Cosplay

Los bailes de máscaras eran una característica del Carnaval en el siglo XV e incluían entradas reales alegóricas cada vez más elaboradas , desfiles y procesiones triunfales que celebraban matrimonios y otros eventos dinásticos de la vida cortesana de finales de la Edad Media. Durante el Renacimiento italiano del siglo XVI , se extendieron a festividades públicas con disfraces , generalmente bailes elaborados para miembros de las clases altas, que fueron particularmente populares en Venecia .

En abril de 1877, el novelista francés Jules Verne envió casi 700 invitaciones para un elaborado baile de disfraces, donde varios de los invitados se presentaron vestidos como personajes de las novelas de Verne. ^{[ 6 ]}

Las fiestas de disfraces ( en inglés americano ) o fiestas de disfraces ( en inglés británico ) fueron populares desde el siglo XIX en adelante. Las guías de vestuario de la época, como Male Character Costumes (1884) de Samuel Miller ^{[ 7 ]} o Fancy Dresses Described (1887) de Ardern Holt, ^{[ 8 ]} presentan principalmente disfraces genéricos, ya sean de época, trajes típicos, objetos o conceptos abstractos como "otoño" o "noche". La mayoría de los disfraces específicos descritos en ellas son para figuras históricas, aunque algunos provienen de la ficción, como Los tres mosqueteros de Alexandre Dumas o los personajes de William Shakespeare .

En marzo de 1891, Herbert Tibbits hizo un llamado literal a lo que hoy se describiría como "cosplayers" para un evento que se celebraría del 5 al 10 de marzo de ese año en el Royal Albert Hall de Londres, para el llamado Vril-Ya Bazaar and Fete basado en una novela de ciencia ficción y sus personajes, publicada dos décadas antes. ^{[ 9 ]}

El personaje de la tira cómica de ciencia ficción de AD Condo , el Sr. Skygack, de Marte (un etnógrafo marciano que malinterpreta cómicamente muchos asuntos terrestres), es posiblemente el primer personaje de ficción que la gente emuló usando disfraces, como en 1908, cuando el Sr. y la Sra. William Fell de Cincinnati, Ohio , asistieron a un baile de máscaras en una pista de patinaje vestidos con los disfraces del Sr. Skygack y la Srta. Dillpickles. Más tarde, en 1910, una mujer anónima ganó el primer premio en un baile de máscaras en Tacoma, Washington , vistiendo otro disfraz de Skygack. ^{[ 13 ] [ 14 ]}

Las primeras personas en usar disfraces para asistir a una convención fueron los fanáticos de la ciencia ficción Forrest J. Ackerman y Myrtle R. Douglas, conocidos en el fandom como Morojo . Asistieron a la 1.ª Convención Mundial de Ciencia Ficción de 1939 (Nycon o 1.ª Worldcon ) en el Caravan Hall, Nueva York, EE. UU., vestidos con "disfraces futuristas", que incluían capa y pantalones verdes, basados ​​en las ilustraciones de la revista pulp de Frank R. Paul y la película de 1936 Things to Come , diseñada y creada por Douglas. ^{[ 14 ] [ 15 ] [ 16 ]}

Ackerman declaró más tarde que pensaba que todos debían usar un disfraz en una convención de ciencia ficción, aunque solo él y Douglas lo hicieron. ^{[ 17 ]}

Sin embargo, el disfraz de los fans se popularizó, y la 2.ª Worldcon (1940) tuvo tanto una mascarada no oficial celebrada en la habitación de Douglas como una mascarada oficial como parte del programa. ^{[ 18 ] [ 19 ] [ 20 ]} David Kyle ganó la mascarada vistiendo un disfraz de Ming el Despiadado creado por Leslie Perri , mientras que Robert AW Lowndes obtuvo el segundo lugar con un disfraz de Bar Senestro (de la novela The Blind Spot de Austin Hall y Homer Eon Flint ). ^{[ 19 ]} Otros asistentes disfrazados incluyeron al invitado de honor EE Smith como Northwest Smith (de la serie de cuentos de CL Moore ) y tanto Ackerman como Douglas vistiendo nuevamente sus disfraces futuristas. ^{[ 17 ] [ 19 ] [ 21 ]} Las mascaradas y los bailes de disfraces continuaron siendo parte de la tradición de la Convención Mundial de Ciencia Ficción a partir de entonces. ^{[ 20 ]} Los primeros bailes de máscaras de la Worldcon contaban con una banda, baile, comida y bebidas. Los concursantes caminaban por un escenario o por un área despejada de la pista de baile. ^{[ 20 ]}

Ackerman usó un disfraz de "El jorobado de Notre Dame" en la 3.ª Worldcon (1941), que incluía una máscara diseñada y creada por Ray Harryhausen , pero pronto dejó de usar disfraces en las convenciones. ^{[ 17 ]} Douglas usó un disfraz de Akka (de la novela de A. Merritt , The Moon Pool ), con la máscara también hecha por Harryhausen, en la 3.ª Worldcon y un disfraz de la Madre Serpiente (otro disfraz de Merritt, de The Snake Mother ) en la 4.ª Worldcon (1946). ^{[ 22 ]} La terminología aún no estaba definida; la edición de 1944 de la Fancyclopedia de Jack Speer usó el término fiesta de disfraces . ^{[ 23 ]}

