Jean-Auguste-Dominique Ingres

Jean-Auguste-Dominique Ingres ( / ˈ æ ŋ ɡ r ə / ANG -grə ; Francés: [ ʒɑ̃ oɡyst dɔminik ɛ̃ɡʁ ] ; 29 de agosto de 1780 – 14 de enero de 1867) fue un pintor neoclásico francés . Ingres estuvo profundamente influenciado por las tradiciones artísticas del pasado y aspiró a convertirse en el guardián de la ortodoxia académica frente al estilo romántico en ascenso . Aunque se consideraba un pintor de la historia en la tradición de Nicolas Poussin y Jacques-Louis David , son sus retratos , tanto pintados como dibujados, los que se reconocen como su mayor legado. Sus expresivas distorsiones de la forma y el espacio lo convirtieron en un importante precursor del arte moderno , influyendo en Henri Matisse , Pablo Picasso y otros modernistas. 

Nacido en el seno de una familia modesta en Montauban , viajó a París para estudiar en el taller de David . En 1802 debutó en el Salón y ganó el Premio de Roma por su cuadro Los embajadores de Agamenón en la tienda de Aquiles . Para cuando partió en 1806 hacia Roma para su residencia artística, su estilo —que revelaba su profundo estudio de los maestros del Renacimiento italiano y flamenco— estaba plenamente desarrollado y apenas cambiaría durante el resto de su vida. Mientras trabajaba en Roma y posteriormente en Florencia, entre 1806 y 1824, enviaba regularmente cuadros al Salón de París, donde la crítica los criticaba por considerar su estilo extraño y arcaico. Recibió pocos encargos durante este periodo para las pinturas históricas que aspiraba a pintar, pero pudo mantenerse a sí mismo y a su esposa como retratista y dibujante.

Finalmente, fue reconocido en el Salón de 1824 , cuando su pintura de estilo rafaelés , El voto de Luis XIII , fue aclamada, e Ingres fue reconocido como el líder de la escuela neoclásica en Francia. Si bien los ingresos por encargos de pinturas históricas le permitieron pintar menos retratos, su Retrato de Monsieur Bertin marcó su siguiente éxito popular en 1833. Al año siguiente, su indignación por las duras críticas a su ambiciosa composición El martirio de San Sinforiano lo llevó a regresar a Italia, donde asumió la dirección de la Academia Francesa en Roma en 1835. Regresó a París definitivamente en 1841. En sus últimos años pintó nuevas versiones de muchas de sus composiciones anteriores, una serie de diseños para vidrieras, varios retratos importantes de mujeres y El baño turco , la última de sus varias pinturas orientalistas del desnudo femenino, que terminó a la edad de 83 años.

Ingres nació en Montauban , Tarn-et-Garonne , Francia, el primero de siete hijos (cinco de los cuales sobrevivieron a la infancia) de Jean-Marie-Joseph Ingres (1755-1814) y su esposa Anne Moulet (1758-1817). Su padre era un exitoso artista polifacético: pintor de miniaturas , escultor, cantero decorativo y músico aficionado; su madre era la hija casi analfabeta de un maestro peluquero. ^{[ 1 ]} De su padre, el joven Ingres recibió desde temprana edad estímulo e instrucción en dibujo y música, y su primer dibujo conocido, un estudio basado en un molde antiguo, fue realizado en 1789. ^{[ 2 ]} A partir de 1786, asistió a la escuela local École des Frères de l'Éducation Chrétienne, pero su educación se vio interrumpida por la agitación de la Revolución Francesa , y el cierre de la escuela en 1791 marcó el fin de su educación convencional. La deficiencia en su escolarización siempre sería para él una fuente de inseguridad. ^{[ 3 ]}

En 1791, Joseph Ingres llevó a su hijo a Toulouse , donde el joven Jean-Auguste-Dominique se matriculó en la Académie Royale de Peinture, Sculpture et Architecture. Allí estudió con el escultor Jean-Pierre Vigan, el paisajista Jean Briant y el pintor neoclásico Guillaume-Joseph Roques . La veneración de Roques por Rafael influyó decisivamente en el joven artista. ^{[ 4 ]} Ingres ganó premios en varias disciplinas, como composición, «figura y antigüedad» y estudios del natural. ^{[ 5 ]} Su talento musical se desarrolló bajo la tutela del violinista Lejeune, y desde los trece hasta los dieciséis años tocó el segundo violín en la Orchestre du Capitole de Toulouse. ^{[ 5 ]}

Desde temprana edad, estaba decidido a ser pintor de historia, lo que, en la jerarquía de géneros establecida por la Real Academia de Pintura y Escultura bajo el reinado de Luis XIV, y que se mantuvo hasta bien entrado el siglo XIX, se consideraba el nivel más alto de la pintura. No quería simplemente hacer retratos o ilustraciones de la vida real como su padre; quería representar a los héroes de la religión, la historia y la mitología, idealizarlos y mostrarlos de manera que explicaran sus acciones, rivalizando con las mejores obras de la literatura y la filosofía. ^{[ 6 ]}

En marzo de 1797, la Academia otorgó a Ingres el primer premio de dibujo, y en agosto viajó a París para estudiar en el taller de Jacques-Louis David , el pintor más importante de Francia —y de Europa— durante el período revolucionario, en cuyo taller permaneció durante cuatro años. Ingres siguió el ejemplo neoclásico de su maestro. ^{[ 7 ]} En 1797, David trabajaba en su enorme obra maestra, La intervención de las sabinas , y gradualmente modificaba su estilo, alejándose de los modelos romanos de realismo riguroso para adoptar los ideales de pureza, virtud y sencillez del arte griego. ^{[ 8 ]}

Otro de los alumnos de David, Étienne-Jean Delécluze , quien más tarde se convirtió en crítico de arte, describió a Ingres como estudiante:

Se distinguía no solo por la franqueza de su carácter y su disposición a trabajar solo... era uno de los más estudiosos... participaba poco en todas las turbulentas locuras que lo rodeaban, y estudiaba con más perseverancia que la mayoría de sus compañeros... Todas las cualidades que caracterizan hoy el talento de este artista —la delicadeza del contorno, el sentimiento verdadero y profundo de la forma, y ​​un modelado de extraordinaria precisión y firmeza— ya se podían apreciar en sus primeros estudios. Si bien varios de sus compañeros y el propio David señalaban una tendencia a la exageración en sus estudios, todos quedaban impresionados por sus grandiosas composiciones y reconocían su talento. ^{[ 9 ]}

Fue admitido en el departamento de pintura de la École des Beaux-Arts en octubre de 1799. En 1800 y 1801, ganó el gran premio de pintura de figura por sus cuadros de torsos masculinos. ^{[ 10 ]}

En 1800 y 1801, compitió por el Prix de Rome, el máximo galardón de la Academia, que otorgaba al ganador cuatro años de residencia en la Academia Francesa de Roma. Quedó en segundo lugar en su primer intento, pero en 1801 obtuvo el primer premio con Los embajadores de Agamenón en la tienda de Aquiles . Las figuras de los enviados, a la derecha del cuadro, son musculosas y sólidas como estatuas, al estilo enseñado por David, pero las dos figuras principales de la izquierda, Aquiles y Patroclo , son dinámicas, vivaces y gráciles, como figuras en un delicado bajorrelieve. ^{[ 11 ]}

Su estancia en Roma se pospuso hasta 1806 debido a la escasez de fondos estatales. Mientras tanto, trabajó en París junto a otros alumnos de David en un taller cedido por el Estado, donde desarrolló un estilo que enfatizaba la pureza del contorno. Se inspiró en las obras de Rafael, en las pinturas de vasos etruscos y en los grabados del artista inglés John Flaxman . ^{[ 5 ]} Sus dibujos de Hermafrodito y la Ninfa Salmacis mostraron un nuevo ideal estilizado de belleza femenina, que reaparecería más tarde en su Júpiter y Tetis y en sus famosos desnudos. ^{[ 12 ]}

