron con cierto éxito continuar su estilo tan personal; Govaert Flinck fue el más exitoso. Gerard de Lairesse (1640-1711) fue otro de ellos, antes de caer bajo la fuerte influencia del clasicismo francés y convertirse en su principal defensor holandés, tanto como artista como teórico. ^{[ 28 ]}

La desnudez era, en la práctica, dominio exclusivo de los pintores de historia, aunque muchos retratistas adornaban sus desnudos ocasionales (casi siempre femeninos) con un título clásico, como hizo Rembrandt. A pesar de su desinhibida sugestión, los pintores de género rara vez mostraban más que un generoso escote o un trozo de muslo, generalmente al pintar prostitutas o campesinos "italianos".

La pintura de retratos floreció en los Países Bajos en el siglo XVII, ya que existía una gran clase mercantil mucho más dispuesta a encargar retratos que sus homólogos en otros países; un resumen de varias estimaciones de la producción total arroja entre 750.000 y 1.100.000 retratos. ^{[ 30 ]} Rembrandt disfrutó de su período de mayor éxito financiero como joven retratista en Ámsterdam, pero, al igual que otros artistas, se aburrió bastante de pintar retratos por encargo de burgueses: «los artistas transitan por este camino sin deleite», según van Mander. ^{[ 31 ]}

Si bien la pintura de retratos holandesa evita la ostentación y la retórica excesiva del retrato barroco aristocrático que imperaba en el resto de la Europa del siglo XVII, la sobria vestimenta de los retratados, tanto hombres como, en muchos casos, mujeres, y la mentalidad calvinista que consideraba que la inclusión de objetos, posesiones o paisajes en el fondo evidenciaría el pecado del orgullo, dan lugar a una innegable uniformidad en muchos retratos holandeses, a pesar de su calidad técnica. Incluso se suele evitar la pose de pie, ya que un retrato de cuerpo entero también podría denotar orgullo. Las poses son poco expresivas, especialmente para las mujeres, aunque a los niños se les puede permitir mayor libertad. El momento clásico para encargar un retrato era el matrimonio, cuando los recién casados ​​solían ocupar marcos separados en un par de pinturas. Los retratos posteriores de Rembrandt cautivan por la fuerza de su caracterización y, a veces, por un elemento narrativo, pero incluso sus primeros retratos pueden resultar desalentadores en conjunto , como en la sala llena de «Rembrandts principiantes» donados al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

El otro gran retratista del período es Frans Hals , cuya pincelada, famosa por su vivacidad, y su habilidad para mostrar a los modelos con un aspecto relajado y alegre, añaden emoción incluso a los sujetos menos prometedores. La pose extremadamente despreocupada de su retrato de Willem Heythuijsen es excepcional: «ningún otro retrato de este período es tan informal». ^{[ 32 ]} El retratado era un rico comerciante textil que ya le había encargado a Hals su único retrato individual de cuerpo entero a tamaño natural diez años antes. En esta obra mucho más pequeña para una cámara privada, viste ropa de montar. ^{[ 33 ]} Jan de Bray animaba a sus modelos a posar disfrazados de personajes de la historia clásica, pero muchas de sus obras son de su propia familia. Thomas de Keyser , Bartholomeus van der Helst , Ferdinand Bol y otros, incluidos muchos mencionados más adelante como pintores de historia o de género, hicieron todo lo posible por animar las obras más convencionales. El retrato, menos afectado por la moda que otros tipos de pintura, siguió siendo el refugio seguro para los artistas holandeses.

Por lo poco que sabemos de los procedimientos de estudio de los artistas, parece que, como en otras partes de Europa, el rostro probablemente se dibujaba y tal vez se pintaba en una o dos sesiones iniciales. El número típico de sesiones posteriores no está claro: entre cero (para un Rembrandt de cuerpo entero) y 50 parecen estar documentadas. La ropa se dejaba en el estudio y bien podría ser pintada por asistentes, o por un maestro especialista contratado, aunque, o precisamente porque, se consideraba una parte muy importante de la pintura. ^{[ 34 ]} Las mujeres casadas y solteras se pueden distinguir por su vestimenta, lo que pone de relieve la poca cantidad de mujeres solteras que se pintaban, excepto en grupos familiares. ^{[ 35 ]} Como en otros lugares, la precisión de la ropa mostrada es variable: se usaban prendas a rayas y estampadas, pero los artistas rara vez las muestran, comprensiblemente para evitar el trabajo adicional. ^{[ 36 ]} Los encajes y los cuellos de gorguera eran inevitables y representaban un desafío formidable para los pintores que buscaban el realismo. Rembrandt desarrolló una forma más eficaz de pintar encajes estampados, aplicando pinceladas blancas amplias y luego pintando ligeramente de negro para mostrar el patrón. Otra forma de hacerlo era pintar de blanco sobre una capa negra y raspar el blanco con la punta del pincel para revelar el patrón. ^{[ 37 ]}

A finales de siglo, se puso de moda representar a los retratados con vestimenta semielegante, iniciada en Inglaterra por van Dyck en la década de 1630, conocida como vestimenta "pintoresca" o "romana". ^{[ 38 ]} Los retratados aristocráticos y de la milicia se permitían mayor libertad en cuanto a vestimentas llamativas y escenarios amplios que los burgueses, y es probable que las afiliaciones religiosas influyeran en muchas representaciones. Hacia finales de siglo, los valores aristocráticos, o franceses, se extendieron entre los burgueses, y las representaciones gozaron de mayor libertad y ostentación.

