La tostadora valiente

Los derechos cinematográficos de La tostadora valiente , la novela corta original de Thomas M. Disch, fueron adquiridos por Walt Disney Studios en 1982, dos años después de su aparición en The Magazine of Fantasy & Science Fiction . ^{[ 11 ]} Después de que los animadores John Lasseter y Glen Keane terminaran un cortometraje de prueba en 2D/3D basado en el libro Donde viven los monstruos (1963), Lasseter y el productor Thomas L. Wilhite decidieron que querían producir un largometraje completo con la misma técnica. ^{[ 12 ] [ 13 ]}

La historia que eligieron fue La tostadora valiente , y esta se convirtió en la primera película de animación por computadora que Lasseter propuso, ^{[ 14 ]} pero en su entusiasmo, tuvieron problemas al presentar la idea a dos altos ejecutivos de Disney, el administrador de animación Ed Hansen y el presidente de Disney Ron W. Miller . Ron Miller preguntó sobre el costo después de la presentación y cuando Lasseter respondió que no costaría más que una película de animación tradicional, Miller rechazó la propuesta, diciendo que la única razón para usar computadoras sería si fuera "más rápido o más barato". ^{[ 15 ] [ 16 ]}

Pocos minutos después de la reunión, Lasseter recibió una llamada de Hansen, quien le ordenó que bajara a su oficina, donde le comunicaron su despido. Originalmente, el proyecto iba a comenzar en los estudios Disney con un presupuesto de 18 millones de dólares, pero posteriormente se transfirió a la nueva Hyperion Pictures , creada por los exempleados de Disney Tom Wilhite y Willard Carroll , quienes se hicieron cargo de la producción tras la exitosa solicitud de Wilhite al entonces presidente Ron Miller. Como resultado, la película fue financiada como una producción independiente por Disney, con la ayuda de la empresa de electrónica TDK Corporation y la distribuidora de vídeo CBS/Fox Video . ^{[ 11 ]}

El presupuesto se redujo en 12,06 millones de dólares, hasta los 5,94 millones, al comenzar la producción, aproximadamente un tercio del presupuesto ofrecido cuando se realizaba internamente. ^{[ 11 ]} A pesar de proporcionar fondos para ponerla en marcha, Disney no participó en la producción de la película. ^{[ 11 ]} Rees comentó posteriormente que había fuerzas externas en juego que tenían derecho a decir que se trataba de una película barata que podía enviarse al extranjero, a lo que el personal se opuso y, por lo tanto, estuvo dispuesto a hacer sacrificios para mejorar la calidad de la película a pesar de su presupuesto limitado. ^{[ 17 ]}

En 1986, Hyperion comenzó a trabajar en el desarrollo de la historia y los personajes. Jerry Rees , miembro del equipo de dos películas anteriores de Disney, El zorro y el sabueso (1981) y Tron (1982), y coguionista junto con Joe Ranft , fue elegido para dirigir el proyecto. ^{[ 11 ]} Había estado trabajando en una adaptación animada de El espíritu de Will Eisner con Brad Bird , y recibió una llamada de Wilhite pidiéndole que desarrollara, escribiera y dirigiera, explicándole que La tostadora valiente se estaba adaptando a un cortometraje, pero que un largometraje era posible si se manejaba correctamente. ^{[ 17 ]} Joe Ranft y Rees trabajaron en el desarrollo de la historia. Los storyboards fueron diseñados por Rees, Ranft, junto con Alex Mann y Darrell Rooney. Cuando los animadores se quedaron sin páginas para el storyboard, Rees se sentó y escribió más del guion. ^{[ 17 ]}

La obra fue adaptada significativamente de la historia original. Solo unas cuatro líneas de diálogo del libro terminaron en la película final. ^{[ 17 ]} Rees decidió mover la secuencia del desguace de la mitad de la historia a su final debido al simbolismo del desguace como cementerio de electrodomésticos. ^{[ 17 ]} También quería un momento definitivo que le valiera a Toaster el título de "valiente", así que hizo que Toaster saltara a los engranajes para salvar al Maestro, un punto de la trama que no estaba en el libro. ^{[ 17 ]} Tener las voces de los personajes en su cabeza mientras escribía el guion ayudó a Rees a personalizar el diálogo. Incluso reelaboró ​​parte del guion ya terminado para personalizar secciones basadas en las personalidades de los actores. ^{[ 17 ]} Después de unir los guiones gráficos y la planificación de escenas en Taipéi, el jefe de producción Chuck Richardson explicó los problemas logísticos: la película duraría 110 minutos. Como resultado, Rees decidió cortar alrededor de 20 minutos de la historia; las escenas eliminadas no se han publicado para el público. ^{[ 17 ]}