En 1802 debutó en el Salón con Retrato de una mujer (cuyo paradero actual se desconoce). Entre 1804 y 1806 pintó una serie de retratos que destacaban por su extrema precisión, especialmente en la riqueza de sus telas y sus minuciosos detalles. Entre ellos se incluyen el Retrato de Philipbert Rivière (1805), el Retrato de Sabine Rivière (1805-1806), el Retrato de Madame Aymon (también conocido como La Belle Zélie ; 1806) y el Retrato de Caroline Rivière (1805-1806). Los rostros femeninos no eran detallados, sino suavizados, y se caracterizaban por sus grandes ojos ovalados, sus delicados tonos de piel y sus expresiones oníricas. Sus retratos solían tener fondos sencillos de color oscuro o claro, o del cielo. Estos fueron el comienzo de una serie que lo convertiría en uno de los retratistas más célebres del siglo XIX. ^{[ 13 ]}

Mientras Ingres esperaba para partir hacia Roma, su amigo Lorenzo Bartolini le presentó la pintura renacentista italiana, en particular las obras de Bronzino y Pontormo , que Napoleón había traído de su campaña en Italia y colocado en el Louvre . Ingres asimiló su claridad y monumentalidad en su propio estilo de retrato. En el Louvre también se encontraban obras maestras del arte flamenco, incluido el Retablo de Gante de Jan van Eyck , que el ejército francés había confiscado durante su conquista de Flandes. La precisión del arte renacentista flamenco se convirtió en parte del estilo de Ingres. ^{[ 14 ]} El eclecticismo estilístico de Ingres representó una nueva tendencia en el arte. El Louvre, recientemente repleto del botín confiscado por Napoleón en sus campañas en Italia y los Países Bajos , brindó a los artistas franceses de principios del siglo XIX una oportunidad sin precedentes para estudiar, comparar y copiar obras maestras de la antigüedad y de toda la historia de la pintura europea. ^{[ 15 ]} Como escribió la historiadora del arte Marjorie Cohn: «En aquel entonces, la historia del arte como disciplina académica era completamente nueva. Artistas y críticos competían entre sí en sus intentos por identificar, interpretar y explotar lo que apenas comenzaban a percibir como desarrollos estilísticos históricos». ^{[ 16 ]} Desde el comienzo de su carrera, Ingres tomó prestado libremente del arte anterior, adoptando el estilo histórico apropiado para su tema, y ​​en consecuencia fue acusado por los críticos de saquear el pasado. ^{[ 16 ]}

En 1803 recibió un prestigioso encargo, siendo uno de los cinco artistas seleccionados (junto con Jean-Baptiste Greuze , Robert Lefèvre , Charles Meynier y Marie-Guillemine Benoist ) para pintar retratos de cuerpo entero de Napoleón Bonaparte como Primer Cónsul . Estos debían distribuirse entre las ciudades prefecturales de Lieja , Amberes , Dunkerque , Bruselas y Gante , todas ellas cedidas recientemente a Francia en el Tratado de Lunéville de 1801. ^{[ 17 ]} No se sabe que Napoleón concediera a los artistas una sesión de posado, y el retrato meticulosamente pintado por Ingres de Bonaparte, Primer Cónsul, parece estar inspirado en una imagen de Napoleón pintada por Antoine-Jean Gros en 1802. ^{[ 18 ]}

En el verano de 1806, Ingres se comprometió con Marie-Anne-Julie Forestier , pintora y música, antes de partir hacia Roma en septiembre. Aunque esperaba quedarse en París el tiempo suficiente para presenciar la inauguración del Salón de ese año, en el que iba a exponer varias obras, partió a Italia a regañadientes pocos días antes de la inauguración. ^{[ 19 ]}

Ingres pintó un nuevo retrato de Napoleón para presentarlo en el Salón de 1806 , en el que Napoleón aparece sentado en el trono imperial para su coronación. Esta pintura era completamente diferente de su anterior retrato de Napoleón como Primer Cónsul; se centraba casi exclusivamente en el fastuoso traje imperial que Napoleón había elegido y en los símbolos de poder que portaba. El cetro de Carlos V , la espada de Carlomagno , las ricas telas, pieles y capas, la corona de hojas de oro, las cadenas y emblemas dorados se representaban con un detalle extremadamente preciso; el rostro y las manos del Emperador casi se perdían entre el majestuoso traje. ^{[ 20 ]}

En el Salón, sus pinturas —Autorretrato , retratos de la familia Rivière y Napoleón I en su trono imperial— recibieron una acogida muy fría. ^{[ 21 ]} David emitió un juicio severo, ^{[ 2 ]} y los críticos fueron hostiles. Chaussard ( Le Pausanias Français , 1806) elogió «la exquisitez de la pincelada de Ingres y el acabado», pero condenó el estilo de Ingres como gótico y preguntó:

¿Cómo es posible que, con tanto talento, una línea tan impecable y una atención al detalle tan minuciosa, el señor Ingres haya logrado pintar un mal cuadro? La respuesta es que quería hacer algo singular, algo extraordinario  ... La intención del señor Ingres no es otra que hacer retroceder el arte cuatro siglos, llevarnos de vuelta a su infancia, revivir el estilo de Juan de Brujas . ^{[ 22 ]}

Recién llegado a Roma, Ingres leyó con creciente indignación los implacablemente negativos recortes de prensa que le enviaban sus amigos desde París. En cartas a su futuro suegro, expresó su indignación ante los críticos: «Así que el Salón es el escenario de mi desgracia;  ... Los sinvergüenzas esperaron a que me fuera para destruir mi reputación  ... Nunca he sido tan infeliz... Sabía que tenía muchos enemigos; nunca me he llevado bien con ellos ni me llevaré bien jamás. Mi mayor deseo sería volar al Salón y confundirlos con mis obras, que no se parecen en nada a las suyas; y cuanto más avance, menos se parecerán las suyas a las mías». ^{[ 23 ]} Juró no volver a exponer jamás en el Salón, y su negativa a regresar a París provocó la ruptura de su compromiso. ^{[ 24 ]} Años después, cuando se le preguntó a Julie Forestier por qué nunca se había casado, respondió: «Cuando una ha tenido el honor de estar comprometida con el señor Ingres, no se casa». ^{[ 25 ]}

El 23 de noviembre de 1806, escribió a Jean Forestier, padre de su antigua prometida: «Sí, el arte tendrá que reformarse, y yo pretendo ser ese revolucionario». ^{[ 23 ]} Como era característico en él, encontró un estudio en los terrenos de la Villa Medici , alejado de los demás artistas residentes, y pintó con fervor. Muchos dibujos de monumentos romanos de esta época se atribuyen a Ingres, pero estudios más recientes indican que en realidad fueron obra de sus colaboradores, en particular de su amigo el paisajista François-Marius Granet . ^{[ 26 ]} Como se exigía a todo ganador del Premio , enviaba obras a intervalos regulares a París para que se pudiera juzgar su progreso. Tradicionalmente, los becarios enviaban pinturas de héroes masculinos griegos o romanos, pero para sus primeras muestras Ingres envió Baigneuse à mi-corps (1807), una pintura de la espalda de una joven bañándose, basada en un grabado de un jarrón antiguo, y La Grande Bagneuse (1808), una pintura más grande de la espalda de una bañista desnuda, y la primera modelo de Ingres que lleva turbante, un detalle que tomó prestado de la Fornarina de su pintor favorito, Rafael . ^{[ 27 ]} Para satisfacer a la Academia en París, también envió Edipo y la Esfinge para mostrar su maestría del desnudo masculino. ^{[ 28 ]} El veredicto de los académicos en París fue que las figuras no estaban suficientemente idealizadas. ^{[ 29 ]} En años posteriores, Ingres pintó varias variantes de estas composiciones; Otro desnudo comenzado en 1807, la Venus Anadyomene , permaneció en un estado inacabado durante décadas, para ser completado cuarenta años después ^{[ 30 ]} y finalmente exhibido en 1855.

