En el umbral de un sueño

On the Threshold of a Dream es el cuarto álbum de The Moody Blues , lanzado en abril de 1969 por el sello Deram . El álbum alcanzó la cima de las listas de éxitos, siendo el primer álbum número 1 del grupo en el Reino Unido. ^{[ 1 ]} Según el guitarrista Justin Hayward , "Creo que Threshold es el álbum que define a The Moody Blues. Y es el que en los años 60 encontrabas en las casas de la gente cuando ibas a visitarlos, tenían ese álbum". ^{[ 2 ]}

El álbum se grabó en enero de 1969 tras concluir la primera gira del grupo por Norteamérica. Publicado en abril de 1969, nueve meses después de su predecesor, In Search of the Lost Chord , y siete meses antes de su sucesor, To Our Children's Children's Children , el álbum marcó una época de intensa producción creativa por parte de la banda. El guitarrista Justin Hayward recuerda: «En los años 60 íbamos a toda velocidad, concentrados en el trabajo, sin apenas salir de gira. Simplemente volvíamos al estudio y seguíamos adelante». ^{[ 3 ]}

Al igual que sus predecesores, On the Threshold of a Dream es un álbum conceptual, pero con una temática más libre que Days of Future Passed e In Search of the Lost Chord . El título del álbum refleja las esperanzas de la época del flower power y la era del amor libre de Woodstock, y la esperanza de que la sociedad estuviera al borde de una nueva era de conciencia, una nueva iluminación. El título fue acuñado por Mike Pinder en una conversación con su amigo y presentador de la BBC, David Symonds . Pinder recuerda: "A mitad de la creación del álbum, cuando estábamos barajando algunos títulos, recuerdo haber hablado de cómo estábamos allí, acabábamos de pasar el 67 con caftanes ; todo el mundo estaba en la calle y era una época divertida, con el flower power y todo eso. Así que pensábamos: 'Oye, estamos al borde de una nueva conciencia, una nueva forma de ver las cosas'". Y entonces estábamos hablando de eso, y era como si estuviéramos 'al borde de un sueño humano, un sueño de la humanidad', y Dave dijo 'umbral', y yo dije 'de un sueño', y fue como perfecto." ^{[ 4 ]} El guitarrista Justin Hayward continúa: "Probablemente nos estábamos [tomando demasiado en serio]. Pero con razón. Para hacer lo que hacíamos teníamos que creer en ello. Salía del corazón. Pero en ese momento nos ganamos esa reputación. Sentí que estaba hablando por mucha otra gente a finales de los 60. Quería escribir sobre nuestra búsqueda de la iluminación, así de simple. Todavía lo sigo haciendo en cierto modo." ^{[ 5 ]}

El bajista John Lodge recuerda el proceso creativo de la banda, cómo cada miembro aportaba ideas al grupo relacionadas con el tema del álbum y luego trabajaban juntos en las canciones mientras lo producían: "Colectivamente, todos teníamos el mismo tema. Pero como éramos personas diferentes, tocábamos cosas diferentes y sonábamos diferentes, cada canción era diferente aunque el tema fuera el mismo". ^{[ 6 ]} Continúa: "Cuando llegábamos al estudio, teníamos una mesa de centro; solíamos sentarnos allí y hablar sobre una canción. Si yo había escrito una canción que quería en el álbum, se la tocaba al resto de los chicos cuando estábamos sentados alrededor de esa mesa, y cada uno le daba su interpretación. En cuanto se la tocabas al resto, se convertía en una canción de Moody Blues. Tenías plena confianza en que los demás iban a ser tan creativos como pudieran para que esa canción funcionara al máximo". ^{[ 7 ]}

El álbum comienza con una introducción hablada inspirada en el argumento filosófico de René Descartes , Cogito, ergo sum , donde el narrador cuestiona y luego confirma su propia existencia, y luego cuestiona el significado de su existencia. Escrita por el baterista Graeme Edge , el tecladista Mike Pinder recuerda que la producción de la introducción fue un esfuerzo colaborativo entre los miembros del grupo. ^{[ 8 ]} "In the Beginning" presenta tres personajes, denominados "Primer Hombre", "Establishment" y "Hombre Interior" en las letras impresas que se proporcionan en la funda desplegable del álbum. Hayward asume el papel de una persona solitaria ligeramente desconcertada que confirma su propia existencia. Edge, una figura burlona del establishment, confirma la existencia del primer hombre, pero insiste en que su propósito es ser un engranaje en una máquina corporativa. El primer hombre afirma tímidamente que cree que su existencia es más que eso, encontrando aliento en su "Hombre Interior", hablado por Pinder, quien le dice que "mantenga la calma" y "siga pensando libremente".

