En busca del acorde perdido

In Search of the Lost Chord es el tercer álbum de The Moody Blues , publicado en julio de 1968 por el sello Deram .

El éxito del disco anterior de la banda, Days of Future Passed , les permitió disponer de más tiempo en el estudio y mayor flexibilidad creativa para elaborar un álbum sucesor. En aquel entonces, el teclista Mike Pinder declaró a Melody Maker : «Los álbumes nos dan la oportunidad de experimentar con nuevas ideas. Y los compradores se dan cuenta de que ofrecen más que solo música para bailar. Pueden sentarse y escuchar, embarcarse en un viaje de exploración musical». ^{[ 1 ]} El guitarrista Justin Hayward recordó que In Search of the Lost Chord «fue cuando siento que encontramos nuestra alma y nuestra dirección. Fue cuando todo encajó musicalmente». ^{[ 2 ]}

Al igual que su predecesor, In Search of the Lost Chord presenta una temática conceptual. Las canciones de In Search of the Lost Chord conforman un concepto general en torno a un tema de búsqueda y descubrimiento, que incluye tanto la exploración del mundo como la autorrealización interior. Mike Pinder explicó: «The Moodies fueron realmente la primera banda de rock en hacer álbumes conceptuales y en trabajar con una orquesta sinfónica. Gracias a ello, me di cuenta de que muchas de mis ideas estaban vinculadas a toda esta área del pensamiento conceptual y de comunicar ideas a la gente mediante preguntas musicales y a través de las letras». ^{[ 3 ]}

El álbum se inspira en el espíritu de exploración interior que caracterizó la era psicodélica . Justin Hayward reconoció la influencia de las drogas psicodélicas en el proceso creativo de la banda: "Oh, todos experimentamos con todo tipo de cosas. Bueno, todos menos John. Él nunca participó. Por lo general, eran drogas más psicodélicas. Debo admitir que siempre lo pasábamos genial con el ácido. Y esos viajes inspiraron mucho nuestra música en ese momento". Comentó: "Creo que pudimos tomar esas experiencias y, con suerte, transmitirlas. Ese es el único mérito que podemos atribuirnos". ^{[ 4 ]} El tecladista Mike Pinder dijo: "Escuchar música se disfruta más cuando uno está en un estado meditativo y creo que la influencia de las drogas era capaz de ponerte en ese estado instantáneamente". ^{[ 5 ]}

Hayward profundizó en el espíritu de curiosidad y búsqueda de conocimiento de la banda: "Pinder, Ray y yo nos metíamos en todo, intentando absorber la mayor cantidad posible de información espiritual y psicodélica. Íbamos a toda velocidad hacia ella: leíamos todos los libros, investigábamos todo tipo de religiones, teníamos todo tipo de experiencias psicodélicas. Conocimos a Timothy Leary en 1968 durante nuestra primera gira por Estados Unidos; Mike, Ray y yo nos quedamos con él en su rancho durante una semana, y lo pasamos de maravilla. Compartimos muchas experiencias religiosas y solíamos leer los mismos libros. Recuerdo que leímos el Bhagavad Gita y el Libro Tibetano de los Muertos , y que hicimos todo esto juntos. Así que lo que decíamos era sincero; no solo recopilábamos información y la usábamos en las canciones. En realidad, estábamos viviendo todo esto en ese momento, supongo que como mucha otra gente, pero nos lo tomábamos mucho más en serio que la mayoría de los demás músicos, y pudimos plasmarlo en la música de una manera más accesible. de una forma que algunos de los otros músicos que estaban realmente muy metidos en ello, pero que eran inaccesibles en su música." ^{[ 6 ]}

Pinder reflexiona sobre los temas del álbum en una entrevista radiofónica de 1976: «Consideramos cuidadosamente cada palabra de la letra para asegurarnos de que fuera equilibrada, que no hiciera afirmaciones como "esta es la respuesta". No damos las respuestas, porque es la pregunta la que trae la respuesta, y la respuesta siempre es algo inteligible. Quiero transmitir a la gente que estas son simplemente experiencias que las personas viven, plasman y comparten en discos. Compro discos de los que obtengo algo más que mero entretenimiento. Espero escuchar a alguien decir algo que quiero oír, y saber que viene de una persona en la que puedo confiar y creer que ha tenido esa experiencia». ^{[ 7 ]}

En busca del acorde perdido comienza con un poema de Graeme Edge , recitado por el propio Edge (en lugar de Mike Pinder, como suele ser habitual). Sus palabras describen cómo una experiencia sensorial puede servir de impulso para el inicio de un viaje.