Durante su estancia en Roma también pintó numerosos retratos: Madame Duvaucey (1807), François-Marius Granet (1807), Joseph-Antoine Moltedo (1810), Madame Panckoucke (1811) y Charles-Joseph-Laurent Cordier (1811). ^{[ 31 ]} En 1812 pintó uno de sus pocos retratos de una mujer mayor, la condesa de Tournon , madre del prefecto de Roma. ^{[ 32 ]} En 1810 terminó la pensión de Ingres en la Villa Medici, pero decidió quedarse en Roma y buscar el mecenazgo del gobierno de ocupación francés.

En 1811, Ingres completó su último ejercicio de estudiante, el inmenso Júpiter y Tetis , una escena de la Ilíada de Homero: la diosa del mar, Tetis, suplica a Zeus que actúe en favor de su hijo Aquiles . El rostro de la ninfa del agua Salmacis, que había dibujado años antes, reapareció como Tetis. Ingres escribió con entusiasmo que había estado planeando pintar este tema desde 1806, y que pretendía «desplegar todo el lujo del arte en su belleza». ^{[ 33 ]} Sin embargo, una vez más, los críticos fueron hostiles, encontrando fallas en las proporciones exageradas de las figuras y en la cualidad plana y sin aire de la pintura. ^{[ 34 ]}

Aunque se enfrentaba a perspectivas inciertas, en 1813 Ingres se casó con una joven, Madeleine Chapelle , recomendada por sus amigos en Roma. Tras un noviazgo por correspondencia, le propuso matrimonio sin haberla conocido, y ella aceptó. ^{[ 35 ]} Su matrimonio fue feliz, y la fe de Madame Ingres en su marido fue inquebrantable. Después de un parto difícil en 1815 que resultó en un bebé muerto al nacer, la pareja permaneció sin hijos. ^{[ 36 ]} Ingres continuó sufriendo críticas despectivas, como Don Pedro de Toledo besando la espada de Enrique IV , Rafael y la Fornarina ( Museo de Arte Fogg , Universidad de Harvard ), varios retratos y el Interior de la Capilla Sixtina , que recibieron una respuesta crítica generalmente hostil en el Salón de París de 1814. ^{[ 37 ]}

Después de dejar la Academia, recibió algunos encargos importantes. El gobernador francés de Roma, el general Miollis , un rico mecenas de las artes, le pidió que decorara las salas del Palacio de Monte Cavallo , una antigua residencia papal, para una visita prevista de Napoleón. Ingres pintó una obra de gran formato, La victoria de Rómulo sobre Acrón (1811), para el salón de la emperatriz y El sueño de Ossian (1813), basada en un libro de poemas que Napoleón admiraba, para el techo del dormitorio del emperador. ^{[ 38 ]} El general Miollis también le encargó a Ingres que pintara Virgilio leyendo La Eneida ante Augusto, Livia y Octavia (1812) para su propia residencia, la villa Aldobrandini. ^{[ 39 ]} La pintura muestra el momento en que Virgilio, recitando su obra al emperador Augusto , su esposa Livia y su hermana Octavia , menciona el nombre del hijo fallecido de Octavia, Marcelo , lo que provoca que Octavia se desmaye. El interior fue representado con precisión, siguiendo los hallazgos arqueológicos de Pompeya . Como era habitual, Ingres realizó varias versiones de la misma escena: un fragmento de tres figuras, recortado de una versión abandonada, se encuentra en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas, y en 1825 realizó un dibujo a tiza en formato vertical como modelo para un grabado reproductivo realizado por Pradier en 1832. ^{[ 40 ]} La versión del general Miollis fue readquirida por Ingres en la década de 1830, reelaborada por asistentes bajo la dirección de Ingres, y nunca terminada; El sueño de Ossian también fue readquirido, modificado, pero quedó inacabado. ^{[ 41 ]}

Viajó a Nápoles en la primavera de 1814 para pintar a la reina Carolina Murat . Joaquín Murat , rey de Nápoles, había comprado anteriormente La Dormeuse de Naples , un desnudo durmiente ^{[ 42 ]} (el original se ha perdido, pero existen varios dibujos, e Ingres retomó el tema más tarde en L'Odalisque à l'esclave ). Murat también encargó dos pinturas históricas, Raphael et la Fornarina y Paolo et Francesca , y la que más tarde se convertiría en una de las obras más famosas de Ingres, La Grande Odalisque , para acompañar a La Dormeuse de Naples . Ingres nunca recibió el pago, debido al colapso del régimen de Murat y la ejecución de Joaquín Murat en 1815. ^{[ 43 ]} Con la caída de la dinastía de Napoleón, se encontró esencialmente varado en Roma sin mecenazgo.

Continuó produciendo retratos magistrales, a lápiz y al óleo, de una precisión casi fotográfica; pero con la partida de la administración francesa, los encargos de pintura se volvieron escasos. Durante este período bajo de su carrera, Ingres complementó sus ingresos dibujando retratos a lápiz de los numerosos turistas adinerados, en particular los ingleses, que pasaban por la Roma de la posguerra. Para un artista que aspiraba a ser reconocido como pintor de historia, esto parecía un trabajo insignificante, y a los visitantes que llamaban a su puerta preguntando: "¿Es aquí donde vive el hombre que dibuja los retratistas?", respondía con irritación: "¡No, el hombre que vive aquí es un pintor!". ^{[ 44 ]} Los dibujos de retratos que produjo con tanta profusión durante este período se encuentran hoy entre sus obras más admiradas. ^{[ 45 ]} Se estima que realizó unos quinientos dibujos de retratos, incluyendo retratos de sus famosos amigos. Entre sus amigos se encontraban muchos músicos, incluido Paganini , y tocaba regularmente el violín con otros que compartían su entusiasmo por Mozart , Haydn , Gluck y Beethoven . ^{[ 46 ]}

También produjo una serie de pequeñas pinturas en lo que se conoció como el estilo trovadoresco , representaciones idealizadas de eventos de la Edad Media y el Renacimiento. En 1815 pintó Aretino y el embajador de Carlos V, así como Aretino y Tintoretto , una pintura anecdótica cuyo tema, un pintor blandiendo una pistola contra su crítico, pudo haber sido especialmente satisfactorio para el asediado Ingres. ^{[ 47 ]} Otras pinturas en el mismo estilo incluyeron Enrique IV jugando con sus hijos (1817) y La muerte de Leonardo .