Las reglas que rigen los disfraces se establecieron en respuesta a disfraces específicos y tendencias de vestuario. El primer concursante desnudo en una mascarada de Worldcon fue en 1952; pero el apogeo de esta tendencia fue en la década de 1970 y principios de la de 1980, con algunos cada año. ^{[ 20 ]} Esto finalmente llevó a la regla "Sin disfraz no hay disfraz", que prohibía la desnudez total, aunque la desnudez parcial todavía estaba permitida siempre que fuera una representación legítima del personaje. ^{[ 14 ]} Mike Resnick describe el mejor de los disfraces desnudos como Kris Lundi usando un disfraz de arpía en la 32.ª Worldcon (1974) (recibió una mención honorífica en la competencia). ^{[ 20 ] [ 24 ] [ 25 ]} Otro disfraz que instigó un cambio de regla fue un asistente a la 20.ª Worldcon (1962) cuyo accesorio de bláster disparó un chorro de llama real; lo que llevó a que se prohibiera el fuego. ^{[ 20 ]} En la 30.ª WorldCon (1972), el artista Scott Shaw lució un disfraz compuesto principalmente de mantequilla de cacahuete para representar a su propio personaje de cómic underground llamado "The Turd". La mantequilla de cacahuete se desprendió, dañando los muebles tapizados y los disfraces de otras personas, y luego comenzó a enranciarse bajo el calor de las luces. Después de ese evento, se prohibieron los alimentos y las sustancias desagradables y sucias como elementos de disfraces. ^{[ 20 ] [ 26 ] [ 27 ] [ 28 ]}

El uso de disfraces se extendió con las convenciones de ciencia ficción y la interacción de los fans . El primer caso conocido de disfraces en una convención en el Reino Unido fue en la Convención de Ciencia Ficción de Londres (1953), pero esto fue solo como parte de una obra de teatro. Sin embargo, miembros de la Sociedad de Ciencia Fantástica de Liverpool asistieron a la 1.ª Cytricon (1955), en Kettering , vistiendo disfraces y continuaron haciéndolo en años posteriores. ^{[ 29 ]} La 15.ª Worldcon (1957) trajo el primer baile de máscaras oficial de una convención al Reino Unido. ^{[ 29 ]} La Eastercon de 1960 en Londres puede haber sido la primera convención con sede en Gran Bretaña en celebrar una fiesta de disfraces oficial como parte de su programa. ^{[ 30 ]} Las ganadoras conjuntas fueron Ethel Lindsay e Ina Shorrock como dos de las brujas que dan título a la novela Las brujas de Karres de James H. Schmitz . ^{[ 31 ]}

Las convenciones de Star Trek comenzaron en 1969 y las convenciones más importantes en 1972, y en todas ellas ha aparecido el cosplay. ^{[ 32 ]}

En Japón, el uso de disfraces en las convenciones era una actividad de los fans desde al menos la década de 1970, especialmente después del lanzamiento de la convención Comiket en diciembre de 1975. ^{[ 14 ]} En ese momento, el uso de disfraces se conocía como kasō (仮装) . ^{[ 14 ]} El primer caso documentado de uso de disfraces en un evento de fans en Japón fue en Ashinocon (1978), en Hakone , donde la futura crítica de ciencia ficción Mari Kotani usó un disfraz basado en la portada de la novela de Edgar Rice Burroughs , A Fighting Man of Mars . ^{[ Notas 1 ] [ 33 ] [ 34 ]} En una entrevista, Kotani afirma que había alrededor de veinte asistentes disfrazados en la fiesta de disfraces de la convención, compuesta por miembros de su club de fans Triton of the Sea y Kansai Entertainers (関西芸人, Kansai Geinin ) , antecesor del estudio de anime Gainax , con la mayoría de los asistentes con ropa normal. ^{[ 33 ]} Uno del grupo de Kansai, un amigo anónimo de Yasuhiro Takeda , llevaba un disfraz improvisado de Tusken Raider (de la película Star Wars ) hecho con uno de los rollos de papel higiénico del hotel anfitrión. ^{[ 35 ]} Los concursos de disfraces se convirtieron en una parte permanente de las convenciones Nihon SF Taikai desde Tokon VII en 1980.