La introducción hablada da paso a la canción de rock "Ride My See-Saw", el primer sencillo del álbum. John Lodge explica la inspiración de su letra: "Esa canción trataba sobre la libertad que sentí haber recibido, tanto a nivel personal como formando parte de The Moody Blues". ^{[ 8 ]} Añadió: "La canción trataba sobre dejar la escuela, salir al mundo y descubrir que no era lo que uno pensaba ni lo que te habían enseñado. En realidad, es mucho más grande. 'Ride My See-Saw' trataba sobre vivir la vida al máximo y ver adónde nos lleva. Y sigo haciéndolo". ^{[ 9 ]} Justin Hayward recordó: "Lo recuerdo como una sesión de improvisación en el estudio. Nos quedamos un poco atascados, pero fue genial. Graeme tocaba ese di-da-da, di-da-da en la caja —así empezó— y el riff de guitarra. Pero no teníamos la canción, y entonces John volvió con la letra y la estructura básica. La grabamos un tiempo después de haber grabado la base instrumental." ^{[ 10 ]} Lodge dijo: "Compuse esa canción con el bajo. Para la época, tiene unos cambios de acordes muy buenos, los menores y los mayores. Quería que la parte central solo tuviera armonías, y así fue. Teníamos tres y cuatro partes que se elevaban. Intentábamos encontrar la manera de conseguir el ritmo perfecto, ya que tiene un ritmo enérgico." ^{[ 9 ]} El guitarrista Hayward citó el solo como quizás su favorito en el catálogo de la banda: "Esa guitarra era una Telecaster que tenía cuando era niño. Recuerdo tocar toda la canción de principio a fin, improvisándola sobre la marcha, y cuando llegué al final, todos dijeron: '¡Genial! ¡Fantástico!'. Y yo dije: 'Es un poco raro. Está un poco fuera de ritmo', y ellos dijeron: 'No, no. Nos encantó'. Todos mis otros solos fueron cuidadosamente construidos y pensados, pero ese es mi favorito." ^{[ 11 ]}

El autor de " Dr. Livingstone, I Presume ", Ray Thomas , describió la canción como "un poco de diversión en medio de toda la seriedad de las demás canciones del álbum". ^{[ 8 ]} Los versos relatan los viajes de David Livingstone , Robert Falcon Scott y Cristóbal Colón , y cuestionan si cada explorador encontró satisfacción en sus respectivas búsquedas.

"House of Four Doors" continúa con el tema del descubrimiento y sirve como introducción a " Legend of a Mind ". Lodge recordó: "Una vez escribí una canción llamada 'House of Four Doors', y realmente trata sobre una forma de ver la vida que creo que todos podemos tener. Abre una puerta, mira a dónde te lleva. Puede que no sea adonde quieres ir, pero al menos estás avanzando, y no sabes adónde te llevará finalmente". ^{[ 12 ]} Dijo: "Cuando abres una puerta, nunca sabes lo que va a entrar. Tienes que ser lo suficientemente positivo para abrir la puerta. Si no sabes qué puerta estás abriendo, nunca lo vas a descubrir". ^{[ 13 ]} El bajista Lodge toca el violonchelo en la pista, afinado como un bajo. Recordó: "Toqué el violonchelo en esa pista y lo afiné de la misma manera que un bajo. Nunca me di cuenta de que un violonchelo no se afina así en absoluto, ¡pero obtuvimos el efecto deseado!". ^{[ 8 ]}

«Legend of a Mind», la primera canción escrita para el álbum, data de las sesiones de Days of Future Passed . Se inspiró en la defensa del LSD por parte de Timothy Leary . Hayward recordó: «Algunos de nosotros en la banda —y esto fue en 1966, '67— estábamos pasando por nuestras propias experiencias psíquicas, como muchos músicos en ese momento, probablemente influenciados por los Beatles. Leíamos mucha prensa alternativa y sobre Tim Leary, así que lo incluimos... La canción es una versión muy irónica, una versión inglesa muy descarada de cómo pensábamos que serían las cosas en San Francisco en los días del "flower power"... Era irónica, pero con un trasfondo de significado serio. Significaba algo para nosotros. Usábamos muchas frases de la época, extractos del Libro Tibetano de los Muertos, hablábamos del plano astral, etc., y es un reflejo de eso». ^{[ 14 ]}