Rees aún estaba escribiendo cuando decidió buscar actores. Muchos de los que audicionaron presentaron voces caricaturescas y exageradas, lo que le disgustó, porque no creían en sus personajes ni aportaban realismo al papel. ^{[ 17 ]} Como resultado, buscó talento de voz del grupo de improvisación The Groundlings por recomendación de Ranft, ^{[ 11 ]} y apreció la honestidad y el naturalismo que le daban a sus interpretaciones. ^{[ 17 ]} Muchos de sus miembros, incluidos Jon Lovitz (Radio), Phil Hartman (Aire acondicionado/Lámpara colgante), Timothy Stack (Lampy), Judy Toll (Mishmash) y Mindy Sterling (la madre de Rob) prestaron sus voces a personajes de la película. Thurl Ravenscroft, ya establecido como actor gracias a Tony the Tiger y How the Grinch Stole Christmas! (1966), fue elegido para el papel de Kirby, la aspiradora. Encabezando el reparto se encontraban la intérprete de Groundlings Deanna Oliver como Tostadora y el recién llegado Timothy E. Day como Blanky. ^{[ 11 ]}

Oliver originalmente audicionó para Air Conditioner usando una imitación de Bette Davis , pero aceptó el papel principal cuando se lo ofrecieron. ^{[ 17 ]} Rees, quien había concebido a Toaster como un personaje femenino, recordó más tarde una anécdota en la que un miembro del equipo "dio un portazo y se fue" porque había contratado a una mujer para interpretar el papel principal. ^{[ 17 ]} Day nunca había trabajado como actor antes, y le había pedido a su madre que lo llevara a las audiciones después de quedar fascinado con la voz en off de un actor infantil. ^{[ 17 ]}

Las sesiones de grabación tuvieron lugar en una pequeña propiedad abandonada en Hollywood. ^{[ 17 ]} La dirección de Rees consistió principalmente en asegurar que las interpretaciones fueran lo más naturales y realistas posible. ^{[ 17 ]} Al grabar, Rees primero hizo que cada escena se entregara tal como estaba escrita, y luego permitió que los actores de voz jugaran con el diálogo y terminó usando muchas de las líneas improvisadas en la película final. ^{[ 17 ]} Algo inusual para la época, algunas de las grabaciones se hicieron en sesiones grupales. ^{[ 17 ]}

Tras ser elegido para el papel, Jon Lovitz tuvo la oportunidad de aparecer en Saturday Night Live . Como Rees había escrito el personaje de Radio específicamente para Lovitz, intentó encontrar la manera de que Lovitz permaneciera en la película. Terminaron haciendo una maratónica sesión de grabación, grabando todos los diálogos de Lovitz en una sola noche. Luego, Rees sustituyó a Lovitz mientras los demás grababan. ^{[ 17 ]}

Rees describió a Timothy Day como un "intérprete increíble", que preguntaba sobre la motivación de su personaje y el contexto de cada escena antes de grabar sus diálogos. Day fue apodado "Timmy de una sola toma" debido a que captaba la esencia emocional del texto con tanta rapidez, como llorar a gritos o pronunciar una frase con un temblor en la voz. ^{[ 17 ]} Comparando esta película con las secuelas, donde una nota alta fue doblada por otro cantante por estar desafinada, Oliver señaló que en esta película se habría mantenido por ser parte del personaje. ^{[ 17 ]}

El equipo trabajó inicialmente en la preproducción durante seis meses en Los Ángeles en 1985, y luego un equipo de diez personas se trasladó a Taiwán con Rees durante otros seis meses para trabajar con Wang Film Productions Company Limited en Taipéi (dirigida por James Wang) para la animación principal, luego regresó para un tercer período de trabajo de seis meses para la posproducción en los EE. UU. ^{[ 17 ] [ 1 ]} La esposa de Rees, Rebecca, fue la animadora directora de la película, y dio clases a los animadores taiwaneses para mejorar la calidad de su producción. ^{[ 18 ] [ 19 ]}