Posiblemente el primer concurso de disfraces celebrado en una convención de cómics tuvo lugar en la 1.ª Academy Con, celebrada en el Broadway Central Hotel de Nueva York en agosto de 1965. ^{[ 36 ]} Roy Thomas , futuro editor jefe de Marvel Comics, que por aquel entonces estaba en plena transición de editor de fanzines a guionista profesional de cómics, asistió disfrazado de Plastic Man . ^{[ 36 ]}

El primer baile de máscaras celebrado en la Comic-Con de San Diego tuvo lugar en 1974 durante el sexto evento de la convención. La actriz de doblaje June Foray fue la maestra de ceremonias . ^{[ 37 ]} La futura reina del grito, Brinke Stevens, ganó el primer lugar luciendo un disfraz de Vampirella . ^{[ 38 ] [ 39 ]} Ackerman (creador de Vampirella) estuvo presente y posó con Stevens para fotografías. Se hicieron amigos y, según Stevens, "Forry y su esposa, Wendayne, pronto se convirtieron en mis padrinos". ^{[ 40 ]} El fotógrafo Dan Golden vio una fotografía de Stevens con el disfraz de Vampirella mientras visitaba la casa de Ackerman, lo que lo llevó a contratarla para un papel sin diálogo en su primer cortometraje estudiantil, Zyzak is King (1980), y más tarde a fotografiarla para la portada del primer número de Femme Fatales (1992). ^{[ 40 ]} Stevens atribuye a estos eventos el lanzamiento de su carrera como actriz. ^{[ 40 ]}

Ya un año después del estreno de The Rocky Horror Picture Show en 1975 , los espectadores comenzaron a disfrazarse de personajes de la película y a participar en juegos de rol (aunque el incentivo inicial para disfrazarse era la entrada gratuita) con disfraces a menudo muy precisos. ^{[ 41 ] [ 42 ]}

Costume-Con, una conferencia dedicada al vestuario, se celebró por primera vez en enero de 1983. ^{[ 43 ] [ 44 ]} El Gremio Internacional de Vestuario, Inc., originalmente conocido como el Gremio de Vestuario Fantástico de la Gran Columbia, se fundó después de la tercera Costume-Con (1985) como organización matriz y para apoyar el vestuario. ^{[ 43 ]}

El uso de disfraces era una actividad popular en Japón desde la década de 1970, y se popularizó mucho más tras el informe de Takahashi. Sin embargo, el nuevo término no se popularizó de inmediato. Pasó uno o dos años después de la publicación del artículo antes de que se generalizara su uso entre los aficionados en las convenciones. ^{[ 14 ]} Fue en la década de 1990, tras su difusión en televisión y revistas, cuando el término y la práctica del cosplay se hicieron de conocimiento común en Japón. ^{[ 14 ]}

Los primeros cafés de cosplay aparecieron en la zona de Akihabara en Tokio a finales de la década de 1990. ^{[ 18 ] [ 45 ]} Se instaló un maid café temporal en el evento Tokyo Character Collection en agosto de 1998 para promocionar el videojuego Welcome to Pia Carrot 2 (1997). ^{[ 45 ]} Ocasionalmente se celebró un Pia Carrot Restaurant en la tienda Gamers en Akihabara en los años hasta el 2000. ^{[ 45 ]} Estar vinculado a propiedades intelectuales específicas limitó la vida útil de estos cafés, lo que se solucionó utilizando maids genéricas, lo que llevó al primer establecimiento permanente, Cure Maid Café, que abrió en marzo de 2001. ^{[ 45 ]}

La primera Cumbre Mundial de Cosplay se celebró el 12 de octubre de 2003 en el Hotel Rose Court de Nagoya, Japón, con la participación de cinco cosplayers invitados de Alemania, Francia e Italia. No hubo competición hasta 2005, cuando comenzó el Campeonato Mundial de Cosplay. Las primeras ganadoras fueron el equipo italiano formado por Giorgia Vecchini , Francesca Dani y Emilia Fata Livia.

La asistencia a los concursos de disfraces de la Worldcon alcanzó su punto máximo en la década de 1980 y comenzó a disminuir posteriormente. Esta tendencia se revirtió cuando el concepto de cosplay fue reintroducido desde Japón.

Los cosplayers obtienen su vestimenta a través de diversos métodos. Los fabricantes producen y venden trajes empaquetados para cosplay, con distintos niveles de calidad. Estos disfraces suelen venderse en línea, pero también se pueden adquirir en tiendas especializadas en convenciones. Los fabricantes japoneses de disfraces de cosplay reportaron una ganancia de 35  mil millones de yenes en 2008. ^{[ 48 ]} Varias personas también trabajan por encargo, creando disfraces, accesorios o pelucas personalizados, diseñados y ajustados a la medida. Otros cosplayers, que prefieren crear sus propios disfraces, también ofrecen un mercado para elementos individuales y diversas materias primas , como pelucas sin peinar , tinte para el cabello, telas y artículos de costura, látex líquido , pintura corporal , bisutería y armas de utilería.

