Sean Scully

En septiembre de 1965, Sean Scully, de 20 años, comenzó a estudiar a tiempo completo en el Croydon College of Art de Londres. Como parte de su formación, asistió a la Camberwell School of Art para estudiar grabado. Posteriormente, en 1968, se trasladó a la Universidad de Newcastle . ^{[ 9 ]} En la Universidad de Newcastle, la producción de Esperando a Godot de Samuel Beckett en el Teatro Universitario tuvo un impacto duradero en él. ^{[ 10 ]} Scully también se vio influenciado por un viaje a Marruecos en 1969, donde quedó fascinado por las rayas multicolores que los lugareños tejían en tiendas y túnicas de lana. ^{[ 11 ] [ 12 ]} En 1972, Scully recibió la beca Frank Knox Memorial Fellowship para asistir a la Universidad de Harvard . ^{[ 13 ]} Fue durante esta primera estancia en Estados Unidos cuando Scully comenzó a experimentar con nuevas técnicas como la cinta adhesiva y la pintura en aerosol. ^{[ 14 ]}

La primera exposición comercial de Scully, en la Rowan Gallery de Londres, agotó todas las obras. Durante este periodo, Scully impartió clases en el Chelsea College of Art and Design y en Goldsmiths, mientras seguía pintando en su estudio de Elephant Lane en Rotherhithe . En 1975, a los 30 años, Scully recibió una beca Harkness de dos años , gracias a la cual se trasladó a Nueva York. ^{[ 15 ]}

Una vez en Nueva York, comenzó a desarrollar importantes amistades con otros artistas como Robert Ryman y otros en círculos académicos y artísticos. La respuesta de Scully en la década de 1970 fue unir los objetivos del Minimalismo estadounidense con los del Op Art , una corriente importante en Europa, creando obras que utilizaban superposiciones y «superrejillas» que unían estos dos movimientos artísticos de una manera novedosa. ^{[ 16 ]} Una vez en Nueva York, el Minimalismo tuvo una fuerte influencia en su obra, y durante algunos años, la paleta de Scully se redujo a la serie monocromática gris de «Pinturas negras». ^{[ 17 ]}

Scully comenzó a trabajar en la serie conocida como Las pinturas de Catherine en 1979, mientras compartía su estudio de Duane Street con su tercera esposa, la artista Catherine Lee . La idea detrás de la serie era elegir la pintura más importante que Scully produjera durante cada año juntos, que luego pasaría a formar parte de una colección que llevaría su nombre. ^{[ 18 ]} Este fue el comienzo de la colección privada de Sean de su propia obra. ^{[ 12 ]}

Para 1980, Scully se consideraba en guerra con el movimiento del Minimalismo en Nueva York y quería incorporar más elementos humanos a su arte. ^{[ 19 ]} Realizó varios viajes a Marruecos y México durante este tiempo, ya que consideraba que estos viajes tenían “una relación directa con lo que creo que el arte debería hacer: concentrarse en lo interesante, atractivo, perverso y bello de la naturaleza humana”. ^{[ 20 ]} Más tarde comentó que “había decidido que lo que se había eliminado de la pintura —es decir, la capacidad de crear relaciones, de ser metafórico y referencial, espiritual, poético, todas esas cosas y aspectos de la naturaleza humana— tenía que ser reincorporado si la pintura quería avanzar”. ^{[ 21 ]} En 1981 se realizó la primera retrospectiva de la obra de Sean Scully en la Galería Ikon de Birmingham . ^{[ 22 ]} Este también fue el año en que se hizo evidente la confianza de Scully para alejarse de la adhesión al Minimalismo, con el regreso del color y el espacio, y el dibujo a mano alzada de rayas y pinceladas visibles, en lugar de las líneas duras de la cinta. ^{[ 23 ]} Scully tuvo un gran avance con la pintura fundamental de 1981, Backs and Fronts , que tuvo un profundo impacto en la exposición de 1982 'Critical Perspectives' en el PS1 Contemporary Art Center . ^{[ 24 ]} Esta fue una pintura trascendental que la artista conceptual británica Gillian Wearing ha dicho que “rompió el estancamiento de la pintura minimalista estadounidense”. ^{[ 25 ]}