Las canciones de la segunda cara del álbum tratan temas más personales de autodescubrimiento. « Voices in the Sky » explora la espiritualidad, mientras que « The Best Way to Travel » aborda la imaginación psicodélica. ^{[ 15 ]} La letra de esta última canción cuestiona si la experiencia es solo «luz que pasa por una pantalla», sugiriendo que si nuestra percepción de la vida es realmente solo una ilusión, entonces la meditación puede ayudarnos a comprender la verdadera naturaleza de la existencia. ^{[ 7 ]}

"Visions of Paradise" y "The Actor" exploran el amor y la introspección reflexiva. ^{[ 8 ]} En una entrevista, Hayward recordó el contexto que inspiró la letra de "The Actor": "Tarde en la noche, la calle afuera en Bayswater , en silencio por un rato, completamente solo en el mundo (por un tiempo), enamorado pero luchando con las relaciones". ^{[ 16 ]}

El álbum concluye con " Om ", que incluye una introducción hablada de Edge titulada "La Palabra". El poema contiene el verso "Entre los ojos y los oídos yacen los sonidos del color y la luz de un suspiro". Edge explicó: "Puedes escuchar tu pieza musical favorita cincuenta veces y aún así obtener algo de ella. Pero la mejor película que hayas visto, la ves diez, once veces, y se acabó. Porque la música es caliente y lo visual es algo frío. La música es tempo, forma y tono. A través de los ojos, tienes color, perspectiva y forma. Así que entras a través de los ojos de la misma manera que entras a través de los oídos, con vibraciones realmente creativas". ^{[ 17 ]}

«Om» es una oda al trascendentalismo y al uso de mantras en la meditación. ^{[ 8 ]} Las notas del álbum ofrecen una explicación del concepto de mantra, en caso de que el público del grupo en ese momento no estuviera familiarizado con él:

Para quienes practican meditación o yoga, la palabra MANTRA es familiar como una palabra de poder en la que se concentra la atención durante la meditación. La palabra de poder más importante en las escrituras hindúes es OM, que pronunciado AUM significa «Dios», «Todo», «Ser», «La respuesta». La concentración en su significado excluye todos los demás pensamientos, lo que finalmente conduce al estado mental al que aspira el meditador. ^{[ 18 ] [ 19 ]}

« Legend of a Mind » se grabó el 13 de enero de 1968. ^{[ 8 ]} El resto del álbum se grabó entre mayo y junio. Al igual que su predecesor, el álbum se grabó en el Studio One de los estudios Decca en West Hampstead con el productor Tony Clarke y el ingeniero Derek Varnals. El álbum se grabó principalmente con tecnología de 4 pistas, aunque el nuevo sistema de grabación de 8 pistas de Decca se instaló durante las sesiones. «Visions of Paradise» fue la última canción grabada en 4 pistas, el 4 de junio. Las sobregrabaciones vocales se hicieron el 5 y 6 de junio para «Ride My See-Saw» y «Om» utilizando el nuevo sistema. Las dos últimas pistas grabadas para el álbum, «The Word» y «Departure», se grabaron utilizando la nueva consola de 8 pistas el 12 de junio. ^{[ 20 ]}

El inesperado éxito de Days of Future Passed le dio al grupo una nueva influencia con su sello discográfico y libertad artística en el estudio. Hayward recordó: «También tuvimos la suerte de estar con una compañía discográfica, Decca, cuyos miembros eran veteranos de la música, muchos de ellos dedicados a la fabricación de sistemas de radar, que eran técnicamente excelentes, con un estudio y un personal magníficos en West Hampstead . Mejor que EMI , en mi opinión. Después de Days , que fue una casualidad afortunada, Sir Edward Lewis se acercó a nosotros y nos dijo: "No sé qué están haciendo, chicos, pero es genial. Cuando quieran usar el estudio, solo tienen que reservarlo", y para jóvenes músicos como nosotros era un sueño. Las portadas, hagan lo que quieran». ^{[ 21 ]}

