Hispanopedia WikiLee Bul ( coreano : 이불; 李昢; nacida en 1964) es una artista surcoreana que trabaja en varios medios, incluidos la performance , la escultura , la instalación , la arquitectura y el arte multimedia . Como han observado comisarios como Stephanie Rosenthal e historiadores del arte como Yeon Shim Chung, la obra de arte de Lee Bul está determinada tanto por su contexto sociopolítico como por sus experiencias personales. [1] Sus obras han abordado temas relacionados con la arquitectura, la tecnología , el género , la historia y la memoria . Lee vive y trabaja en Seúl .
Biografía
Lee Bul nació el 25 de enero de 1964 en Yeongju , Gyeongsangbuk-do, Corea del Sur . Criada por padres políticamente activos mientras su país estaba bajo el gobierno de Park Chung Hee , cuando era niña Lee fue testigo de una sociedad que cambiaba drásticamente desde sus márgenes, donde ella y su familia se desarraigaron y se reubicaron repetidamente. [1]
La mayoría de edad de Lee como artista a finales de la década de 1980 coincidió con un período significativo en el desarrollo de Corea del Sur en términos de democracia, modernización y crecimiento económico. [1] Inicialmente se sintió atraída por trabajar con el arte porque los campos creativos eran una de las pocas posibilidades abiertas a los hijos de los disidentes. [2] El historiador de arte Yeon Shim Chung ha argumentado que la trayectoria artística de Lee divergió en una etapa temprana de las rutas artísticas frecuentemente transitadas de su tiempo. [1] Lee recibió una licenciatura en Bellas Artes en escultura [3] de la Universidad Hongik , Seúl en 1987, recibiendo su formación artística en un momento en que Minjung Misul -literalmente "Arte del Pueblo"- planteaba un desafío al dominio del arte académico y el minimalismo . [1] El año en que se graduó de la escuela de arte también fue el año en que Corea del Sur se declaró una democracia y comenzó a implementar reformas políticas y económicas. [4] Como escribe la curadora Mami Kataoka, “con el país en su conjunto agonizando sobre qué forma debería adoptar su nueva sociedad, no es difícil imaginar a Lee Bul luchando con todo tipo de ideas [...] sobre la forma que debería adoptar la sociedad, dudas y rechazo a la dictadura militar, ideas sobre la realidad del sistema social y el futuro incierto”. [1] Cuando Lee se embarcó en su propia práctica artística independiente, rechazó la estética realista y popular abiertamente socialista de los artistas Minjung, al tiempo que se alejaba radicalmente de los materiales fríos y duros que fundamentaron su formación en escultura (a saber, madera, piedra y metal). [5] Su obra recibió su primer reconocimiento internacional generalizado con la serie Majestic Splendor (1991), que se exhibió en el Museo de Arte Moderno en 1997 y en la Bienal de Lyon de Harald Szeemann al año siguiente. [5] En 1999, Szeemann invitó a Lee a participar en la 48ª Bienal de Venecia , donde recibió una Mención Honorífica por su contribución al Pabellón Internacional y su exposición en el Pabellón de Corea. [6] [7]
Práctica
Trabajos tempranos y desempeño
La obra de Lee Bul de finales de los años 1980 y principios de los años 1990 utilizó la performance para explorar la relación entre el cuerpo y la sociedad en Corea del Sur en ese momento. [8] En busca de una manera de expresar su estado de ser por un lado, y el estado de la sociedad por el otro, creó obras poderosamente viscerales y acciones de tipo guerrillero, varias de las cuales exploraron críticamente la política de género y el orden patriarcal en la sociedad coreana. [9] Sus primeras performances combinaron aspectos de la artesanía con las contingencias de las circunstancias y el tiempo. [10]
Perdón por el sufrimiento—¿Crees que soy un cachorro en un picnic?
