Cobertura de cámara

La cobertura de cámara , o simplemente cobertura , es la cantidad y el tipo de metraje grabado que se utiliza para capturar una escena en la producción cinematográfica y de vídeo . El editor de cine utiliza la cobertura en la postproducción para montar el montaje final .

La técnica de cobertura implica filmar desde más posiciones de las que se usarán en la película final, lo que permite al director elegir tomas durante el proceso de edición. Esto evita la necesidad de volver a llamar al elenco y al equipo para tomas adicionales y regrabaciones si el director no está satisfecho con los resultados de las posiciones de cámara originalmente planificadas. ^{[ 1 ]} Incluso las películas meticulosamente planificadas, con guiones gráficos y ensayadas pueden necesitar cobertura. ^{[ 2 ]} La cobertura también permite al editor tomar el control de una actuación, ajustando el ritmo para satisfacer las necesidades del público (en lugar de las del director o el actor). ^{[ 3 ]}

Generalmente existen cuatro tipos de cinematografía: ^{[ 4 ]}

• Método de la escena maestra : La escena se filma de principio a fin, generalmente con un plano general , para crear la "toma maestra". En escenas complejas, se pueden crear "mini-tomas maestras". El material grabado se utiliza para crear otras tomas de la escena.
• Método de superposición : También conocido como el método de la "triple toma", la cámara graba la acción inicial de la escena (generalmente un plano general) y luego la pausa o la repite para permitir un ángulo de cámara y una iluminación diferentes. Es similar a la cobertura, pero sin un plano general. Este tipo de cinematografía, poco utilizado, resulta útil cuando una acción no se puede repetir (por ejemplo, cuando un objeto se destruye al final de la escena).
• Método In-One : También llamado "developing master", "oner" o (en francés ) plan-scene o plan-sequence , es similar al método de escena maestra, pero se planifica y se filma sin la intención de utilizar cobertura.
• Formato libre : También llamado "estilo documental", incluso cuando la historia es ficticia, la cámara se sostiene a mano y la imagen muestra la inestabilidad propia de una cámara de mano sin estabilización.

La cobertura forma parte del método de escena maestra, ^{[ 5 ]} y puede utilizarse en el método de forma libre. ^{[ 6 ]}

La cantidad y el tipo de cobertura generalmente la determina el director en consulta con el director de fotografía durante la etapa de preproducción . ^{[ 7 ]} La cobertura proporciona al director y al editor la capacidad de cambiar el ritmo de la escena, reenfocar la escena en diferentes imágenes o incluso usar diferentes tomas. La cobertura también permite al editor sortear errores de cinematografía, ^{[ 8 ]} la falta de fotogramas limpios o errores de continuidad . ^{[ 1 ]} Se necesita más cobertura al filmar explosiones o acrobacias, ya que son extremadamente difíciles de replicar con exactitud. La actuación de un solo actor que sea particularmente difícil, o una escena con un gran número de personajes, generalmente requerirá más cobertura que una escena de dos personas con diálogo simple. ^{[ 1 ]}

En la Edad de Oro de Hollywood , un estilo coherente de actuación, dirección, edición, cinematografía, realismo teatral , sonido y diseño de producción , conocido colectivamente como el "estilo Hollywood", dictaba la cobertura. A los directores y directores de fotografía se les enseñaba explícitamente a capturar un plano general, planos medios, primeros planos y planos de detalle desde varios ángulos diferentes. Esto les daba al director y al editor, así como a los productores y ejecutivos del estudio, la máxima libertad en el montaje de la película. ^{[ 7 ]} Desde la desaparición del sistema de estudios , la cobertura ha perdido importancia en la creación de una escena debido al énfasis en la teoría del autor en la realización cinematográfica. ^{[ 9 ]} Sin embargo, el veterano editor de largometrajes John Rosenberg ha argumentado que alejarse del "estilo Hollywood" y del sistema de estudios ha llevado a una cinematografía de menor calidad. En su opinión, la cobertura es demasiado limitada, las tomas terminan sin despejar un encuadre, la composición está mal pensada, la iluminación es deficiente y los planos que preparan la escena son escasos. ^{[ 10 ] [ a ]}

Los editores utilizan la cobertura para superar problemas de visualización y narración. Un buen editor posee un agudo sentido estético, un conocimiento profundo de los aspectos técnicos de la cinematografía y una sólida capacidad narrativa. Un editor utiliza estas habilidades para diagnosticar problemas en una escena y corregirlos mediante la cobertura. ^{[ 13 ]}