El cosplay representa un acto de encarnación . El cosplay se ha vinculado estrechamente con la presentación del yo , ^{[ 49 ]} sin embargo, la capacidad de los cosplayers para actuar está limitada por sus características físicas. La precisión de un cosplay se juzga en función de la capacidad de representar con exactitud a un personaje a través del cuerpo, y los cosplayers individuales con frecuencia se enfrentan a sus propios "límites corporales" ^{[ 50 ]} , como el nivel de atractivo, el tamaño corporal y la discapacidad ^{[ 51 ]} , que a menudo restringen y limitan la percepción de la precisión del cosplay. La autenticidad se mide por la capacidad individual de un cosplayer para traducir la manifestación en pantalla al cosplay en sí. Algunos han argumentado que el cosplay nunca puede ser una representación fiel del personaje; en cambio, solo puede leerse a través del cuerpo, y que la verdadera encarnación de un personaje se juzga en función de la cercanía a la forma original del personaje. ^{[ 52 ]} El cosplay también puede ayudar a algunas personas con problemas de autoestima. ^{[ 53 ] [ 54 ]}

Muchos cosplayers crean sus propios trajes, tomando como referencia imágenes de los personajes. En la creación de los trajes, se dedica mucho tiempo a los detalles y las cualidades, por lo que la habilidad de un cosplayer puede medirse por la dificultad de los detalles del traje y la fidelidad con la que se han replicado. Debido a la dificultad de replicar algunos detalles y materiales, los cosplayers a menudo se forman en especialidades artesanales como textiles , escultura , pintura facial , fibra de vidrio , diseño de moda , carpintería y otros usos de materiales para lograr una representación precisa del aspecto y la textura del traje. ^{[ 55 ]} Los cosplayers suelen usar pelucas junto con su traje para mejorar aún más el parecido con el personaje. Esto es especialmente necesario para los personajes de anime, manga o videojuegos, que a menudo tienen cabello de colores poco naturales y estilos únicos. Los trajes más sencillos pueden compensar su falta de complejidad prestando atención a la elección de los materiales y a la alta calidad general.

Para parecerse más a los personajes que interpretan, los cosplayers también pueden recurrir a diversas formas de modificación corporal . Pueden optar por cambiar el color de su piel con maquillaje para simular mejor la raza del personaje que adoptan. ^{[ 56 ]} Las lentes de contacto que coinciden con el color de los ojos del personaje son una forma común de esto, especialmente en el caso de personajes con ojos particularmente únicos como parte de su apariencia característica. También se utilizan lentes de contacto que agrandan la pupila para imitar visualmente los ojos grandes de los personajes de anime y manga. ^{[ 57 ]} Otra forma de modificación corporal en la que participan los cosplayers es copiar cualquier tatuaje o marca especial que pueda tener su personaje. Tatuajes temporales , marcadores permanentes , pintura corporal y, en casos raros, tatuajes permanentes, son métodos que utilizan los cosplayers para lograr la apariencia deseada. Tintes permanentes y temporales para el cabello , tintes en aerosol para el cabello y productos de peinado extremos especializados son utilizados por algunos cosplayers cuyo cabello natural permite lograr el peinado deseado. También es común que se afeiten las cejas para obtener una apariencia más precisa.

Algunos personajes de anime y videojuegos tienen armas u otros accesorios difíciles de replicar, y las convenciones tienen reglas estrictas con respecto a esas armas, pero la mayoría de los cosplayers recurren a una combinación de métodos para obtener todos los elementos necesarios para sus disfraces; por ejemplo, pueden encargar un arma de utilería, coser su propia ropa, comprar joyas de personajes a un fabricante de accesorios para cosplay o comprar un par de zapatos ya hechos y modificarlos para que coincidan con el aspecto deseado.

El cosplay puede presentarse de diversas formas y en distintos lugares. Un subconjunto de la cultura del cosplay se centra en el atractivo sexual , donde los cosplayers eligen específicamente personajes conocidos por su atractivo o disfraces reveladores. Sin embargo, usar un disfraz revelador puede ser un tema delicado al aparecer en público. ^{[ 58 ] [ 59 ] [ 60 ]} Era tan común que la gente apareciera desnuda en las convenciones de fans de la ciencia ficción estadounidenses durante la década de 1970, que se introdujo la regla de "sin disfraz no hay disfraz". ^{[ 61 ]} Algunas convenciones en los Estados Unidos, como Phoenix Comicon ^{[ 62 ]} (ahora conocida como Phoenix Fan Fusion ) y Penny Arcade Expo , ^{[ 63 ]} también han emitido reglas que les permiten reservarse el derecho de pedir a los asistentes que se retiren o cambien sus disfraces si se consideran inapropiados para un ambiente familiar o de naturaleza similar.

Convenciones

La forma más popular de lucir un cosplay en público es asistiendo a una convención de fans . Existen numerosas convenciones dedicadas al anime, el manga, los cómics, las series de televisión, los videojuegos, la ciencia ficción y la fantasía en todo el mundo. Entre las convenciones centradas en el cosplay se encuentran Cosplay Mania en Filipinas y el EOY Cosplay Festival en Singapur.

El evento más grande dedicado al cosplay es el mercado semestral de doujinshi , Comic Market ( Comiket ), que se celebra en Japón durante el verano y el invierno. Comiket atrae a cientos de miles de fans del manga y el anime, donde miles de cosplayers se congregan en la azotea del centro de exposiciones. En Norteamérica, las convenciones de fans con mayor asistencia de cosplayers son la Comic-Con de San Diego y la Comic-Con de Nueva York, celebradas en Estados Unidos, y la convención específica de anime Anime North en Toronto, Otakon en Washington, D.C. y Anime Expo en Los Ángeles. El evento más grande de Europa es Japan Expo, que se celebra en París, mientras que la London MCM Expo y la London Super Comic Convention son las más destacadas del Reino Unido. Supanova Pop Culture Expo es el evento más grande de Australia.