En 1982, Scully comenzó a trabajar con el galerista David McKee, una importante relación que duró una década. Durante el verano de ese año, Scully comenzó a producir pequeñas obras de paneles múltiples sobre piezas de madera encontradas mientras se hospedaba en Montauk , en la colonia de artistas Edward Albee. Estas obras se titularon Ridge , Plum y Bear, en honor a las islas que rodean Long Island. Ese mismo año , también comenzó a aplicar una combinación de geometría rígida y textura y color expresivos a pinturas de mayor tamaño. Un ejemplo destacado de esto fue Heart of Darkness , inspirada en la novela homónima de 1899. ^{[ 17 ]} En 1983, Scully comenzó a colaborar con Mohammad O. Khalil; esta fue la primera vez que colaboró ​​con un grabador y marcó el inicio de un compromiso de por vida con el grabado . Ese mismo año, Scully recibió una beca Guggenheim ^{[ 26 ]} para Bellas Artes.

En 1984, el Museo de Arte Moderno incluyó a Scully en su Exposición Internacional de Pintura y Escultura Recientes. Al año siguiente, en 1985, se celebró la primera exposición individual de Scully en un museo estadounidense, en el Museo de Arte del Instituto Carnegie , que posteriormente viajó al Museo de Bellas Artes de Boston . Otros museos importantes también comenzaron a adquirir las pinturas de gran formato de Scully, a pesar de la tendencia dominante de la época hacia el posmodernismo . Las pinturas de Scully de este período son pesadas y físicas, tanto en tamaño como en estética, y utilizan bastidores de gran tamaño. ^{[ 27 ]}

Para 1987, la obra de Scully se volvió menos compleja, más plana y de menor escala, y comenzó a incluir paletas de colores más claras, comenzando con Pale Fire en 1988. Ese mismo año, mientras experimentaba con acuarelas en una playa de México, Scully creó la primera imagen que se convertiría en una extensa meditación sobre la arquitectura y la luz con la serie Wall of Light . ^{[ 28 ]} En 1989, la Whitechapel Gallery de Londres organizó una exposición individual de Scully, que luego viajó al Palacio Velázquez de Madrid y a la Städtische Galerie im Lenbachhaus de Múnich. Estas fueron las primeras exposiciones individuales de Scully en Europa continental. El artículo del crítico de arte Robert Hughes para la revista TIME en 1989 consolidó la creciente reputación de Scully. ^{[ 29 ]}

La pintura Why and What (Yellow) de 1988 fue la primera en incorporar un elemento incrustado de acero. En 1991, Scully amplió el uso del acero, colocando óleo sobre lino incrustado en grandes paneles de acero. También comenzó a utilizar con regularidad el motivo del tablero de ajedrez, que ya se había insinuado en sus pinturas Taped and Hidden Drawing de mediados de la década de 1970. En 1992, mientras impartía clases en la Universidad de Harvard, Sean Scully regresó a Marruecos para filmar el documental de la BBC The Artist's Journey: Sean Scully on Henri Matisse , dado que Matisse había visitado Marruecos entre 1912 y 1913. En 1993 se inauguró la primera exposición de The Catherine Paintings en el Museo de Arte Moderno de Fort Worth , Texas. En 1994 abrió un segundo estudio en Barcelona y regresó a Marruecos en 1995 para pasar más tiempo en el país. Atlas Walls es un portafolio de las obras fotográficas de Scully tomadas durante este viaje. ^{[ 30 ]}

En 1995, Scully regresó a Nueva York y se instaló en un nuevo y amplio estudio en Chelsea, Manhattan . Chelsea Wall fue la primera pintura que realizó allí. ^{[ 31 ]} Scully recibió varias invitaciones para dar conferencias en instituciones académicas y participó en las conferencias Joseph Beuys sobre el estado del arte contemporáneo en Gran Bretaña, Europa y Estados Unidos, organizadas por la Ruskin School de la Universidad de Oxford, Inglaterra. En 1997, la fotografía de Scully se exhibió por primera vez en la Sala de Exposiciones Rekalde de Bilbao, España.

En 1998 , Scully participó en un coloquio con motivo de la exposición Richard Pousette-Dart en el Museo Metropolitano de Arte. En 1999, visitó Santo Domingo , lo que dio como resultado el portafolio fotográfico Santa Domingo for Nené . Ese mismo año, se realizó una retrospectiva de sus grabados en la Graphische Sammlung Albertina , en Viena, Austria, y en el Musée du Dessin et de l'Estampe Originale de Gravelines . También se publicó un catálogo razonado de sus grabados desde 1969 hasta 1999.

