Compositor

En el desarrollo de la música clásica europea , la función de componer música inicialmente no tuvo mucha más importancia que la de interpretarla. La preservación de las composiciones individuales no recibió mucha atención y, por lo general, los músicos no tenían reparos en modificarlas para su interpretación.

En el mundo occidental, antes del período romántico del siglo XIX, la composición casi siempre iba de la mano de una combinación de canto, instrucción y teorización . ^{[ 9 ]}

Incluso en una pieza instrumental occidental convencional, donde todas las melodías , acordes y líneas de bajo están escritas en notación musical, el intérprete tiene cierto margen de libertad para añadir interpretación artística a la obra, por ejemplo, variando su articulación y fraseo , eligiendo la duración de las fermatas (notas sostenidas) o pausas, y —en el caso de instrumentos de cuerda frotada, viento madera o viento metal— decidiendo si utilizar efectos expresivos como el vibrato o el portamento . Para un cantante o instrumentista, el proceso de decidir cómo interpretar música previamente compuesta y escrita se denomina «interpretación». Las interpretaciones de una misma obra musical por parte de diferentes intérpretes pueden variar ampliamente en cuanto a los tempos elegidos y el estilo de interpretación o canto o fraseo de las melodías. Los compositores y letristas que presentan su música también interpretan, al igual que quienes interpretan la música de otros. El conjunto estándar de opciones y técnicas presentes en un momento y lugar determinados se denomina práctica interpretativa , mientras que la interpretación se utiliza generalmente para referirse a las elecciones individuales de un intérprete.

Aunque una composición musical suele tener un único autor, no siempre es así. Una obra musical puede tener varios compositores, lo que ocurre a menudo en la música popular cuando un grupo colabora para componer una canción, o en el teatro musical , donde las canciones pueden ser escritas por una persona, la orquestación de los acompañamientos y la composición de la obertura corren a cargo de un orquestador, y la letra puede ser escrita por una tercera persona.

Una pieza musical también puede componerse con palabras, imágenes o, en los siglos XX y XXI, con programas informáticos que explican o indican cómo el cantante o músico debe crear los sonidos musicales. Ejemplos de esto van desde el tintineo de campanillas de viento con la brisa, hasta la música de vanguardia del siglo XX que utiliza notación gráfica , pasando por composiciones textuales como Aus den Sieben Tagen , y programas informáticos que seleccionan sonidos para piezas musicales. La música que hace un uso intensivo del azar se denomina música aleatoria y se asocia con compositores contemporáneos activos en el siglo XX, como John Cage , Morton Feldman y Witold Lutosławski .

La naturaleza y los medios de variación individual de la música son diversos, dependiendo de la cultura musical del país y del período en que fue compuesta. Por ejemplo, la música compuesta en la época barroca , particularmente en tempos lentos, a menudo se escribía con un esquema básico, con la expectativa de que el intérprete añadiera adornos improvisados ​​a la línea melódica durante la interpretación. Esta libertad generalmente disminuyó en épocas posteriores, en consonancia con el mayor uso por parte de los compositores de una notación más detallada en cuanto a dinámica, articulación, etc. Los compositores se volvieron uniformemente más explícitos en cómo deseaban que se interpretara su música, aunque el grado de rigor y minuciosidad de estas indicaciones varía de un compositor a otro. Debido a esta tendencia de los compositores a ser cada vez más específicos y detallados en sus instrucciones al intérprete, se desarrolló una cultura en la que la fidelidad a la intención escrita del compositor llegó a ser muy valorada (véase, por ejemplo, la edición Urtext ). Esta cultura musical está casi con certeza relacionada con la alta estima (rayando en la veneración) que los principales compositores clásicos suelen tener entre los intérpretes.

