Junio ​​Wayne

June Claire Wayne (7 de marzo de 1918 – 23 de agosto de 2011) fue una pintora, grabadora, innovadora del tapiz, educadora y activista estadounidense. Fundó Tamarind Lithography Workshop (1960–1970), un taller de impresión sin fines de lucro, entonces con sede en California, dedicado a la litografía . ^{[ 1 ]}

Wayne nació en Chicago el 7 de marzo de 1918, hija de Dorothy Alice Kline y Albert Lavine, pero el matrimonio terminó poco después de su nacimiento y fue criada por su madre soltera y su abuela, ^{[ 2 ]} ambas refugiadas del violento antisemitismo y los pogromos de Bielorrusia y la Rusia imperial . ^{[ 3 ]} Wayne tenía aspiraciones de ser artista y abandonó la escuela secundaria a los quince años para perseguir este objetivo. ^{[ 4 ]} Aunque no tenía formación artística formal, comenzó a pintar y tuvo su primera exposición en la Boulevard Gallery de Chicago en 1935. ^{[ 1 ] [ 2 ]} A los diecisiete años, Wayne expuso sus acuarelas bajo el nombre de June Claire. ^{[ 5 ]} Volvió a exponer pinturas al óleo y acuarelas al año siguiente por invitación del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México . ^{[ 4 ]} En 1938, trabajaba como artista para el Proyecto Caballete de la WPA en Chicago. ^{[ 4 ]}

En 1939, Wayne se mudó a la ciudad de Nueva York , donde se ganaba la vida como diseñadora de joyas durante el día y continuaba pintando en su tiempo libre. ^{[ 4 ]} Se casó con el cirujano de la Fuerza Aérea George Wayne en 1940, y en 1942 él fue desplegado para servir en el teatro de operaciones europeo de la Segunda Guerra Mundial . ^{[ 6 ]} Mientras su esposo estaba en Europa, Wayne se mudó primero a Los Ángeles y estudió ilustración de producción en Caltech , donde recibió capacitación para trabajar en la conversión de planos a dibujos para la industria aeronáutica . ^{[ 4 ] [ 5 ]} Luego le ofrecieron un trabajo escribiendo música de continuidad y programas de bonos de guerra ^{[ 7 ]} para la estación de radio WGN en Chicago y se mudó allí. Regresó a Los Ángeles cuando su esposo volvió a Estados Unidos del extranjero en 1944. ^{[ 6 ]} La pareja se divorció en 1960, pero la artista continuó usando "June Wayne" como su identidad profesional durante el resto de su vida. ^{[ 4 ] [ 5 ] [ 8 ]}

Cuando terminó la Segunda Guerra Mundial , Wayne regresó a Los Ángeles y se convirtió en una miembro activa de la escena artística californiana . Mientras seguía pintando y exponiendo, en 1948 comenzó a trabajar con la litografía en el taller de Lynton Richards Kistler , produciendo inicialmente litografías basadas en sus pinturas y luego desarrollando nuevas imágenes. ^{[ 6 ]} En 1957, Wayne viajó a París para colaborar con el maestro impresor francés Marcel Durassier , quien fue el grabador de artistas como Pablo Picasso , Henri Matisse , Salvador Dalí , Marc Chagall y otros, ^{[ 9 ]} primero en litografías que ilustraban los sonetos de amor del poeta inglés John Donne y luego en un libro de artista también basado en la poesía de Donne. ^{[ 5 ] [ 6 ]} "Su libro de artista "Songs and Sonets", terminado en diciembre de 1958, fue uno de los primeros en la tradición parisina en ser producido por un estadounidense, y mucho menos por una mujer estadounidense". ^{[ 10 ]} Wayne finalmente produjo 123 copias del libro terminado, una de las cuales despertó el interés de Wilson MacNeil "Mac" Lowry, director de los programas de artes y humanidades de la Fundación Ford . ^{[ 6 ]}

Cuando Wayne se reunió con Lowry en 1958, expresó su frustración por tener que ir a Europa para encontrar colaboradores para sus proyectos de litografía, ya que en ese entonces el grabado en los EE. UU. se asociaba más con carteles que con bellas artes. Lowry le sugirió que presentara una propuesta a la Fundación Ford para obtener fondos para revitalizar la litografía en los EE. UU. ^{[ 4 ] [ 6 ]} Con la ayuda de la fundación, Wayne abrió el Taller de Litografía Tamarind (llamado así por su ubicación en Hollywood) en 1960. ^{[ 5 ]} Wayne actuó como directora, apoyada por el pintor y grabador Clinton Adams como director asociado y Garo Antreasian como maestro impresor y director técnico. ^{[ 11 ]}

Tamarindo inspiró un renacimiento ^{[ 12 ]} en el grabado estadounidense y mundial. ^{[ 13 ]} Wayne insistió en el uso de papeles finos, ediciones pequeñas e integridad en la publicación, todo ello destinado a afirmar que los grabados eran una forma de bellas artes.