Las convenciones de Star Trek han incluido cosplayers durante muchas décadas. Entre ellas se encuentran Destination Star Trek , una convención en el Reino Unido, y Star Trek Las Vegas , una convención en Estados Unidos.

En diversas ferias de cómics, se instalan "Áreas Temáticas" donde los cosplayers pueden tomarse fotos en un entorno que reproduce el del videojuego o la serie animada a la que pertenecen. A veces, los cosplayers forman parte del personal del área, entreteniendo a los demás visitantes. Algunos ejemplos son las áreas temáticas dedicadas a Star Wars o Fallout. Estas áreas son organizadas por asociaciones de fans sin ánimo de lucro, pero en algunas ferias importantes es posible visitar áreas creadas directamente por los desarrolladores de los videojuegos o los productores del anime.

Fotografía

La presencia de cosplayers en eventos públicos los convierte en un atractivo popular para los fotógrafos. ^{[ 64 ]} A medida que esto se hizo evidente a finales de la década de 1980, se desarrolló una nueva variante del cosplay en la que los cosplayers asistían a eventos principalmente con el propósito de modelar sus personajes para fotografías fijas en lugar de participar en una interpretación continua. Se desarrollaron reglas de etiqueta para minimizar las situaciones incómodas relacionadas con los límites. Los cosplayers posan para los fotógrafos y estos no los presionan para obtener información de contacto personal ni sesiones privadas, no los siguen fuera del área ni toman fotos sin permiso. Las reglas permiten que la relación de colaboración entre fotógrafos y cosplayers continúe con la menor incomodidad posible para ambas partes. ^{[ 34 ]}

Algunos cosplayers optan por que un fotógrafo profesional les tome imágenes de alta calidad con sus disfraces, posando como el personaje. Los cosplayers y los fotógrafos suelen exhibir su trabajo en línea y, en ocasiones, venden sus imágenes. ^{[ 64 ]}

Con el auge del cosplay, muchas convenciones han incorporado concursos que pueden convertirse en el evento principal. Los participantes presentan sus cosplays, y para optar a un premio, estos deben ser de creación propia. Algunos pueden optar por realizar una breve representación, que puede consistir en un guion corto o un baile con audio, vídeo o imágenes proyectadas en una pantalla. Otros simplemente posan como sus personajes. A menudo, un maestro de ceremonias entrevista brevemente a los participantes en el escenario . El público tiene la oportunidad de fotografiar a los cosplayers. Pueden competir individualmente o en grupo. Se entregan premios, que varían considerablemente. Generalmente, se otorgan premios al mejor cosplayer, al mejor grupo y menciones honoríficas. También se premian la mejor representación y diversas subcategorías de habilidades de cosplay, como sastre, armero, etc.

El evento de concursos de cosplay más conocido es el World Cosplay Summit , que selecciona a cosplayers de 40 países para competir en la ronda final en Nagoya , Japón. Otros eventos internacionales incluyen el European Cosplay Gathering (cuyas finales se celebran en la Japan Expo de París), ^{[ 65 ]} EuroCosplay (cuyas finales se celebran en la London MCM Comic Con), ^{[ 66 ]} y el Nordic Cosplay Championship (cuyas finales se celebran en la NärCon de Linköping , Suecia). ^{[ 67 ]}

Representar un personaje del sexo opuesto se llama crossplay . La practicidad del crossplay y el travestismo se debe en parte a la abundancia en el manga de personajes masculinos con rasgos delicados y algo andróginos. Dichos personajes, conocidos como bishōnen ( literalmente, ' chico guapo ' ), ^{[ 71 ]} son ​​el equivalente asiático del arquetipo del niño elfo representado en la tradición occidental por figuras como Peter Pan y Ariel . ^{[ 72 ]}

Los cosplayers masculinos que se disfrazan de mujeres pueden experimentar problemas al intentar representar un personaje femenino, ya que es difícil mantener la feminidad sexualizada del personaje. Los cosplayers masculinos también pueden ser objeto de discriminación, ^{[ 73 ]} incluyendo comentarios homofóbicos y tocamientos no autorizados. Esto afecta a los hombres posiblemente con más frecuencia que a las mujeres, a pesar de que el contacto inapropiado ya es un problema para las mujeres que hacen cosplay, ^{[ 74 ]} al igual que la estigmatización sexual . ^{[ 75 ]}

Los cosplayers de animegao kigurumi , un grupo especializado en el mundo del cosplay, suelen ser hombres que utilizan trajes zentai y máscaras estilizadas para representar personajes femeninos de anime . Estos cosplayers ocultan por completo sus rasgos reales para reproducir la apariencia original de sus personajes con la mayor fidelidad posible, y para mostrar todas las abstracciones y estilizaciones, como ojos desproporcionados y bocas diminutas, características comunes en el arte de los dibujos animados japoneses. ^{[ 76 ]} Esto no significa que solo los hombres practiquen animegao ni que las máscaras sean exclusivamente femeninas.

