La Transfiguración (Rafael)

La Transfiguración es la última pintura del maestro italiano del Alto Renacimiento, Rafael . El cardenal Giulio de Medici —quien más tarde se convertiría en el papa Clemente VII (en el cargo: 1523-1534)— encargó la obra, concebida como un retablo para la catedral de Narbona en Francia; Rafael trabajó en ella en los años previos a su muerte en 1520. ^{[ 1 ]} La pintura ejemplifica el desarrollo de Rafael como artista y la culminación de su carrera. De manera inusual para una representación de la Transfiguración de Jesús en el arte cristiano , el tema se combina con el siguiente episodio de los Evangelios (la curación de un niño poseído) en la parte inferior de la pintura. La obra se encuentra actualmente en la Pinacoteca Vaticana en la Ciudad del Vaticano . ^{[ 1 ]}

Desde finales del siglo XVI hasta principios del siglo XX, diversos comentaristas la consideraron la pintura al óleo más famosa del mundo.

En diciembre de 1517, la fecha más tardía de comisión, el cardenal Giulio de Medici , primo del papa León X (1513-1521), era también vicecanciller y principal consejero del Papa. Había recibido la legación de Bolonia , los obispados de Albi , Ascoli , Worcester , Eger y otros. Desde febrero de 1515, esto incluía el arzobispado de Narbona . ^{[ 3 ]} Encargó dos pinturas para la catedral de Narbona: La Transfiguración de Cristo a Rafael y La Resurrección de Lázaro a Sebastiano del Piombo . Con Miguel Ángel proporcionando los dibujos para esta última obra, Medici reavivó la rivalidad iniciada una década antes entre Miguel Ángel y Rafael, en las Estancias y la Capilla Sixtina . ^{[ 4 ]}

Del 11 al 12 de diciembre de 1516, Miguel Ángel estuvo en Roma para conversar con el papa León X y el cardenal Médici sobre la fachada de la Basílica de San Lorenzo en Florencia. Durante esta reunión, se le encargó la obra La resurrección de Lázaro , y fue allí donde accedió a realizar los bocetos, pero no a ejecutarla él mismo. El encargo recayó en su amigo Sebastiano del Piombo. A partir de este encuentro, las pinturas se convertirían en un símbolo de la fusión entre dos enfoques de la pintura, y entre la pintura y la escultura en el arte italiano. ^{[ 3 ]}

Un primer modelo para la pintura, realizado en el taller de Rafael por Giulio Romano , mostraba un dibujo a escala 1:10 de La Transfiguración . En él, Cristo aparece en el Monte Tabor. Moisés y Elías flotan hacia él; Juan y Santiago están arrodillados a la derecha; Pedro está a la izquierda. La parte superior del modelo representa a Dios Padre y una multitud de ángeles. ^{[ 3 ]} Un segundo modelo, realizado por Gianfrancesco Penni, muestra un diseño con dos escenas, tal como se desarrollaría la pintura. Este modelo se conserva en el Louvre. ^{[ 5 ]}

La Resurrección de Lázaro se exhibió extraoficialmente en octubre de 1518. Para entonces, Rafael apenas había comenzado su retablo . Cuando la obra de Sebastiano del Piombo fue inspeccionada oficialmente en el Vaticano por León X el domingo 11 de diciembre de 1519, tercer domingo de Adviento , La Transfiguración aún estaba sin terminar. ^{[ 3 ]}

Rafael ya conocía la forma final de La resurrección de Lázaro en el otoño de 1518, y hay pruebas considerables de que trabajó con ahínco para completarla, añadiendo un segundo tema y diecinueve figuras. ^{[ 3 ]} Un modelo que se conserva del proyecto, ahora en el Louvre (una copia de taller de un dibujo perdido del ayudante de Rafael, Gianfrancesco Penni), muestra el cambio drástico en la obra prevista.