Los artistas fueron invitados a residencias de dos a tres meses en Tamarind, donde trabajarían con maestros impresores, tanto estadounidenses como europeos, para producir litografías. ^{[ 6 ]} Algunos artistas, como el primer artista residente de Tamarind, Romas Viesulas, ya tenían experiencia como grabadores, mientras que otros que llegaron a Tamarind, como Josef y Anni Albers , Ruth Asawa , Bruce Conner , Richard Diebenkorn , Burhan Doğançay , John Dowell, ^{[ 14 ]} Claire Falkenstein , Sam Francis , Françoise Gilot , Philip Guston , Richard Hunt , Louise Nevelson , Ed Ruscha , Rufino Tamayo , Charles White , habían trabajado principalmente en otros medios. ^{[ 5 ] [ 6 ]} Tamarind Workshop era una institución educativa con la intención de enseñar litografía a impresores y artistas estadounidenses. Wayne, muy consciente de la escasa representación de mujeres y afroamericanos en el mundo del arte, se empeñó en incluir a muchos en la lista de Tamarind, algo poco común en aquel entonces. La idea actual de la colaboración entre impresores y artistas estadounidenses surgió con June Wayne en el Taller Tamarind. ^{[ 15 ]} En 1970, Wayne sintió que su misión estaba cumplida, renunció a la dirección y gestionó el traslado del taller a la Universidad de Nuevo México, donde, como el Instituto Tamarind , continúa funcionando hoy en día. ^{[ 11 ]}

«Mi método de trabajo es el método científico», afirmó June Wayne. «Ser artista es muy parecido a ser detective. La tarea del artista consiste siempre en observar, asimilar y comentar lo que sucede. Lo hacemos seamos conscientes de ello o no. Mi modelo siempre ha sido Sherlock Holmes . Siempre me interesa el perro que no ladró en la noche. ¿Qué significa una forma negativa? Quiero explorar aquello que desconoces». ^{[ 16 ]}

Los extraordinarios avances en la exploración espacial y la genética logrados a mediados del siglo XX fueron fundamentales para el proceso artístico y la obra de Wayne, y su exploración de estos nuevos descubrimientos fue única. Su conocimiento científico provino tanto de sus lecturas como de sus contactos personales con científicos destacados. En la década de 1950, entabló amistad con Harrison Brown , un físico nuclear que impartía clases en el Instituto Tecnológico de California . Posteriormente, forjó amistades y relaciones con otros científicos, como Richard Feynman , Jonas Salk , inventor de la vacuna contra la polio , y numerosos contactos en el Laboratorio de Propulsión a Chorro , que se convirtió en el centro mundial de la exploración espacial en la década de 1960. ^{[ 17 ]} “La artista recorre aquellas áreas del pensamiento moderno donde las diferencias entre arte y ciencia, arte y música, o arte y escritura se desdibujan. Aquí es donde las innovaciones conceptuales y técnicas de Wayne suelen ocurrir. Ella imagina los significados estéticos y las formas de las ideas, ya sea en la física cuántica, en fugas o en las perturbaciones de la percepción debidas a interferencias ópticas. También se siente energizada por posibilidades estructurales tan distintas como las de la composición musical o el diseño de puentes y aeronaves. La doble hélice del ADN misma fue una fuente para varios años de la creación de imágenes de Wayne a principios de la década de 1970.” ^{[ 18 ]} “Representó los descubrimientos científicos de maneras poéticas en lugar de ilustrativas […] reconociendo que una relación demasiado cercana a los hechos va en contra de los potenciales metafísicos y estéticos” (Jay Belloli) ^{[ 19 ]}