Un aspecto en el que el grupo supo aprovechar el éxito de Days of Future Passed fue continuando con el uso de estructuras de canciones creativas que no se ajustaban al molde típico de la época. Lodge explicó: «No queríamos límites en nuestra música. Hasta entonces, la mayoría de las canciones duraban 2:59 segundos, comenzaban y terminaban a un tempo y terminaban al mismo. Básicamente, una estrofa, un estribillo, un puente y el estribillo. Queríamos romper con ese molde, y si nos llevaba seis minutos expresar lo que queríamos en una canción, con cuatro o cinco tempos diferentes, lo hacíamos. "Legend Of A Mind: Timothy Leary" es un gran ejemplo. Hacíamos lo que fuera necesario para transmitir la canción. "Tuesday Afternoon", por ejemplo, con dos tempos diferentes. Todo era importante para intentar ampliar los límites de lo que considerábamos composición. Cada canción daba paso a la siguiente, y éramos muy cuidadosos con la tonalidad, el tempo y el estilo de cada una. Era fundamental que hubiera elementos que se conectaran pero que fueran diferentes. No podías tener dos cosas iguales, porque nunca se conectarían si fueran iguales». ^{[ 22 ]}

Mientras que la Orquesta del Festival de Londres había complementado al grupo en Days of Future Passed , en In Search of the Lost Chord , los Moody Blues tocaron todos los instrumentos ellos mismos, un total de treinta y tres instrumentos diferentes. Lodge recordó: «Aunque habíamos usado una orquesta en el álbum anterior, todos sentimos que debíamos ser autosuficientes con nuestro siguiente trabajo. Teníamos un enfoque autosuficiente para nuestras sesiones de grabación. Si queríamos usar un instrumento en particular en una pista, uno de nosotros averiguaba cómo tocarlo. Teníamos mucha confianza en nuestras propias habilidades». ^{[ 8 ]} El grupo también enriqueció su sonido con armonías vocales. Lodge explicó: «Nos dimos cuenta de que todos teníamos voces diferentes; teníamos barítono, dos tenores y casi soprano. Lo que no podíamos reproducir en el escenario con orquestación, nos dimos cuenta de que podíamos hacerlo con las voces, así que podíamos asumir muchas cosas y hacerlas con las armonías. Eran fantásticas. Crecí con los Everly Brothers y sus armonías. Lo genial de las armonías de los Everly Brothers, a diferencia de las de otros, es que la armonía también era la principal, que es lo que nosotros también hacíamos. La armonía no añadía nada a la voz principal; eran ambas voces principales trabajando juntas. No era solo un adorno, era añadir otra dimensión. Igual que una orquesta o cualquier grupo musical. Puedes tomar cualquier parte que esté tocando la orquesta y hacer que destaque por sí sola. Puedes hacer que la armonía sea la línea principal, como una sección de saxofones». ^{[ 23 ]}

Lodge reflexionó además sobre la influencia de la música clásica en las composiciones del grupo: «Crecí en Birmingham y en mi colegio solían tener un rato de tranquilidad por la tarde, cuando ponían un disco de música clásica y lo escuchábamos. Birmingham tiene una de las mejores orquestas clásicas del mundo. Tenía ocho o nueve años entonces y nunca me paraba a pensar en lo que oía. Sin embargo, inconscientemente, las armonías de la música orquestal se me quedaban grabadas en la cabeza, porque cuando empecé a componer, eso fue lo que más me impactó. Siempre entendí cuáles eran las diferentes partes y qué hacían los distintos instrumentos y la orquesta. Podía oírlo en mi cabeza». ^{[ 24 ]} Dijo: «Y luego, cuando empezamos juntos en el 66, éramos cuatro los que cantábamos y me di cuenta de que las armonías que podíamos hacer eran solo armonías orquestales. Y a partir de ahí se desarrolló. Por supuesto, teníamos a Ray Thomas en la flauta, así que eso nos dio los instrumentos de viento-madera y luego, para las armonías, encontramos este Mellotron que era un intérprete de cuerdas. Así que, con armonías, cuerdas y flauta, se convirtió en algo orquestal, pero con una fuerza motriz basada en la batería y la guitarra eléctrica». ^{[ 25 ]}