En 2001, el Museo de Arte Moderno de Fort Worth adquirió la serie completa de Catherine , dieciocho pinturas que representan cada una un año del período 1979–1996, a la que se le asignó una sala dedicada para exhibición permanente en el nuevo edificio del Museo inaugurado en 2002. ^{[ 27 ]} En 2002, Scully fue nombrado Profesor de Pintura en la Academia de Bellas Artes de Múnich , cargo que ocupó hasta 2007. Una exposición retrospectiva se inauguró en 2004 en el Museo de Arte Sara Hildén en Tampere , Finlandia, que viajó a Klassik Stiftung Weimar , en Alemania, y a la Galería Nacional de Australia . Mientras estuvo en Australia, Scully pasó un tiempo viajando por el interior del desierto rojo.

Entre 2005 y 2006, la serie Wall of Light de Sean Scully se exhibió en museos de todo Estados Unidos. Esto comenzó con la exposición Sean Scully: Wall of Light, inaugurada en The Phillips Collection , Washington D.C., y viajó al Modern Art Museum of Fort Worth, al Cincinnati Art Museum y, finalmente, al Metropolitan Museum of Fine Art, donde recibió grandes elogios. ^{[ 32 ]} Ese mismo año, Scully viajó con un grupo de estudiantes de la Academia de Arte de Múnich a Inisheer , una isla frente a la costa irlandesa. Fue allí donde se tomó la serie de fotografías Aran . En 2006, la Hugh Lane Gallery inauguró The Sean Scully Room , una instalación permanente dedicada a la obra del artista, y la Bibliothèque nationale de France organizó una exposición de sus grabados. ^{[ 33 ]} Sean Scully: Una retrospectiva se inauguró en 2007 en la Fundació Joan Miró , Barcelona, ​​y viajó al Musée d'art moderne (Saint-Étienne) y al Museo d'Arte Contemporanea Roma (MACRO) en Roma. ^{[ 34 ]} La National Gallery of Art en Washington D. C. invitó a Scully a dar la Conferencia Elson en 2007. ^{[ 35 ]}

La exposición retrospectiva Constantinopla o lo sensual oculto: la imaginería de Sean Scully se inauguró en 2009 en el MKM Museum Küppersmühlefür Moderne Kunst, en Duisburg, Alemania, y viajó al Ulster Museum, Belfast. ^{[ 36 ] [ 37 ]} En 2010, una gira de importantes obras tempranas de la década de 1980 comenzó en el Centre for Contemporary Arts , Carlow, Irlanda, y luego viajó a la Leeds Art Gallery y al Wilhelm-Hack-Museum en Ludwigshafen am Rhein. En 2011, el Chazen Museum of Art inauguró su nueva ampliación del museo con una exposición individual de las pinturas Liliane de ocho partes sobre aluminio de Scully y otras obras. En 2012, Scully inauguró nueve exposiciones individuales más en museos, entre ellas Notations: Sean Scully en el Museo de Arte de Filadelfia , así como exposiciones en museos como el MIMA , el Kunstmuseum Bern , el Lentos Kunstmuseum de Linz y el IVAM de Valencia, España.

En 2014, Scully abrió un nuevo espacio de estudio ubicado en tres acres en Tappan, Nueva York, donde continuó ampliando la serie de pinturas Landline iniciada en 2000. ^{[ 38 ]} Ese mismo año, Scully abrió catorce exposiciones individuales alrededor del mundo, incluyendo la primera gran retrospectiva de un artista occidental en China. La exposición, titulada Follow the Heart: The Art of Sean Scully , abrió en Beijing. ^{[ 39 ]} La exposición incluyó China Piled-Up , una nueva escultura monumental en acero corten, y viajó del Shanghai Himalayas Museum al CAFA Art Museum en Beijing, con aclamación de la crítica. ^{[ 40 ]} Otra escultura al aire libre Boxes Full of Air fue encargada en Chateau La Coste en Francia.