En 1816, Ingres produjo su único grabado , un retrato del embajador francés en Roma, Monseñor Gabriel Cortois de Pressigny. ^{[ 48 ]} Los únicos otros grabados que se sabe que realizó son dos litografías : Los cuatro magistrados de Besançon , realizada como ilustración para Voyages pittoresques et romantiques dans l'ancienne France del barón Taylor , y una copia de La gran odalisca , ambas en 1825. ^{[ 49 ]}

En 1817, el conde de Blacas , embajador de Francia ante la Santa Sede , le encargó a Ingres su primer trabajo oficial desde 1814: un cuadro de Cristo entregando las llaves a Pedro . Terminada en 1820, esta imponente obra fue bien recibida en Roma, pero, para disgusto del artista, las autoridades eclesiásticas no permitieron que se enviara a París para su exposición. ^{[ 50 ]}

En 1816 o 1817, los descendientes de Fernando Álvarez de Toledo, duque de Alba , le encargaron un cuadro del duque recibiendo honores papales por su represión de la Reforma protestante . Ingres detestaba el tema —consideraba al duque como uno de los brutos de la historia— y luchó por satisfacer tanto el encargo como su conciencia. Tras varias revisiones que finalmente redujeron al duque a una figura diminuta en el fondo, Ingres dejó la obra inacabada. ^{[ 51 ]} Anotó en su diario: «Me vi obligado por la necesidad de pintar tal cuadro; Dios quiso que permaneciera como un boceto». ^{[ 52 ]}

Continuó enviando obras al Salón de París, con la esperanza de lograr allí su gran éxito. En 1819 envió su desnudo reclinado, La Grande Odalisque , así como una pintura histórica, Felipe V y el Mariscal de Berwick , y Roger Freeing Angelica , basada en un episodio del poema épico del siglo XVI Orlando Furioso de Ariosto , pero su obra fue nuevamente condenada por los críticos como gótica y antinatural. ^{[ 53 ]} El crítico Kératy se quejó de que la espalda de La Grande Odalisque era tres vértebras más larga de lo necesario. El crítico Charles Landon escribió: «Tras un instante de atención, se observa que en esta figura no hay huesos, ni músculos, ni sangre, ni vida, ni relieve, ni nada que constituya imitación... Es evidente que el artista se equivocó deliberadamente, que quería hacerlo mal, que creía en revivir el estilo puro y primitivo de los pintores de la Antigüedad; pero tomó como modelo unos pocos fragmentos de épocas anteriores y una ejecución degenerada, y se extravió por completo». ^{[ 54 ]}

En 1820, Ingres y su esposa se mudaron a Florencia por recomendación del escultor florentino Lorenzo Bartolini , un viejo amigo de sus años en París. Aún dependía de sus retratos y dibujos para subsistir, pero su suerte comenzó a cambiar. ^{[ 55 ]} Su pintura histórica Roger liberando a Angélica fue adquirida para la colección privada de Luis XVIII y se exhibió en el Museo de Luxemburgo en París, recientemente dedicado a la obra de artistas vivos. Esta fue la primera obra de Ingres en ingresar a un museo. ^{[ 56 ]}

En 1821, terminó un cuadro encargado por un amigo de la infancia, Monsieur de Pastoret, La entrada en París del Delfín, el futuro Carlos V ; de Pastoret también le encargó un retrato suyo y una obra religiosa ( La Virgen del Velo Azul ). En agosto de 1820, con la ayuda de de Pastoret, recibió el encargo de una importante pintura religiosa para la Catedral de Montauban. El tema era el restablecimiento del vínculo entre la Iglesia y el Estado. El cuadro de Ingres, El voto de Luis XIII (1824), inspirado en Rafael, era puramente de estilo renacentista y representaba al rey Luis XIII prometiendo dedicar su reinado a la Virgen María. Esto estaba en perfecta sintonía con la doctrina del nuevo gobierno de la Restauración. Dedicó cuatro años a completar el gran lienzo y lo llevó al Salón de París en octubre de 1824, donde se convirtió en la llave que finalmente le abrió las puertas del círculo artístico parisino y de su carrera como pintor oficial. ^{[ 57 ]}

El Voto de Luis XIII en el Salón de 1824 finalmente le brindó a Ingres el éxito de la crítica. Aunque Stendhal se quejó de "el tipo de belleza material que excluye la idea de la divinidad", ^{[ 58 ]} la mayoría de los críticos elogiaron la obra. El periodista y futuro Primer Ministro y Presidente francés Adolphe Thiers celebró el avance de un nuevo estilo: "Nada es mejor que la variedad como esta, el carácter esencial del nuevo estilo". ^{[ 58 ]} En enero de 1825, Ingres recibió la Cruz de la Legión de Honor de manos de Carlos X , y en junio de 1825 fue elegido miembro de la Academia de Bellas Artes. ^{[ 46 ]} Las litografías de La Gran Odalisca publicadas en 1826 en dos versiones rivales por Delpech y Sudré encontraron compradores entusiastas; Ingres recibió 24 000 francos por los derechos de reproducción, veinte veces la cantidad que había recibido por la pintura original seis años antes. ^{[ 59 ]} El Salón de 1824 también presentó una contracorriente al neoclasicismo de Ingres: Eugène Delacroix exhibió Les Massacres de Scio , en un estilo romántico que contrastaba marcadamente con el de Ingres. ^{[ 60 ]}

El éxito de la pintura de Ingres le valió en 1826 un nuevo e importante encargo: La Apoteosis de Homero , un lienzo gigante que celebraba a todos los grandes artistas de la historia, destinado a decorar el techo de una de las salas del Museo Carlos X del Louvre. Ingres no pudo terminar la obra a tiempo para el Salón de 1827, pero la expuso en grisalla . ^{[ 61 ]} El Salón de 1827 se convirtió en un enfrentamiento entre el neoclasicismo de La Apoteosis de Ingres y un nuevo manifiesto del romanticismo de Delacroix, La muerte de Sardanápalo . Ingres se unió a la batalla con entusiasmo; llamó a Delacroix «el apóstol de la fealdad» y comentó a sus amigos que reconocía «el talento, el carácter honorable y el espíritu distinguido» de Delacroix, pero que «tiene tendencias que creo peligrosas y que debo reprimir». ^{[ 62 ] [ 63 ]}

A pesar del considerable mecenazgo del que gozaba bajo el gobierno borbónico, Ingres acogió con beneplácito la Revolución de Julio de 1830. ^{[ 64 ]} Que el resultado de la Revolución no fuera una república sino una monarquía constitucional fue satisfactorio para el artista esencialmente conservador y pacifista, quien en una carta a un amigo en agosto de 1830 criticó a los agitadores que "todavía quieren ensuciar y perturbar el orden y la felicidad de una libertad tan gloriosa, tan divinamente conquistada". ^{[ 65 ]} La carrera de Ingres se vio poco afectada, y continuó recibiendo comisiones y honores oficiales bajo la Monarquía de Julio .

Ingres expuso en el Salón de 1833 , donde su retrato de Louis-François Bertin (1832) tuvo un éxito particular. El público encontró su realismo fascinante, aunque algunos críticos declararon su naturalismo vulgar y su colorido apagado. ^{[ 66 ]} En 1834 terminó una gran pintura religiosa, El martirio de San Sinforiano , que representaba al primer santo martirizado en la Galia. La pintura fue encargada en 1824 por el Ministerio del Interior para la Catedral de Autun , y la iconografía del cuadro fue especificada por el obispo. Ingres concibió la pintura como la culminación de toda su obra y habilidad, y trabajó en ella durante diez años antes de exhibirla en el Salón de 1834. Se sintió sorprendido, conmocionado y enfadado por la respuesta; la pintura fue atacada tanto por los neoclásicos como por los románticos. Ingres fue acusado de inexactitud histórica, por los colores y por la apariencia femenina de la santa, que parecía una hermosa estatua. Enfurecido, Ingres anunció que ya no aceptaría encargos públicos ni participaría en el Salón. Posteriormente participó en algunas exposiciones semipúblicas y en una retrospectiva de su obra en la Exposición Internacional de París de 1855 , pero nunca más volvió a participar en el Salón ni a someter su obra al juicio público. En cambio, a finales de 1834 regresó a Roma para convertirse en director de la Academia de Francia. ^{[ 67 ]}