El movimiento «Cosplay Is Not Consent», iniciado en 2013 por Rochelle Keyhan, Erin Filson y Anna Kegler, puso de relieve el problema del acoso sexual en la comunidad de cosplayers que asisten a convenciones . ^{[ 77 ] [ 78 ]} El acoso a los cosplayers incluye fotografías sin permiso, abuso verbal, tocamientos y manoseos. El acoso no se limita a las mujeres con atuendos provocativos, ya que algunos cosplayers masculinos relataron haber sido acosados ​​por no ajustarse a ciertos disfraces y personajes.

A partir de 2014, la Comic Con de Nueva York colocó grandes letreros en la entrada que decían: "El cosplay no es consentimiento". Se les recordó a los asistentes que debían pedir permiso para tomar fotos y respetar el derecho de la persona a decir no. ^{[ 79 ]} El movimiento contra el acoso sexual hacia los cosplayers ha seguido ganando impulso y conciencia desde que se hizo público. Medios de comunicación tradicionales como The Mercury News y Los Angeles Times han informado sobre el tema, lo que ha generado conciencia sobre el acoso sexual entre quienes no pertenecen a la comunidad del cosplay. ^{[ 80 ] [ 81 ]}

A medida que el cosplay se ha integrado más en los medios de comunicación, la etnia se convierte en un tema controvertido. Los cosplayers con un color de piel diferente al del personaje suelen ser ridiculizados por no ser "precisos" o "fieles". ^{[ 82 ]} Muchos cosplayers creen que cualquiera puede interpretar a cualquier personaje, pero la situación se complica cuando no se respeta la etnia del personaje. ^{[ 83 ]} Estas opiniones contra los cosplayers no blancos dentro de la comunidad se han atribuido a la falta de representación en la industria y en los medios. ^{[ 84 ]} Cuestiones como el blackface , el brownface y el yellowface siguen siendo controvertidas, ya que gran parte de la comunidad del cosplay las considera problemas aparte o simplemente una parte aceptable del cosplay.

El cosplay ha influido en la industria publicitaria, donde los cosplayers suelen ser utilizados para trabajos en eventos que antes se asignaban a modelos de agencia. ^{[ 64 ]} Algunos cosplayers han transformado así su afición en carreras profesionales rentables. ^{[ 85 ] [ 86 ] [ 87 ]} La industria del entretenimiento japonesa ha sido el hogar de los cosplayers profesionales desde el auge de Comiket y Tokyo Game Show . ^{[ 64 ]} El fenómeno es más evidente en Japón, pero también existe en cierta medida en otros países. Los cosplayers profesionales que obtienen beneficios de su arte pueden experimentar problemas relacionados con la infracción de derechos de autor . ^{[ 88 ]}

Una modelo de cosplay, también conocida como ídolo del cosplay, se disfraza con trajes de compañías de anime, manga o videojuegos. Las buenas cosplayers son vistas como personajes de ficción en carne y hueso, de forma similar a como los actores de cine se identifican con papeles específicos en la mente del público. Las cosplayers han modelado para revistas impresas como Cosmode y una modelo de cosplay exitosa puede convertirse en embajadora de marca para compañías como Cospa . Algunas modelos de cosplay pueden alcanzar un reconocimiento significativo. Si bien existen muchas modelos de cosplay importantes, Yaya Han fue descrita como una figura reconocida tanto dentro como fuera de los circuitos del cosplay. ^{[ 86 ]} Jessica Nigri utilizó su reconocimiento en el cosplay para obtener otras oportunidades, como el doblaje y su propio documental en Rooster Teeth . Liz Katz utilizó su base de fans para convertir su cosplay de un pasatiempo en un negocio exitoso, generando un debate en la comunidad del cosplay sobre si se debería permitir a las cosplayers financiar y obtener ganancias de su trabajo. ^{[ 89 ] [ 90 ]}

En la década de 2000, los cosplayers comenzaron a expandir los límites del cosplay hacia el erotismo, dando paso al "erocosplay". ^{[ 91 ] [ 92 ]} La llegada de las redes sociales, junto con plataformas de financiación colectiva como Patreon y OnlyFans, ha permitido a las modelos de cosplay convertir el cosplay en carreras profesionales rentables a tiempo completo. ^{[ 93 ]}

Los cosplayers en Japón anteriormente se referían a sí mismos como reiyā (レイヤー) , que se pronuncia "capa". En el Japón contemporáneo, sin embargo, a los cosplayers se les conoce más comúnmente como kosupure (コスプレ) , pronunciado "ko-su-pray", ya que el término reiyā ahora se usa con más frecuencia para describir capas literales (por ejemplo, cabello o ropa). ^{[ 97 ]} Palabras como kawaii (可愛い) ( literalmente ' lindo ' ) y kakko ī (かっこいい) ( literalmente ' cool ' ) se usaban a menudo para describir estos cambios, expresiones que estaban estrechamente ligadas a las nociones de feminidad y masculinidad. ^{[ 98 ]}