El examen de la Transfiguración final reveló más de dieciséis áreas incompletas y pentimenti (alteraciones). ^{[ 3 ]} Una teoría importante sostiene que los escritos del Beato Amadeo Menes da Silva fueron clave para la transformación. Amadeo fue un influyente fraile, sanador y visionario, además de confesor del Papa. También fue diplomático del Estado Vaticano. En 1502, después de su muerte, muchos de los escritos y sermones de Amadeo se recopilaron en el Apocalypsis Nova . Este tratado era bien conocido por el Papa León X. Guillaume Briçonnet, predecesor del Cardenal Giulio de' Medici como obispo de Narbona, y sus dos hijos también consultaron el tratado como guía espiritual. El Cardenal Giulio conocía el Apocalypsis Nova y pudo haber influido en la composición final de la pintura. El tratado de Amadeo describe los episodios de la Transfiguración y del niño poseído de forma consecutiva. La Transfiguración representa una prefiguración del Juicio Final y de la derrota definitiva del Diablo. Otra interpretación es que el niño epiléptico ha sido curado, vinculando así la divinidad de Cristo con su poder sanador. ^{[ 6 ]}

Rafael murió el 6 de abril de 1520. Durante un par de días después, La Transfiguración permaneció a la cabecera de su catafalco en su casa del Borgo. ^{[ 7 ] [ 8 ]} Una semana después de su muerte, las dos pinturas se exhibieron juntas en el Vaticano. ^{[ 3 ]}

Si bien se especula que el alumno de Rafael, Giulio Romano , y su asistente, Gianfrancesco Penni , pintaron algunas de las figuras del fondo en la mitad inferior derecha del cuadro, ^{[ 4 ]} no hay evidencia de que alguien más que Rafael haya terminado la mayor parte de la obra. ^{[ 3 ]} La limpieza del cuadro entre 1972 y 1976 reveló que los asistentes solo terminaron algunas de las figuras de la parte inferior izquierda, mientras que el resto del cuadro es obra del propio Rafael. ^{[ 9 ]}

En lugar de enviarlo a Francia, el cardenal Giulio de' Medici conservó el cuadro. En 1523, ^{[ 5 ]} lo instaló en el altar mayor de la iglesia de San Pietro in Montorio , perteneciente al beato Amadeo , en Roma , ^{[ 10 ]} en un marco obra de Giovanni Barile (actualmente desaparecido). Giulio encargó a Penni una copia de la Transfiguración para llevarla consigo a Nápoles. El resultado final, con ligeras diferencias respecto al original, se conserva en el Museo del Prado de Madrid. ^{[ 11 ]} Stefano Pozzi completó una copia en mosaico de la pintura en la Basílica de San Pedro, en la Ciudad del Vaticano, en 1774. ^{[ 5 ]}

En 1797, durante la campaña italiana de Napoleón Bonaparte , fue llevada a París por tropas francesas e instalada en el Louvre . Ya el 17 de junio de 1794, el Comité de Instrucción Pública de Napoleón había sugerido que un comité de expertos acompañara a los ejércitos para trasladar importantes obras de arte y ciencia a París. El Louvre, que había abierto al público en 1793, era un destino claro para las obras de arte. El 19 de febrero de 1799, Napoleón concluyó el Tratado de Tolentino con el Papa Pío VI , en el que se formalizó la confiscación de 100 tesoros artísticos del Vaticano. ^{[ 12 ]}

Entre los tesoros más codiciados por los agentes de Napoleón se encontraban las obras de Rafael. Jean-Baptiste Wicar , miembro del comité de selección de Napoleón, era coleccionista de dibujos de Rafael. El barón Antoine-Jean Gros , otro miembro, había sido influenciado por Rafael. Para artistas como Jacques-Louis David y sus discípulos Girodet e Ingres , Rafael representaba la encarnación de los ideales artísticos franceses. En consecuencia, el comité de Napoleón se apoderó de todas las obras de Rafael disponibles. Para Napoleón, Rafael era simplemente el más grande de los artistas italianos y La Transfiguración su obra cumbre. La pintura, junto con el Apolo Belvedere , el Laocoonte , el Bruto Capitolino y muchas otras, tuvo una entrada triunfal en París el 27 de julio de 1798, cuarto aniversario de la caída de Maximilien de Robespierre . ^{[ 12 ]}

En noviembre de 1798, La Transfiguración se exhibió al público en el Gran Salón del Louvre. A partir del 4 de julio de 1801, se convirtió en la pieza central de una gran exposición de Rafael en la Grande Galerie . Se exhibieron más de 20 obras de Rafael. En 1810, un famoso dibujo de Benjamin Zix plasmó la procesión nupcial de Napoleón y María Luisa a través de la Grande Galerie , con La Transfiguración expuesta al fondo. ^{[ 12 ]}