Ingres permaneció en Roma durante seis años. Dedicó gran parte de su atención a la formación de los estudiantes de pintura, como haría más tarde en la École des Beaux-Arts de París. Reorganizó la Academia, aumentó el tamaño de la biblioteca, añadió muchos moldes de estatuas clásicas a la colección de la Academia y ayudó a los estudiantes a obtener encargos públicos tanto en Roma como en París. Viajó a Orvieto (1835), Siena (1835), Rávena y Urbino para estudiar los mosaicos paleocristianos, los murales medievales y el arte renacentista. ^{[ 68 ]} Dedicó considerable atención a la música, una de las materias de la academia; recibió a Franz Liszt y Fanny Mendelssohn . Entabló una larga amistad con Liszt. ^{[ 69 ]} El compositor Charles Gounod , que por aquel entonces era becario de la Academia, describió la apreciación de Ingres por la música moderna, incluyendo a Weber y Berlioz, y su adoración por Beethoven, Haydn, Mozart y Gluck. Se unió a los estudiantes de música y a su amigo Niccolò Paganini para interpretar las obras para violín de Beethoven. ^{[ 68 ]} Gounod escribió que Ingres «tenía la ternura de un niño y la indignación de un apóstol». Cuando Stendhal visitó la Academia y menospreció a Beethoven, Ingres se dirigió al portero, señaló a Stendhal y le dijo: «Si este caballero vuelve a llamar, no estaré aquí». ^{[ 70 ]}

Su rencor contra la élite artística parisina por su fracaso en el Salón de 1834 no disminuyó. En 1836 rechazó un importante encargo del ministro del Interior francés, Adolphe Thiers , para decorar el interior de la iglesia de la Madeleine en París, porque el encargo se le había ofrecido primero a un rival, Paul Delaroche , quien lo rechazó. ^{[ 68 ]} Completó un pequeño número de obras que envió a mecenas en París. Una de ellas fue L'Odalisque et l'esclave (1839), un retrato de una odalisca rubia, o miembro de un harén, que yace lánguidamente mientras un músico con turbante toca. Esto encajaba en el género popular del orientalismo; su rival Eugène Delacroix había creado una pintura sobre un tema similar, Les Femmes d'Alger (Las mujeres de Argel) , para el Salón de 1834. El escenario estaba inspirado en miniaturas persas y estaba lleno de detalles exóticos, pero la figura larga y reclinada de la mujer era pura Ingres. El crítico Théophile Gautier escribió sobre la obra de Ingres: «Es imposible pintar mejor el misterio, el silencio y la atmósfera sofocante del serrallo». En 1842 pintó una segunda versión, casi idéntica a la primera pero con un paisaje de fondo (pintado por su alumno Paul Flandrin ). ^{[ 71 ]}

El segundo cuadro que envió, en 1840, fue La enfermedad de Antíoco (1840; también conocido como Aníoco y Estratonica ), una pintura histórica sobre el tema del amor y el sacrificio, un tema que David ya había pintado en 1800, cuando Ingres estaba en su estudio. Fue un encargo del duque de Orleans , hijo del rey Luis Felipe I , y tenía un fondo arquitectónico muy elaborado diseñado por uno de los estudiantes de la Academia, Victor Baltard , futuro arquitecto del mercado parisino de Les Halles . La figura central era una mujer etérea con una túnica de color pastel, cuya pose contemplativa con la mano en la barbilla se repite en algunos de los retratos femeninos de Ingres. ^{[ 72 ]}

Su pintura de Aniochius y Stratonice, a pesar de su pequeño tamaño (apenas un metro), fue un gran éxito para Ingres. En agosto se exhibió en el apartamento privado del duque de Orleans, en el Pabellón Marsan del Palacio de las Tullerías. ^{[ 73 ]} El rey lo recibió personalmente en Versalles y le ofreció un recorrido por el palacio. Le encargaron pintar un retrato del duque, heredero al trono, y otro del duque de Lunyes para crear dos enormes murales para el Castillo de Dampierre . En abril de 1841 regresó definitivamente a París. ^{[ 74 ]}

Una de las primeras obras que realizó tras su regreso a París fue un retrato del duque de Orléans. Después de que el heredero al trono falleciera en un accidente de carruaje pocos meses después de que se terminara la pintura en 1842, Ingres recibió encargos para realizar copias adicionales. También recibió el encargo de diseñar diecisiete vidrieras para la capilla en el lugar del accidente, y otro encargo para diseñar ocho vidrieras adicionales para la capilla de Orléans en Dreux. ^{[ 75 ]} Se convirtió en profesor de la Escuela de Bellas Artes de París. Llevaba con frecuencia a sus alumnos al Louvre para ver el arte clásico y renacentista, indicándoles que miraran al frente y evitaran las obras de Rubens , que, según él, se desviaban demasiado de los verdaderos valores del arte. ^{[ 76 ]}

La Revolución de 1848, que derrocó a Luis Felipe y creó la Segunda República Francesa , tuvo poca influencia en su obra o sus ideas. Declaró que los revolucionarios eran «caníbales que se hacían llamar franceses» ^{[ 77 ]} , pero durante la Revolución completó su Venus Anadiómena , que había comenzado como estudio académico en 1808. Representaba a Venus, emergiendo del mar que la había engendrado, rodeada de querubines. Agradeció el patrocinio del nuevo gobierno de Luis Napoleón, quien en 1852 se convirtió en el emperador Napoleón III .

En 1843, Ingres comenzó la decoración del gran salón del Castillo de Dampierre con dos grandes murales, la Edad de Oro y la Edad de Hierro , que ilustraban los orígenes del arte. Realizó más de quinientos dibujos preparatorios, ^{[ 78 ]} y trabajó en el enorme proyecto durante seis años. En un intento por imitar el efecto de los frescos renacentistas , optó por pintar los murales al óleo sobre yeso, lo que generó dificultades técnicas. ^{[ 79 ]} El trabajo en la Edad de Hierro nunca progresó más allá del fondo arquitectónico pintado por un asistente. ^{[ 80 ]} Mientras tanto, la creciente multitud de desnudos en la Edad de Oro incomodó al mecenas de Ingres, el duque de Luynes, e Ingres suspendió el trabajo en el mural en 1847. Ingres quedó devastado por la pérdida de su esposa, quien murió el 27 de julio de 1849, y finalmente no pudo completar la obra. ^{[ 81 ]} En julio de 1851, anunció una donación de su obra artística a su ciudad natal de Montauban, y en octubre renunció a su puesto como profesor en la École des Beaux-Arts. ^{[ 82 ]}

Sin embargo, en 1852, Ingres, que entonces tenía setenta y un años, se casó con Delphine Ramel, de cuarenta y tres años, pariente de su amigo Marcotte d'Argenteuil. Ingres se sintió rejuvenecido y, en la década siguiente, completó varias obras importantes, entre ellas el retrato de la princesa Albert de Broglie , nacida Joséphine-Eléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn . En 1853 comenzó La apoteosis de Napoleón I , para el techo de una sala del Hôtel de Ville de París . (Fue destruida en mayo de 1871 cuando la Comuna de París incendió el edificio). Con la ayuda de asistentes, en 1854 completó otra pintura histórica, Juana de Arco en la coronación de Carlos VII . Una retrospectiva de sus obras se presentó en la Exposición Universal de París de 1855 , ^{[ 83 ]} y ese mismo año Napoleón III lo nombró Gran Oficial de la Legión de Honor . En 1862 recibió el título de Senador y fue nombrado miembro del Consejo Imperial de Instrucción Pública. Tres de sus obras se exhibieron en la Exposición Internacional de Londres, ^{[ 84 ]} y su reputación como uno de los principales pintores franceses se confirmó una vez más. ^{[ 85 ]}