El tronie era un tipo de pintura singular que combinaba elementos del retrato, la historia y la pintura de género . Generalmente, se trataba de un retrato de medio cuerpo de una sola figura, centrado en capturar un estado de ánimo o una expresión inusual. La identidad del modelo no era importante, pero podía representar a una figura histórica y estar ataviado con vestimenta exótica o de época. Jan Lievens y Rembrandt, muchos de cuyos autorretratos son también tronies (especialmente sus grabados), fueron algunos de los que desarrollaron este género.

Los retratos familiares solían, como en Flandes, representarse al aire libre en jardines, pero sin la amplitud de la vista que se apreciaría más tarde en Inglaterra, y con una vestimenta y un ambiente relativamente informales. Los retratos de grupo, en gran medida una invención holandesa, eran populares entre las numerosas asociaciones cívicas que constituían una parte importante de la vida holandesa, como los oficiales de la guardia de la ciudad ( schutterij ), los consejos de administración y los regentes de los gremios y las fundaciones benéficas, entre otros. Especialmente en la primera mitad del siglo, los retratos eran muy formales y rígidos en su composición. Los grupos solían estar sentados alrededor de una mesa, cada persona mirando al espectador. Se prestaba mucha atención a los detalles de la vestimenta y, cuando correspondía, al mobiliario y otros indicios de la posición social de la persona. Más adelante en el siglo, los grupos se volvieron más dinámicos y los colores más brillantes. El cuadro de Rembrandt, Los síndicos del gremio de los pañeros, es un ejemplo sutil de la representación de un grupo alrededor de una mesa.

Los científicos solían posar rodeados de instrumentos y objetos de estudio. Los médicos a veces posaban juntos alrededor de un cadáver, en lo que se denominaba una «lección anatómica», siendo la más famosa La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp de Rembrandt (1632, Mauritshuis , La Haya ). Los miembros de los consejos de administración, en sus retratos de regentenstuk , preferían una imagen de austeridad y humildad, posando con ropa oscura (que, por su refinamiento, atestiguaba su destacada posición en la sociedad), a menudo sentados alrededor de una mesa, con expresiones solemnes en sus rostros.

La mayoría de los retratos de grupos de milicianos se encargaban en Haarlem y Ámsterdam , y eran mucho más vistosos y relajados, o incluso bulliciosos, que otros tipos de retratos, además de ser de mayor tamaño. Los primeros ejemplos los mostraban cenando, pero los grupos posteriores representaban a la mayoría de las figuras de pie para lograr una composición más dinámica. El famoso cuadro de Rembrandt, La compañía de milicianos del capitán Frans Banning Cocq, más conocido como La ronda de noche (1642), fue un intento ambicioso, aunque no del todo exitoso, de mostrar a un grupo en acción, saliendo de patrulla o desfile, e innovador por evitar el formato ancho típico de este tipo de obras.

El coste de los retratos de grupo solía ser compartido por los retratados, a menudo de forma desigual. La cantidad pagada podía determinar el lugar de cada persona en la imagen: de pies a cabeza, ataviada con sus mejores galas, en primer plano, o solo el rostro al fondo del grupo. En ocasiones, todos los miembros del grupo pagaban la misma cantidad, lo que solía provocar disputas cuando algunos obtenían un lugar más destacado que otros. En Ámsterdam, la mayoría de estas pinturas acababan en posesión del ayuntamiento, y muchas se exhiben actualmente en el Museo Histórico de Ámsterdam ; no existen ejemplos significativos fuera de los Países Bajos.

Las escenas de la vida cotidiana, ahora llamadas pinturas de género , presentan figuras a las que no se les puede atribuir una identidad específica; no son retratos ni pretenden ser figuras históricas, sino instantáneas de la vida diaria. Junto con la pintura de paisaje, el desarrollo y la enorme popularidad de la pintura de género constituyen el rasgo más distintivo de la pintura holandesa de este período, aunque en este caso también gozaron de gran popularidad en la pintura flamenca. Muchas representan figuras solitarias, como La lechera de Vermeer ; otras pueden mostrar grandes grupos en algún evento social o multitudes.

"La Holanda del siglo XVII produjo más y mejores artistas dedicados a la pintura de género con y sin mensajes que cualquier otra nación." ^{[ 40 ]} Había una gran cantidad de subtipos dentro del género: figuras individuales, familias campesinas, escenas de taberna, fiestas de " compañía alegre ", mujeres trabajando en la casa, escenas de festividades de pueblo o ciudad (aunque estas eran todavía más comunes en la pintura flamenca), escenas de mercado, escenas de cuarteles, escenas con caballos o animales de granja, en la nieve, a la luz de la luna y muchas más. De hecho, la mayoría de estas tenían términos específicos en holandés, pero no había un término holandés general equivalente a "pintura de género"; hasta finales del siglo XVIII los ingleses a menudo las llamaban "drolleries". ^{[ 41 ]} Algunos artistas trabajaron principalmente dentro de uno de estos subtipos, especialmente después de 1625 aproximadamente. ^{[ 42 ]} A lo largo del siglo, las pinturas de género tendieron a reducirse en tamaño.