Los animadores también tenían una mezcla de exempleados de Disney y graduados universitarios de CalArts. ^{[ 17 ]} Todos los días, tenían que hacer lo que normalmente se haría en un período de dos semanas en Disney. ^{[ 17 ]} El estilista de color era el veterano animador de Disney A. Kendall O'Connor, un miembro del departamento de animación de largometrajes de Disney desde su primer largometraje Blancanieves y los siete enanitos (1937), ^{[ 11 ]} y Oliver comparó la alegre secuencia de la rana con Merrie Melodies . ^{[ 17 ]} Rees incluyó un enorme letrero de TDK ya que la compañía era un gran patrocinador. ^{[ 17 ]} Los animadores usaron muchas pistas visuales para ayudar a informar a la audiencia sobre la trama y los personajes. Por ejemplo, durante la secuencia de pesadilla al principio de la película, Toaster quema la tostada y emite humo, lo que simboliza la culpa y el miedo a ser responsable.

Dedujeron que las tostadoras tendrían miedo de cosas como los tenedores y de caerse en la bañera mientras estaban enchufadas, así que las incluyeron en esta secuencia. Oliver describió la transición de las chispas de la bañera a los relámpagos fuera de la casa como una buena muestra de cinematografía. ^{[ 17 ]} De manera similar, el hecho de que Blanky sea de un cierto tono de amarillo tiene importancia para la trama. Al comienzo de su viaje, los demás personajes lo ignoran, incluso Toaster. Luego, Toaster se encuentra con una flor del mismo color, que también quiere acurrucarse. Después de explicar que es solo un reflejo, se aleja, haciendo que la flor se marchite. El momento siguiente muestra a Toaster rescatando a Blanky de forma proactiva. La idea es que la flor le informa a Toaster que sus acciones harán que Blanky también se marchite. ^{[ 17 ]}

La banda sonora de la película La tostadora valiente fue compuesta y dirigida por David Newman e interpretada por la New Japan Philharmonic . La banda sonora de Newman para esta película fue una de sus primeras obras y, al parecer, una a la que se sentía muy unido. No la consideraba una obra alegre y decidió darle a la película una banda sonora dramática para reforzar la seriedad de muchos de los temas de la película. Rees admiraba su "estilo rico y clásico" y lo eligió para que la película no tuviera "música de dibujos animados". ^{[ 1 ]} Rees afirmó que Newman intentaría meterse en la mente de los personajes y pensaba en términos de que los objetos inanimados fueran personajes reales.

Rees afirmó que la partitura de Newman era tan grandiosa como cualquier otra que hubiera compuesto, en lugar de haberla compuesto de manera diferente debido a que el medio era la animación. ^{[ 17 ]} Entrelazó muerte, alegría, amor, pérdida y lucha en la obra. El estilo compositivo de Newman estuvo influenciado por su filosofía de que detrás de cada "acorde de alegría" subyace un elemento de tristeza, ya sea por el conocimiento de que no durará para siempre, porque es una fachada para una emoción más profunda, o porque la alegría misma proviene de la tristeza. ^{[ 17 ]} Utilizó exuberantes cuerdas en las escenas iniciales para transmitir una sensación de anhelo. ^{[ 1 ]} A medida que se presentan los personajes, la partitura se vuelve más animada, y cada personaje tiene su propio tema, influenciado por su personalidad. Por ejemplo, Kirby es una aspiradora vieja y gruñona, por lo que Newman le proporciona un tema compuesto por acordes graves, mientras que a Radio se le dio una fanfarria de metales para reflejar su personalidad engreída. Estos motivos musicales se entrelazaron en toda la banda sonora de la película. ^{[ 1 ]}