La animada "Lovely to See You" abre el álbum. Con su letra acogedora, la canción sirvió posteriormente como tema de apertura de conciertos durante la última etapa de la carrera del grupo.

La letra de "Dear Diary" refleja la sensación de no poder conectar con el mundo que pasa a toda velocidad a tu alrededor. La canción presenta una crítica social mordaz al terminar con una entrada de diario cotidiana que relata un día de enviar cartas y mirar escaparates, seguida de un relato sosegado: "Alguien explotó una bomba H hoy... Pero no era nadie que yo conociera", mientras la canción se desvanece. El ingeniero Derek Varnals recuerda que Thomas improvisó la narración final durante la grabación. Al mezclar el álbum, Varnals se aseguró de que la pista se desvaneciera en el momento justo para lograr el máximo efecto: "Sí, queríamos mantenerla porque era ingeniosa y bastante divertida. Solo teníamos que acertar con el momento del desvanecimiento. No queríamos que fuera demasiado fuerte; tenía que ser parte del desvanecimiento, y creo que lo conseguimos". ^{[ 9 ]}

Las animadas «Send Me No Wine» y «To Share Our Love» fueron escritas por el bajista John Lodge . La letra de «Send Me No Wine» refleja un estilo de música country. Varnals sugiere: «“Wine” es realmente una canción country. Cuando la toques, imagínala más lenta, con algunas repeticiones eliminadas. Escucha la canción y observa que las partes de Mellotron se parecen mucho a una guitarra de pedal steel». ^{[ 9 ]}

La canción "So Deep Within You" de Mike Pinder fue grabada posteriormente por los Four Tops con el acompañamiento instrumental de miembros de los Moody Blues. ^{[ 10 ]}

La cara B comienza con "Never Comes the Day" de Hayward, una oda al amor no correspondido. Recuerda que la canción estuvo influenciada por sus luchas por encontrarle sentido a su vida en ese momento: "Fue una época bastante difícil en mi vida. Fue una situación realmente dolorosa para alguien tan joven como yo entonces. No estaba muy seguro de mi propia vida, de lo que estaba haciendo, de lo que era raro, de dónde vivía y de la gente que me rodeaba, incluyendo a la gente del grupo. Simplemente me lo cuestionaba todo y, al mismo tiempo, intentaba vivir según algunas de las filosofías de la época. Era una época de fuertes caminos y rutas filosóficas sobre las que la gente escribía. Era una especie de era de la Ilustración y de la búsqueda de la Ilustración". ^{[ 11 ]} El tono lastimero de la canción va creciendo hasta un crescendo con una exhortación a los oyentes a compartir sus sentimientos entre sí. Explica: «Sentí que necesitaba evolucionar hacia algo más alegre y optimista. Simplemente me salió de forma natural. Me gustan las dinámicas en las canciones: luces y sombras. Me gustaba empezar suave y subir de volumen». ^{[ 11 ]} La canción emplea una afinación en sol abierto , que Hayward recuerda haber aprendido durante su gira con Richie Havens : «Aprendí mucho en esos primeros años sobre acordes y afinaciones abiertas. "Question", que es una afinación en do abierto, y "Never Comes a Day", una afinación en sol abierto. Tocamos un par de veces con Richie Havens , y me enseñó bastantes afinaciones entre bastidores en los conciertos con esa preciosa y vieja guitarra suya». ^{[ 12 ]}

"Lazy Day" de Ray Thomas y "Are You Sitting Comfortably" de Hayward crean una atmósfera de somnolencia, preparando al oyente para la pieza central del álbum, la suite " Have You Heard " de Mike Pinder.

"Lazy Day" incorpora un toque de sátira, burlándose de aquellos que pasan sus días con una sensación de satisfacción. Con la frase "hoy debe ser cordero porque la semana pasada fue carne", las notas de la reedición describen la letra como "un comentario mordaz sobre el domingo promedio del trabajador británico". ^{[ 13 ]} La satisfacción de los versos contrasta con coros etéreos pero cínicos: "Es una verdadera lástima / Semana tras semana lo mismo / Así es como pasa tu vida / Hasta el día en que mueras".