Aunque las pinturas de género ofrecen muchas perspectivas de la vida cotidiana de los ciudadanos del siglo XVII de todas las clases sociales, su precisión no siempre puede darse por sentada. ^{[ 43 ]} Por lo general, muestran lo que los historiadores del arte denominan un «efecto de realidad» en lugar de una representación realista; el grado en que esto ocurre varía entre los artistas. Muchas pinturas que parecen representar únicamente escenas cotidianas ilustraban en realidad proverbios y refranes holandeses o transmitían un mensaje moralizante, cuyo significado quizás deba ser descifrado por los historiadores del arte, aunque algunos son bastante claros. Muchos artistas, y sin duda los compradores, intentaron tenerlo todo: disfrutar de la representación de hogares desordenados o escenas de burdeles, a la vez que proporcionaban una interpretación moral; las obras de Jan Steen , cuya otra profesión era la de posadero, son un ejemplo. El equilibrio entre estos elementos sigue siendo objeto de debate entre los historiadores del arte en la actualidad. ^{[ 44 ]}

Los títulos que posteriormente se dieron a las pinturas a menudo distinguen entre " tabernas " o " posadas " y " burdeles ", pero en la práctica, con mucha frecuencia se trataba de los mismos establecimientos, ya que muchas tabernas tenían habitaciones arriba o detrás destinadas a fines sexuales: "Posada delante; burdel detrás" era un proverbio holandés . ^{[ 45 ]}

El cuadro de Steen que se muestra arriba es claramente un ejemplo , y aunque cada uno de sus componentes individuales está representado de forma realista, la escena en su conjunto no es una representación plausible de un momento real; típicamente, en la pintura de género, se representa y se satiriza una situación. ^{[ 46 ]}

La tradición renacentista de libros de emblemas recónditos , en manos de los holandeses del siglo XVII —casi universalmente alfabetizados en la lengua vernácula, pero en su mayoría sin educación en los clásicos— se transformó en las obras populares y altamente moralizantes de Jacob Cats , Roemer Visscher y otros, a menudo basadas en proverbios populares . Las ilustraciones de estos se citan con frecuencia directamente en pinturas, y desde principios del siglo XX los historiadores del arte han asociado proverbios, dichos y lemas a un gran número de obras de género. Otra fuente popular de significado son los juegos de palabras visuales que utilizan la gran cantidad de términos de jerga holandesa en el ámbito sexual: la vagina podía representarse con un laúd ( luit ) o ​​una media ( kous ), y el sexo con un pájaro ( vogelen ), entre muchas otras opciones, ^{[ 47 ]} y símbolos puramente visuales como zapatos, picos, jarras y cántaros de lado.

Los mismos pintores a menudo pintaban obras con un espíritu muy diferente, representando a amas de casa u otras mujeres descansando en el hogar o en el trabajo; superan con creces en número a los retratos similares de hombres. De hecho, los hombres de la clase trabajadora realizando sus labores están notablemente ausentes del arte del Siglo de Oro neerlandés, con paisajes poblados por viajeros y ociosos, pero rara vez por labradores. ^{[ 48 ]} A pesar de que la República de los Países Bajos era la nación más importante en el comercio internacional de Europa, y de la abundancia de pinturas marinas, las escenas de estibadores y otras actividades comerciales son muy raras. ^{[ 49 ]} Este grupo de temas fue una invención neerlandesa, que reflejaba las preocupaciones culturales de la época, ^{[ 50 ]} y sería adoptado por artistas de otros países, especialmente de Francia, en los dos siglos siguientes.

Esta tradición se desarrolló a partir del realismo y la minuciosidad de los fondos de la pintura flamenca primitiva, que Hieronymus Bosch y Pieter Bruegel el Viejo fueron de los primeros en convertir en sus temas principales, utilizando también proverbios. Los pintores de Haarlem Willem Pieterszoon Buytewech , Frans Hals y Esaias van de Velde fueron figuras importantes a principios de este periodo. Buytewech pintó « alegres grupos » de jóvenes elegantemente vestidos, con un significado moralizante latente en los detalles.

Van de Velde también fue importante como paisajista, cuyas escenas incluían figuras poco glamurosas, muy diferentes de las de sus pinturas de género, que generalmente se ambientaban en fiestas en jardines de casas de campo. Hals fue principalmente retratista, pero también pintó figuras de género de tamaño retrato al principio de su carrera. ^{[ 52 ]}

Una estancia en Haarlem del maestro flamenco de escenas de tabernas campesinas, Adriaen Brouwer , entre 1625 y 1626, le proporcionó a Adriaen van Ostade el tema que lo acompañaría toda la vida, aunque a menudo adoptaba un enfoque más sentimental. Antes de Brouwer, los campesinos solían representarse al aire libre; él generalmente los muestra en un interior sencillo y sombrío, aunque los de van Ostade a veces ocupan casas de campo ostentosamente decrépitas y de enormes dimensiones. ^{[ 53 ]}

Van Ostade pintaba tanto figuras individuales como grupos, al igual que los caravaggistas de Utrecht en sus obras de género, y la figura individual, o pequeños grupos de dos o tres, se hizo cada vez más común, especialmente aquellos que incluían mujeres y niños. La artista femenina más destacada del período, Judith Leyster (1609-1660), se especializó en estos, antes de que su esposo, Jan Miense Molenaer , la convenciera de abandonar la pintura. La escuela de Leiden de fijnschilder ("pintores finos") era famosa por sus pinturas pequeñas y de gran calidad, muchas de este tipo. Entre los artistas más destacados se encontraban Gerard Dou , Gabriel Metsu , Frans van Mieris el Viejo , y más tarde su hijo Willem van Mieris , Godfried Schalcken y Adriaen van der Werff .