La presencia del cuadro en el Louvre brindó a pintores ingleses como Joseph Farington (el 1 y el 6 de septiembre de 1802) ^{[ 13 ] : 1820–32} y Joseph Mallord William Turner (en septiembre de 1802) la oportunidad de estudiarlo. Turner dedicaría la primera de sus conferencias como profesor de Perspectiva en la Real Academia al cuadro. ^{[ 14 ]} Farington también informó que otros habían ido a ver el cuadro: el pintor suizo Henry Fuseli , para quien era el segundo en el Louvre solo superado por La muerte de San Pedro Mártir (1530) de Tiziano , y el pintor inglés John Hoppner . ^{[ 13 ] : 1847} El pintor angloamericano Benjamin West "dijo que la opinión de los siglos se mantenía confirmada de que aún ocupaba el primer lugar". ^{[ 13 ] : 1852} El propio Farington expresó sus sentimientos de la siguiente manera:

Si tuviera que juzgar por el efecto que me produjo, no dudaría en decir que el cuidado paciente y la solidez con que está pintada La Transfiguración causaron en mi mente una impresión que hizo que otros cuadros considerados de primera clase parecieran débiles y carentes de fuerza y ​​vigor.

Tras la caída de Napoleón Bonaparte en 1815, los enviados al papa Pío VII , Antonio Canova y Marino Marini, lograron obtener La Transfiguración (junto con otras 66 pinturas) como parte del Tratado de París . Por acuerdo con el Congreso de Viena , las obras debían exhibirse al público. La galería original se encontraba en los Apartamentos Borgia del Palacio Apostólico . Tras varios traslados dentro del Vaticano, la pintura reside actualmente en la Pinacoteca Vaticana. ^{[ 15 ]}

La recepción de la pintura está bien documentada. Entre los años 1525 y 1935, se pueden identificar al menos 229 fuentes escritas que describen, analizan, elogian o critican La Transfiguración . ^{[ 16 ]}

Las primeras descripciones de la pintura tras la muerte de Rafael en 1520 ya la calificaban de obra maestra, pero este estatus evolucionó hasta finales del siglo XVI. En sus notas de un viaje a Roma en 1577, el humanista español Pablo de Céspedes la denominó por primera vez la pintura al óleo más famosa del mundo. ^{[ 17 ]} La pintura conservaría esta autoridad durante más de 300 años. Fue reconocida y repetida por numerosos autores, como el experto François Raguenet , quien analizó la composición de Rafael en 1701. En su opinión, el dibujo del contorno, el efecto de la luz, los colores y la disposición de las figuras convertían a La Transfiguración en la pintura más perfecta del mundo. ^{[ 18 ]}

Jonathan Richardson padre e hijo se atrevieron a criticar el estatus abrumador de La Transfiguración , preguntándose si esta pintura podía ser realmente la más famosa del mundo. ^{[ 19 ]} Criticaron que la composición estaba dividida en una mitad superior e inferior que no se correspondían entre sí. Además, la mitad inferior acaparaba demasiada atención en lugar de la superior, cuando la atención del espectador debía centrarse únicamente en la figura de Cristo. Esta crítica no disminuyó la fama de la pintura, pero provocó contracríticas por parte de otros conocedores y eruditos. Para el mundo de habla alemana, prevaleció la valoración de Johann Wolfgang von Goethe , quien interpretó la mitad superior e inferior como partes complementarias. Esta valoración fue citada por muchos autores y eruditos durante el siglo XIX, y así la autoridad de Goethe contribuyó a preservar la fama de La Transfiguración . ^{[ 20 ]}

Durante el breve tiempo que el cuadro permaneció en París, se convirtió en una gran atracción para los visitantes, y esto continuó después de su regreso a Roma, donde fue colocado en los Museos Vaticanos. Mark Twain fue uno de los muchos visitantes y escribió en 1869: «Recordaré La Transfiguración en parte porque fue colocada en una sala casi sola; en parte porque todos la reconocen como la primera pintura al óleo del mundo; y en parte porque era maravillosamente bella». ^{[ 21 ]}