En algunos momentos, el estilo de la música se usó para provocar una respuesta emocional, por ejemplo, cuando el aire acondicionado se avería, la orquesta primero tiembla y luego estalla con energía. Después de esto, la música vuelve a un tono sombrío, a medida que los electrodomésticos comienzan a darse cuenta de que hay verdad en lo que dijo. ^{[ 1 ]} Cuando exploran el mundo exterior por primera vez, la música se llena de una "grandeza pastoral", y cuando entran en el bosque, se usan cuerdas, flautas, campanas y metales para transmitir la magia y el peligro simultáneos del exterior. La película también contiene una secuencia al estilo de la ópera italiana de Busby Berkeley que contiene un pez. ^{[ 1 ]} La banda sonora finalmente tuvo un lanzamiento limitado en 2004. ^{[ 17 ]} La película contiene cuatro canciones originales ("City of Light", "It's a B-Movie", "Cutting Edge" y "Worthless") que fueron escritas por Van Dyke Parks . Rees "se sentía incómodo con el enfoque tradicional de los musicales de Broadway ", y su filosofía era que las canciones debían formar parte de la acción y la trama sin interrumpirse con un gran número musical.

Rees quería específicamente que los personajes pudieran ponerse a cantar cuando quisieran, similar a las películas de la Edad de Oro de Hollywood. ^{[ 1 ]} Una vez escritas, Newman usó las canciones en su propia banda sonora. Por ejemplo, la primera canción de la película, "City of Light", muestra la ingenuidad y la aprensión del personaje, y contiene un motivo que se vuelve más complejo a medida que avanza la película. ^{[ 1 ]} Este enfoque hizo que la banda sonora fuera más coherente. "It's a B-Movie" está llena de humor negro y un órgano de tubos ominoso mientras los electrodomésticos mutantes asustan a los personajes principales. "Cutting Edge", impulsada por sintetizadores, muestra a los electrodomésticos de última generación del maestro alardeando de lo geniales que son. El conmovedor número "Worthless" es una pista llena de piano, cuerdas, guitarra y voces que se corta abruptamente cuando los autos cantantes son aplastados. El clímax de la secuencia del desguace evoca sentimientos de desesperación, peligro, suspenso y peligro del mundo real. Newman «retoma los temas sutiles y variados de la banda sonora durante los créditos finales». ^{[ 1 ]} Newman escribió y orquestó la banda sonora durante un período de 50 horas, que incluyó un vuelo de 12 horas a Japón para grabar con la orquesta en el Maeda Hall.

La New Japan Philharmonic le dio a la banda sonora un "sonido lujoso" que fue impresionante dados los limitados recursos disponibles. ^{[ 1 ]} Los efectos de sonido no provenían de una biblioteca, sino que eran exclusivamente sonidos Foley creados , con varios objetos del mundo real de Los Ángeles utilizados en la banda sonora, como objetos en tiendas de antigüedades. Esta técnica se utilizó porque Rees quería crear nuevos personajes con nuevos sonidos. ^{[ 17 ]} Los mezcladores de sonido, incluido el ex mezclador de los estudios Disney, Shawn Murphy, quien grabó la banda sonora, preguntaron cómo harían su trabajo debido a que la película era animada, y Rees explicó que debían mezclarla como cualquier otra película, en lugar de pensar en ella como si fuera una caricatura. ^{[ 17 ] [ 1 ]}

Las canciones originales interpretadas en la película incluyen:

El estreno de la película tuvo lugar en el Teatro Wadsworth de Los Ángeles el 10 de julio de 1987. ^{[ 1 ]} Con la ayuda del productor, la película se estrenó en varios festivales, incluyendo el Festival Internacional de Animación de Los Ángeles en 1987, ^{[ 22 ]} y el Festival de Cine de Sundance en 1988. Hizo historia como la primera película de animación original exhibida en Sundance ^{[ 23 ]} ( The Cosmic Eye de Faith Hubley , una película recopilatoria que incluye varios cortometrajes que realizó con su esposo John Hubley , se proyectó en el festival de 1986) ^{[ 24 ]} y siguió siendo la única hasta Waking Life de 2001. ^{[ 25 ]}

Aunque el premio fue para la película de Rob Nilsson filmada en video, Heat and Sunlight , antes de la ceremonia de premiación, Rees afirma que los jueces le dijeron que consideraban a Toaster la mejor película, pero decidieron no otorgar el premio a una caricatura porque consideraron que la gente no tomaría el festival en serio después. ^{[ 17 ]} Aunque a veces se piensa que la película no se estrenó en cines porque no encontró un distribuidor, ^{[ 26 ]} en realidad, la distribuidora de cine de autor Skouras Pictures se hizo cargo de los derechos de distribución para el estreno en cines y planeaba hacer proyecciones nocturnas, señalando que estaba más dirigida a estudiantes universitarios y adultos jóvenes que a niños.