Continuó reelaborando y refinando sus temas clásicos. En 1856 Ingres completó La Fuente (El Manantial), una pintura iniciada en 1820 y estrechamente relacionada con su Venus Anadyomène . ^{[ 30 ]} Pintó dos versiones de Luis XIV y Molière (1857 y 1860), y produjo copias variantes de varias de sus composiciones anteriores. Estas incluían obras religiosas en las que se repetía la figura de la Virgen de El Voto de Luis XIII : La Virgen de la Adopción de 1858 (pintada para Mademoiselle Roland-Gosselin) fue seguida por La Virgen Coronada (pintada para Madame la Baronne de Larinthie) y La Virgen con el Niño . En 1859 produjo nuevas versiones de La Virgen de la Hostia , y en 1862 completó Cristo y los Doctores , una obra encargada muchos años antes por la Reina María Amalia para la capilla de Bizy . ^{[ 86 ]} Pintó pequeñas réplicas de Paolo y Francesca y Edipo y la Esfinge . ^{[ 87 ]} En 1862 completó una pequeña versión al óleo sobre papel de La Edad de Oro . ^{[ 88 ]} Los últimos de sus retratos importantes datan de este período: Marie-Clothilde-Inés de Foucauld, Madame Moitessier, Sentada (1856), Autorretrato a los setenta y ocho años y Madame J.-A.-D. Ingres, de soltera Delphine Ramel , ambos terminados en 1859. A petición de la Galería Uffizi de Florencia, realizó su propio autorretrato en 1858. El único color en la pintura es el rojo de su roseta de la Legión de Honor. ^{[ 89 ]}

Cerca del final de su vida, realizó una de sus obras maestras más conocidas, El baño turco . Retomaba una figura y un tema que había estado pintando desde 1828, con su Pequeña bañista . Originalmente completada en formato cuadrado en 1852 y vendida al príncipe Napoleón en 1859, fue devuelta al artista poco después; según una leyenda, la princesa Clothilde se escandalizó por la abundante desnudez. ^{[ 90 ]} Después de reelaborar la pintura como un tondo , Ingres la firmó y fechó en 1862, aunque realizó revisiones adicionales en 1863. ^{[ 91 ]} La pintura fue finalmente adquirida por un diplomático turco, Khalid Bey, quien poseía una gran colección de desnudos y arte erótico, incluyendo varias pinturas de Courbet . La pintura continuó causando escándalo mucho después de la muerte de Ingres. Inicialmente se ofreció al Louvre en 1907, pero fue rechazado, ^{[ 92 ]} antes de ser entregado al Louvre en 1911. ^{[ 91 ]}

Ingres falleció de neumonía el 14 de enero de 1867, a los ochenta y seis años, en su apartamento del Quai Voltaire en París. Está enterrado en el cementerio Père Lachaise de París, en una tumba esculpida por su alumno Jean-Marie Bonnassieux . El artista legó el contenido de su estudio, incluyendo varias pinturas importantes, más de 4000 dibujos y su violín, al museo de la ciudad de Montauban, ahora conocido como el Museo Ingres . ^{[ 93 ]}

El estilo de Ingres se formó en su juventud y cambió relativamente poco. ^{[ 94 ]} Sus primeros dibujos, como el Retrato de un hombre (o Retrato de un desconocido , 3  de julio de 1797, actualmente en el Louvre ^{[ 95 ]} ), ya muestran una suavidad en el contorno y un extraordinario control de las líneas paralelas que modelan las formas. Desde el principio, sus pinturas se caracterizan por una firmeza en el contorno que refleja su convicción, a menudo citada, de que «el dibujo es la probidad del arte». ^{[ 96 ]} Creía que el color no era más que un accesorio del dibujo, explicando: «Dibujar no es solo reproducir contornos, no es solo la línea; dibujar es también la expresión, la forma interior, la composición, el modelado. Vean lo que queda después. El dibujo es siete octavos de lo que constituye la pintura». ^{[ 97 ]}

El historiador de arte Jean Clay dijo que Ingres «siempre procedía de la certeza a la certeza, con el resultado de que incluso sus bocetos más libres revelan el mismo tipo de ejecución que se encuentra en las obras finales». ^{[ 98 ]} Al representar el cuerpo humano, ignoró las reglas de la anatomía —a la que denominó una «ciencia espantosa en la que no puedo pensar sin repugnancia»— en su búsqueda de un arabesco sinuoso. ^{[ 98 ]} Aborreciendo la pincelada visible, Ingres no recurrió a los efectos cambiantes del color y la luz en los que se basaba la escuela romántica ; prefería los colores locales apenas modelados en luz por medios tonos. «Ce que l'on sait», repetía, «il faut le savoir l'épée à la main». («Todo lo que sepas, debes saberlo con la espada en la mano.») Ingres se quedó así sin los medios para producir la necesaria unidad de efecto al tratar composiciones densas, como la Apoteosis de Homero y el Martirio de San Sinforiano . Entre las pinturas históricas y mitológicas de Ingres, las más satisfactorias suelen ser aquellas que representan una o dos figuras, como Edipo , La bañista de medio cuerpo , La odalisca y La fuente , temas animados únicamente por la conciencia del perfecto bienestar físico. ^{[ 86 ]}

En Roger liberando a Angélica , el desnudo femenino parece simplemente yuxtapuesto con la figura meticulosamente representada pero inerte de Roger volando al rescate en su hipogrifo , ^{[ 99 ]} ya que Ingres rara vez tuvo éxito en la representación del movimiento y el drama. Según Sanford Schwartz, las «pinturas históricas, mitológicas y religiosas denotan enormes cantidades de energía e industria, pero, al transmitir poca sensación palpable de tensión interna, son dramas de vestuario... Los rostros en las pinturas históricas son esencialmente los de modelos esperando a que termine la sesión. Cuando se expresa una emoción, se transmite de forma estridente o acartonada». ^{[ 100 ]}

Ingres era reacio a las teorías, y su adhesión al clasicismo —con su énfasis en lo ideal, lo generalizado y lo regular— se veía atenuada por su amor por lo particular. ^{[ 101 ]} Creía que «el secreto de la belleza debe hallarse a través de la verdad. Los antiguos no crearon, no hicieron; reconocieron». ^{[ 102 ]} En muchas de las obras de Ingres se produce un choque entre lo idealizado y lo particular que crea lo que Robert Rosenblum denominó una «sensación de aceite y agua». ^{[ 103 ]} Esta contradicción se manifiesta claramente en Cherubini y la musa de la poesía lírica (1842), por ejemplo, en la que el compositor de 81 años, pintado de forma realista, está acompañado por una musa idealizada con vestimenta clásica. ^{[ 104 ]}

La elección de temas de Ingres reflejaba sus gustos literarios, que eran muy limitados: leía y releía a Homero , Virgilio , Plutarco , Dante , obras de historia y biografías de artistas. ^{[ 16 ]} A lo largo de su vida, retomó algunos de sus temas favoritos y pintó varias versiones de muchas de sus composiciones principales. ^{[ 105 ]} No compartía el entusiasmo de su época por las escenas de batalla y, en general, prefería representar «momentos de revelación o decisiones íntimas manifestadas por encuentros o confrontaciones, pero nunca por la violencia». ^{[ 106 ]} Sus numerosas pinturas de odaliscas estuvieron influenciadas en gran medida por los escritos de Mary Wortley Montagu , la esposa del embajador en Turquía, cuyos diarios y cartas, al ser publicados, fascinaron a la sociedad europea. ^{[ 107 ]}