Scully participó en la Bienal de Venecia por primera vez en 2015 con la exposición individual Land Sea en el Palazzo Falier de Venecia. ^{[ 41 ]} El Museo Liaunig, en Neuhaus , Austria, inauguró la ampliación de su nuevo edificio con Sean Scully: Painting as an Imaginative World Appropriation . ^{[ 42 ]} Para honrar su larga amistad con el crítico de arte Arthur Danto, fallecido en 2013, Scully publicó el libro Danto on Scully, que reúne la serie de cinco ensayos que Danto había escrito sobre el artista durante los 20 años anteriores. ^{[ 43 ]}

En 2015, Scully completó la restauración de la iglesia número 10 de Santa Cecilia de Montserrat, en España, y la abrió al público. Encargado por el Museo de Montserrat para realizar una intervención artística integral en el espacio sagrado, Scully no solo instaló pinturas de forma permanente, sino que también trabajó en frescos específicos para el lugar y en el diseño del altar y la cruz. La capilla es ahora una iglesia en funcionamiento y también el Espacio de Arte Sean Scully . ^{[ 44 ]} Scully fue galardonado con el V Congreso de la Asociación Protecturi por su contribución al patrimonio religioso español.

En 2016, la segunda gran exposición de Scully en China, Sean Scully: Resistencia y persistencia , se inauguró en el Museo de Arte de la Universidad de las Artes de Nanjing y viajó al Museo de Guangdong y al Museo de Hubei en Wuhan. ^{[ 40 ]} Ese mismo año, además de exposiciones individuales en museos de České Budějovice , República Checa, y Valencia , España, el artista organizó dos exposiciones de obras de períodos tempranos específicos de su colección privada, una de obras de la década de 1970, en un espacio externo en Ridgewood, Queens con Cheim & Read, y otra de obras de la década de 1980 con la Galería Mnuchin. Inspirado por la revisión de sus obras anteriores, Scully comenzó a reemplear técnicas como la pintura en aerosol, que introdujo por primera vez a finales de la década de 1960.

Entre 2015 y 2017, la obra de Scully se expandió en dos direcciones principales: la escultura y la figuración. Durante este periodo, Scully comenzó a trabajar en proyectos escultóricos, como la serie Tower , en la que utilizó diversos materiales como acero corten , mármol y acero inoxidable, y la serie Stack, realizada tanto en acero en bruto como pintado. También inició una nueva serie de pinturas Block , en la que Scully hizo referencia a su propia escultura a través de la pintura. Esta nueva dirección fue el eje central de la exposición individual Wall of Light Cubed en Cheim & Read, Nueva York. ^{[ 45 ]} Scully también retomó su exploración inicial de la figuración de finales de la década de 1960 en una serie de pinturas figurativas titulada Eleuthera, que se completó entre 2015 y 2017. La serie se inspiró en el hijo de Scully, Oisin, y recibió su nombre de la isla de Eleuthera en las Bahamas y del adjetivo griego femenino ἐλεύθερος ( eleútheros ), que significa "libre". ^{[ 46 ]}

En 2018, Scully realizó un total de catorce exposiciones públicas alrededor del mundo. Esto incluyó la instalación de la monumental escultura Cajas de Aire en la Cuadra San Cristóbal, en la Ciudad de México, junto con pinturas instaladas en los establos del emblemático bloque de establos rosas. Otras exposiciones en museos incluyeron: el Museo de Arte Multimedia de Moscú ; las Galerías Hatton y Laing de Newcastle, Reino Unido; el Museo de Arte Contemporáneo De Pont de Tilburg, Países Bajos; el Museo Ruso de San Petersburgo, Rusia; la Staatliche Kunsthalle Karlsruhe , Alemania; el Parque de Esculturas de Yorkshire , Reino Unido, entre muchos otros. ^{[ 47 ]}

En 2019, la exposición Sean Scully: Sea Star abrió sus puertas en la National Gallery de Londres , mostrando la obra de Scully junto con obras de JMW Turner . ^{[ 48 ]} El 6 de abril de 2019, el documental del director Nick Willing , Unstoppable. Sean Scully & The Art of Everything, se emitió a nivel nacional en el Reino Unido por BBC Two . Para la 58.ª Bienal de Venecia , Scully presentó Sean Scully: Human en la Basílica de San Giorgio Maggiore , una exposición de pinturas recientes y una nueva escultura titulada Opulent Ascension bajo la cúpula de la iglesia del Renacimiento tardío de Andrea Palladio. ^{[ 49 ] [ 50 ]}

Del 11 de mayo al 21 de septiembre de 2025, el Museo de Arte Parrish exhibió “ Sean Scully: El granero Albee, Montauk ”, una retrospectiva del arte de Scully creado entre 1981 y 2024, incluyendo el mes que pasó en Montauk en el verano de 1982. El catálogo fue publicado por Hatje Cantz ( ISBN). 978-3-775-75942-7).