Sin embargo, Disney, que había invertido en los derechos de vídeo y televisión, ^{[ 17 ]} según Rees no quería competencia, así que adelantó la fecha de estreno en televisión y acabó impidiendo que tuviera éxito financiero en los cines, lo que obligó a Skouras a retirar el acuerdo. ^{[ 1 ]} La película se estrenó en Disney Channel el 27 de febrero de 1988. ^{[ 27 ]} Para compensar, Hyperion continuó con su plan de presentar la película en varios festivales y consiguió asegurar proyecciones limitadas en salas de cine de arte y ensayo en todo Estados Unidos, como pasar dos semanas en el Film Forum de Nueva York en mayo de 1989, y brevemente en Washington, D.C. , en marzo de 1990. ^{[ 25 ]}

Rees cree que la mayoría de la gente descubrió la película a través de su emisión en Disney Channel o mediante lanzamientos en vídeo doméstico. ^{[ 17 ]} En julio de 1991, Walt Disney Home Video lanzó la película en formato de vídeo doméstico en VHS y LaserDisc . En 2003 se lanzó un DVD ; como la mayoría de los lanzamientos de bajo presupuesto de Disney de la época, el DVD utiliza la transferencia del lanzamiento en LaserDisc.

Aunque las secuelas, The Brave Little Toaster to the Rescue (1997) y The Brave Little Toaster Goes to Mars (1998), están disponibles, la película original aún no había aparecido en Disney+ ni en ningún servicio de vídeo bajo demanda hasta que se estrenó en Disney+ el 25 de mayo de 2026. ^{[ 28 ]} Una transferencia no oficial en 4K de una de las copias de 35 mm de la película , autorizada por Jerry Rees y Brian McEntee, se subió a YouTube el 13 de julio de 2023. ^{[ 29 ]}

Los derechos de venta internacionales de la película fueron gestionados por ITC Entertainment (excepto en Japón, donde también los gestionó Disney). ITC comenzó a distribuir la película a partir de la feria comercial de televisión ATPE de 1991. ^{[ 30 ]}

En el Reino Unido, las cintas VHS fueron lanzadas por PolyGram Video (en la década de 1990) y Carlton Video (en la década de 2000), mientras que en Australia, Roadshow Home Video poseía los derechos.

En España, Divisa Home Video y Aurum Producciones se encargaron de la distribución, la primera durante la década de 2000.

En septiembre de 2003, Prism Leisure , bajo licencia de Carlton Communications (entonces propietarios del catálogo de ITC Entertainment), lanzó la película en DVD en el Reino Unido para conmemorar su 15.º aniversario. Esta edición en DVD, a diferencia de la versión estadounidense de Disney, utiliza una nueva transferencia remasterizada a partir de una copia internacional. Si bien la licencia ya ha expirado, el disco aún se puede encontrar en tiendas online del Reino Unido.

A La tostadora valiente le siguieron dos secuelas una década después: La tostadora valiente al rescate (1997) y La tostadora valiente va a Marte (1998). ^{[ 8 ]} Esta última ( Marte ) se basa en la secuela de la novela corta de Disch, mientras que la primera ( Rescate ) es una historia completamente nueva. Si bien reunieron a la mayoría del elenco y los productores, tuvieron un director diferente, Robert C. Ramirez, y nuevos miembros del equipo. Rees señaló que la película original se hizo por puro amor y no se pensó como una película infantil o un producto, y que había oído que el nuevo enfoque era una empresa más comercial. ^{[ 17 ]} Deanna Oliver sintió que, a pesar de que Ramirez era un director talentoso que manejó la franquicia con cuidado, en lugar de "cine" y "centrado en los personajes", el proyecto parecía más bien un intento de terminarlo porque se podía hacer. Ni Rees ni Oliver han admitido haber visto las secuelas terminadas.