La obra de performance Sorry for Suffering se llevó a cabo durante 12 días consecutivos en 1990. [2] Lee comenzó su intervención pública en el aeropuerto de Gimpo, luciendo una escultura blanda que se asemejaba a un cuerpo al revés. Durante los días siguientes, continuó la actuación en varios lugares, y las respuestas de los espectadores se convirtieron en una parte integral de su actuación. [11] Lee vagó por espacios públicos con la escultura blanda de múltiples miembros, realizando intervenciones performativas en lugares como puertas de aeropuertos, santuarios, campus universitarios y palacios imperiales. El historiador de arte Ayoung Kim describe la obra como "un intento de expandir las fronteras de la práctica artística al escapar de las formas tradicionales en las que las esculturas han ocupado el espacio, así como al infundir elementos teatrales en su trabajo, como la sátira, el simbolismo y la temporalidad". [11] El subtítulo de esta obra ¿Crees que soy un cachorro en un picnic? es una cita del poema Nacer de nuevo (1981) de la poeta feminista coreana Choi Seung-ja . [11]
Aborto provocado(1989)
A lo largo de una actuación de dos horas en el Centro de Arte Dongsoong en Seúl, Lee colgó boca abajo de un arnés de escalada y contó la experiencia de un aborto intercalada con poesía, una parodia de Cristo en la cruz y referencias a canciones pop. [12] Al explorar un tema extremadamente tabú en Corea del Sur, la estructura de la actuación de Lee "oscurece la distinción entre lo privado y lo público, lo personal y lo político, lo real y lo artificial". [12] El aborto no tuvo un final predeterminado y terminó cuando los miembros de la audiencia ya no pudieron soportar seguir viendo al artista retorcerse de dolor físico. [1]
Antojos
Cravings es un ejemplo del trabajo performativo de Lee con esculturas blandas. Lee creó trajes de cuerpo entero confeccionados con tela cosida y relleno de fibra para exagerar y distorsionar la anatomía del usuario. Intrincadamente adornados con lentejuelas y cuentas baratas, cada pieza presentaba apéndices exagerados y grotescos que se asemejaban a brazos, piernas, tentáculos y colas. [13] La obra de arte incluye a los artistas realizando movimientos lentos improvisados, amplificados por micrófonos ocultos que resaltan su respiración agitada. [13] Cravings cuestiona la estabilidad de conceptos como lo real y lo artificial, ilustrando cómo la tecnología difumina estos límites y transforma las expresiones humanas en experiencias alienantes. [13]
Esplendor majestuoso
Una obra que se ha exhibido globalmente en múltiples iteraciones, Lee presentó por primera vez Majestic Splendor en 1991 en Seúl. [14] La instalación presenta peces muertos reales decorados con lentejuelas, cuentas y otros elementos pequeños y brillantes, que se colocan en bolsas de plástico y se fijan a la pared de la galería en un patrón de cuadrícula. [15] Con el tiempo, la obra emite un olor pútrido. En 1997, durante la exposición Projects en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Majestic Splendor fue retirado de la exposición debido a su hedor. [16] Como señala el historiador de arte Yeon Shim Chung, Majestic Splendor opera en múltiples niveles, al mismo tiempo que "implica el cuerpo individual y la política de la sociedad coreana". [17] Los peces son un motivo popular en las tradiciones artísticas coreanas tanto religiosas como seculares. [18] En Majestic Splendor, Lee incorpora el besugo, conocido como domi en coreano , que está asociado con un famoso cuento popular coreano. Según el relato, la legendaria heroína se suicidó para proteger su virtud, en lugar de sucumbir a los avances de un rey lujurioso. [18] Chung escribe que la obra de Lee Bul "reconoce esta connotación popular, pero su obra revierte ese énfasis en la castidad femenina por absurdo y perturbador". [18] Las lentejuelas, un material prolífico de la industria textil de Corea, también tienen fuertes connotaciones personales y sociales para la artista. La madre de Lee, a quien se le prohibió el empleo tradicional debido a sus actividades políticas, trabajaba decorando bolsos y otros accesorios, [18] que rodearon a la artista durante su infancia. La obra hace alusiones más amplias a la noción de trabajo de género. Como escribe Chung, “Simbolizando la vanidad y la fantasía femeninas, [las lentejuelas] también dan testimonio de las innumerables mujeres que trabajaron en la industria textil fabricando bolsos y carteras con lentejuelas en la década de 1970 [...] los materiales brillantes que adornan los peces de Lee Bul invocan directamente una miríada de cuestiones de género y clase, particularmente relacionadas con la compleja dinámica de poder que existe entre las productoras y las consumidoras”. [18]
Serie de monumentos
Entre 1996 y 1999, Lee completó tres instalaciones de técnica mixta que incorporan fotografías de la artista en formas inflables de gran escala. En estas obras participativas, los espectadores podían inflar el globo monumental de gran tamaño mediante una red de tubos y bombas de pie. Una de estas obras, titulada I Need You (Monument) (1996), se infla hasta formar un globo de 39 pies que revela a la propia artista como "una especie de amalgama de imágenes estereotipadas de mujeres asiáticas, punk y geisha". [19] Si bien un monumento suele estar hecho para resistir la prueba del tiempo, el monumento de Lee es suave, vulnerable y efímero.