Del 8 de octubre de 2025 al 14 de diciembre de 2025, la Colección Estorick de Arte Italiano Moderno exhibió Sean Scully: Mirroring , que mostraba una muestra de su obra junto con la del maestro italiano Giorgio Morandi . ^{[ 51 ]} La exposición mostró pinturas, grabados y esculturas creadas entre 1964 y la actualidad.

Scully es miembro de Aosdána desde 2001 y de la Real Academia de las Artes desde 2013. Recibió un doctorado honoris causa en Bellas Artes del Massachusetts College of Art y de la Universidad Nacional de Irlanda en 2003, y un doctorado en Letras de la Universidad de Newcastle . ^{[ 13 ]} Recibió un doctorado honoris causa de la Universidad Miguel Hernández en 2006 y 2008.

La madre de Scully, Holly, era cantante de vodevil , y Scully se vio muy influenciado por el rhythm and blues durante su adolescencia. Scully fue propietario y gerente de un club de R&B en el sur de Londres cuando era adolescente, y formó parte brevemente de una banda de R&B con su hermano y un amigo. ^{[ 55 ]}

En 2016, el percusionista Billy Martin, de la banda Medeski Martin & Wood, realizó una colaboración performativa con la monumental escultura de acero corten Boxes of Air de Sean Scully en el estudio Tappan de Scully. La colaboración culminó en «Boxing for Sean», una composición de percusión de seis movimientos interpretada en vivo al aire libre. ^{[ 56 ]}

En 2019, el dúo Merzouga publicó una composición sonora de 46 minutos, «The Language of Light - Music to the Work of Sean Scully» (YLE/DLF 2019), que incluye los textos y la voz de Scully. ^{[ 57 ]} Su estreno tuvo lugar el 3 de diciembre de 2019 a las 21:00 hora local en la emisora ​​finlandesa Yleisradio . La emisora ​​nacional alemana Deutschlandfunk coprodujo la pieza; su emisión en Alemania estaba prevista para febrero de 2020.

Scully comenzó a escribir sobre arte y su propia obra en la década de 1980, aunque no empezó a incorporar la escritura a su práctica artística hasta 1996. En 2016 se publicó Inner: the collected writings and selected interviews of Sean Scully , de HatjeCantz.