En 1971, tras el traslado del Taller de Litografía Tamarind a la Universidad de Nuevo México , Wayne viajó a Francia . Tenía fuertes vínculos con el país, ya que había creado allí su serie de John Donne en los años 50, y entabló amistad con maestros impresores como Marcel Durassier, quien fue el grabador de artistas como Picasso, Matisse, Dalí, Marc Chagall y otros. ^{[ 20 ]} Buscando nuevos medios, y animada por su amiga Madeleine Jarry, Inspectora Principal del Mobiliario Nacional y de las Manufacturas de Gobelins y Beauvais , Wayne comenzó a diseñar tapices en Francia en la famosa fábrica de Gobelins . ^{[ 6 ] [ 21 ]} “La participación de June Wayne en cada aspecto del proceso del tapiz fue total; es decir, no se limitó a entregar sus bocetos a tamaño real a uno de los tres estudios involucrados en la selección de los hilos de lana y su hilado. También le preocupaban las decisiones sobre su grosor y número de hebras, así como los aspectos relacionados con el sombreado y los tonos precisos al teñir los hilos, el juego de luces y sombras creado a través de las puntadas o puntos individuales, y las intersecciones donde interactuaban los hilos de urdimbre y trama. Además, realizó los bocetos a escala real, pegándolos sobre tela de muselina para mayor durabilidad. Incluso después de que se hubieran decidido todos los aspectos, no desapareció, dejando a los tejedores solos. En cambio, regresaba con frecuencia para supervisar su trabajo y asegurarse de que todo progresara como ella lo había imaginado.” ^{[ 22 ]}

Durante su colaboración con los talleres franceses, Wayne creó doce imágenes de tapices, de las cuales solo se conservaron cuatro ejemplares, y algunas fueron destruidas por no ser de su agrado. ^{[ 23 ]} En los diseños de tapices, Wayne continuó expresando su fascinación por las conexiones entre el arte, la ciencia y la política, creando a menudo diseños basados ​​en imágenes que había producido inicialmente en otros medios. ^{[ 6 ]} Al utilizar tapices para transmitir temas contemporáneos, Wayne se caracterizó por ser la «artista intrépida y multifacética que no aceptaba limitaciones y que se aventuraba hacia todo aquello que la intrigaba, la fascinaba o le llamaba la atención». (Christa C. Mayer Thurman, «Los tapices narrativos de June Wayne: mareas, ADN y el cosmos», The Art Institute of Chicago, 2010). «Los tapices de June Wayne, magistrales en su concepción y extraordinarios en su refinada belleza y ejecución, representan sus décadas de investigación sobre la intersección entre el arte y la ciencia». James Cuno , como Presidente y Director del Instituto de Arte de Chicago . ^{[ 24 ]} El curador Bernard Kester retomó las observaciones de Wayne sobre el tiempo: “Eligió el tapiz porque el elemento del tiempo contenido en el proceso de tejido mismo es acumulativo y permanece implícito en el resultado. El tejido de tapices es intensivo, rítmico y lento. En estas características, Wayne encontró una manera directa y apropiada de transmitir al espectador una sensación del paso del tiempo que es interna al proceso. Puede llevar al espectador más allá del tiempo real para leer ciertas obras a un ritmo acelerado, o para percibir otras en un tiempo cósmico extendido”. ^{[ 25 ]}

En 1984, Wayne retomó la pintura, el medio con el que había comenzado su carrera en Chicago y Ciudad de México como joven artista. «En la Serie Cognitos (más tarde conocida como la Serie Djuna), pintó sobre lienzos preparados años antes por Douglass Howell , el consumado fabricante de papel, quien creó superficies gruesas y de gran textura a partir de mezclas de yeso, gelatina y papel; la mitad de ellas fueron pintadas sobre pinturas preexistentes». ^{[ 26 ]} En general, aludían a atmósferas y topografías planetarias, y a menudo eran monocromáticas. En cuanto a su frecuente uso del color negro, Wayne explicó: «Para mí, el negro es el color más noble. El negro permite que suceda cualquier cosa, y de forma imaginativa. No participa de esos clichés terrenales sobre el significado del color: el rojo es sangre, el azul es cielo, el verde es tierra. Tales suposiciones distorsionan nuestra percepción del arte». ^{[ 27 ]}