"Visions of Paradise" y "Om" incluyen instrumentación india, como sitar y tabla . Hayward se sintió influenciado por George Harrison para explorar el sitar . Recuerda: "Había, en la parte alta de Tottenham Court Road , una tienda por la que había pasado, por la que había caminado, que tenía esas tablas y sitares. No estoy seguro de que nadie le prestara atención hasta que George nos lo hizo notar. Y entonces, de repente, nos permitieron explorarlo. Creo que George, en cierto modo, nos dio permiso. No quiero decir que llamara y dijera: 'Tienen mi permiso'. Sino que, como él acababa de estar allí, pensó: 'Oh, eso es tan interesante que tienen que descubrirlo'". Creo que la mayoría de los guitarristas exploran todo tipo de instrumentos de cuerda que pueden conseguir. En cuanto tuve algo de dinero, me interesé por los laúdes y luego me compré un contrabajo, que toqué en bastantes discos de los Moodies, un contrabajo grande. Probablemente todavía esté en el estudio de la ópera nacional. Así que un día fui a esa tienda con Mike, nos sentamos y yo toqué el sitar, y él tocó la tambora , que creo que es el nombre de ese instrumento de resonancia. Y pensamos: «Oh, esto es absolutamente brillante». Así que nos llevamos un montón de cosas, y fue un placer usarlas en un álbum. ^{[ 26 ]}

En las notas del álbum, el productor Tony Clarke describe poéticamente el entorno de las sesiones de grabación y la gran variedad de instrumentos utilizados:

¡Está tan oscuro como una tumba!, aparecen sombras de la nada, grandes brazos se extienden hacia la penumbra, y siniestras formas enroscadas acechan en cada rincón; incluso las paredes parecen contener la respiración. En lo alto, cerca del techo, una luz tenue proyecta un brillo inquietante sobre rostros vueltos hacia arriba y, a su alrededor, se escucha una música extraña.

De repente, una voz grita: "¡Genial!... ¡Venid a escuchar!"

Sí, un estudio de grabación puede ser un lugar muy extraño a las 4:30 de la mañana, especialmente si ha sido invadido por los Moody Blues.

El estudio de grabación parece un museo de instrumentos musicales, ya que en este álbum cada nota, ritmo o palabra es interpretada por los propios Moodies. Su versatilidad nunca deja de asombrarme de un álbum a otro; de hecho, para mí siempre serán la orquesta sinfónica más pequeña del mundo. ^{[ 18 ]}

Con el álbum, el grupo aspiraba a sacar el máximo provecho tanto de la amplia gama de instrumentos como de la tecnología de grabación estéreo de Decca. John Lodge recuerda: «Una vez que comprendimos completamente qué era el estéreo después de escuchar lo que otros hacían con él, decidimos que queríamos tener un panorama real para In Search of the Lost Chord, donde la música se presentara como una imagen completa. ¿Dónde estaría la pandereta? ¿Dónde estaría la guitarra acústica? ¿Debería estar al frente o atrás? ¿Deberíamos agregarle un poco de eco para que desapareciera? Trabajamos muy duro con esa mezcla estéreo para brindar una experiencia de sonido realmente completa, como si un satélite estuviera girando alrededor de tu cabeza». ^{[ 27 ]}

"The Best Way to Travel" utiliza los nuevos controles de paneo instalados en la consola de grabación de cuatro pistas hecha a medida de Decca Studios . El paneo crea la ilusión de que el sonido se mueve alrededor del oyente. ^{[ 28 ]}

Mike Pinder recordaba el espíritu innovador de las sesiones: "Tony Clarke, Derek Varnals y yo siempre intentábamos crear sonidos nuevos e innovadores. Un buen ejemplo de mis característicos efectos de Mellotron se encuentra en la canción de Ray Thomas, 'Legend of a Mind'. Usaba el control de velocidad de mi Mellotron para crear esos efectos, y aprovechábamos los efectos estéreo para que el sonido y el movimiento del Mellotron se desplazaran de un lado a otro, es decir, de izquierda a derecha y de derecha a izquierda. También usaba la reverberación para que el sonido se proyectara hacia adelante y hacia atrás en la pista. El oyente obtenía un sonido casi tridimensional, único para la época. Derek siempre hacía un trabajo maravilloso. Era innovador y talentoso. Él y Tony Clarke eran expertos en dirigir el proyecto. Todos estábamos muy comprometidos con nuestra música y fue toda una aventura. Nos divertimos mucho y nos reímos un montón. Todos trabajábamos muy duro. Teníamos libertad creativa y la suerte de poder probar cosas nuevas. Era nuestro paraíso musical." ^{[ 29 ]}

