Coloreado a mano de fotografías

La fotografía monocromática (en blanco y negro) se ejemplificó por primera vez con el daguerrotipo en 1839 y posteriormente se perfeccionó con otros métodos, como el calotipo , el ambrotipo , el ferrotipo , la impresión de albúmina y la impresión de gelatina de plata . La mayor parte de la fotografía siguió siendo monocromática hasta mediados del siglo XX, aunque ya en 1855 se realizaban experimentos para obtener fotografía en color y algunos procesos fotográficos producían imágenes con un color general inherente, como el azul de los cianotipos .

En un intento por crear imágenes más realistas, los fotógrafos y artistas coloreaban a mano las fotografías monocromáticas. Los primeros daguerrotipos coloreados a mano se atribuyen al pintor y grabador suizo Johann Baptist Isenring , quien utilizó una mezcla de goma arábiga y pigmentos para colorear los daguerrotipos poco después de su invención en 1839. ^{[ 2 ]} El polvo de color se fijaba en la delicada superficie del daguerrotipo mediante la aplicación de calor. Variaciones de esta técnica fueron patentadas en Inglaterra por Richard Beard en 1842 y en Francia por Étienne Lecchi en 1842 y Léotard de Leuze en 1845. Posteriormente, el coloreado a mano se utilizó con sucesivas innovaciones fotográficas, desde las impresiones de albúmina y gelatina de plata hasta las diapositivas de linterna mágica ^{[ 3 ]} y la fotografía de transparencias .

Los esfuerzos paralelos por producir imágenes fotográficas en color afectaron la popularidad del coloreado a mano. En 1842, Daniel Davis Jr. patentó un método para colorear daguerrotipos mediante galvanoplastia , ^{[ 4 ]} y su trabajo fue perfeccionado por Warren Thompson al año siguiente. Los resultados del trabajo de Davis y Thompson solo tuvieron un éxito parcial en la creación de fotografías en color y el método de galvanoplastia pronto fue abandonado. En 1850, Levi L. Hill anunció su invención de un proceso de daguerrotipo en colores naturales en su Tratado sobre el daguerrotipo . ^{[ 5 ]} Las ventas de daguerrotipos convencionales sin color y coloreados a mano cayeron en anticipación a esta nueva tecnología. Sin embargo, Hill retrasó la publicación de los detalles de su proceso durante varios años, y sus afirmaciones pronto fueron consideradas fraudulentas. Cuando finalmente publicó su tratado en 1856, el proceso  , fuera o no legítimo  , era ciertamente poco práctico y peligroso.

Con la llegada de las emulsiones fotográficas sobre vidrio surgió la posibilidad de realizar ampliaciones a partir de ellas, pero faltaba una fuente de luz suficientemente potente para proyectarlas sobre la emulsión receptora como impresiones en papel, lienzo u otros soportes. La cámara solar , que empleaba la luz concentrada del sol, abordó el problema mediante una adaptación del microscopio solar ^{[ 6 ]} por el retratista estadounidense David Acheson Woodward en 1857, ^{[ 7 ]} y otros, antes de ser reemplazada por ampliadoras que empleaban fuentes de luz artificial a partir de la década de 1880. Los retratos de tamaño natural realizados por este medio se coloreaban a mano con crayón o se pintaban al óleo y fueron populares hasta la década de 1910.

El coloreado a mano siguió siendo el método más fácil y eficaz para producir imágenes fotográficas a todo color hasta mediados del siglo XX, cuando la empresa estadounidense Kodak introdujo la película en color Kodachrome .

Fotografías japonesas coloreadas a mano (circa 1860–1899)

Fotografía monocromática original

Versión coloreada a mano

Grabado realizado por Stillfried & Andersen entre 1875 y 1885.

Aunque el coloreado a mano de fotografías se introdujo en Europa , la técnica ganó considerable popularidad en Japón , donde la práctica se convirtió en una forma de arte respetada y refinada a partir de la década de 1860. Es posible que el fotógrafo Charles Parker y su socio artista William Parke Andrew fueran los primeros en producir tales obras en Japón, pero los primeros en emplear consistentemente el coloreado a mano en el país fueron el fotógrafo Felice Beato y su socio, el artista y colorista de The Illustrated London News, Charles Wirgman . ^{[ 8 ]} En el estudio de Beato, las refinadas habilidades de los acuarelistas y grabadores de madera japoneses se aplicaron con éxito a la fotografía europea, como lo demuestra el volumen de retratos coloreados a mano de Beato, Native Types .