Esta generación posterior, cuyo trabajo ahora parece demasiado refinado en comparación con sus predecesores, también pintó retratos e historias, y fueron los pintores holandeses más estimados y premiados al final del período, cuyas obras eran solicitadas en toda Europa. ^{[ 54 ]} Las pinturas de género reflejaban la creciente prosperidad de la sociedad holandesa, y los escenarios se volvieron constantemente más cómodos, opulentos y cuidadosamente representados a medida que avanzaba el siglo. Los artistas que no formaban parte del grupo de Leiden cuyos temas comunes también eran grupos de género más íntimos incluían a Nicolaes Maes , Gerard ter Borch y Pieter de Hooch , cuyo interés por la luz en las escenas de interiores era compartido con Jan Vermeer , una figura muy oscura durante mucho tiempo, pero ahora el pintor de género más estimado de todos.

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  El mudo Hendrick Avercamp pintó casi exclusivamente escenas invernales de multitudes vistas desde cierta distancia.
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  Pieter de Hooch , Patio de una casa en Delft , 1658, un estudio sobre la virtud doméstica, la textura y la complejidad espacial. La mujer es una sirvienta. ^{[ 55 ]}
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  Judith Leyster , Un niño y una niña con un gato y una anguila ; se han sugerido varias referencias a proverbios o emblemas. ^{[ 56 ]}
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  Nicolaes Maes , El sirviente ocioso ; los problemas de las criadas fueron el tema de varias obras de Maes. ^{[ 57 ]}

La pintura de paisaje fue un género importante en el siglo XVII. Los paisajes flamencos (en particular los de Amberes ) del siglo XVI sirvieron de primer ejemplo. Estos no eran especialmente realistas, ya que se pintaban mayoritariamente en el estudio, en parte a partir de la imaginación, y a menudo seguían utilizando la perspectiva semi-aérea desde arriba, típica de la pintura de paisaje neerlandesa anterior , en la tradición del " paisaje universal " de Joachim Patinir , Herri met de Bles y el joven Pieter Bruegel el Viejo . Se desarrolló un estilo de paisaje neerlandés más realista, visto desde el nivel del suelo, a menudo basado en dibujos realizados al aire libre, con horizontes más bajos que permitían enfatizar las a menudo impresionantes formaciones nubosas que eran (y son) tan típicas del clima de la región, y que proyectaban una luz particular. Los temas favoritos eran las dunas a lo largo de la costa occidental, los ríos con sus amplias praderas adyacentes donde pastaba el ganado, a menudo con la silueta de una ciudad en la distancia. También abundaban los paisajes invernales con canales y arroyos congelados. El mar también era un tema recurrente, ya que los Países Bajos dependían de él para el comercio, luchaban con él por nuevas tierras y combatían en él contra naciones rivales.

Figuras importantes en los inicios del realismo fueron Esaias van de Velde (1587-1630) y Hendrick Avercamp (1585-1634), ambos también mencionados anteriormente como pintores de género; en el caso de Avercamp, las mismas obras merecen ser mencionadas en ambas categorías. A partir de finales de la década de 1620, comenzó la «fase tonal» de la pintura de paisaje, en la que los artistas suavizaron o difuminaron sus contornos y se concentraron en un efecto atmosférico, otorgando gran protagonismo al cielo y relegando las figuras humanas a un segundo plano o a un tamaño reducido y distante. Se popularizaron las composiciones basadas en una diagonal que atraviesa el espacio pictórico, y el agua solía estar presente. Los artistas más destacados fueron Jan van Goyen (1596–1656), Salomon van Ruysdael (1602–1670), Pieter de Molyn (1595–1661) y, en pintura marina, Simon de Vlieger (1601–1653), junto con una multitud de figuras menores; un estudio reciente enumera a más de 75 artistas que trabajaron al estilo de van Goyen durante al menos un período, incluido Cuyp. ^{[ 58 ]}

Desde la década de 1650 comenzó la «fase clásica», que conservaba la cualidad atmosférica, pero con composiciones más expresivas y contrastes más marcados de luz y color. Las composiciones suelen estar ancladas por un único «árbol heroico», un molino de viento o una torre, o un barco en las obras marinas. ^{[ 59 ]} El artista más destacado fue Jacob van Ruisdael (1628-1682), quien produjo una gran cantidad y variedad de obras, utilizando todos los temas típicos holandeses excepto el paisaje italianizante (abajo); en su lugar, produjo paisajes «nórdicos» de oscuros y dramáticos bosques de pinos de montaña con torrentes y cascadas impetuosas. ^{[ 60 ]}

Su discípulo fue Meindert Hobbema (1638-1709), conocido sobre todo por su atípica Avenida en Middelharnis (1689, Londres), que se apartó de sus escenas habituales de molinos de agua y caminos que atravesaban bosques. Otros dos artistas con estilos más personales, cuyas mejores obras incluían cuadros de gran formato (de hasta un metro o más de ancho), fueron Aelbert Cuyp (1620-1691) y Philips Koninck (1619-1688). Cuyp aprovechó la luz dorada italiana y la empleó en escenas vespertinas con un grupo de figuras en primer plano y, tras ellas, un río y un amplio paisaje. Las mejores obras de Koninck son vistas panorámicas, como desde una colina, sobre extensas llanuras agrícolas, con un cielo inmenso.