Lodge recordaba las sesiones con cariño: «Fue una época realmente emocionante, y el estudio era un lugar estupendo para crear. En aquellos tiempos, no se disponía de sistemas de grabación multipista tan potentes. Days Of Future Passed se grabó íntegramente en cuatro pistas. In Search Of The Lost Chord también se grabó en cuatro pistas, excepto "Ride My See-Saw", cuando apareció una grabadora de ocho pistas y la utilizamos. El proceso de grabación era bastante rápido en aquella época. Podías entrar en el estudio, sentarte todos juntos, componer una canción y grabarla. Fue una época fantástica estar de gira, y estábamos deseando volver al estudio para grabar un nuevo álbum». ^{[ 30 ]}

La portada del álbum presenta una ilustración de Phil Travers, quien diseñaría las portadas de los siguientes álbumes del grupo. ^{[ 8 ]} Travers relató: "Pasé dos años en Decca, trabajando en portadas de álbumes, luego conseguí un trabajo en una oficina de diseño en Wimbledon. Entonces me contactó alguien que conocía en Decca y me dijo que al mánager de los Moody Blues le había gustado una ilustración mía y quería que me reuniera con la banda para hablar sobre hacer la portada de su nuevo álbum. Me reuní con los Moody Blues en un pub de Londres y concretamos los detalles del encargo. La banda quería principalmente que ilustrara el concepto de meditación. Esto no era algo de lo que tuviera mucha experiencia personal, por lo que mis pensamientos iniciales sobre un tema tan etéreo fueron, desafortunadamente, insustanciales. No estaba produciendo ninguna idea visual coherente, y esta falta de ideas era evidente en mis primeros bocetos. Mientras escuchaba la música, el concepto para la portada me fue dado de una manera subliminal. El área de grabación y mezcla del estudio donde estaba sentado estaba separada del área donde la banda tocaría por una gran ventana de cristal y en este cristal podía ver varias imágenes de mí mismo, una encima de la otra, casi como si Estaba ascendiendo al espacio. Después de eso, todo encajó a la perfección." ^{[ 5 ] [ 31 ]} Dijo: "Pensé: 'Tengo que ser más práctico y lógico en mi enfoque'. Una vez que empecé a pensar así, las cosas empezaron a encajar y comencé a descomponer el problema en una especie de código visual. Recuerdo que en el último boceto a lápiz que le mostré a la banda, en lugar de la calavera, tenía un gran candado y una cadena que representaban los lazos físicos que todos tenemos. Sugirieron la calavera, que creo que decía algo similar, pero era una mejor imagen." ^{[ 32 ]}

In Search of the Lost Chord se publicó el 26 de julio de 1968. Alcanzó el puesto número 5 en la lista de álbumes del Reino Unido ^{[ 37 ]} y el número 23 en la lista Billboard 200. ^{[ 38 ]} De los dos sencillos del álbum, "Ride My See-Saw" llegó al número 42 en la lista de sencillos del Reino Unido y al número 61 en la lista Billboard de Estados Unidos , mientras que "Voices in the Sky" llegó al número 27 en el Reino Unido pero no logró entrar en las listas de Estados Unidos.

In Search of the Lost Chord fue remasterizado en SACD en marzo de 2006 y reempaquetado en una edición de lujo de 2 CD. Aunque los otros álbumes de Moody Blues lanzados en ediciones de lujo en 2006 presentaban su mezcla cuadrafónica original (codificada como sonido envolvente 5.1 ), In Search of the Lost Chord nunca se había lanzado en este formato, y una nueva mezcla no se lanzó hasta 2018 cuando se lanzó una mezcla 5.1 como parte de la caja del 50 aniversario. ^{[ 39 ]} En 2008, se publicó una remasterización para un solo CD de audio estándar con las nueve pistas adicionales. El relanzamiento corrige los problemas de calidad de las ediciones iniciales en CD del álbum. Justin Hayward explicó:

Había un par de cosas que sabía que habían digitalizado a toda prisa a principios de los 80, y bastante mal. Lo noté especialmente en « In Search of the Lost Chord» con el platillo ride de Graeme Edge. Al principio, simplemente supuse que no se había grabado bien hasta que volví a las cintas maestras originales y la escuché de nuevo. Y entonces pensé: «No, es preciosa». Me di cuenta de que habíamos pasado casi 30 años con una versión digital que no era muy buena, por la prisa de pasarla a ese formato. ^{[ 40 ]}

En noviembre de 2018, el álbum fue reeditado como una caja de lujo de cinco discos titulada In Search of the Lost Chord - 50th Anniversary Box Deluxe Edition .