Otro fotógrafo destacado de los inicios de Japón que utilizó la coloración a mano fue Yokoyama Matsusaburō . Yokoyama se había formado como pintor y litógrafo, además de fotógrafo, y aprovechó su amplio repertorio de habilidades y técnicas para crear lo que él denominó shashin abura-e (写真油絵) o "pinturas fotográficas al óleo", en las que se recortaba el soporte de papel de una fotografía y luego se aplicaban pinturas al óleo sobre la emulsión restante. ^{[ 9 ]}

Entre los profesionales posteriores del coloreado a mano en Japón se encontraba la firma Stillfried & Andersen , que adquirió el estudio de Beato en 1877 y coloreó a mano muchos de sus negativos, además de los suyos propios. ^{[ 10 ]} El barón austriaco Raimund von Stillfried und Ratenitz formó al fotógrafo y colorista japonés Kusakabe Kimbei , y juntos crearon imágenes coloreadas a mano de la vida cotidiana japonesa que fueron muy populares como souvenirs. ^{[ 8 ]} También se produjeron fotografías coloreadas a mano por Kusakabe Kimbei , Tamamura Kozaburō , Adolfo Farsari , Uchida Kuichi , Ogawa Kazumasa y otros. Muchas fotografías coloreadas a mano de alta calidad continuaron haciéndose en Japón hasta bien entrado el siglo XX.

La llamada edad de oro de la fotografía coloreada a mano en el hemisferio occidental tuvo lugar entre 1900 y 1940. ^{[ 11 ]} El aumento de la demanda de fotografía de paisajes coloreada a mano a principios del siglo XX se atribuye al trabajo de Wallace Nutting . Nutting, un pastor de Nueva Inglaterra, se dedicó a la fotografía de paisajes coloreados a mano como pasatiempo hasta 1904, cuando abrió un estudio profesional. Pasó los siguientes 35 años creando fotografías coloreadas a mano y se convirtió en el fotógrafo de este tipo más vendido de todos los tiempos. ^{[ 12 ]}

Entre 1915 y 1925, las fotografías coloreadas a mano fueron populares entre las clases medias de Estados Unidos, Canadá, Bermudas y Bahamas como regalos de boda, regalos para baby showers, regalos navideños, regalos de amistad y recuerdos de vacaciones, asequibles y con estilo. Con el inicio de la Gran Depresión en 1929 y la consiguiente disminución del número de personas de clase media, las ventas de fotografías coloreadas a mano cayeron drásticamente. ^{[ 12 ]}

A pesar de su declive en popularidad, los fotógrafos expertos continuaron creando fotografías bellamente coloreadas a mano. Las fotografías coloreadas a mano de Hans Bellmer de sus propias esculturas de muñecas de la década de 1930 son un ejemplo de la práctica de colorear fotografías a mano en Europa durante este período. ^{[ 13 ]} En Polonia, el Monidło es un ejemplo de las populares fotografías de bodas coloreadas a mano.

Otro fotógrafo que coloreaba a mano, Luis Márquez (1899-1978), fue el fotógrafo oficial y asesor artístico del Pabellón Mexicano en la Exposición Universal de 1939-1940. En 1937, obsequió al gobernador de Texas, James V. Allred, una colección de fotografías coloreadas a mano. La Universidad Nacional Autónoma de México en la Ciudad de México posee un extenso archivo fotográfico de Luis Márquez, al igual que la Universidad de Houston en Texas. ^{[ 14 ]}

En la década de 1950, la disponibilidad de película en color puso fin a la producción de fotografías coloreadas a mano. Sin embargo, el auge de las antigüedades y los objetos de colección en la década de 1960 incrementó el interés por este tipo de fotografía. Desde aproximadamente 1970, se ha producido un resurgimiento de la coloración manual, como se aprecia en la obra de artistas-fotógrafos como Robin Renee Hix, Elizabeth Lennard, Jan Saudek , Kathy Vargas , Rita Dibert y Shae DeTar . El uso que Robert Rauschenberg y otros hicieron de la combinación de fotografía y pintura en su arte representa un precedente de este renacimiento.