Quienes fotografían a los jugadores son conocidos como cameko (カメコ) , una forma abreviada de camera kozō (カメラ小僧) ( literalmente , ' chico de la cámara ' ). Originalmente, los cameko regalaban fotografías impresas a los jugadores. El creciente interés en los eventos de cosplay, tanto entre fotógrafos como entre cosplayers dispuestos a posar, ha llevado a la formalización de los procedimientos en eventos como Comiket . La fotografía se realiza en áreas designadas separadas de las salas de exhibición. En Japón, generalmente se desaconseja usar disfraces fuera de las convenciones u otras áreas designadas. ^{[ 99 ] [ 100 ]}

Desde 1998, el distrito de Akihabara en Tokio alberga numerosos restaurantes temáticos de cosplay dirigidos a los fanáticos del anime y el manga , donde las camareras se visten como personajes de videojuegos, anime o manga; los maid cafés son especialmente populares. En Japón, el distrito de Harajuku, también en Tokio, es un lugar de encuentro informal muy popular para practicar cosplay en público. Los eventos que se celebran en Akihabara también atraen a un gran número de cosplayers.

Ishoku-hada (異色肌) es una forma de cosplay japonés en la que los participantes utilizan pintura corporal para alterar el color de su piel y que coincida con el del personaje que interpretan. Esta práctica permite representar personajes de anime o manga, así como personajes de videojuegos, con tonos de piel no humanos . ^{[ 101 ]}

Una encuesta realizada en 2014 para la convención Comiket en Japón informó que aproximadamente el 75% de los cosplayers que asistieron al evento eran mujeres. ^{[ 102 ]}

El cosplay es común en muchos países de Asia Oriental. Por ejemplo, es una parte importante de las convenciones Comic World que se celebran regularmente en Corea del Sur, Hong Kong y Taiwán. ^{[ 103 ]} Históricamente, la práctica de disfrazarse de personajes de obras de ficción se remonta al siglo XVII, a finales de la dinastía Ming en China. ^{[ 104 ]}

En Malasia , el cosplay se ha desarrollado hasta convertirse en una comunidad en crecimiento con participación en competiciones internacionales como la Cumbre Mundial de Cosplay. Figuras como Kazuki Foo han sido citadas en los medios de comunicación por su apoyo al desarrollo de iniciativas locales de cosplay. ^{[ 105 ]}

El cosplay occidental se desarrolló principalmente a partir de los fandoms de ciencia ficción y fantasía . En comparación con Japón, los cosplayers occidentales tienden a representar personajes de series de televisión y películas de acción real . Las tradiciones de vestuario occidentales también abarcan diversas subculturas de aficionados relacionadas, como la participación en ferias renacentistas , juegos de rol en vivo y recreaciones históricas . Los concursos de disfraces en las convenciones de ciencia ficción suelen incluir mascaradas, en las que los disfraces se juzgan formalmente durante las presentaciones en el escenario, así como disfraces de pasillo que se evalúan informalmente a lo largo del evento. ^{[ 106 ]}

La creciente popularidad internacional de los dibujos animados japoneses a finales de la década de 2000 contribuyó a un aumento de cosplayers estadounidenses y de otros países occidentales que representaban personajes de manga y anime . Durante la década siguiente, las convenciones de anime se hicieron cada vez más comunes en los países occidentales, rivalizando a menudo con las convenciones de ciencia ficción, cómics e historia, ya consolidadas, en cuanto a asistencia. En estos eventos, los cosplayers —al igual que sus homólogos japoneses— se reúnen para exhibir sus disfraces, fotografiarse y participar en concursos de disfraces. ^{[ 107 ]} Los asistentes a las convenciones también suelen optar por vestirse como personajes de cómics, obras de animación, películas y videojuegos occidentales.

A pesar del creciente intercambio global, las diferencias culturales en los gustos siguen siendo evidentes. Ciertos estilos de vestuario que los cosplayers japoneses pueden usar sin reparos suelen evitarse en contextos occidentales, especialmente aquellos que se asemejan a uniformes nazis . Los cosplayers occidentales también pueden enfrentar debates sobre la legitimidad al representar personajes cuyos orígenes raciales canónicos difieren de los suyos, ^{[ 108 ] [ 109 ]} y se han documentado casos de insensibilidad hacia cosplayers que representan personajes de diferentes tonos de piel. ^{[ 110 ] [ 111 ]} Los cosplayers occidentales que representan personajes de anime también pueden experimentar burlas o malentendidos dirigidos. ^{[ 112 ]}

En comparación con Japón, el uso de disfraces en espacios públicos suele estar más aceptado socialmente en países como el Reino Unido, Irlanda, Estados Unidos y Canadá. Estas regiones cuentan con tradiciones más arraigadas de disfraces de Halloween , vestimenta de fans y prácticas relacionadas. Por consiguiente, no es raro ver a asistentes a convenciones disfrazados en restaurantes y lugares públicos cercanos, fuera de los límites inmediatos del evento. ^{[ 99 ] [ 100 ]}