Aunque era capaz de pintar rápidamente, a menudo trabajaba durante años en una pintura. El alumno de Ingres, Amaury-Duval, escribió sobre él: «Con esta facilidad de ejecución, cuesta explicar por qué la obra de Ingres no es aún más extensa, pero revisaba [su trabajo] con frecuencia, nunca estaba satisfecho... y quizás esta misma facilidad lo llevaba a reelaborar lo que no le satisfacía, seguro de que tenía el poder de corregir el fallo, y además, rápidamente». ^{[ 108 ]} La Venus Anadiómena de Ingres se comenzó en 1807, pero no se completó hasta 1848, tras un largo paréntesis resultante de su indecisión sobre la posición de los brazos. ^{[ 30 ]} La Fuente (1856) tuvo una historia similar. Se comenzó en la década de 1820 como un boceto de «tal sencillez que uno supondría que había sido pintada de una sola pincelada», según Amaury-Duval, quien creía que la reelaboración de la pintura por parte de Ingres en 1855 fue una pérdida. ^{[ 109 ] [ 110 ]}

Dibujos

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  Estudio para la Gran Odalisca (1814)
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  El violinista Niccolò Paganini (1819)
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  Estudio para el retrato de la vizcondesa de Haussonville (circa 1844)
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  Estudio para El baño turco (1859)

El dibujo fue la base del arte de Ingres. En la Escuela de Bellas Artes sobresalió en el dibujo de figura, obteniendo los máximos premios. Durante sus años en Roma y Florencia, realizó cientos de dibujos de familiares, amigos y visitantes, muchos de ellos de gran calidad retratística. Nunca comenzaba una pintura sin antes haber resuelto el dibujo, generalmente mediante una larga serie de bocetos en los que perfeccionaba la composición. En el caso de sus grandes pinturas históricas, cada figura era objeto de numerosos bocetos y estudios, ya que probaba diferentes poses. Exigía a sus alumnos de la Academia y de la Escuela de Bellas Artes que perfeccionaran su dibujo antes que nada; declaraba que «un dibujo bien hecho es siempre un retrato bien hecho». ^{[ 116 ]}

Sus retratos a lápiz, de los cuales se conservan unos 450, ^{[ 117 ]} se encuentran hoy entre sus obras más admiradas. Si bien un número desproporcionado de ellos data de sus difíciles primeros años en Italia, continuó realizando retratos a lápiz de sus amigos hasta el final de su vida. Agnes Mongan ha escrito sobre los retratos a lápiz:

Antes de su partida de París a Roma en el otoño de 1806, las características habituales de su estilo de dibujo ya estaban bien establecidas: el contorno delicado pero firme, las distorsiones de la forma definidas pero discretas, la capacidad casi asombrosa de captar el parecido en la delineación precisa pero vivaz de los rasgos.

Los materiales preferidos ya estaban establecidos: el lápiz de grafito de punta afilada sobre papel blanco liso. Tanto los materiales como la técnica nos resultan tan familiares que olvidamos lo extraordinarios que debieron parecer en su momento  … El estilo de dibujo de Ingres era tan novedoso como el siglo. Fue reconocido de inmediato como experto y admirable. Si bien sus pinturas fueron severamente criticadas por ser «góticas», sus dibujos no recibieron críticas comparables. ^{[ 118 ]}

Su alumno Raymond Balze describió la rutina de trabajo de Ingres al realizar sus retratos, cada uno de los cuales requería cuatro horas, como «una hora y media por la mañana, luego dos horas y media por la tarde, y rara vez lo retocaba al día siguiente. A menudo me decía que captaba la esencia del retrato mientras almorzaba con el modelo, quien, desprevenido, se volvía más natural». ^{[ 119 ]} Los dibujos resultantes, según John Canaday , revelaban las personalidades de los retratados por medios tan sutiles —y tan libres de crueldad— que Ingres podía «exponer las vanidades de un petimetre, una mujer tonta o un charlatán, en dibujos que los deleitaban». ^{[ 120 ]}

Ingres dibujó sus retratos en papel verjurado , que proporcionaba una superficie lisa muy diferente de la superficie acanalada del papel estirado (que, sin embargo, a veces se denomina hoy en día « papel Ingres »). ^{[ 121 ]} Los primeros dibujos se caracterizan por contornos muy tensos trazados con grafito de punta afilada, mientras que los dibujos posteriores muestran líneas más libres y un modelado más enfático, trazados con un grafito más suave y romo. ^{[ 122 ]}

Los dibujos realizados como preparación para pinturas, como los numerosos estudios para El martirio de San Sinforiano y La edad de oro , son más variados en tamaño y tratamiento que los dibujos de retratos. Era su práctica habitual realizar muchos dibujos de modelos desnudos, en busca del gesto más elocuente, antes de hacer otra serie de dibujos para los drapeados. En sus primeros años, a veces hacía que su modelo posara detrás de un velo translúcido que suprimía los detalles y enfatizaba el arabesco. ^{[ 123 ]} A menudo utilizaba modelos femeninas al probar poses para figuras masculinas, como hizo en los dibujos para Jesús entre los doctores . ^{[ 124 ]} Existen estudios de desnudos incluso para algunos de sus retratos por encargo, pero estos fueron dibujados utilizando modelos contratados. ^{[ 125 ]}

Ingres dibujó varias vistas de paisajes durante su estancia en Roma, pero solo pintó un paisaje puro, el pequeño tondo El casino de Rafael (aunque a veces se le atribuyen otros dos pequeños tondos de paisajes). ^{[ 126 ]}

A mediados del siglo XIX, Ingres y Delacroix se convirtieron en los representantes más destacados de las dos escuelas artísticas rivales en Francia: el neoclasicismo y el romanticismo . El neoclasicismo se basaba en gran medida en la filosofía de Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), quien sostenía que el arte debía encarnar una «noble sencillez y una serena grandeza». Muchos pintores siguieron esta corriente, entre ellos François Gérard , Antoine-Jean Gros , Anne-Louis Girodet y Jacques-Louis David , maestro de Ingres. El romanticismo, una escuela rival, surgió primero en Alemania y se extendió rápidamente a Francia. Rechazaba la idea de imitar los estilos clásicos, a los que calificaba de «góticos» y «primitivos». Los románticos en la pintura francesa estuvieron liderados por Théodore Géricault y, especialmente, por Delacroix. La rivalidad surgió por primera vez en el Salón de París de 1824, donde Ingres exhibió El voto de Luis XIII , inspirado en Rafael , mientras que Delacroix mostró La masacre de Quíos , que representaba un trágico suceso de la Guerra de Independencia griega. La pintura de Ingres era serena, estática y cuidadosamente construida, mientras que la obra de Delacroix era turbulenta, llena de movimiento, color y emoción. ^{[ 131 ]}

La disputa entre los dos pintores y sus respectivas escuelas resurgió en el Salón de 1827, donde Ingres presentó L'Apotheose d'Homer , un ejemplo de equilibrio y armonía clásicos, mientras que Delacroix mostró La muerte de Sardanápalo , otra escena de violencia brillante y tumultuosa. El duelo entre ambos pintores, considerados cada uno como el mejor de su escuela, continuó a lo largo de los años. Artistas e intelectuales parisinos se vieron apasionadamente divididos por el conflicto, aunque los historiadores del arte modernos tienden a considerar a Ingres y a otros neoclásicos como la encarnación del espíritu romántico de su época. ^{[ 132 ]}

En la Exposición Universal de 1855, tanto Delacroix como Ingres estuvieron bien representados. Los partidarios de Delacroix y los románticos arremetieron contra la obra de Ingres. Los hermanos Goncourt describieron el «talento tacaño» de Ingres: «Ante la historia, el señor Ingres recurre en vano a cierta sabiduría, decencia, conveniencia, corrección y una dosis razonable de la elevación espiritual que exige un graduado universitario. Dispersa figuras alrededor del centro de la acción... lanza aquí y allá un brazo, una pierna, una cabeza perfectamente dibujada, y cree que su trabajo está hecho...» ^{[ 133 ]}

Baudelaire , que antes simpatizaba con Ingres, cambió su postura hacia Delacroix. «Se puede considerar a Ingres un hombre dotado de grandes cualidades, un elocuente evocador de la belleza, pero desprovisto del temperamento enérgico que crea la fatalidad del genio». ^{[ 134 ]}