Un tipo diferente de paisaje, producido a lo largo de las fases tonal y clásica, fue el paisaje italianizante romántico, típicamente en entornos más montañosos que los que se encuentran en los Países Bajos, con luz dorada y, a veces, pintorescos paisajes y ruinas mediterráneas. No todos los artistas que se especializaron en este estilo habían visitado Italia. Jan Both (m. 1652), quien había estado en Roma y trabajó con Claude Lorrain , fue un desarrollador destacado del subgénero, que influyó en la obra de muchos pintores de paisajes con escenarios holandeses, como Aelbert Cuyp. Otros artistas que trabajaron consistentemente en este estilo fueron Nicolaes Berchem (1620-1683) y Adam Pijnacker . Los paisajes italianizantes fueron populares como grabados, y durante ese período se reprodujeron más pinturas de Berchem en grabados que las de cualquier otro artista. ^{[ 61 ]}

Varios otros artistas no encajan en ninguno de estos grupos, sobre todo Rembrandt, cuyos relativamente pocos paisajes pintados muestran diversas influencias, incluidas algunas de Hercules Seghers (c. 1589–c. 1638); sus muy raros paisajes de valles de montaña a gran escala fueron un desarrollo muy personal de los estilos del siglo XVI. ^{[ 62 ]} Aert van der Neer (m. 1677) pintó escenas muy pequeñas de ríos de noche o bajo el hielo y la nieve.

Los paisajes con animales en primer plano constituían un subtipo distintivo, pintado por Cuyp, Paulus Potter (1625–1654), Albert Jansz. Klomp (1625–1688), Adriaen van de Velde (1636–1672) y Karel Dujardin (1626–1678, animales de granja), mientras que Philips Wouwerman pintaba caballos y jinetes en diversos escenarios. La vaca era un símbolo de prosperidad para los holandeses, hasta entonces ignorada en el arte, y aparte del caballo, con mucho, el animal más representado; las cabras se utilizaban para indicar Italia. El cuadro de Potter, El toro joven, es un retrato enorme y famoso que Napoleón llevó a París (y que luego regresó), aunque los analistas de ganado han observado, a partir de la representación de las distintas partes de la anatomía, que parece ser una composición de estudios de seis animales diferentes de edades muy distintas.

La arquitectura también fascinaba a los holandeses, en particular las iglesias. Al comienzo del período, la tradición predominante eran los palacios fantasiosos y las vistas urbanas de la arquitectura manierista nórdica inventada, que la pintura flamenca continuó desarrollando y que en Holanda estuvo representada por Dirck van Delen . Comenzó a aparecer un mayor realismo, y se reprodujeron los exteriores e interiores de edificios reales, aunque no siempre con fidelidad. Durante el siglo, se desarrolló una mayor comprensión de la representación adecuada de la perspectiva , que se aplicó con entusiasmo. Varios artistas se especializaron en interiores de iglesias.

Pieter Jansz Saenredam , cuyo padre, Jan Saenredam , grabó sensuales diosas manieristas desnudas, pintó vistas desprovistas de figuras humanas de iglesias góticas urbanas ahora encaladas. Su énfasis en la luz uniforme y la geometría, con escasa representación de texturas superficiales, se evidencia al comparar sus obras con las de Emanuel de Witte , quien incluyó figuras humanas, suelos irregulares, contrastes de luz y el desorden de mobiliario eclesiástico que aún se conservaba en las iglesias calvinistas, elementos que Saenredam solía ignorar. Gerard Houckgeest , seguido por van Witte y Hendrick van Vliet , complementó la vista tradicional a lo largo del eje principal de la iglesia con vistas diagonales que añadieron dramatismo e interés. ^{[ 63 ]}

Gerrit Berckheyde se especializó en vistas poco pobladas de las principales calles, plazas y edificios públicos de la ciudad; Jan van der Heyden prefería escenas más íntimas de las calles más tranquilas de Ámsterdam, a menudo con árboles y canales. Eran vistas reales, pero no dudaba en modificarlas para lograr un efecto compositivo. ^{[ 64 ]}

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  Jacob van Ruisdael , Vista de Haarlem ; Ruisdael es una figura central, con temas más variados que muchos paisajistas.
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  Jan Both , c. 1650 , paisaje italiano del tipo que Both comenzó a pintar después de su regreso de Roma.
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  Allaert van Everdingen , c. 1660 , paisaje nórdico del tipo que Van Everdingen comenzó a pintar tras su regreso de Noruega y Suecia.
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  Jan van Goyen , Paisaje dunar ; un ejemplo del estilo "tonal"
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  El Gran Mercado de Haarlem , 1696, por Gerrit Berckheyde .