Según Hayward, "Are You Sitting Comfortably" trata sobre "contar historias, pero elevadas a una historia un tanto psicodélica". ^{[ 11 ]} Su letra evoca los días de los juglares medievales, con guitarra punteada y letras llenas de imágenes vibrantes que incluyen "una flota de galeones dorados en un mar de cristal" y los "gloriosos días de Camelot" mientras Merlín lanza un hechizo de sueño. La canción toma su primera línea de un popular programa infantil, Listen with Mother , que siempre comenzaba con la misma línea y se asoció con la frase. ^{[ 14 ]} "Are You Sitting Comfortably" fue escrita hacia el final de las sesiones y, aparte de "The Dream", fue la última pista grabada para el álbum. Hayward recuerda: «Ya tenía el riff de guitarra y la secuencia de acordes, y tenía la primera línea y el título. Y a partir de ahí, simplemente seguimos adelante. Ray contribuyó con muchas letras. Sé que lo primero que escribió fue esa segunda línea: "Una flota de galeones dorados, en un mar de cristal", que es una frase muy propia de Ray Thomas». ^{[ 9 ]}

La recitación del poema "El sueño" de Graeme Edge por Mike Pinder introduce la secuencia onírica del álbum. Sus palabras sugieren que, así como en la naturaleza surge nueva vida de la muerte, un espíritu de amor y altruismo puede ayudar a la sociedad a realizar su sueño y alcanzar la iluminación. Edge explica: "Mi trabajo en aquel entonces consistía en escribir un poema que insinuara los diversos temas para asegurar que la gente estuviera enfocada en la dirección correcta". ^{[ 15 ]}

"Have You Heard" data de al menos 1966, cuando una versión temprana apareció en el set en vivo de la banda. ^{[ 13 ]} Su letra repite el tema de la iluminación del álbum. La canción enmarca "The Voyage", una pieza instrumental que se desarrolla con cuerdas orquestales producidas por Mellotron y alcanza un crescendo con una melodía repetida en piano antes de que los violonchelos conduzcan una transición de regreso a una repetición de "Have You Heard". Varnals recuerda que la sección introductoria de "The Voyage" estuvo influenciada por Así habló Zaratustra , habiendo sido utilizada en 2001: Una odisea del espacio , que se estrenó varios meses antes de las sesiones del álbum. La pista tardó tres días en grabarse, con Mike Pinder trabajando en gran parte solo en el Mellotron, con violonchelos, piano y otros instrumentos sobregrabados por el grupo. ^{[ 9 ]}

Al final de la repetición de "Have You Heard", el álbum concluye con el zumbido electrónico que lo abre. Producido por Mellotron , el sonido se reproduce continuamente en el surco final del álbum , haciendo que suene sin interrupción hasta que se levanta el brazo del tocadiscos . ^{[ 16 ]}

El álbum se grabó del 12 al 31 de enero de 1969, una vez más en el Studio One de Decca en su estudio de West Hampstead con el productor Tony Clarke y el ingeniero Derek Varnals , utilizando el equipo de grabación Sculley de 8 pistas recién instalado en el estudio. La mezcla final del álbum se completó el 3 y 4 de febrero. ^{[ 13 ] [ 9 ]} Las sesiones solían durar desde la tarde hasta bien entrada la noche, con el equipo creativo recluido dentro del estudio. El productor Tony Clarke recuerda: "Trajimos alfombras, lámparas y ceniceros y grabamos en la oscuridad. Tenía que ser cómodo y acogedor. Las sesiones solían durar desde el mediodía hasta la medianoche". ^{[ 9 ]}

Justin Hayward recuerda: «Sin duda, fue una época en la que buscaba diferentes religiones y experiencias psicodélicas; fue un verdadero periodo de descubrimiento para mí, siendo joven. Así que fumaba mucho y me adentraba más en la música y otras cosas. Sin duda, vi en este disco una verdadera oportunidad de libertad musical... una forma de expresar la búsqueda que estábamos realizando en nuestras vidas». ^{[ 2 ]}

El baterista Graeme Edge recuerda el ambiente creativo: "El álbum fue el único en el que nos concentramos realmente en grabar y no andábamos corriendo de gira. Como acabábamos de terminar una gira, la música que creamos combinó el conocimiento de las técnicas de estudio que habíamos adquirido grabando In Search of the Lost Chord con la destreza que habíamos aprendido tocando en el escenario cada noche. Eso puede explicar la presencia de más partes instrumentales en On The Threshold Of A Dream ". ^{[ 13 ]}

La canción de apertura, "In the Beginning", ofreció en particular muchas oportunidades para que el grupo, junto con Clarke y Varnals, expresaran su creatividad en el estudio. El álbum comienza y termina con "el sonido de todo, pero también de nada", creado mediante la producción de frecuencias altas y bajas en el Mellotron combinadas con "ruido rosa". Varnals explica: "Elegimos el tono y le añadimos mucha reverberación para que sonara en todas partes y en ninguna, por así decirlo. Funcionó y resultó bastante atmosférico". Para acompañar la voz maníaca de Graeme Edge, propia de un ordenador industrial, durante la sección hablada, el grupo colocó los relojes de pulsera de todos dentro de un embudo con un micrófono. El sonido se combinó con el del eje giratorio y metálico que conformaba la mecánica interna de un Mellotron. El efecto general pretendía imitar la maquinaria y las vibraciones de un profesor loco empeñado en dominar. ^{[ 9 ]}