A principios del siglo XX, la fama de la pintura disminuyó rápidamente y pronto La Transfiguración perdió su estatus como la pintura más famosa del mundo. Una nueva generación de artistas ya no reconocía a Rafael como una autoridad artística. Las copias y reproducciones dejaron de tener tanta demanda. Si bien la complejidad de la composición había sido un argumento para elogiar la pintura hasta finales del siglo XIX, ahora repelía a los espectadores. La pintura se consideraba demasiado recargada, las figuras demasiado dramáticas y todo el escenario demasiado artificial. En contraste, otras pinturas como la Mona Lisa de Leonardo da Vinci eran mucho más fáciles de reconocer y no sufrieron el declive del estatus abrumador de Rafael como ejemplo artístico. ^{[ 22 ]} Así, La Transfiguración es un buen ejemplo de la variabilidad de la fama de una obra de arte, que puede perdurar durante siglos, pero también puede declinar en un corto período.

La fama del cuadro también se basa en sus reproducciones. Si bien el original solo podía admirarse en Roma y, durante un breve periodo, en París tras su confiscación por Napoleón, la gran cantidad de reproducciones garantizó que la composición estuviera presente en prácticamente todas las colecciones de arte importantes de Europa. De este modo, pudo ser estudiado y admirado por numerosos coleccionistas, expertos, artistas e historiadores del arte.

Incluyendo el mosaico en San Pedro en el Vaticano , se hicieron al menos 68 copias entre 1523 y 1913. ^{[ 16 ]} Las buenas copias de la pintura eran muy buscadas durante el período de la Edad Moderna y los jóvenes artistas podían ganar dinero para un viaje a Italia vendiendo copias de La Transfiguración . Una de las mejores copias pintadas jamás hechas fue realizada por Gregor Urquhart en 1827. ^{[ 23 ]} Se produjeron al menos 52 grabados y aguafuertes después de la pintura hasta finales del siglo XIX, incluyendo ilustraciones para libros como biografías e incluso para cancioneros cristianos. ^{[ 16 ]} El Istituto nazionale per la grafica en Roma posee doce de estas reproducciones. ^{[ 24 ]} Se pueden rastrear al menos 32 aguafuertes y grabados que representan detalles de la pintura, a veces para usarlos como parte de una nueva composición. ^{[ 16 ]} Entre estas representaciones de detalles se encuentra un conjunto de grabados de cabezas, manos y pies grabados por G. Folo a partir de Vincenzo Camuccini (1806), y otro conjunto de cabezas producidas en grabado punteado por J. Godby a partir de dibujos de I. Goubaud (1818 y 1830). La primera reproducción grabada de La Transfiguración también se llama la primera reproducción de un grabado de una pintura. Fue realizada por un grabador anónimo en 1538 y a veces se identifica con el estilo de Agostino Veneziano .

En 1981, el Museo Fogg de la Universidad de Harvard inauguró una exposición de reproducciones fotográficas de alta calidad de la pintura y sus detalles. El equipo fotográfico de gran formato (que utilizaba negativos de 20 x 24 pulgadas) y el procesamiento desarrollado por Polaroid Corporation hicieron posibles "reproducciones fotográficas de una resolución y fidelidad de color sin precedentes". ^{[ 25 ]} La muestra itineró por galerías de arte universitarias en Cornell, Columbia, Yale, Temple y la Universidad de California, Berkeley , entre otras. ^{[ 26 ]}

La pintura de Rafael representa dos narraciones bíblicas consecutivas, pero distintas, del Evangelio de Mateo , también relatadas en el Evangelio de Marcos . En la primera, la Transfiguración de Cristo , Moisés y Elías aparecen ante Cristo transfigurado, con Pedro, Santiago y Juan observando (Mateo 17:1-9; Marcos 9:2-13). En la segunda, los apóstoles fracasan en su intento de curar a un niño poseído por demonios y esperan el regreso de Cristo (Mateo 17:14-21; Marcos 9:14). ^{[ 4 ]}