El movimiento de interpretación históricamente informada ha revivido en cierta medida la posibilidad de que el intérprete elabore con seriedad la música tal como aparece en la partitura, especialmente en la música barroca y la del período clásico temprano . Este movimiento podría considerarse una forma de lograr una mayor fidelidad al original en obras compuestas en una época en la que se esperaba que los intérpretes improvisaran . En géneros distintos a la música clásica, el intérprete generalmente tiene más libertad; así, por ejemplo, cuando un intérprete de música popular occidental crea una versión de una canción anterior, no se espera una interpretación exacta del original; ni ​​tampoco se valora necesariamente la fidelidad exacta (con la posible excepción de las transcripciones nota por nota de solos de guitarra famosos ).

En la música culta occidental, el compositor suele orquestar sus composiciones, pero en el teatro musical y la música pop, los compositores pueden contratar a un arreglista para que se encargue de la orquestación. En algunos casos, un compositor de música pop puede no usar notación alguna y, en su lugar, componer la canción mentalmente y luego interpretarla o grabarla de memoria. En el jazz y la música popular, las grabaciones destacadas de intérpretes influyentes tienen la misma importancia que las partituras escritas en la música clásica. El estudio de la composición se ha centrado tradicionalmente en el análisis de los métodos y la práctica de la música clásica occidental, pero la definición de composición es lo suficientemente amplia como para abarcar la creación de canciones y piezas instrumentales de música popular y tradicional, e incluir obras improvisadas espontáneamente como las de los intérpretes de free jazz y percusionistas africanos como los tamborileros Ewe .

Durante la Edad Media, la mayoría de los compositores trabajaban para la Iglesia Católica y componían música para servicios religiosos, como melodías de canto gregoriano . Durante el Renacimiento , los compositores solían trabajar para la aristocracia. Si bien los aristócratas generalmente les exigían que compusieran una cantidad considerable de música religiosa, como misas , también escribieron muchas canciones no religiosas sobre el amor cortés : el amor respetuoso y reverencial de una gran mujer lejana. Las canciones de amor cortés fueron muy populares durante el Renacimiento. Durante el Barroco , muchos compositores trabajaban para la aristocracia o como empleados de la iglesia. Durante el Clasicismo , los compositores comenzaron a organizar más conciertos públicos con fines de lucro, lo que les permitió depender menos de los empleos aristocráticos o eclesiásticos. Esta tendencia continuó en el Romanticismo, en el siglo XIX. En el siglo XX, los compositores comenzaron a buscar empleo como profesores en universidades y conservatorios. En el siglo XX, los compositores también obtenían ingresos de la venta de sus obras, como por ejemplo, de las partituras de sus canciones o piezas, o de las grabaciones sonoras de sus obras.

En 1993, la musicóloga estadounidense Marcia Citron preguntó: "¿Por qué la música compuesta por mujeres es tan marginal en el repertorio clásico estándar?" ^{[ 10 ]} Citron "examina las prácticas y actitudes que han llevado a la exclusión de las compositoras del ' canon ' establecido de obras musicales interpretadas". Argumenta que, en el siglo XIX, las compositoras solían escribir canciones de arte para ser interpretadas en pequeños recitales, en lugar de sinfonías destinadas a ser interpretadas con una orquesta en una gran sala, siendo estas últimas consideradas el género más importante para los compositores; dado que las compositoras no escribieron muchas sinfonías, se las consideró poco destacadas como compositoras. ^{[ 10 ]}

Según Abbey Philips, "las mujeres músicas han tenido muchas dificultades para abrirse paso y obtener el reconocimiento que merecen". ^{[ 11 ]} Durante la Edad Media, la mayor parte de la música culta se creó con fines litúrgicos (religiosos) y, debido a las ideas sobre el papel de la mujer que tenían los líderes religiosos, pocas mujeres compusieron este tipo de música, siendo la monja Hildegard von Bingen una de las excepciones. La mayoría de los libros de texto universitarios sobre historia de la música tratan casi exclusivamente el papel de los compositores masculinos. Además, muy pocas obras de compositoras forman parte del repertorio estándar de la música clásica. En Concise Oxford History of Music , " Clara Schumann [ sic ] es una de las pocas compositoras mencionadas", ^{[ 11 ]} pero otras compositoras notables del período de la práctica común incluyen a Fanny Hensel y Cécile Chaminade , y posiblemente la maestra de compositores más influyente a mediados del siglo XX fue Nadia Boulanger . Philips afirma que "[d]urante el siglo XX las mujeres que componían/interpretaban recibieron mucha menos atención que sus homólogos masculinos". ^{[ 11 ]}