Wayne innovó aún más en el medio pictórico con su "Serie Terremoto", creada entre 1992 y 1995, explorando los eventos sísmicos tan presentes en la vida del sur de California. Wayne ideó sus propias "superficies de alta textura a partir de módulos de estireno utilizados para embalar cajas de envío, el omnipresente 'cacahuete' de poliestireno expandido. Fáciles de cortar, moldear, pegar y pintar, estos módulos le permitieron componer campos que combinaban uniformidad y variedad. También continuaron su tradición de utilizar los objetos más comunes para lograr efectos estéticos inusuales". Wayne utilizó materiales similares en lienzos posteriores, incluyendo "Propellar", el lienzo monumental en el que trabajó hasta su muerte en 2011. ^{[ 28 ]}

Wayne “estaba indignada por la situación sexista en el mundo del arte: '¿Cuándo van a ser las mujeres simplemente artistas en lugar de mujeres-artistas?' ”. ^{[ 29 ]} Esta convicción motivó la participación de Wayne en el movimiento artístico feminista en California en la década de 1970. Wayne concibió e impartió una serie de seminarios de profesionalización titulados "Juana de Arte" para jóvenes artistas a partir de 1971. ^{[ 30 ]} Los seminarios de Wayne abarcaban varios temas relacionados con ser una artista profesional, como la fijación de precios de las obras y el contacto con galerías, ^{[ 31 ]} e incluían juegos de rol y sesiones de debate. ^{[ 30 ]} También fomentaban la contribución a la comunidad feminista, ya que las graduadas de los seminarios de Wayne debían luego impartirlos a otras mujeres. ^{[ 30 ]} La artista Faith Wilding escribió en 1977 que, tras entrevistar a muchos de los antiguos alumnos de Wayne, "todos coincidieron en que había supuesto una tremenda diferencia en sus vidas y carreras profesionales, que, de hecho, había sido el punto de inflexión para algunos de ellos al dar el paso de aficionado a profesional". ^{[ 30 ]}

En 1972, Wayne encargó, y Tamarind Lithography Workshop publicó, «Diferenciales de género en las reseñas de exposiciones de arte: un estudio estadístico» de Rosalie Braeutigam y Betty Fiske, un estudio que mostraba el alcance de la desigualdad de género. ^{[ 32 ]} El estudio de 132 páginas investigó, mediante datos empíricos, el alcance de la desigualdad que enfrentan las mujeres en las artes. Entre las publicaciones periódicas examinadas se encontraban The New York Times , Los Angeles Times , San Francisco Chronicle , Artforum , ARTnews , Art in America y otras. La publicación causó un gran revuelo, con un titular típico que decía: «Ella apunta al mundo del arte». Como afirmó Wayne: «En 1959, las artistas recibían una sola línea de texto crítico frente a las 10 000 líneas de los artistas masculinos. ARTnews dedicaba el 99 % de su cobertura a los hombres. En Tamarind documentamos esto. Las cosas no han cambiado mucho». ^{[ 33 ]}

Junto con otras artistas como Sheila Levrant de Bretteville , Ruth Weisberg y otras, Wayne fue miembro fundadora del Consejo de Mujeres en las Artes de Los Ángeles , que buscaba la representación equitativa de las mujeres artistas en las exposiciones de los museos. ^{[ 34 ]} También formó parte del comité de selección de la exposición « Temas contemporáneos: Obras sobre papel de mujeres», que se inauguró en el Edificio de la Mujer de Los Ángeles en 1977 y presentó las obras de más de 200 mujeres artistas. ^{[ 35 ]}

Entre los alumnos de Wayne se encontraba Faith Bromberg , quien más tarde se involucraría en el movimiento artístico feminista. ^{[ 36 ]}

La obra de Mary Beth Edelson , Some Living American Women Artists / Last Supper (1972), se apropió de La Última Cena de Leonardo da Vinci , superponiendo las cabezas de destacadas artistas femeninas sobre las de Cristo y sus apóstoles; Wayne figuraba entre esas destacadas artistas. Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía religiosa e histórico-artística en la subordinación de la mujer, se convirtió en «una de las imágenes más emblemáticas del movimiento artístico feminista ». ^{[ 37 ] [ 38 ]}