La República Holandesa dependía del comercio marítimo para su excepcional riqueza, libró guerras navales con Inglaterra y otras naciones durante este período, y estaba surcada por ríos y canales. Por lo tanto, no sorprende que el género de la pintura marítima fuera enormemente popular y alcanzara nuevas cotas en este período gracias a los artistas holandeses; al igual que con los paisajes, el abandono de la perspectiva elevada artificial típica de la pintura marina anterior fue un paso crucial. ^{[ 65 ]} Las pinturas de batallas navales narraban las historias de una armada holandesa en la cima de su gloria, aunque hoy en día suelen ser las escenas más tranquilas las que gozan de mayor prestigio. Los barcos normalmente aparecen en alta mar, y las escenas de muelles están sorprendentemente ausentes. ^{[ 66 ]}

Con frecuencia, incluso los barcos pequeños enarbolan la tricolor holandesa , y muchas embarcaciones pueden identificarse como navales o pertenecientes a la flota gubernamental. Numerosos cuadros incluían paisajes terrestres, con vistas a la playa o al puerto, o a través de un estuario. Otros artistas se especializaron en escenas fluviales, desde los pequeños cuadros de Salomon van Ruysdael con barquitos y cañaverales hasta los grandes paisajes italianizantes de Aelbert Cuyp , donde el sol suele ponerse sobre un río ancho. Este género comparte muchas similitudes con la pintura de paisaje, y en el desarrollo de la representación del cielo, ambos géneros se entrelazaron; muchos paisajistas también pintaron escenas de playa y río. Entre ellos se encuentran Jan Porcellis , Simon de Vlieger , Jan van de Cappelle , Hendrick Dubbels y Abraham Storck . Willem van de Velde el Viejo y su hijo son los maestros más destacados de las últimas décadas, tendiendo, como a principios de siglo, a centrar la atención en el barco, mientras que en las obras tonales de décadas anteriores el énfasis recaía en el mar y el clima. Partieron hacia Londres en 1672, dejando al maestro de los mares agitados, el alemán Ludolf Bakhuizen , como artista principal. ^{[ 67 ]}

Los bodegones ofrecían una gran oportunidad para demostrar la habilidad de pintar texturas y superficies con gran detalle y con efectos de luz realistas. La comida de todo tipo dispuesta sobre una mesa, los cubiertos de plata, los intrincados patrones y los sutiles pliegues de los manteles y las flores suponían un reto para los pintores. Los pintores holandeses produjeron numerosos bodegones, revelando el «amor holandés por la cultura doméstica». El término inglés «deriva de la palabra holandesa stilleven », que empezó a usarse alrededor de 1650. ^{[ 68 ]}

Se reconocieron varios tipos de temas: banketje eran "piezas de banquete", ontbijtjes más simples "piezas de desayuno". ^{[ 69 ]} Prácticamente todas las naturalezas muertas tenían un mensaje moralizante, generalmente sobre la brevedad de la vida —esto se conoce como el tema de la vanitas— implícito incluso en ausencia de un símbolo obvio como una calavera, o uno menos obvio como un limón medio pelado (como la vida, dulce en apariencia pero amargo al gusto). ^{[ 70 ]} Las flores se marchitan y la comida se pudre, y la plata no sirve para nada al alma. Sin embargo, la fuerza de este mensaje parece menos poderosa en las piezas más elaboradas de la segunda mitad del siglo.

Inicialmente, los objetos mostrados eran casi siempre mundanos. Sin embargo, a partir de mediados de siglo, los pronkstillevens ("naturalezas muertas ostentosas"), que representaban objetos caros y exóticos y que se habían desarrollado como un subgénero en la década de 1640 en Amberes por artistas flamencos como Frans Snyders y Adriaen van Utrecht , se hicieron más populares. ^{[ 71 ]} Las primeras fases realistas, tonales y clásicas de la pintura de paisajes tuvieron contrapartes en la pintura de naturaleza muerta. ^{[ 72 ]} Willem Claeszoon Heda (1595– c. 1680 ) y Willem Kalf (1619–1693) lideraron el cambio hacia el pronkstilleven , mientras que Pieter Claesz (m. 1660) prefirió pintar "ontbijt" ("escenas de desayuno") más simples, o piezas de vanitas explícitas.

En todos estos pintores, los colores suelen ser muy apagados, predominando los tonos marrones, especialmente a mediados de siglo. Esto no se observa tanto en las obras de Jan Davidsz de Heem (1606-1684), una figura importante que desarrolló gran parte de su carrera al otro lado de la frontera, en Amberes . Allí, sus composiciones comenzaron a extenderse lateralmente para formar amplios cuadros alargados, algo inusual en el norte, aunque Heda a veces pintaba composiciones verticales más altas. Los pintores de bodegones eran especialmente propensos a formar dinastías; parece que hubo muchos de Heem y Bosschaert, el hijo de Heda continuó con el estilo de su padre, y Claesz fue el padre de Nicholaes Berchem.