Como escribe el historiador de arte Michaël Amy: “Lee examina acertadamente el ideal exótico y oriental tal como cree que lo interpreta el hombre occidental: su deseo inicial de ser seducido es rápidamente reemplazado por el impulso de conquistar y poseer”. [20]
Ciborg/Anagrama
A mediados de los años 90, Lee Bul comenzó su serie Cyborg , alejándose de las obras centradas en la performance y volviendo a la escultura principalmente tridimensional. [1] Las obras se exhibieron por primera vez en el Centro Artsonje en Seúl, Corea, en 1998. Estas figuras de silicona robóticas y sexualizadas hacen referencia a la larga historia de la figuración de la forma humana, desde la escultura clásica de la antigua Grecia y Roma hasta la representación contemporánea en el manga y el cine. Sus formas fragmentadas y suspendidas fusionan partes biológicas y mecánicas, cuestionando las nociones de perfección e integridad. El uso del blanco invoca arquetipos clásicos y heroicos y otorga a las esculturas un carácter virtuoso. Como escribe la curadora Stephanie Rosenthal, “cada obra de esta serie está incompleta de alguna manera: la falta de cabezas o extremidades sugiere que estas figuras 'perfectas' aún podrían estar en proceso de transformación”. [1]
El trabajo de Lee de finales de los años 1990, incluidas las series Monster y Anagram , refleja los miedos biotecnológicos con formas amorfas y texturizadas que evocan temas de horror y ciencia ficción como la decadencia, el artificio y la trascendencia de la carne. Según Rosenthal, estas series funcionan como "doppelgängers" de los Cyborgs de Lee y los completan, [21] ya que un monstruo solo puede considerarse monstruoso en relación con algo que encarna la noción de perfectibilidad como el cyborg. [22] Esta serie de esculturas y dibujos biomórficos representan formas híbridas que son parte máquina, planta y animal. La serie Anagram toma su nombre del término inglés para cambiar el orden de las letras en una palabra para formar una nueva palabra, [23] una operación que es paralela a la reconfiguración de las partes del cuerpo de los cyborgs. A través de sus obras Cyborg y Anagram , Lee Bul investiga la inestabilidad de la identidad humana, el atractivo y el temor del avance tecnológico y la búsqueda continua de la perfección más allá de las limitaciones naturales. En la práctica de Lee, los cyborgs y los monstruos funcionan como metáforas poderosamente ambivalentes; “cifras de resistencia contra las limitaciones tradicionales del género, el feminismo, la raza, la ciencia y la política”. [24]
Vive por siempre
Live Forever es una instalación multimedia exhibida por primera vez en 2001. La obra presenta cápsulas de karaoke futuristas similares a naves espaciales que, según Wenny Teo, evocan la estética aerodinámica de 2001 : Una odisea del espacio de Stanley Kubrick y crean un ambiente íntimo y aislado para el participante. [25] Las cápsulas blancas están hechas de fibra de vidrio y el interior está equipado con espuma acústica, tapicería de cuero, un monitor LCD, un micrófono y auriculares. [26] Se invita a los visitantes a ingresar a las cápsulas uno por uno, donde pueden cantar canciones de karaoke en soledad. La obra pretende crear una experiencia ambivalente de desplazamiento sensorial y psicológico. [27] Además de las cápsulas de karaoke, Live Forever consistió en una nueva obra de video que se filmó en Tonga Room , un salón de temática Tiki en el histórico Fairmont Hotel en San Francisco. [27] El venerable bar del hotel incluye