Actualmente, las mujeres son tomadas más en serio en el ámbito de la música de concierto, aunque las estadísticas de reconocimiento, premios, empleo y oportunidades en general siguen estando sesgadas a favor de los hombres. ^{[ 12 ]}

Las licenciaturas en composición (conocidas como B.Mus. o BM) son programas de cuatro años que incluyen clases individuales de composición, experiencia en orquestas o coros amateur y una secuencia de cursos de historia de la música, teoría musical y humanidades (por ejemplo, literatura inglesa), que brindan al estudiante una formación más completa. Generalmente, los estudiantes de composición deben completar obras o canciones importantes antes de graduarse. No todos los compositores tienen una licenciatura en composición; también pueden tener una licenciatura en interpretación musical o teoría musical.

Los másteres en música (M.mus.) con especialización en composición incluyen clases particulares con un profesor de composición , experiencia en conjuntos musicales y cursos de posgrado en historia y teoría de la música, además de uno o dos conciertos con obras del estudiante. Un máster en música (conocido como M.Mus. o MM) suele ser un requisito mínimo para quienes desean impartir clases de composición en una universidad o conservatorio. Un compositor con un M.Mus. podría ser profesor adjunto o instructor en una universidad, pero en la década de 2010 sería difícil obtener una plaza de profesor titular con este título.

Para convertirse en profesor titular, muchas universidades exigen un doctorado . En composición, el título de doctorado clave es el Doctor en Artes Musicales , en lugar del PhD ; el PhD se otorga en música, pero generalmente en materias como musicología y teoría musical .

Los doctorados en Artes Musicales (conocidos como DMA, DMA, D.Mus.A. o A.Mus.D.) en composición ofrecen la oportunidad de realizar estudios avanzados al más alto nivel artístico y pedagógico, requiriendo generalmente 54 créditos adicionales a los de una maestría (aproximadamente 30 créditos adicionales a los de una licenciatura). Por este motivo, la admisión es muy selectiva. Los estudiantes deben presentar ejemplos de sus composiciones. Si están disponibles, algunas instituciones también aceptan grabaciones de audio o video de interpretaciones de las obras del estudiante. Se requieren exámenes de historia de la música, teoría musical, entrenamiento auditivo/dictado y un examen de ingreso.

Los estudiantes deben preparar composiciones importantes bajo la guía de profesores de composición. Algunas escuelas exigen que los estudiantes de doctorado en composición presenten conciertos de sus obras, que suelen ser interpretados por cantantes o músicos de la propia escuela. Completar cursos avanzados y obtener un promedio mínimo de B son otros requisitos típicos de un programa de doctorado en composición. Durante el programa, un estudiante de composición puede adquirir experiencia docente con estudiantes de música de pregrado.

Algunos compositores no completaron programas de composición, sino que centraron sus estudios en la interpretación vocal o instrumental, o en la teoría musical , y desarrollaron sus habilidades compositivas a lo largo de su carrera profesional en otro ámbito musical.

• Everist, Mark (2011). «Introducción». En Everist, Mark (ed.). The Cambridge Companion to Medieval Music . Cambridge: Cambridge University Press . ISBN 978-0-19-316303-4.
• Nettl, Bruno (1983). El estudio de la etnomusicología: veintinueve cuestiones y conceptos . Champaign: University of Illinois Press . ISBN 978-0-252-01039-2.
• "compositor, n" . OED Online . Oxford: Oxford University Press .(Se requiere suscripción)