Para promocionar el álbum, el grupo continuó dando conciertos por todo el Reino Unido. En agosto, el grupo viajó a Praga por invitación del gobierno de Alexander Dubček para tocar como uno de los primeros grupos de rock occidentales en la Checoslovaquia comunista . Antes de actuar, el grupo tuvo que ser escoltado fuera del país tras la invasión soviética . ^{[ 8 ]} Lodge recordó:

Era una época de cambios sociales y agitación, pero durante el mandato de Alexander Dubcek, todo se había vuelto mucho más relajado. Se oía música rock en el aeropuerto y no parecía que estuviéramos en un país bajo el Telón de Acero . Así que fuimos a dar el concierto, volvimos al hotel y el gerente nos dijo que necesitaba hablar con nosotros urgentemente. Nos explicó que los rusos habían invadido la ciudad y se habían apoderado del hotel, y que teníamos que irnos. «Un momento», dijimos. «Nosotros llegamos primero y les dimos los cupones de Thomas Cook para pagar nuestras habitaciones, ¡no nos vamos a ir a ninguna parte!». Pero pronto recapacitamos y nos marchamos. Finalmente, la única forma de salir del país fue colarnos en un vuelo de Pakistan Airlines de la Media Luna Roja , que es como estar en una misión de la Cruz Roja . Llegamos al país como estrellas de rock y nos fuimos en la parte trasera de un avión de ayuda de emergencia de la Media Luna Roja; fue un baño de realidad. ^{[ 2 ]}

En octubre, se embarcaron en su primera gira estadounidense. El promotor de conciertos Bill Graham los invitó a tocar en el Fillmore y el Fillmore East . Lodge relató: "En el 68, Bill Graham nos invitó a tocar en dos conciertos en Estados Unidos. Los locales estaban bastante lejos el uno del otro y los conciertos se realizaban con diez semanas de diferencia, así que recorrimos Estados Unidos tocando con bandas como Canned Heat , Jefferson Airplane y Poco ". ^{[ 41 ]} Hayward dijo: "Tuvimos mucha suerte de que Bill Graham nos ofreciera esos dos conciertos en el Fillmore East y el Fillmore West. Luego tuvimos un agente que nos consiguió muchos conciertos en clubes psicodélicos y después la gira con Canned Heat. Nos enseñaron Estados Unidos... en un autobús escolar (risas), pero aun así lo vimos. Fuimos de sur a norte, desde el sur hasta Canadá". ^{[ 42 ]} Lodge dijo: «Fue una experiencia increíble. No creo que nadie pueda volver a vivir algo así, porque Estados Unidos en los años 60 era muy diferente a cualquier otro lugar del mundo. Los coches eran enormes, las autopistas eran enormes, los edificios eran enormes, ¡y los McDonald's también! Fue una época musical increíble porque fuimos al Fillmore East , al Fillmore West y al Shrine de Los Ángeles. Así que estábamos en un lugar completamente distinto. Fue maravilloso ver a todas esas bandas tocar. Iba por todas partes mirando a las bandas, disfrutando de la música, viendo a gente como Canned Heat. Fue una época extraordinaria». ^{[ 30 ]} Hayward relató el impacto duradero que tuvo su primera gira estadounidense en el éxito de la banda: «Somos muy populares en las zonas industriales y obreras de Estados Unidos. Curiosamente, son todos los lugares a los que fuimos cuando teloneamos a Canned Heat en el 68. Fueron geniales con nosotros, pero su público era de este tipo de lugares, como el Medio Oeste, y ese ha sido nuestro territorio desde entonces. Y estoy muy contento, porque hay un amor genuino por la música». ^{[ 21 ]}

En la edición especial clásica de Q and Mojo , Pink Floyd & The Story of Prog Rock , el álbum fue ubicado en el puesto número 37 de su lista de "40 álbumes de rock cósmico". ^{[ 43 ]}

Fuentes: ^{[ 19 ]}

• En busca del acorde perdido en Discogs (lista de lanzamientos)