A pesar de la disponibilidad de procesos de color de alta calidad , las fotografías coloreadas a mano (a menudo combinadas con tonos sepia ) siguen siendo populares por razones estéticas y porque los pigmentos utilizados tienen una gran permanencia. En muchos países donde la película en color era escasa o cara, o donde el procesamiento del color no estaba disponible, el coloreado a mano continuó utilizándose e incluso se prefirió en ocasiones hasta la década de 1980. Más recientemente, el procesamiento digital de imágenes se ha utilizado  , sobre todo en publicidad  , para recrear la apariencia y los efectos del coloreado a mano. La colorización ahora está al alcance del fotógrafo aficionado mediante software de manipulación de imágenes como Adobe Photoshop o GIMP .

Los tintes básicos se utilizan en el coloreado manual de fotografías. Los tintes son sustancias colorantes solubles, ya sean naturales o sintéticas, en una solución acuosa, a diferencia de los pigmentos, que generalmente son sustancias colorantes insolubles en una suspensión acuosa. Los tintes de anilina , los primeros tintes producidos sintéticamente y utilizados originalmente para teñir textiles, se emplearon por primera vez para teñir impresiones de albúmina y fotografías en transparencias de vidrio en Alemania en la década de 1860. ^{[ 15 ]} Al colorear a mano con tintes , se prefiere una solución diluida de tinte en agua, y los colores a menudo se acumulan con lavados repetidos en lugar de aplicarse de una sola vez. El método consiste en teñir la impresión en lugar de pintarla , ya que demasiada pintura ocultaría los detalles fotográficos. Se utiliza papel secante para controlar la cantidad de tinte en la superficie absorbiendo el exceso.

La pintura de acuarela tiene la ventaja de ser más permanente que los tintes, pero es menos transparente y, por lo tanto, más propensa a ocultar detalles. El coloreado a mano con acuarelas requiere el uso de un medio para evitar que los colores se sequen con un acabado opaco y sin vida. Antes de aplicar la pintura, la superficie de la impresión debe imprimarse para que los colores no sean repelidos. Esto a menudo incluye preparar la impresión con una capa fina de goma laca y luego agregar arena antes de colorear. ^{[ 16 ]} La pintura de acuarela utilizada en el coloreado fotográfico a mano consta de cuatro ingredientes: pigmentos (naturales o sintéticos), un aglutinante (tradicionalmente goma arábiga ), aditivos para mejorar la plasticidad (como la glicerina ) y un disolvente para diluir la pintura (es decir, agua ) que se evapora cuando la pintura se seca. La pintura se aplica típicamente a las impresiones con un pincel suave. Las acuarelas a menudo "dejan un borde de color más oscuro en los límites del área pintada". ^{[ 17 ]} Dado que los diferentes pigmentos tienen distintos grados de transparencia, la elección de los colores debe considerarse cuidadosamente. Se prefieren los pigmentos más transparentes, ya que garantizan una mayor visibilidad de la imagen fotográfica.

La pintura al óleo contiene partículas de pigmento aplicadas con un aceite secante , como el aceite de linaza . Las convenciones y técnicas del uso de óleos requieren conocimientos de dibujo y pintura , por lo que se utiliza con frecuencia en la práctica profesional. Al colorear a mano con óleos, lo más común es usar la imagen fotográfica simplemente como base para la pintura. La posibilidad de crear retratos al óleo precisos a partir de una base fotográfica propició el fraude artístico, con algunos artistas que afirmaban pintar retratos al óleo tradicionales (a un precio más alto) cuando en realidad calcaban una fotografía. Por lo tanto, la elección de los colores al óleo está determinada por la transparencia relativa de los pigmentos para permitir la autenticación de la base fotográfica. Es necesario preparar la impresión previamente para evitar la absorción de los colores en el papel. Antiguamente, las diapositivas fotográficas solían ser coloreadas por el fabricante, aunque a veces por el usuario, con resultados variables. ^{[ 18 ]} Por lo general, se usaban colores al óleo para este tipo de diapositivas, aunque en la era del colodión , desde 1848 hasta finales del siglo XIX , a veces también se usaban acuarelas.  