una laguna artificial, lluvia simulada de aspersores y sirve cócteles tradicionales polinesios. Como el karaoke, evoca una sensación de nostalgia y kitsch. [28] [29] El video de Lee de la Sala Tonga, que fue producido con la ayuda del Instituto de Arte de San Francisco , se proyecta tanto fuera como dentro de la cápsula, mientras que la letra de la canción seleccionada por el visitante se superpone al video. Como escribe el estudioso de cine Akira Mizuta Lippit, [30] “ Live Forever está vinculado a temas de nostalgia y el deseo humano de experiencias auténticas en una cultura cada vez más dominada por realidades virtuales”. Para el visitante dentro de la cápsula que usa los auriculares, Live Forever es una experiencia solitaria: solo ellos pueden escuchar su canto, que se convierte en un bucle de retroalimentación muy distorsionado. Como señala la curadora Clara Kim, para quienes están dentro de la cápsula, “el futuro y el pasado se cruzan”. [31]
Mi gran recitado
Iniciada en 2005, la serie Mon grand récit es una colección diversa de instalaciones inmersivas, dibujos y esculturas que exploran meditaciones literarias, filosóficas y arquitectónicas sobre la utopía y la distopía , la ficción estatal y la realidad social. [32] El título Mon grand récit , que se traduce como "mi gran narrativa", refleja el compromiso de Lee con la crítica de Jean-Francois Lyotard de las narrativas generales de la modernidad. Al anteponer "mon" o "my", Lee enfatiza una conexión personal con la historia, invitando a los espectadores a reconsiderar los constructos sociales y sus implicaciones para el futuro. [33] Estas instalaciones a gran escala narran los mundos de ensueño y las catástrofes del deseo utópico utilizando materiales como vidrio, acrílico, poliuretano, acero y otros metales, luces LED, cadenas y cables. En el centro de la serie se encuentra una obra titulada Weep into stones ..., donde formaciones luminosas de piedra caliza, influenciadas por visiones arquitectónicas futuristas, se yuxtaponen con rejillas suspendidas y réplicas a escala reducida de estructuras icónicas como el Monumento a la Tercera Internacional de Vladimir Tatlin . [34] Las obras incluidas bajo el paraguas de Mon grand récit exploran ampliamente cómo las aspiraciones utópicas emergen en formas arquitectónicas. Lee mezcla otras referencias fragmentadas en estas obras: algunas son ficciones, mientras que otras son recuerdos e imaginaciones privadas. Al carecer de una estructura temporal general, estos diferentes elementos se desprenden del tiempo histórico y chocan entre sí. [35] Como escribe el curador Jonathan Watkins, “Este es [...] un mundo desorganizado, fragmentado y fracturado. Sugiere posibilidades en un esquema modernista de cosas, un paradigma que domina nuestro siglo XX, sólo para socavarlas”. [36]
Mon grand récit articula un diálogo crítico entre visiones pasadas del progreso e incertidumbres contemporáneas, resonando con temas de fugacidad y metamorfosis a través de paisajes culturales e históricos. La serie tiende a evitar eventos famosos, eligiendo en cambio abordar puntos de inflexión desde ángulos oblicuos, a través de figuras o eventos concretos pero de alguna manera marginales o secundarios. [35] Algunas de las obras de la serie Aubade (2007), cuyo diseño recuerda a las torres de agua y radio construidas por el ingeniero y arquitecto ruso Vladimir Shukhov , incluyen letreros de neón que deletrean varios términos relacionados con teorías utópicas y modernización. [37] Todos los