El registro superior de la pintura muestra la Transfiguración misma (en el Monte Tabor , según la tradición), con Cristo transfigurado flotando frente a nubes iluminadas, entre los profetas Moisés , a la derecha, y Elías , a la izquierda, ^{[ 27 ]} con quien conversa (Mateo 17:3). Las dos figuras arrodilladas a la izquierda se identifican comúnmente como Justo y Pastor, quienes compartían el 6 de agosto como día festivo con la Fiesta de la Transfiguración . ^{[ 28 ]} Estos santos eran los patronos del arzobispado de los Médici y de la catedral para la cual se concibió la pintura. ^{[ 3 ]} También se ha propuesto que las figuras podrían representar a los mártires San Felicísimo y San Agapito , quienes son conmemorados en el misal en la fiesta de la Transfiguración. ^{[ 5 ] [ 28 ]}

El registro superior de la pintura incluye, de izquierda a derecha, a Santiago, Pedro y Juan, ^{[ 29 ]} tradicionalmente interpretados como símbolos de fe, esperanza y amor; de ahí los colores simbólicos azul-amarillo, verde y rojo de sus túnicas. ^{[ 3 ]}

En el registro inferior, Rafael representa a los apóstoles intentando liberar al niño poseído de su posesión demoníaca. No logran curar al niño enfermo hasta la llegada de Cristo, recientemente transfigurado, quien realiza un milagro. El joven ya no está postrado por su ataque, sino que se yergue, con la boca abierta, lo que indica la partida del espíritu demoníaco. Como su última obra antes de morir, Rafael (que en hebreo רָפָאֵל [Rafa'el] significa «Dios ha sanado») une ambas escenas como su testamento final al poder sanador de Cristo transfigurado. Según Goethe : «Ambos son uno: abajo, el sufrimiento, la necesidad; arriba, el poder efectivo, el socorro. Cada uno influye en el otro, interactuando entre sí». ^{[ 30 ]}

El hombre de la parte inferior izquierda es el apóstol-evangelista Mateo (algunos dirían que San Andrés), ^{[ 5 ]} representado a la altura de los ojos y sirviendo como interlocutor con el espectador. ^{[ 3 ]} La función de figuras como las de la parte inferior izquierda fue descrita mejor por Leon Battista Alberti casi un siglo antes, en 1435.

Me gusta que haya alguien en la "historia" que les cuente a los espectadores lo que está sucediendo, y que les haga señas con la mano para que miren, o que con una expresión feroz y una mirada amenazante los desafíe a no acercarse, como si deseara que sus asuntos fueran secretos, o que señale algún peligro o algo notable en la imagen, o que con sus gestos te invite a reír o llorar con ellos.

Mateo (o Andrés) hace un gesto al espectador para que espere, con la mirada fija en una mujer arrodillada en el primer plano inferior. Aparentemente forma parte del grupo familiar, ^{[ 27 ]} pero en un examen más detenido se distingue de ambos grupos. Es una imagen especular de una figura comparable en La expulsión de Heliodoro del templo (1512) de Rafael. ^{[ 4 ]} Giorgio Vasari , biógrafo de Rafael, describe a la mujer como "la figura principal en ese panel". Se arrodilla en una pose de contrapposto , formando un puente compositivo entre el grupo familiar a la derecha y los nueve apóstoles a la izquierda. Rafael también la representa en tonos más fríos y la viste de rosa bañado por el sol, mientras que representa a los demás participantes, aparte de Mateo, ajenos a su presencia. ^{[ 9 ]} La pose de contrapposto de la mujer se denomina más específicamente figura serpentinata o pose de serpiente, en la que los hombros y las caderas se mueven en oposición; Uno de los primeros ejemplos es la Leda de Leonardo da Vinci ( c. 1504 ), que Rafael copió mientras estaba en Florencia . ^{[ 9 ]}

En el centro se encuentran cuatro apóstoles de distintas edades. El joven rubio parece ser un reflejo del apóstol Felipe de La Última Cena . El hombre mayor sentado es Andrés. Simón es el hombre mayor que está detrás de Andrés. Judas Tadeo mira a Simón y señala al muchacho. ^{[ 3 ]}

El apóstol del extremo izquierdo es considerado por muchos como Judas Iscariote ^{[ 27 ]} Fue el sujeto de una de las seis únicas caricaturas auxiliares que sobrevivieron, descritas por primera vez por Oskar Fischel en 1937. ^{[ 32 ]}

