Notación gráfica (música)

Though its most popular usage occurred in the mid-twentieth century, the first evidence of graphic notation dates back much earlier. Originally called "eye music", these graphic scores bear much resemblance to the scores of composers like George Crumb. One of the earliest surviving pieces of eye music is Belle, Bonne, Sage by Baude Cordier, a Renaissance composer. His score, formed in the shape of a heart, was intended to enhance the meaning of the chanson.^[8] Characteristic of the Ars subtilior, "experimentations with mensural signs and graphic shapes and colours were often a feature of musical design – for the sake of visual, rather than necessarily audible effect."^[9] Another example of eye music from the ars subtilior is Jacob Senleches' La harpe de melodie, where the voices are notated on a stave that appears to be the strings of a harp. Eye music's popularity died down after the Humanist movement of the mid-16th century, later to be revitalized in the twentieth century as the use of graphic scores became prominent once again.

El pedagogo musical del siglo XIX, Pierre Galin, desarrolló un método de notación musical conocido como el sistema Galin-Paris-Chevé , basado en un sistema de notación creado en el siglo XVIII por Jean-Jacques Rousseau . Este sistema utilizaba números para indicar los grados de la escala y puntos encima o debajo de la nota para indicar si se encontraba en la octava más baja o en la más alta. La octava media, en relación con el ejemplo, no contenía puntos. Los bemoles y sostenidos se anotaban con barras invertidas y barras inclinadas, respectivamente. Las prolongaciones de la nota se anotaban con puntos, y el silencio con el número cero. Este método se utilizaba principalmente para enseñar solfeo. ^{[ 10 ]} El uso de símbolos para indicar la dirección musical se ha comparado con una versión temprana de la notación gráfica. ^{[ 2 ]}

La música experimental surgió en Estados Unidos y Europa durante la década de 1950, cuando muchos de los parámetros hasta entonces intocables de la música tradicional comenzaron a ser cuestionados. La música aleatoria , la música indeterminada , la música concreta y la música electrónica sacudieron conceptos hasta entonces incuestionables, como el tiempo musical o la función del músico, y se atrevieron a añadir otros al espacio musical en todas sus dimensiones, con todas sus consecuencias y cargas ontológicas. También transformaron los roles del compositor, el intérprete y el público, otorgándoles funciones totalmente nuevas para explorar.

En este contexto, la partitura, considerada en gran medida un mero soporte para la escritura musical (con la excepción de la música visual ), comenzó a explorar los límites de la obra y su identidad. Esta fusión dio lugar a tres vertientes: la primera la concebía como una representación del sonido organizado; la segunda, como una extensión del sonido; y la tercera, como otro tipo de música, una música visual con autonomía propia, independiente del sonido. La partitura adquirió nuevos significados y pasó de ser un simple soporte sonoro a una extensión de la obra, o incluso a una obra completamente distinta, un elemento tan importante como los sonidos y silencios que contenía, o incluso más. Estas concepciones exigieron un nuevo lenguaje y una nueva interpretación de lo que significa ser musical. También requirieron una nueva notación que reflejara los cambios que se estaban produciendo en las segundas vanguardias artísticas y los contuviera, otorgándoles una nueva semántica. De esta forma, teniendo en cuenta la porosidad de la música experimental con respecto a las artes plásticas , la notación se vio cada vez más influenciada por un diálogo con la pintura, las instalaciones y la performatividad. ^{[ 11 ]} Como menciona JY Bosseur en La musique du XXè siècle à la croisé des artes , ^{[ 12 ]} la partitura progresó hacia la representación de la gestión del espacio, un espacio gráfico que nos permite conocer las múltiples conexiones encerradas en él.

La notación gráfica en su forma moderna apareció por primera vez en la década de 1950 como una herramienta para que los compositores de vanguardia integraran la indeterminación , el azar y una gama más amplia de sonidos musicales y no musicales en su música. La primera partitura gráfica (occidental) es "Projection 1" de Feldman de 1950. ^{[ 13 ]} Este movimiento también fue impulsado por John Cage en conversación con un grupo de compositores, incluidos Morton Feldman, Earle Brown y Christian Wolff, ahora conocidos como la Escuela de Nueva York (distinta de los pintores de la Escuela de Nueva York). El pianista David Tudor , un pianista virtuoso y serio capaz de plasmar las nuevas formas de notación de manera convincente, también fue una figura importante. La notación gráfica fue utilizada originalmente por músicos de vanguardia y se manifestó como el uso de símbolos para transmitir información que no podía ser representada con la notación tradicional, como técnicas extendidas . Las partituras gráficas, desde su concepción, han evolucionado en dos categorías ampliamente definidas: una es la invención de nuevos sistemas de notación utilizados para transmitir técnicas musicales específicas y la otra el uso de notación conceptual como formas, dibujos y otras técnicas artísticas que están destinadas a evocar la improvisación del intérprete. Ejemplos de la primera incluyen Projection 1 de Morton Feldman , que fue el resultado de que Feldman dibujara formas abstractas en papel cuadriculado, ^{[ 6 ]} y Prozession de Stockhausen . ^{[ 1 ]} Ejemplos de esto último incluyen December 1952 de Earle Brown y Treatise de Cornelius Cardew , que fue escrito en respuesta a 4'33" de Cage y que escribió después de haber trabajado como asistente de Stockhausen. La partitura consta de 193 páginas de líneas y formas sobre un fondo blanco. Aquí las líneas representaban elementos en el espacio y la partitura era simplemente una representación de ese espacio en un instante dado. ^{[ 3 ]} En Europa, uno de los usuarios más notables fue Sylvano Bussotti , cuyas partituras a menudo han sido exhibidas como piezas de arte visual por entusiastas. ^{[ 3 ]} En 1969, en un esfuerzo por promover el movimiento de la notación abstracta, John Cage y Allison Knowles publicaron un archivo de extractos de partituras de 269 compositores con la intención de mostrar "las muchas direcciones en las que la notación está yendo ahora". ^{[ 14 ]}