El propio Delacroix fue implacable con Ingres. Al describir la exposición de obras de Ingres en la Exposición Universal de 1855, la calificó de «ridícula... presentada, como es sabido, de una manera bastante pomposa... Es la expresión completa de una inteligencia incompleta; el esfuerzo y la pretensión están por doquier; no se encuentra ni rastro de naturalidad». ^{[ 135 ]}

Según Paul Chenavard , alumno de Ingres , más adelante en sus carreras, Ingres y Delacroix se encontraron casualmente en las escaleras del Instituto Francés ; Ingres le tendió la mano y ambos se estrecharon amistosamente. ^{[ 136 ]}

Ingres fue un maestro concienzudo y muy admirado por sus alumnos. ^{[ 137 ]} El más conocido de ellos es Théodore Chassériau , quien estudió con él desde 1830, siendo un niño prodigio de once años, hasta que Ingres cerró su estudio en 1834 para regresar a Roma. Ingres consideraba a Chassériau su discípulo más fiel, llegando incluso a predecir, según un biógrafo de la época, que sería «el Napoleón de la pintura». ^{[ 138 ]}

Sin embargo, cuando Chassériau visitó a Ingres en Roma en 1840, la creciente afinidad del joven artista con el estilo romántico de Delacroix era evidente, lo que llevó a Ingres a renegar de su alumno predilecto, de quien posteriormente habló raramente y con tono crítico. Ningún otro artista que estudió con Ingres logró forjar una identidad propia; entre los más destacados se encuentran Jean-Hippolyte Flandrin , Henri Lehmann y Eugène Emmanuel Amaury-Duval . ^{[ 139 ]}

La influencia de Ingres en las generaciones posteriores de artistas fue considerable. Uno de sus herederos fue Degas , quien estudió con Louis Lamothe , un discípulo menor de Ingres. En el siglo XX, su influencia fue aún mayor. Picasso y Matisse fueron algunos de los que reconocieron su deuda con Ingres; Matisse lo describió como el primer pintor "en usar colores puros, delineándolos sin distorsionarlos". ^{[ 140 ]} Los sorprendentes efectos de las pinturas de Ingres —el colapso de la profundidad y la perspectiva tradicionales y la presentación de figuras "como las figuras de una baraja de cartas"— fueron criticados en el siglo XIX, pero fueron bien recibidos por la vanguardia en el siglo XX. ^{[ 141 ]} En 1905 se realizó una importante retrospectiva de las obras de Ingres en el Salón de Otoño de París, a la que asistieron Picasso, Matisse y muchos otros artistas. La composición original e impactante de «El baño turco», mostrada por primera vez en público, tuvo una influencia visible en la composición y las poses de las figuras en Las señoritas de Aviñón de Picasso en 1907. ^{[ 141 ]} La exposición también incluyó muchos de sus estudios para el mural inacabado La edad de oro , incluyendo un impactante dibujo de mujeres bailando con gracia en círculo. Matisse produjo su propia versión de esta composición en su pintura La danza en 1909. ^{[ 141 ]} La pose y el colorido particulares del Retrato de Monsieur Bertin de Ingres también reaparecieron en el Retrato de Gertrude Stein de Picasso (1906). ^{[ 142 ]}

Barnett Newman reconoció a Ingres como precursor del expresionismo abstracto , explicando: «Ese tipo era un pintor abstracto  ... Miraba más el lienzo que a la modelo. Kline , de Kooning ... ninguno de nosotros habría existido sin él». ^{[ 143 ]}

Pierre Barousse, conservador del Museo Ingres, escribió:

...Uno se da cuenta de las múltiples maneras en que diversos artistas lo reivindican como su maestro, desde los más claramente convencionales del siglo XIX, como Cabanel o Bouguereau , hasta los más revolucionarios de nuestro siglo, desde Matisse hasta Picasso. ¿Un clasicista? Ante todo, lo impulsaba el deseo de penetrar en el secreto de la belleza natural y reinterpretarla a través de sus propios medios; una actitud fundamentalmente distinta a la de David  ... de ahí surge un arte verdaderamente personal y único, admirado tanto por los cubistas por su autonomía plástica como por los surrealistas por sus cualidades visionarias. ^{[ 144 ]}

Ingres es uno de los artistas más citados en las composiciones interpictóricas del pintor peruano Herman Braun-Vega . ^{[ 145 ] [ 146 ]} Este último le dedicó una exposición completa en 2006 con motivo del año dedicado a Ingres en los museos de Francia. ^{[ 147 ]}

La conocida pasión de Ingres por tocar el violín dio origen a una expresión común en francés, " violon d'Ingres ", que significa una segunda habilidad más allá de aquella por la que una persona es principalmente conocida.

Ingres fue violinista aficionado desde su juventud y tocó durante un tiempo como segundo violinista en la orquesta de Toulouse. Cuando fue director de la Academia Francesa en Roma, tocaba frecuentemente con los estudiantes de música y artistas invitados. Charles Gounod , alumno de Ingres en la Academia, simplemente señaló que «no era un profesional, y mucho menos un virtuoso». Junto con los estudiantes de música, interpretó cuartetos de cuerda de Beethoven con Niccolò Paganini . En una carta de 1839, Franz Liszt describió su interpretación como «encantadora» y planeaba tocar todas las sonatas para violín de Mozart y Beethoven con Ingres. Liszt también le dedicó sus transcripciones de las sinfonías 5.ª y 6.ª de Beethoven en su publicación original en 1840. ^{[ 148 ]}

El artista vanguardista estadounidense Man Ray utilizó esta expresión como título de una famosa fotografía ^{[ 149 ]} que retrata a Alice Prin (también conocida como Kiki de Montparnasse) en la pose de la bañista de Valpinçon con dos agujeros en forma de f pintados para que su cuerpo se asemeje a un violín.

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  Estudio académico de un torso masculino , 1801, Museo Nacional de Varsovia.
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  Autorretrato , 1804, revisado hacia 1850, Museo Condé , Chantilly.
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  Madame Duvaucey , 1807, Museo Condé, Chantilly
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  Jesús devolviendo las llaves a San Pedro , 1820
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  Mademoiselle Jeanne-Suzanne-Catherine Gonin , 1821, Museo de Arte Taft
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  La princesa de Broglie , de soltera Joséphine-Eléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn, 1853, Museo Metropolitano de Arte , Nueva York
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  Juana de Arco en la coronación de Carlos VII , 1854, Museo del Louvre.
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  La Virgen de la Hostia , 1854
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  Señora. Moitessier , 1856, Galería Nacional
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  Angélica , 1859, Museo de Arte de São Paulo

• Lista de pinturas de Jean-Auguste-Dominique Ingres

• Pintura francesa 1774–1830: la era de la revolución . Nueva York; Detroit: Museo Metropolitano de Arte; Instituto de Artes de Detroit. 1975.(véase el índice)
• Biografía, estilo y obras de arte
• Biografía y obras selectas de Dominique Ingres
• Jean Auguste Dominique Ingres.org – 200 pinturas
• Un vistazo más de cerca al retrato de Louis-François Bertin de Ingres (Museo del Louvre)
• Retratos de Ingres organizados por la National Gallery of Art, Washington (expuestos del 23 de mayo al 22 de agosto de 1999); la National Gallery, Londres (expuestos del 27 de enero al 25 de abril de 1999) y el Metropolitan Museum of Art, Nueva York (expuestos del 5 de octubre de 1999 al 2 de enero de 2000).
• Ingres en la exposición Morgan 2011 en la Biblioteca y Museo Morgan , que exhibió las cartas y dibujos de Ingres.