Las pinturas de flores formaron un subgrupo con sus propios especialistas, y ocasionalmente fueron la especialidad de las pocas mujeres artistas, como Maria van Oosterwyck y Rachel Ruysch . ^{[ 73 ]} Los holandeses también lideraron el mundo en dibujos botánicos y otros dibujos científicos, grabados e ilustraciones de libros. A pesar del intenso realismo de las flores individuales, las pinturas se componían a partir de estudios individuales o incluso ilustraciones de libros, y las flores de estaciones muy diferentes se incluían habitualmente en la misma composición, y las mismas flores reaparecen en diferentes obras, al igual que las piezas de vajilla. También había una irrealidad fundamental en el hecho de que los ramos de flores en jarrones no eran en absoluto comunes en los hogares de la época; incluso los más ricos exhibían las flores una a una en jarrones de Delft para tulipanes . ^{[ 74 ]}

La tradición holandesa fue iniciada en gran medida por Ambrosius Bosschaert (1573-1621), un pintor de flores de origen flamenco que se estableció en el norte a principios de este período y fundó una dinastía. Su cuñado, Balthasar van der Ast (fallecido en 1657), fue pionero en la pintura de bodegones de conchas, además de pintar flores. Estas primeras obras presentaban una iluminación relativamente brillante, con ramos de flores dispuestos de forma bastante sencilla. A partir de mediados de siglo, se popularizaron las composiciones que bien podrían considerarse barrocas, generalmente sobre un fondo oscuro, como lo ejemplifican las obras de Willem van Aelst (1627-1683). Pintores de Leiden , La Haya y Ámsterdam destacaron especialmente en este género.

La caza muerta y las aves pintadas vivas pero estudiadas a partir de cadáveres, eran otro subgénero, al igual que el pescado muerto, un alimento básico de la dieta holandesa; Abraham van Beijeren hizo muchos de estos. ^{[ 75 ]} Los holandeses eran menos dados al estilo flamenco de combinar grandes elementos de naturaleza muerta con otros tipos de pintura —se les habría considerado orgullosos de los retratos— y a la costumbre flamenca de que pintores especializados colaboraran en los diferentes elementos de la misma obra. Pero esto a veces sucedía: Philips Wouwerman era ocasionalmente utilizado para agregar hombres y caballos para convertir un paisaje en una escena de caza o escaramuza, Berchem o Adriaen van de Velde para agregar personas o animales de granja.

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  Willem van Aelst , Naturaleza muerta con un reloj (c. 1665), con el típico fondo oscuro.
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  Willem Claeszoon Heda , Mesa de desayuno con tarta de moras (1631); Heda fue famoso por su representación de superficies reflectantes.
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  Jan Davidszoon de Heem , Vanitas (1629)
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  Jan Weenix , Naturaleza muerta con un pavo real muerto (1692), ambientada en los jardines de una gran casa de campo.

Para los artistas holandeses, el Schilderboeck de Karel van Mander no solo era una lista de biografías, sino también una fuente de consejos para los jóvenes artistas. Rápidamente se convirtió en una obra clásica de referencia para generaciones de jóvenes artistas holandeses y flamencos del siglo XVII. El libro aconsejaba a los artistas viajar y visitar Florencia y Roma, y ​​después de 1604 muchos lo hicieron. Sin embargo, es notable que los artistas holandeses más importantes en todos los campos, figuras como Rembrandt, Vermeer, Hals, Steen, Jacob van Ruisdael y otros, no realizaron el viaje. ^{[ 15 ]}

Muchos pintores holandeses (y flamencos) trabajaron en el extranjero o exportaron su obra; el grabado también fue un importante mercado de exportación, gracias al cual Rembrandt se dio a conocer en toda Europa. El regalo holandés a Carlos II de Inglaterra fue un obsequio diplomático que incluía cuatro pinturas holandesas contemporáneas. La pintura inglesa dependía en gran medida de los pintores holandeses, con Sir Peter Lely seguido por Sir Godfrey Kneller , quienes desarrollaron el estilo de retrato inglés establecido por el flamenco Anthony van Dyck antes de la Guerra Civil Inglesa . Los pintores marinos van der Velde, padre e hijo , fueron algunos de los artistas que abandonaron Holanda durante la invasión francesa de 1672, que provocó un colapso en el mercado del arte. También se trasladaron a Londres, y los inicios de la pintura paisajística inglesa fueron establecidos por varios pintores holandeses menos destacados, como Hendrick Danckerts .

Los Bamboccianti fueron una colonia de artistas holandeses que introdujeron el género costumbrista en Italia. Jan Weenix y Melchior d'Hondecoeter se especializaron en la pintura de animales de caza y aves, vivas o muertas, y eran muy solicitados para decorar las puertas de casas de campo y pabellones de caza en todo el norte de Europa.

Aunque el control holandés de la región azucarera del noreste del Brasil holandés resultó ser breve (1630-1654), el gobernador Johan Maurits van Nassau-Siegen invitó a artistas holandeses a pintar escenas valiosas para mostrar el paisaje y los pueblos de la región en el siglo XVII. ^{[ 76 ]} Los dos artistas más conocidos fueron Frans Post , paisajista, y Albert Eckhout , pintor de bodegones, quien produjo pinturas etnográficas de la población de Brasil. Estas se exhibieron originalmente en el Gran Salón del Palacio Vrijburg en Recife . ^{[ 77 ]} Había un mercado en Ámsterdam para este tipo de pinturas, ^{[ 78 ]} y Post continuó produciendo escenas brasileñas durante años después de su regreso a los Países Bajos. Las Indias Orientales Neerlandesas fueron representadas artísticamente con mucha menos frecuencia.