• Museo de Arte Ackland , Universidad de Carolina del Norte – Chapel Hill, Carolina del Norte
• Galería de Arte Albright-Knox – Buffalo, NY
• Instituto de Arte de Chicago – Chicago, Illinois
• Galería de Arte de Ontario – Ontario, Canadá
• Fundación Broad de Arte – Los Ángeles, California
• Museo de Arte Carnegie – Pittsburgh, PA
• Centro Iris & B. Gerald Cantor para las Artes Visuales , Universidad de Stanford – Stanford, California
• Centro Carpenter para las Artes Visuales – Universidad de Harvard, Cambridge, MA
• Centro Cultural de Arte Contemporáneo – Ciudad de México, México
• Chase Manhattan Bank – Nueva York, NY
• Banco Químico – Nueva York, NY
• Museo de Arte de Cincinnati – Cincinnati, Ohio
• Museo de Arte de Cleveland – Cleveland, Ohio
• Museo de Arte Contemporáneo – Honolulu, Hawái
• Galería de Arte Corcoran – Washington, DC
• Museo de Arte de Dallas – Dallas, Texas
• Galería David Winton Bell, Centro de Arte List, Universidad de Brown, Providence, Rhode Island.
• Museo de Arte de Denver – Denver, Colorado
• Centro de Arte de Des Moines - Des Moines, IA
• Museo De Young - San Francisco, CA
• First Bank Minneapolis – Minneapolis, MN
• Museo de Arte Fogg , Universidad de Harvard – Cambridge, MA
• Museo de Arte de Fort Lauderdale – Fort Lauderdale, Florida
• Glenstone – Potomac, MD
• Museo Guggenheim – Nueva York, NY
• Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn – Washington, D.C.
• Museo de Arte High – Atlanta, GA
• Museo de Arte Hood – Hanover, NH
• Museo Kemper de Arte Contemporáneo – Kansas City, MO
• Museo de Arte del Condado de Los Ángeles – Los Ángeles, California
• Museo de Arte Moderno de Fort Worth – Fort Worth, Texas
  • Serie Catalina
• Centro BNY Mellon – Pittsburgh, PA
• Museo Metropolitano de Arte – Nueva York, NY
• Museo de Arte de Miami – Miami, Florida
• Museo de Arte del Mount Holyoke College – South Hadley, MA
• Museo de Arte Contemporáneo – Caracas, Venezuela
• Museo de Arte Contemporáneo – Monterrey, México
• Museo de Arte Moderno – Col. Bosques de Chapultepec, México
• Museo de Arte Moderno – Ciudad de México, México
• Museo de Bellas Artes de Boston – Boston, MA
• Museo de Bellas Artes de Houston – Houston, Texas
• Museo de Arte Moderno – Nueva York, NY
• Galería Nacional de Arte – Washington, D.C.
  • 8.10.89 (1989)
• Museo de Arte de Orlando – Orlando, Florida
• Paine Webber Group, Inc. – Nueva York, NY
• Philip Morris, Inc. – Nueva York, NY
• La Colección Phillips - Washington, DC
• Museo de Arte de la Universidad de Princeton, Princeton, Nueva Jersey
• Museo de Arte Rose , Universidad de Brandeis, Waltham, MA
• Museo de Arte de Santa Bárbara – Santa Bárbara, California
• Museo de Arte de Seattle – Seattle, WA
• Galería de Arte y Jardín de Esculturas Sheldon Memorial, Universidad de Nebraska – Lincoln, NE
• Museo de Arte del Smith College – Northampton, MA
• Museo Smithsonian de Arte Americano – Washington, D.C.
  • Obras de la colección SAAM
• Museo de Arte Raclin Murphy – Notre Dame, Indiana
• Museo de Arte de San Diego – San Diego, California
• Museo de Arte de Saint Louis - Saint Louis, MO
• Museo de Arte Speed ​​— Louisville, Kentucky
• Fundación Van Cliburn , Fort Worth, Texas
• Centro de Arte Walker – Minneapolis, MN
• Museo Whitney de Arte Moderno, Nueva York, NY
• Galería de Arte de la Universidad de Yale – New Haven, Connecticut