términos están en esperanto, el idioma desarrollado en la década de 1880 por el lingüista polaco Ludoviko Zamenhof con el objetivo de lograr la paz mundial a través de un idioma universal. En varias otras obras asociadas con Mon grand récit, Lee incorpora superficies reflectantes para impartir una sensación de inestabilidad. Bunker (M. Bakhtin) (2007/2012) está formada por una montaña toscamente tallada que suele instalarse sobre una superficie negra muy brillante, que recuerda a una isla a la deriva en un mar reflectante. Los espectadores pueden acceder al interior de la obra, que parece una cueva, a través de una gran fisura. Bunker (M. Bakhtin) hace referencia a Yi Gu, el último descendiente de la dinastía Joseon, a quien Park Chung-hee llamó de regreso a Corea tras una prometedora carrera de arquitectura en Nueva York para conseguir apoyo popular para su gobierno. Como escribe Mami Kataoka: “Al entrar en la grieta de la roca negra, uno puede experimentar un espacio donde la memoria y la realidad se entremezclan, donde los sonidos de los lugares asociados con Yi Gu y los sonidos de los pasos de los visitantes se funden entre sí”. Aunque Mon grand récit parece marcar un cambio en la práctica de Lee Bul, alejándose del cuerpo y acercándose a la arquitectura, el paisaje y la historia de la modernidad, [38] Lippit sostiene que “el giro de Lee hacia la historia es menos un alejamiento de su enfoque anterior en los cuerpos, que el duelo interminable por los cuerpos que forman y deforman su obra”. [39]
Perdido
La serie Perdu , que comenzó en 2016, continúa la exploración de Lee de temas como la utopía, la distopía y la condición humana. La serie se inspira en los dibujos preparatorios de Lee para las esculturas de Cyborg , evidentes en la fusión de formas orgánicas con formas híbridas y humanoides. [40]
Las obras se caracterizan por su intrincada amalgama de materiales orgánicos e industriales. Lee emplea materiales como nácar, laca, madera y pintura acrílica, elaborando meticulosamente cada pieza para evocar tanto fragilidad como resiliencia. El título de la serie, Perdu , que en francés significa "perdido", alude a la naturaleza esquiva de la perfección y a la búsqueda continua de un ideal inalcanzable. [41]
Premios y honores
Lee Bul es la ganadora del 9º Premio de Arte Ruth Baumgarte. [42] En 2022, recibió un Doctorado Honoris Causa en Bellas Artes de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago . [43] Fue galardonada con el Premio Ho-Am de las Artes en 2019, [44] la Orden de las Artes y las Letras del Ministerio de Cultura de Francia en 2016, [45] y el Premio Noon en la 10ª Bienal de Gwangju en 2014. [46]
En 1998, Lee fue seleccionado como uno de los seis artistas preseleccionados, incluidos Huang Yong Ping , William Kentridge , Pipilotti Rist , Lorna Simpson y el ganador, Douglas Gordon , para el Premio Hugo Boss . [47]
Exposiciones
Lee ha realizado exposiciones individuales en todo el mundo, entre ellas Live Forever , que recorrió el New Museum of Contemporary Art de Nueva York y The Power Plant en Toronto. Fue seleccionada como finalista del Premio Hugo Boss de 1998 por el Museo Guggenheim de Nueva York.
Otros museos que han presentado exposiciones de su obra incluyen la Fondation Cartier, París ; Domus Artium, Salamanca; Museum of Contemporary Art, Sydney ; Japan Foundation, Tokio; MAC, Musée d'Art Contemporain, Marsella; Le Consortium ; Fabric Workshop and Museum, Filadelfia ; Kunsthalle Bern, Suiza ; y el Museum of Modern Art, Nueva York.