From her early years, Wayne was an advocate for free-speech and an opponent of State censorship. After Joseph McCarthy was reelected to the US Senate in 1952, the Los Angeles City Council passed a resolution by a vote of 13-1 calling modern artists “unwitting tools of the Kremlin”. Wayne attended Council meetings to oppose the resolution, and actions of the group “Sanity in Art”.^[39] In the same period, "the City wanted to cause anybody who modeled for an art school to prove that they weren’t prostitutes."^[39] In 1990 Wayne helped lead the charge against attempts in Congress by Rep. Philip Crane (Ill.) and others to abolish the National Endowment for the Arts. As Wayne stated: “Artists are taxpayers. We are entitled to due process. We are entitled to be free of defamation. The arts of this country are among the few positive cash flows we have in international trade. And I think that’s quite a lot of accountability.”^[40]

Wayne's art has been exhibited worldwide, including:

• Whitney Museum of American Art, New York, 1955;^[41]
• Museu de Arte Moderna de São Paulo, 1955;^[42]
• Modern Art in the United States, Paintings, Sculptures and Prints: A Selection from the Collections of the Museum of Modern Art, Tate, London, 1956;
• Brooklyn Museum,^[43] 1957;
• Denver Art Museum,^[44] 1959;
• Santa Barbara Museum of Art,^[45] 1964;
• Library of Congress,^[46]Washington, D.C., 1966;
• Fresno Art Museum,^[47] 1986;
• National Gallery of Australia,^[48]Canberra, 1986;
• National Portrait Gallery,^[49]Washington, D.C., 1987;
• Whitney Museum of American Art,^[50]Stamford, Connecticut, 1988;
• Walker Art Center,^[51]Minneapolis, 1989;
• Bibliothèque nationale de France,^[52] Paris, 1992;
• Centro Cultural Skirball , ^{[ 53 ]} Los Ángeles , 1996;
• June Wayne y el Cosmos: Vientos Estelares, Mi Palomar y Erupciones Solares, Academia de Ciencias de Nueva York , 1997;
• Museos y galería de arte de Birmingham , ^{[ 54 ]} Birmingham , Reino Unido , 1997;
• June Wayne: Una retrospectiva, Museo de Arte Neuberger , Purchase College , Universidad Estatal de Nueva York , 1997;
• El conjunto Djuna, Museo de Arte de Fresno , 1988;
• Museo de Arte de Cincinnati , ^{[ 55 ]} 1998;
• June Wayne: La serie Dorothy, Museo Skirball, Hebrew Union College , Cincinnati , 1998;
• June Wayne: Una retrospectiva, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , Los Ángeles , 1998-1999;
• June Wayne: Una retrospectiva, Museo del Desierto de Palm Springs , Palm Springs , 1999;
• Shock Wave, Universidad de Rutgers , New Brunswick , 2005;
• June Wayne, litógrafa pionera, Museos y Galería de Arte de Birmingham , Birmingham , 2006;
• Tapices narrativos de June Wayne: maremotos, ADN y el cosmos, Instituto de Arte de Chicago , 2010;
• Pinturas, grabados y tapices de June Wayne, Museo de Arte de California en Pasadena , 2014;
• MOCA Jacksonville , El Otro: Cultivando una Nueva Ecología en el Grabado, 2016; ^{[ 56 ]}
• Agente de cambio: June Wayne y el Taller Tamarindo, Museo de Arte de la Universidad Estatal de Arizona , 2019-2020;

La obra de June Wayne está bien representada en importantes museos y colecciones privadas de todo el mundo. Una lista parcial de las colecciones de museos incluye:

• el Museo Amon Carter ;
• el Instituto de Arte de Chicago ; ^{[ 57 ]}
• el Museo de Arte de la Universidad Estatal de Arizona ;
• la Biblioteca Nacional de Francia ;
• el Museo Británico ;
• el Centro Brodsky, Universidad de Rutgers ; ^{[ 58 ]}
• el Museo de Arte de Fresno ;
• el Centro Grunwald para las Artes Gráficas, Museo Hammer ;
• la Biblioteca Houghton , Universidad de Harvard;
• El Museo Judío de Nueva York;
• la Biblioteca del Congreso , Washington, DC;
• el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles ;
• el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego ;
• el Museo de Arte Moderno ;
• La Galería Nacional de Arte , Washington, DC;
• La Galería Nacional de Australia , Canberra;
• el Museo Nacional de Historia Americana ; ^{[ 59 ]}
• el Museo Nacional de Mujeres en las Artes ;
• el Museo de Arte Neuberger ;
• la Biblioteca Pública de Nueva York ;
• el Museo Norton Simon ;
• el Museo de Arte de Filadelfia ;
• el Museo de Arte del Pomona College ;
• la biblioteca de la Universidad de Princeton ;
• la Galería de Arte de Queensland ;
• el Museo de Arte de San Diego ;
• el Centro Cultural Skirball ;
• el Museo Smithsonian de Arte Americano ;
• el Museo Victoria y Alberto ;
• el Museo Whitney de Arte Americano ;
• el Museo de Arte Zimmerli .