• Galería de Arte Abbot Hall – Kendal, Inglaterra
• Academia de Bellas Artes de Múnich – Múnich, Alemania
• Albertina – Viena, Austria
• Consejo de las Artes de Gran Bretaña – Londres, Inglaterra
• AXA Bélgica – Bruselas, Bélgica
• Banque Européenne d'Investissement – ​​Luxemburgo
• BAWAG – Viena, Austria
• Colecciones Estatales de Pintura de Baviera – Múnich, Alemania
• Bibliothèque nationale de France – París, Francia
• Museo de Arte de Birmingham – Birmingham, Inglaterra
• British Council – Londres, Inglaterra
• Centro nacional de artes plásticas – París, Francia
• Centro de Arte Ceolfrith – Sunderland, Inglaterra
• Castillo Lynch-Bages – Pauillac, Francia
• Museo Chillida-Leku, – Hernani, España
• Colección Conei, Barcelona, ​​España
• Consejería de cultura – Santander, España
• Sociedad de Artes Contemporáneas – Londres, Inglaterra
• Consejo de Premios Académicos Nacionales – Londres, Inglaterra
• Galería de Arte Crawford – Cork, Irlanda
  • Luz de la costa este I (1973)
• Centre de la gravure et de l'image imprimee, La Louvière – Bruselas, Bélgica
• Colección de Arte Daimler – Stuttgart, Alemania
• Deutsche Bank – Londres, Reino Unido
• DZ Bank AG Kunst sammlung / KMMM – Frankfurt, Alemania
• Asociación de Artes del Este – Cambridge, Inglaterra
• Escuela de Artes Plásticas – Châtellerault, Francia
• Espacio de arte concreto – Mouans-Sartoux, Francia
• EMMA, ESPOO, Museo de Arte Moderno – Helsinki, Finlandia
• Museo Fitzwilliam – Cambridge, Inglaterra
• La Fundación Edelman – Lausana, Suiza
• Fundación Urvasco – Vittoria, España
• Fundación Stiftelsen Focus – Borås, Suecia
• CaixaForum Barcelona – Barcelona, ​​España
• Fundació Allorda-Derksen – Barcelona, ​​España
• Fundación Caixa Galicia - La Coruña, España
• Galería de Arte Moderno Colección László Vass – Veszprém, Hungría
• Colección Gertsev – Moscú, Rusia
• Hôtel des Arts - Tolón, Francia
• Galería de Arte Hunterian – Glasgow, Escocia
• Galería Hugh Lane – Dublín, Irlanda
  • Obras de la colección Hugh Lane
• Institut Valencià d'Art Modern (IVAM) – Valencia, España
• Museo Irlandés de Arte Moderno (IMMA) – Dublín, Irlanda
• Kunsthalle Bielefeld – Bielefeld, Alemania
• Museo de Arte Lentos Linz – Linz, Austria
• Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen – Düsseldorf, Alemania
• Kunsthaus Zürich – Zúrich, Suiza
• Kunst und Museumsverein Wuppertal – Wuppertal, Alemania
• Galería de Arte Laing – Newcastle, Inglaterra
• Colección László Vass – Veszprém, Hungría
• Autoridad Educativa de Leicestershire – Leicester, Inglaterra
• Museo de Arte Moderno de Louisiana – Humlebaek, Dinamarca
• La Colección Maramotti – Reggio Emilia, Italia
• Galería de Arte de Manchester – Manchester, Inglaterra
• Museo Folkwang – Essen, Alemania
• Museo de Arte Contemporáneo de Val-de-Marne – Vitry-sur-Seine, Francia
• Museo de arte moderno (Saint-Étienne) – Saint-Étienne, Francia
• Musee du Dessin et de l'Estampe Originale – Gravelines, Francia
• Museo Jenisch – Vevey, Suiza
• Museo Nacional de Arte Moderno , Centro Georges Pompidou – París, Francia
• Museo de Roland-Garros – París, Francia
• Museo d'Arte Moderna di Bolonia (MAMBO) – Bolonia, Italia
• Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía – Madrid, España
• Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona – Barcelona, ​​España
• Mumok , Stiftung Ludwig – Viena, Austria
• Museo Pfalzgalerie – Kaiserslautern, Alemania
• Museo Nacional de Cardiff – Cardiff, Gales
• Asociación de Artes del Norte – Newcastle-Upon-Tyne, Inglaterra
• Castillo de Norwich – Norwich, Inglaterra
• Museo abierto, centro de recursos medioambientales y patrimoniales, Leicestershire, Inglaterra
• Centro de Artes Pier – Orkney, Escocia
• Universidad Ruhr de Bochum – Bochum, Alemania
• Saastamoisen Saatio – Helsinki, Finlandia
• Sala Rekalde – Bilbao, España
• Sammlung Essl – Viena, Austria
• Museo de Arte Sara Hilden – Tampere, Finlandia
• Staatsgalerie Stuttgart – Stuggart, Alemania
• Staatliche Museen Kassel, Neue Galerie – Kassel, Alemania
• Staatliche Graphische Sammlung München , Múnich, Alemania
• Lenbachhaus – Múnich, Alemania
• Tate Modern – Londres, Inglaterra
  • Obras de la colección Tate
• La colección de arte de UBS – Zúrich/Basilea, Suiza
• Museo del Ulster – Belfast , Irlanda del Norte
• Universidad de Northumbria – Newcastle, Inglaterra
• Museo Victoria y Alberto – Londres, Inglaterra
• Museo Von der Heydt – Wuppertal, Alemania
• Galería de Arte Whitworth – Manchester, Inglaterra
• Colección Willy Michel, Museo Franz Gertsch – Burgdorf, Suiza
• Centro ZKM de Arte y Medios Karlsruhe (ZKM) – Karlsruhe, Alemania
• Universidad de Limerick – Limerick, Irlanda

• Galería de Arte de Nueva Gales del Sur – Sídney, Australia
• Galería Nacional de Australia – Canberra, Australia
• Galería Nacional de Victoria – Legado Felton – Melbourne, Australia
• Instituto Power de Arte Contemporáneo – Sídney, Australia

• Museo de Arte Bridgestone , Fundación Ishibashi – Tokio
• Museo de Arte de la Ciudad de Nagoya – Nagoya
• Foro Internacional de Tokio – Tokio