En la producción de largometrajes, el material grabado se entrega diariamente al editor en forma de " dailies " (también conocidos como "rushes"). Se trata de todas las tomas del día anterior que el director consideró oportuno imprimir. ^{[ 14 ]} No todo el material grabado tiene que utilizarse en el montaje final. ^{[ 15 ]}

Se necesitan planos de cobertura porque el plano general de larga duración parece estático y artificial para el público moderno. ^{[ 16 ]}

El plano general es un tipo de plano de cobertura. Ayuda a situar al espectador en un contexto físico y evita una sensación de claustrofobia en la película. ^{[ 16 ]}

Los planos de detalle se consideran parte de la cobertura. Se trata de imágenes distintas a la acción o el diálogo principal. «Un plano de detalle puede ser un plano de reacción, lo que ve un personaje, una parte del entorno o un objeto». ^{[ 1 ]} Los planos de detalle se pueden usar cuando la cobertura es insuficiente, pero también pueden ser elementos integrales de la cobertura diseñados para implementar la visualización de la escena. ^{[ 1 ]}

El plano de inserción/eliminación es otro plano de cobertura útil. Después de tomar el plano general, se fotografía un plano medio desde el mismo ángulo. El editor puede alternar entre los dos planos. El plano de inserción o eliminación ayuda a cubrir la edición cuando se elimina el diálogo ("comprime"), puede ser utilizado por el director o el editor para elegir la mejor interpretación de un actor, e incluso puede servir como una forma de corte de continuidad que ayuda a contextualizar la acción. ^{[ 1 ]}

Aunque la cobertura generalmente se piensa en términos de tomas y ángulos, también puede incluir el uso de diferentes distancias focales . ^{[ 1 ]}

El editor Conrad Buff analizó el uso de la cobertura en una escena crucial de la película de 2004, El rey Arturo . La escena mostraba una batalla entre dos grandes ejércitos en un lago helado. Durante la batalla, el hielo se rompió y uno de los ejércitos cayó al agua helada. La falta de tiempo y otros problemas dejaron al director con solo dos días para filmar lo que debería haber requerido entre siete y diez días de producción. El primer día se dedicó a filmar tomas panorámicas de los ejércitos que se acercaban. El segundo día se dedicó a filmar la batalla. ^{[ 20 ]}

Buff descubrió que, si bien se habían filmado las tomas principales de los actores principales, se había incluido poco material adicional. Faltaban primeros planos de los actores principales, tomas de filas de arqueros disparando flechas, andanadas de flechas en vuelo, tomas medias y primeros planos de hombres en batalla, soldados muriendo en batalla e incluso el hielo rompiéndose. Ninguna de las tomas en el material diario estaba en orden narrativo. Buff pudo armar un montaje preliminar utilizando el material limitado que tenía. Luego, Buff le indicó al director las tomas que faltaban: necesitaba primeros planos, tomas subjetivas , tomas de reacción y más. Por suerte, la unidad principal pudo programar tiempo para filmar los primeros planos y las tomas de reacción con una pantalla verde . La segunda unidad filmó tomas medias en un estudio de sonido con un tanque de agua, utilizando extras y especialistas para capturar la escena de batalla y los elementos del hielo rompiéndose. El equipo de efectos visuales luego invirtió tiempo y dinero adicionales para transformar estas tomas en material aceptable. ^{[ 20 ]}

Notas

Citas

• Ascher, Steven; Pincus, Edward (2007). Manual del cineasta: Una guía completa para la era digital . Nueva York: Plume. ISBN 9780452286788.
• Brown, Blair (2016). Cinematografía: Teoría y práctica: Creación de imágenes para directores de fotografía y directores de cine . Nueva York: Routledge. ISBN 9781138940925.
• LoBrutto, Vincent (2012). El arte del montaje cinematográfico: una guía esencial de métodos, principios, procesos y terminología . Nueva York: Allworth Press. ISBN 9781581158816.
• Mamet, David (1991). Sobre la dirección cinematográfica . Nueva York: Viking. ISBN 9780670830336.
• Rosenberg, John (2018). The Healthy Edit: Creative Editing Techniques for Perfecting Your Movie . Nueva York: Rutledge. ISBN 9781138233799.