En 1982, Wayne fue una de las primeras galardonadas con el premio Vesta, un premio anual de reciente creación que el Edificio de Mujeres de Los Ángeles otorgaba a mujeres que habían realizado contribuciones destacadas a las artes. ^{[ 60 ]} En 1999, con motivo de su retrospectiva en el LACMA, Wayne fue homenajeada por el Ayuntamiento de Los Ángeles con la proclamación oficial iniciada y patrocinada por el entonces concejal Joel Wachs . En la década de 1990, Wayne ganó el premio Art Table por sus contribuciones profesionales a las artes visuales, el premio del Foro Internacional de Mujeres para Mujeres que Marcan la Diferencia y premios a la trayectoria del Museo de Arte Neuberger y de LA ArtCore. ^{[ 6 ]} En 2003, fue honrada con el Premio Zimmerli a la Trayectoria de la College Art Association y en 2009 recibió premios de tres instituciones: la Fundación Pollock-Krasner , el Centro para el Estudio de Gráficos Políticos y la Escuela de Bellas Artes Roski de la Universidad del Sur de California , así como elogios de la Ciudad de West Hollywood y el Condado de Los Ángeles . ^{[ 6 ]} Recibió doctorados honoris causa de la Escuela de Diseño de Rhode Island , el Moore College of Art and Design , el California College of Arts and Crafts y el Atlanta College of Fine Arts. ^{[ 4 ]} El 4 de abril de 2011, fue nombrada Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el entonces Ministro de Cultura de Francia, Frédéric Mitterrand . En 2018, en el centenario de su nacimiento, Wayne fue honrada por el Ayuntamiento de Los Ángeles con una proclamación oficial.

A pesar de una batalla de diez años contra el cáncer, Wayne continuó trabajando activamente en su estudio de arte Tamarind hasta los noventa años. Entre sus proyectos se encontraba la monumental pintura de estireno «Propellar», que plasmaba muchas de sus ideas sobre el movimiento, la óptica y el cosmos. ^{[ 61 ]} En 2002, Wayne se convirtió en profesora investigadora en el Centro Rutgers para la Impresión y el Papel Innovadores . ^{[ 62 ]} Wayne también donó un conjunto de más de 3300 grabados, tanto de su obra como de la de otros artistas, al Centro Rutgers para la Impresión y el Papel Innovadores, que estableció el Centro de Estudios y Archivo June Wayne para albergar la colección. ^{[ 62 ]}

Los amigos y coleccionistas más cercanos de June Wayne en Los Ángeles se reunieron en 1998 para "June in June", un almuerzo de cumpleaños número 80 en honor a June Wayne. Asistieron David Hockney , Wallis Annenberg y un total de 70 homenajeados. El evento, organizado por Robert y Barbara Barrett ^{[ 63 ]} , se organizó para honrar a Wayne y recaudar fondos para adquirir obras de June Wayne para la colección del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles . ^{[ 64 ]} Diez años después, el LACMA reconocería la amplitud de su obra con una retrospectiva. ^{[ 65 ]} A los 92 años, Wayne asistió a "Tapices narrativos de June Wayne: mareas, ADN y el cosmos", que tuvo lugar en el Instituto de Arte de Chicago en 2010.

Wayne murió en su estudio de Tamarind Avenue en Hollywood el 23 de agosto de 2011, con su hija y su nieta a su lado. ^{[ 6 ] [ 66 ]}

• Cuatro piedras para Kanemitsu , un documental ambientado en el Taller de Litografía de Tamarindo.

• Sitio web oficial
• Entrada al Centro Internacional de Mujeres
• Biografía de ArtScene
• Historia del Instituto Tamarindo
• June Wayne: Catálogo razonado, 1936-2006 El arte de todo
• Guía de los catálogos y publicaciones de la exposición June Wayne. Colecciones especiales y archivos, Bibliotecas de la UC Irvine, Irvine, California.