Japón es el hogar de dos revistas de cosplay especialmente populares, Cosmode (コスモード) y Dengeki Layers (電撃Layers) de ASCII Media Works . ^{[ 113 ]} Cosmode tiene la mayor cuota de mercado y una edición digital en inglés. ^{[ 114 ]} Otra revista, dirigida a una audiencia más amplia y mundial, es CosplayGen . ^{[ 115 ]} En Estados Unidos, Cosplay Culture comenzó a publicarse en febrero de 2015. ^{[ 116 ]} Otras revistas incluyen CosplayZine, que presenta cosplayers de todo el mundo desde octubre de 2015, ^{[ 117 ]} y Cosplay Realm Magazine , que se inició en abril de 2017. ^{[ 118 ]} También hay muchos libros sobre el tema del cosplay.

• Cosplay Encyclopedia , una película de 1996 sobre el cosplay japonés estrenada por Japan Media Supply. Fue lanzada en VHS subtitulada por Anime Works en 1999, ^{[ 119 ]} y finalmente lanzada en DVD en 2002. ^{[ 120 ]}
• ¡Otaku Unite!, una película de 2004 sobre la subcultura otaku, incluye numerosas imágenes de cosplayers.
• Akihabara Geeks , un cortometraje japonés de 2005. ^{[ 121 ]}
• Animania: El documental ^{[ 122 ]} es una película de 2007 que explora el fenómeno cultural del cosplay en Norteamérica, siguiendo a cuatro cosplayers de diversas etnias mientras se preparan para competir en Anime North , la convención de anime más grande de Canadá.
• Conventional Dress es un cortometraje documental sobre el cosplay en la Dragon Con realizado por Celia Pearce y sus estudiantes en 2008. ^{[ 123 ]}
• Cosplayers: The Movie , estrenada en 2009 por Martell Brothers Studios para su visualización gratuita en YouTube ^{[ 124 ]} y Crunchyroll , ^{[ 125 ]} explora la subcultura del anime en Norteamérica con imágenes de convenciones de anime y entrevistas con fans, actores de voz y artistas.
• "Soy un fanboy", un episodio de 2009 de la serie de MTV True Life , centrado en el fandom y el cosplay. ^{[ 126 ]}
• Fanboy Confessional , una serie de Space Channel de 2011 que incluyó un episodio sobre el cosplay y los cosplayers desde la perspectiva de alguien que trabaja en el sector.
• Comic-Con Episodio IV: La esperanza de un fan , una película de 2011 sobre cuatro asistentes a la Comic-Con de San Diego, entre ellos un cosplayer.
• America's Greatest Otaku , una serie de televisión de 2011 en la que participaron cosplayers. ^{[ 127 ]}
• Cosplayers UK: The Movie , una película de 2011 que sigue a una pequeña selección de cosplayers en la MCM Expo de Londres. ^{[ 128 ]}
• My Other Me: A Film About Cosplayers , que narra un año en la vida de tres cosplayers diferentes: una cosplayer veterana que inició su carrera a partir del cosplay, una joven de 14 años que se iniciaba en este mundo y un hombre transgénero que se encontró a sí mismo a través del cosplay. Se estrenó en 2013 y fue un segmento destacado en The Electric Playground . ^{[ 129 ]}
• Heroes of Cosplay , un reality show sobre cosplay que se estrenó en 2013 en el canal Syfy . Sigue a nueve cosplayers mientras crean sus disfraces, viajan a convenciones y compiten en concursos. ^{[ 130 ]}
• "24 horas con un personaje de la Comic Con", un segmento de CNNMoney que siguió a una cosplayer conocida mientras se preparaba y asistía a la Comic Con de Nueva York . ^{[ 131 ]}
• ¿Qué demonios es el cosplay?, un reality show que se estrenó en 2015 en el canal Channel 4. Sigue a seis cosplayers en su día a día y lo que el cosplay significa para ellos. ^{[ 132 ]}
• Call to Cosplay , un reality show de competencia que se estrenó en 2014 en Myx TV . Es un concurso de diseño de cosplay donde los participantes tenían la tarea de crear disfraces basados ​​en un tema y limitaciones de tiempo.
• Cosplay Melee , un programa de telerrealidad de competición sobre cosplay que se estrenó en 2017 en el canal Syfy .
• Cosplay Culture , un documental de 90 minutos que sigue a cosplayers durante la preparación y las convenciones en Canadá, Japón y Rumania. Incluye una visita a Akihabara (Japón), un desfile de Mardi Gras para geeks en Nueva Orleans y un repaso histórico que explica el origen del cosplay.

• Cosplay Complex , una miniserie de anime de 2002.
• Downtown no Gaki no Tsukai ya Arahende!! , un programa de variedades de la televisión japonesa que incluye el segmento de la serie Cosplay Bus Tour.
• Super Cosplay War Ultra , un juego de lucha gratuito de 2004.
• Un gran número de películas eróticas y pornográficas protagonizadas por actrices disfrazadas; muchas de estas películas provienen de la compañía japonesa TMA . ^{[ 133 ]}