El uso de crayones o barras de pastel con pigmentos molidos en varios niveles de saturación también se considera dominio de un colorista altamente capacitado, ya que requiere conocimiento de técnicas de dibujo. Al igual que los óleos, los crayones y pasteles generalmente oscurecen la fotografía original, lo que produce retratos más parecidos a pinturas tradicionales. El fotocrayotipo , los cromotipos y los colotipos de crayón se utilizaban para colorear fotografías mediante la aplicación de crayones y pigmentos sobre una impresión fotográfica. ^{[ 19 ]} El carboncillo y los lápices de colores también se utilizan en el coloreado manual de fotografías y los términos crayón, pastel, carboncillo y lápiz a menudo eran usados ​​indistintamente por los coloristas.

Las fotografías coloreadas a mano a veces combinan tintes, acuarelas, óleos y otros pigmentos para crear diversos efectos en la imagen impresa. Independientemente del medio utilizado, las principales herramientas para aplicar el color son el pincel y la yema del dedo. A menudo, se cubre el dedo con el que se aplica el color para evitar dejar huellas dactilares en la imagen.

Los tintes y las acuarelas requieren medidas de conservación similares cuando se aplican a fotografías coloreadas a mano. Al igual que las fotografías mismas, las acuarelas y los tintes aplicados a mano sobre fotografías son susceptibles al daño causado por la luz y deben guardarse en un lugar oscuro o exhibirse bajo luz tenue e indirecta. Los contaminantes particulados comunes pueden causar la decoloración de los pigmentos de acuarela, pero la superficie de la pintura se puede limpiar quitando el polvo suavemente con un cepillo suave. ^{[ 26 ]}

La pintura al óleo se aplicaba frecuentemente a los ferrotipos , daguerrotipos y ambrotipos . ^{[ 17 ]} Al igual que con todas las fotografías, estos materiales reaccionan negativamente a las fuentes de luz directa, que pueden provocar que los pigmentos se decoloren y se oscurezcan, y a los cambios frecuentes de humedad relativa y temperatura , que pueden causar que la pintura al óleo se agriete. Para fotografías con daños importantes, podría ser necesaria la intervención de un restaurador de pinturas al óleo. ^{[ 27 ]}

Las fotografías coloreadas a mano con crayones y pasteles tienen una superficie polvorienta que debe protegerse para su conservación. Históricamente, estas fotografías se vendían enmarcadas bajo una capa protectora de vidrio, lo que solía reducir la manipulación y el deterioro de la superficie. ^{[ 29 ]} Cualquier trabajo de conservación en fotografías coloreadas con crayones o pasteles debe conservar los marcos y el vidrio originales para mantener la autenticidad y el valor de la obra. Si la fotografía se separa de su enmarcado original, puede guardarse en una carpeta de calidad de archivo hasta que se enmarque o se coloque en una caja.

En Estados Unidos, muchas fotografías coloreadas a mano que se vendían comercialmente se empaquetaban y enmarcaban para su venta al por menor . ^{[ 31 ]} Las fotografías coloreadas a mano de principios del siglo XX a menudo se montaban sobre cartón , se colocaban detrás de un marco de vidrio y se respaldaban con listones de madera, cartón o cartulina gruesa. Con frecuencia se pegaba una hoja de respaldo al reverso del cartón. Desafortunadamente, los productos de papel fabricados y utilizados durante finales del siglo XIX y principios del XX son altamente ácidos y causan amarilleamiento, fragilidad y degradación de las fotografías coloreadas a mano. Las inclusiones metálicas en el papel también pueden oxidarse, lo que puede ser la causa de la aparición de manchas de óxido en los materiales de papel. Los listones de madera también desprenden gases que causan una mayor degradación de las fotografías.

La conservación sencilla de estos materiales frágiles puede ser realizada por un aficionado aventurero. Una fotografía coloreada a mano debe retirarse del marco, conservando los tornillos o clavos originales que lo sujetan. Los paneles de madera, las láminas de cartón ácido y el papel de soporte ácido pueden retirarse del marco y del paspartú y desecharse, conservando cualquier información de identificación, como sellos o escritura en el papel de soporte. El paspartú sobre el que está montada la fotografía, aunque sea ácido, no puede retirarse ni reemplazarse debido al valor intrínseco de este montaje original. A menudo, la firma del artista y el título de la fotografía están inscritos en el paspartú. La mejor manera de limitar la degradación es almacenar la fotografía en un ambiente fresco y seco con poca luz. La fotografía coloreada a mano debe volver a colocarse en su marco original, sujeta con cartón libre de ácido de calidad de archivo y cerrada con los clavos o tornillos originales. ^{[ 32 ]}