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  Paisaje con ingenio azucarero ( engenho ), Frans Post
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  Paisaje con una casa de obrero, Frans Post
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  Guerrero indígena brasileño (Tarairiu), Albert Eckhout
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  Plátanos, goiaba y otras frutas, Albert Eckhout

El enorme éxito de la pintura holandesa del siglo XVII eclipsó la obra de las generaciones posteriores, y ningún pintor holandés del siglo XVIII —ni , posiblemente, ninguno del siglo XIX anterior a Van Gogh— es conocido fuera de los Países Bajos. Ya hacia finales de este periodo, los artistas se quejaban de que los compradores estaban más interesados ​​en los artistas fallecidos que en los vivos.  

Debido a la enorme cantidad de obras producidas, la pintura del Siglo de Oro neerlandés siempre ha constituido una parte importante de las colecciones de pintura de los grandes maestros , término acuñado en el siglo XVIII para describir a los artistas de este periodo. Si tomamos solo las pinturas de Wouwerman en antiguas colecciones reales, hay más de 60 en Dresde y más de 50 en el Hermitage . ^{[ 79 ]} Sin embargo, la reputación de este periodo ha experimentado numerosos cambios y fluctuaciones en su enfoque. Un factor casi constante ha sido la admiración por Rembrandt , especialmente desde el Romanticismo. Otros artistas han experimentado cambios drásticos en su reconocimiento crítico y precio de mercado; al final del periodo, algunos de los pintores de Leiden gozaban de una enorme reputación, pero desde mediados del siglo XIX las obras realistas de diversos géneros han sido mucho más apreciadas. ^{[ 80 ]}

Vermeer fue rescatado del olvido casi total en el siglo XIX, momento en el que varias de sus obras ya habían sido reatribuidas a otros. Sin embargo, el hecho de que muchas de sus obras ya formaran parte de importantes colecciones, a menudo atribuidas a otros artistas, demuestra que la calidad de las pinturas individuales era reconocida incluso si su obra en conjunto era desconocida. ^{[ 81 ]} Otros artistas han seguido siendo rescatados de la masa de pintores poco conocidos: los bodegones tardíos y muy sencillos de Adriaen Coorte en la década de 1950, ^{[ 82 ]} y los paisajistas Jacobus Mancaden y Frans Post a principios de siglo. ^{[ 83 ]}

Las pinturas de género fueron populares durante mucho tiempo, pero poco apreciadas. En 1780, Horace Walpole desaprobó que "invitan a la risa a divertirse con la más desagradable indelicadeza de los groseros". ^{[ 84 ]} Sir Joshua Reynolds , el líder inglés del arte académico del siglo XVIII , hizo varios comentarios reveladores sobre el arte holandés. Quedó impresionado por la calidad de La lechera de Vermeer (ilustrada al comienzo de este artículo) y la vivacidad de los retratos de Hals, lamentando que le faltara la "paciencia" para terminarlos correctamente, y lamentó que Steen no hubiera nacido en Italia y se hubiera formado durante el Alto Renacimiento , para que su talento pudiera haber sido mejor aprovechado. ^{[ 85 ]} En la época de Reynolds, el aspecto moralizante de la pintura de género ya no se entendía, ni siquiera en los Países Bajos; el ejemplo famoso es la llamada Amonestación paternal , como se la conocía entonces, de Gerard ter Borch . Goethe y otros elogiaron esta obra por la delicadeza con la que representa a un padre reprendiendo a su hija. De hecho, en opinión de la mayoría (aunque no de todos) los estudiosos modernos, se trata de una escena de proposición en un burdel; existen dos versiones (Berlín y Ámsterdam) y no está claro si la "moneda reveladora" que el hombre sostiene en la mano fue retirada o repintada en alguna de ellas. ^{[ 86 ]}

En la segunda mitad del siglo XVIII, el realismo pragmático de la pintura holandesa era un « gusto whig » en Inglaterra, y en Francia se asociaba con el racionalismo de la Ilustración y las aspiraciones de reforma política. ^{[ 87 ]} En el siglo XIX, con un respeto casi universal por el realismo y el declive final de la jerarquía de géneros, los pintores contemporáneos comenzaron a tomar prestado de los pintores de género tanto su realismo como su uso de objetos con fines narrativos, y a pintar ellos mismos temas similares, apareciendo todos los géneros que los holandeses habían impulsado en lienzos mucho más grandes (excepto las naturalezas muertas).

En la pintura de paisaje, los artistas italianizantes fueron los más influyentes y prestigiosos del siglo XVIII, pero John Constable se encontraba entre los románticos que los denunciaron por artificialidad, prefiriendo a los artistas tonales y clásicos. ^{[ 61 ]} De hecho, ambos grupos siguieron siendo influyentes y populares en el siglo XIX.

• Arte de los Países Bajos
• Escuela de Delft (pintura)
• Escuela holandesa (pintura)
• Lista de pintores holandeses
• Lista de pintores de la Edad de Oro holandesa.

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• La pintura en la Edad de Oro holandesa – Galería Nacional de Arte
• Breve panorama del mercado del arte holandés en el siglo XVII.