Su exposición de dos personas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, titulada Projects 57, Bul Lee, Matsui Chie, se realizó en 1996. Bul Lee y Matsui Chie fueron presentadas como artistas femeninas de vanguardia que usaban el arte de instalación para desafiar las normas sociales. [48]
En marzo de 2010, el Museo Hara ARC inauguró una instalación permanente de Lee Bul titulada Una anatomía fragmentaria de cada puesta de sol . En febrero de 2012, el Museo de Arte Mori de Tokio montó una exposición retrospectiva de la mitad de su carrera, la mayor exposición del artista hasta la fecha. [49]
La recién reabierta Hayward Gallery del Southbank Centre albergó una muestra de la obra de Lee a partir de finales de mayo de 2018, su primera en Londres, que explora la extensa investigación de la artista sobre el cuerpo y su relación con el espacio arquitectónico. Esta exposición, que ocupa toda la galería, incluye documentación de sus primeras performances, obras escultóricas de las icónicas series Monster, Cyborg y Anagram e instalaciones inmersivas recientes, así como una selección de los dibujos de estudio de la artista. [50] [51]
En noviembre de 2020 se inauguró una exposición de la obra del artista en la Sala Central de Exposiciones Manege de San Petersburgo, "lo que marca un encuentro por primera vez entre las obras de Lee Bul y las de los artistas de la vanguardia rusa que las influenciaron". [52]
El Museo Metropolitano de Arte (Met) de Nueva York anunció en noviembre de 2023 que se instalarán cuatro nuevas esculturas de Lee en su fachada de la Quinta Avenida. Titulada The Genesis Facade Commission: Lee Bul, Long Tail Halo, la comisión representa el primer gran proyecto de Lee en los Estados Unidos desde su exposición individual de 2002 en el New Museum . [53] Las obras estarán en exhibición desde el 12 de septiembre de 2024 hasta el 27 de mayo de 2025. [54]
Exposiciones individuales
2024
Comisión de la fachada de Genesis: Lee Bul, Long Tail Halo, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Lee Bul: Grabados, BB&M, Seúl 2023
2023
Lee Bul: Impresiones, STPI, Singapur
Lee Bul, Museo de Arte Sara Hilden, Tampere, Finlandia
Lee Bul, BB&M, Seúl
Lee Bul, Thaddaeus Ropac, Londres
Lee Bul, Museo de Arte de Gotemburgo, Suecia 2022
2022
Lee Bul, Thaddaeus Ropac, París 2021
2021
Lee Bul: Obras nuevas y seleccionadas, BB&M, Seúl
Lee Bul: El comienzo, Museo de Arte de Seúl
Recombinación, Lehmann Maupin, Nueva York 2020
2020
Utopía salvada, Sala de exposiciones central Manege, San Petersburgo, Rusia, 2019
2019
Interludio: Perdu, Lehmann Maupin, Nueva York
Lee Bul: Ciudad del Sol, Museo de Arte SCAD, Savannah, Georgia, 2018
2018
Lee Bul: Crash, Gropius Bau, Berlín
Lee Bul: Crashing, Hayward Gallery, Londres, 2017
2017
Después de Bruno Taut, Thaddaeus Ropac, Londres
Lee Bul, Lehmann Maupin, Nueva York
2016
Conecta 1: Still Acts, Centro Art Sonje, Seúl
2015
Lee Bul, Galería de Arte de Vancouver
Lee Bul: Aubade III, Palacio de Tokio, París
Lee Bul, Galería PKM, Seúl
Lee Bul, Espai d'Art Contemporani de Castelló, España
Lee Bul: Into Lattice Sun, Swarovski Kristallwelten, Wattens, Austria
Lee Bul, Musée d'art Moderne et Contemporain de Saint-Etienne Métropole, Francia 2014
2014
Serie de automóviles Hyundai MMCA 2014: Lee Bul, Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, Seúl
Lee Bul, Centro Cultural Coreano del Reino Unido, Londres
Lee Bul, Ikon Gallery, Birmingham, Reino Unido
Lee Bul, Lehmann Maupin, Nueva York 2013
2013
Lee Bul, Museo de Arte Moderno Grand-Duc Jean, Luxemburgo
Sol puro e invisible, Thaddaeus Ropac, París
Lee Bul: Exposición inaugural en Hong Kong, Lehmann Maupin, Hong Kong 2012
2012
Lee Bul, Centro Art Sonje, Seúl
Lee Bul: De mí, te pertenece sólo a ti, Museo de Arte Mori, Tokio
2010
Lee Bul, Galería PKM Trinity, Seúl
Lee Bul, Lehmann Maupin, Nueva York