La iconografía de la imagen se ha interpretado como una referencia a la liberación de la ciudad de Narbona de los repetidos asaltos de los sarracenos . El papa Calixto III proclamó el 6 de agosto como día festivo con motivo de la victoria de los cristianos en 1456. ^{[ 5 ]}

El filósofo ilustrado Montesquieu señaló que la curación del joven obsesionado en primer plano tiene prioridad sobre la figura de Cristo. Los críticos modernos han profundizado en la crítica de Montesquieu sugiriendo que la pintura debería titularse « La curación del joven obsesionado ». ^{[ 33 ]}

JMW Turner había visto La Transfiguración en el Louvre en 1802. Al concluir la versión de su primera conferencia, impartida el 7 de enero de 1811 como profesor de Perspectiva en la Real Academia , Turner demostró cómo la parte superior de la composición está formada por triángulos que se cruzan, formando una pirámide con Cristo en la cima. ^{[ 34 ]}

En una publicación de 1870, el historiador de arte alemán Carl Justi observó que la pintura representa dos episodios subsiguientes en la narración bíblica de Cristo: después de la transfiguración, Jesús se encuentra con un hombre que ruega misericordia por su hijo poseído por el demonio. ^{[ 35 ]}

Rafael juega con la tradición de equiparar la epilepsia con la luna ( luna , de donde proviene lunático ). Este vínculo causal se ve reforzado por el reflejo acuoso de la luna en la esquina inferior izquierda del cuadro; el niño está literalmente embelesado por la luna . ^{[ 3 ]} En la época de Rafael, la epilepsia se equiparaba a menudo con la luna ( morbus lunaticus ), la posesión demoníaca ( morbus daemonicus ) y también, paradójicamente, con lo sagrado ( morbus sacer ). En el siglo XVI, no era raro que los epilépticos fueran quemados en la hoguera, tal era el miedo que inspiraba la enfermedad. ^{[ 36 ]} El vínculo entre la fase lunar y la epilepsia no se rompería científicamente hasta 1854 gracias a Jacques-Joseph Moreau de Tours. ^{[ 37 ]}

La Transfiguración de Rafael puede considerarse una prefiguración tanto del Manierismo , como lo demuestran las poses estilizadas y contorsionadas de las figuras en la parte inferior del cuadro; como de la pintura barroca , como lo demuestra la tensión dramática que se percibe en esas figuras y el uso marcado del claroscuro en toda la obra.

Como reflejo del artista, Rafael probablemente consideró La Transfiguración como su triunfo. ^{[ 38 ]} Rafael utiliza el contraste de Jesús presidiendo sobre los hombres para complacer a sus comisionados papales en la Iglesia Católica Romana . Rafael utiliza la cueva para simbolizar el estilo renacentista, fácilmente observable en el dedo índice extendido como referencia a la Capilla Sixtina de Miguel Ángel . Además, incorpora sutilmente un paisaje en el fondo, pero utiliza colores más oscuros para mostrar su desdén por el estilo. Sin embargo, el punto focal para el espectador es el niño de estilo barroco y su padre guardián. En definitiva, Rafael logró apaciguar a sus comisionados, rindió homenaje a sus predecesores e impulsó el posterior predominio de la pintura barroca.

En su nivel más básico, la pintura puede interpretarse como la representación de una dicotomía : el poder redentor de Cristo, simbolizado por la pureza y la simetría de la mitad superior de la pintura; en contraste con los defectos del hombre, simbolizados por las escenas oscuras y caóticas de la mitad inferior de la pintura.

El filósofo Nietzsche interpretó la pintura en su libro El nacimiento de la tragedia como una imagen de la interdependencia de los principios apolíneos y dionisíacos . ^{[ 39 ]}

El pintor y biógrafo del siglo XVI, Giorgio Vasari, escribió en su obra Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos que La Transfiguración era la obra "más bella y más divina" de Rafael.

Fragmentos de La Transfiguración aparecen en la portada del álbum Renaissance: Desire, mezclado por Dave Seaman en 2001 y publicado por Ultra Records .

• Lista de pinturas de Rafael

• La Transfiguración en el Museo Vaticano
• Contenido multimedia relacionado con la Transfiguración de Rafael en Wikimedia Commons.