Otros pioneros notables de la notación gráfica incluyen compositores como Roman Haubenstock-Ramati , Mauricio Kagel , György Ligeti ( Artikulation ), Krzysztof Penderecki , Karlheinz Stockhausen , Iannis Xenakis , Morton Feldman , Constance Cochnower Virtue y Christian Wolff . La proliferación de la notación gráfica después de la Segunda Guerra Mundial, entre una amplia gama de nuevas formas de notación experimental, fue un catalizador importante para la exploración interdisciplinaria en las artes, generando muchas innovaciones en la música, el arte, la poesía y la danza. ^{[ 15 ]}

En 2008, Theresa Sauer editó un compendio que presentaba partituras gráficas de compositores de más de cincuenta países, ^{[ 16 ]} demostrando lo extendida que se ha vuelto esta práctica.

Desde su aparición en la década de 1950, la notación gráfica ha experimentado un desarrollo significativo. Hoy en día, se utiliza no solo en la música de conjunto moderna, sino también en contextos terapéuticos ^{[ 17 ]} , ^{[ 18 ]} y entornos educativos. Además, las partituras gráficas promueven la colaboración entre músicos de diversos orígenes —incluidas las tradiciones clásica, folclórica, amateur y de jazz/pop— al ofrecer un medio visual común que mejora la accesibilidad y la inclusión de la creación musical contemporánea ^{[ 19 ]} .

En parte gracias a los avances tecnológicos y al rápido intercambio de información, las formas alternativas de notación musical se han generalizado cada vez más. Desde finales del siglo XX, muchos compositores han experimentado con la Notación Musical Animada (AMN, por sus siglas en inglés), un enfoque digital que incorpora el movimiento y la dinámica visual como elementos esenciales de la partitura musical.

• Las partituras pictográficas basadas en el tiempo, como Waterwalk de John Cage , utilizan una combinación de la marcación del tiempo y una notación pictográfica como instrucciones sobre cómo y cuándo realizar ciertas acciones.
• Las partituras pictográficas como Stripsody de Cathy Berberian utilizan únicamente dibujos y texto, prescindiendo de cualquier referencia temporal. Esto permite al intérprete interpretar la pieza a su manera. ^{[ 20 ]}
• Los pentagramas muestran la altura aproximada del sonido , aunque la altura real se decide en el momento de la interpretación.

• Altered notation can be seen in George Crumb's work,^[21] where he uses traditional notation but presents the music on the page in a graphic or nontraditional manner such as spirals or circles. One example of altered notation is Crumb's Makrokosmos"^[22] for Amplified Piano. Crumb's score contained three detailed pages of instructions, with movements including Primeval Sounds, Crucifixus and Spiral Galaxy.
• New specific notation system, that is, a new of specifically and graphically notate musical actions like that of Xenakis' Psappha.^[23]

• Time-based abstract representation, can be seen in Hans-Christoph Steiner's score for Solitude in which the music is represented using symbols and illustrations. Note that here, time is still represented horizontally from left to right like in a pitch graph system, and thus implies that the piece has a specific form.

  

• Time-based abstract notation, such as Rudolf Komorous's Chanson utilizes abstract notation with time indication, or least a direction in which the piece is read and therefore implies a form.^[14]
• Free abstract representations, such as Brown'sDecember 1952, where the form, pitch material and instrumentation are left up to the performer.^[3]
• Another example is John Cage's Aria;^[25] although it may appear to be random squiggles, each line indicates a different style of singing, notated in wavy lines in ten different colors, and the black squares indicate non-specified 'non-musical' sounds.
• Free abstract notation, such as Mark Applebaum's "The Metaphysics of Notation" and where elements of traditional music notation are melded with abstract designs.^[26][27]
• Otro ejemplo es la pieza Golden Flower de Tom Phillips ; esta pieza utiliza letras mayúsculas para indicar las notas que deben tocarse en el registro grave y letras minúsculas para las que se tocan en un registro más agudo. El intérprete puede añadir bemoles y sostenidos a su gusto. Los puntos alrededor de las notas indican la intensidad y la duración de cada nota. ^{[ 28 ]}