Dibujos de 2009, Thaddaeus Ropac, París
2008
Lee Bul, Galería PKM Trinity, Seúl
Lee Bul, Lehmann Maupin, Nueva York 2007
2007
Lee Bul: Sobre cada nueva sombra, Fundación Cartier para el arte contemporáneo, París
Lee Bul, Thaddaeus Ropac, Salzburg
Lee Bul, Galería PKM, Seúl
Lee Bul: Aseptia, Domus Artium 02, Salamanca, España 2005
2005
Lee Bul -T2-, SCAI The Bathhouse, Tokio
Lee Bul: Artista residente internacional 2005, Galería de arte Govett-Brewster, Nueva Plymouth, Nueva Zelanda 2004
2004
Lee Bul, Museo de Arte Contemporáneo, Sídney
Lee Bul, Galería PKM, Seúl
Lee Bul: Monstruos, Deitch Projects, Nueva York 2003
2003
Lee Bul: Vivir para siempre, Galería de arte Henry, Seattle
Lee Bul: The Monster Show, Centro de Arte Contemporáneo, Glasgow
Lee Bul: Theatrum Orbis Terrarum, Museo de Arte Ohara, Kurashiki, Japón
Lee Bul: Theatrum Orbis Terrarum, Fundación Japón, Tokio
Lee Bul: Live Forever, Museo de Arte Contemporáneo de Scottsdale, Arizona
2002
Lee Bul: Vivir para siempre, The Power Plant, Toronto
Lee Bul: The Monster Show, Museos de Arte Contemporáneo de Marsella
Lee Bul: Vivir para siempre, Galería Jean Paul Slusser, Ann Arbor, Michigan
Lee Bul: Live Forever, Nuevo Museo de Arte Contemporáneo, Nueva York
Lee Bul: The Monster Show, Museo del Consorcio, Dijon, Francia
Dibujos de Lee Bul: Cuerpo cultural, Galería PKM, Seúl
Lee Bul, Galería Rodin, Museo de Arte Samsung, Seúl
Lee Bul: Vivir para siempre, Museo de Arte del Condado de Orange, Newport Beach, California, 2001
2001
Lee Bul: Live Forever, Taller y Museo de Telas, Filadelfia
Lee Bul: Cyborgs, SCAI, la casa de baños de Tokio
Lee Bul: Vivir para siempre, Instituto de Arte de San Francisco
Lee Bul: La concha divina, Fundación BAWAG, Viena 2000
2000
Lee Bul: Monster + Cyborg, Museo de Arte Asiático de Fukuoka, Japón
Barroco futurista, Galería Kukje, Seúl, 1999
1999
Lee Bul, Noh Sang-Kyoon, Pabellón de Corea, 48ª Bienal de Venecia
Lee Bul, Kunsthalle Berna, Suiza 1998
1998
Lee Bul, Centro Art Sonje, Seúl 1997
1997
Proyectos, Museo de Arte Moderno, Nueva York 1994
1994
Sin perdón, un espacio, Toronto 1988
1988
Paso a paso, eso es, IL Gallery, Seúl
Referencias
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- ^ Kataoka, Mami y Hitomi Sasaki, eds. LEE BUL: De mí, te pertenece sólo a ti. Tokio: Museo de Arte Mori, 2012.
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- ^ En una entrevista con Franck Gautherot, Lee Bul dice: "A nivel conceptual, las primeras performances combinaban aspectos de la artesanía con las contingencias de las circunstancias y el tiempo". Gautherot, Franck, "Supernova in Karaoke Land", Flash Art International no. 217, marzo-abril de 2001, Milán.
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- ^ Park Yuna, “Las primeras 'esculturas blandas' de Lee Bul, representaciones presentadas en Seúl”, The Korea Herald. 6 de marzo de 2021: https://www.koreaherald.com/view.php?ud=20210304000878 (consultado el 19 de junio de 2024)
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- ^ https://www.nytimes.com/2002/06/14/arts/art-review-lee-bul-live-forever.html
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- ^ En una entrevista con Lee Bul, la curadora Clara Kim dice: “Es una paradoja interesante porque el viaje espacial se trata de avanzar en el tiempo, mientras que cantar karaoke, cantar canciones pop de nuestro pasado colectivo o personal, se trata de retroceder [...] Para la persona en la cápsula que experimenta la obra, el futuro y el pasado se cruzan”. Véase Clara Kim, “Entrevista con Lee Bul”, en Lee Bul: Live Forever, Act One , San Francisco Art Institute, 2001.
- ^ Wenny Teo, “Lee Bul”, ArtReview Asia , 1 de junio de 2018: https://artreview.com/aw-2014-ara-feature-lee-bul/ (último acceso el 18 de junio de 2024)
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Enlaces externos
- Estudio de Lee Bul
- BB&M, Seúl