John Lodge reflexiona sobre cómo evolucionó el proceso creativo del grupo en el álbum: "Creo que con On The Threshold Of A Dream y To Our Children's Children's Children , empezamos a convertirnos en una banda de estudio. Estábamos explorando lo que se podía hacer en cuanto a grabación, y no en cuanto a tocar en directo. Así que experimentábamos en todos los demás lugares para intentar crear sonidos diferentes que grabábamos de forma completamente distinta. Fue una época interesante porque llevamos nuestros viajes musicales al límite, creo." ^{[ 17 ]} Clarke añade: "Este álbum sentó las bases de cómo grabaríamos futuros álbumes conceptuales. Es bastante importante en muchos sentidos. Fue la primera vez que tuvimos verdadera libertad en el estudio. Esta fue nuestra primera oportunidad de que nos dejaran solos, sin hombres con batas blancas ni gente con portapapeles. Sigue siendo bastante bonito. Estoy orgulloso de gran parte de él. En definitiva, me alegro de que lo hiciéramos." ^{[ 9 ]}

La portada del álbum, al igual que la de su predecesor, fue diseñada por Phil Travers. Por primera vez, el álbum incorpora una funda desplegable que ofrece un espacio mayor para el diseño gráfico. La banda repetiría esta práctica en sus siguientes álbumes. El flautista Ray Thomas recuerda haber negociado con su discográfica, Decca, sobre el coste adicional: «Les preocupaba que aumentara el coste de la funda en dos peniques por álbum. El jefe de producción nos dijo inicialmente que si el álbum era tan bueno como decíamos, ¡podría caber en una bolsa de papel marrón! Finalmente, tras muchas protestas, conseguimos que nos aceptaran». ^{[ 13 ]} El espacio adicional permitió incluir, por primera vez, las letras del álbum, así como un ensayo del compositor Lionel Bart . ^{[ 13 ]}

La imagen de la portada presenta "una entidad metálica, tipo robot, que sujeta diferentes formas de vida y las aprieta con fuerza, representando la libertad de pensamiento, expresión y creatividad", ^{[ 8 ]} explica Mike Pinder, así como una imagen de Merlín lanzando un hechizo, Camelot y una flota de galeones dorados en un mar de cristal, imágenes inspiradas en la letra de "Are You Sitting Comfortably". ^{[ 16 ]} El bajista John Lodge recuerda: "Llevábamos a nuestro diseñador gráfico, Phil Travers, al estudio para que escuchara cada tema a medida que se completaba. También le dábamos la letra para que tuviera más ideas. Phil hacía bocetos de varios diseños de portadas y todos nos sentábamos alrededor de una mesa de café a discutir lo que queríamos. Todos sentíamos que tanto la música como el diseño de la portada del álbum debían formar parte de un paquete especial y debían ser perfectos". ^{[ 13 ]}

On the Threshold of a Dream se publicó el 25 de abril de 1969 en el Reino Unido ^{[ 20 ]} y el 30 de mayo de 1969 en Estados Unidos. ^{[ 21 ]} On the Threshold of a Dream le dio a The Moody Blues su primer álbum número uno en Gran Bretaña, y también impulsó su éxito en Estados Unidos al convertirse en su primer álbum en el top 20 allí. Demostró ser uno de los discos más perdurables del grupo en Estados Unidos, permaneciendo en la lista de álbumes de Billboard durante más de dos años y medio.

El álbum, junto con el posterior To Our Children's Children's Children , estuvo entre las cintas que el astronauta del Apolo 15 , Al Worden, llevó a la luna. ^{[ 22 ]}

En marzo de 2006, el álbum fue completamente remasterizado en formato SACD y reeditado con nueve pistas adicionales. En 2008, se publicó una remasterización en CD de audio estándar con las mismas pistas adicionales.

• Justin Hayward – voz, guitarras, violonchelo , Mellotron (7) ^{[ 14 ]}
• John Lodge – voz, bajo, violonchelo, contrabajo
• Ray Thomas – voz, armónica, flauta, pandereta, oboe , flautín , EMS VCS 3
• Graeme Edge – batería, percusión, voz, EMS VCS 3
• Mike Pinder – voz, Mellotron , órgano Hammond , piano, guitarra acústica, violonchelo

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