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Alberto Burri

Critics' Prize at the Venice Biennale (1960) Premio Marzotto (1964) Grand Prize at the São Paulo Biennial (1965) Feltrinelli Prize for Graphic Art (1973) honorary Degree Glasgow...

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Alberto Burri (12 de marzo de 1915 – 13 de febrero de 1995; pronunciación italiana: [ alˈbɛrto ˈburri ] ) fue un artista visual , pintor , escultor y médico italiano afincado en Città di Castello . Se le asocia con el materialismo , movimiento artístico informal europeo , y describió su estilo como polimaterialista. Tuvo vínculos con el espacialismo de Lucio Fontana y, junto con Antoni Tàpies , influyó en el resurgimiento del arte de ensamblaje de posguerra en Estados Unidos ( Robert Rauschenberg ), al igual que en Europa. 

Vida

En la columna “Sobrevalorados y subestimados” publicada por la revista de arte estadounidense ARTnews , el nombre de Alberto Burri se menciona con frecuencia. Por ejemplo, Carolyn Christov-Bakargiev lo menciona en el número de enero de 2005. [ 2 ]

Si se revisan las revistas de los años 50, Burri compartía espacio con la mayoría de los expresionistas abstractos estadounidenses; sin embargo, por alguna razón, ha caído en un olvido casi total. Burri fue enormemente importante en ese período de posguerra e influyente a nivel internacional... No creo que hubiera existido un Antoni Tàpies en España de no haber sido por Burri. [ 3 ]

— Carolyn Christov-Bakargiev, 2005

Alberto Burri nació el 12 de marzo de 1915 en Città di Castello , en Umbría , hijo de Pietro Burri, un comerciante de vinos toscano, y Carolina Torreggiani, una maestra de escuela primaria umbra . [ 4 ] En 1935, Burri asistió a una escuela secundaria pública en Arezzo viviendo como interno en una pensión, y como consta en sus informes escolares, estudió Clásicas en una escuela privada en Città di Castello. [ 5 ] A su regreso del norte de África, Burri y su hermano menor Vittorio se matricularon en la facultad de medicina de Perugia, y después de su aventura africana, Burri decidió que quería especializarse en enfermedades tropicales. [ 6 ] Burri se graduó de la facultad de medicina en 1940, y el 12 de octubre de ese año, dos días después de la entrada de Italia en la Segunda Guerra Mundial , con una precoz experiencia voluntaria en la guerra ítalo-etíope , fue llamado nuevamente al servicio militar y enviado a Libia como médico de combate. [ 7 ] Los registros del ejército muestran que dentro de los 20 días de esta orden, Burri recibió una baja temporal para permitirle completar su internado médico y obtener el diploma para calificar como médico. [ 8 ] Burri afirmó que estudió historia del arte, porque quería poder comprender las obras de arte que lo rodeaban. [ 9 ] También estudió griego, un idioma en el que se volvió competente, y más tarde en la vida pudo leer y disfrutar de la literatura griega clásica . [ 10 ] El 8 de mayo de 1943, la unidad de la que formaba parte fue capturada por los británicos en Túnez y luego entregada a los estadounidenses y transferida a Hereford, Texas, en un campo de prisioneros de guerra que albergaba a unos 3000 oficiales italianos, [ 11 ] donde comenzó a pintar. Después de su liberación en 1946, se mudó a Roma y se dedicó exclusivamente a la pintura ; Su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería La Margherita en 1947. Posteriormente expuso en la Galería Marlborough de Nueva York y en la Galería de Francia de París .

Impedido de ejercer su profesión médica, Burri tuvo la oportunidad de elegir una actividad de ocio gracias a la Asociación YMCA . Utilizando la escasa cantidad de materiales disponibles en el campo, se dedicó a la pintura, a la edad de casi 30 años y sin ningún tipo de referencia académica. [ 12 ] Mientras tanto, la trágica muerte de su hermano menor, Vittorio, en el frente ruso en 1943 tuvo un fuerte impacto en él. [ 13 ] Aislándose del resto del mundo y representando temas figurativos con gruesas pinceladas cromáticas, se dio cuenta progresivamente del deseo de abandonar la profesión médica en favor de la pintura. [ 14 ] [ a ]

Pinturas

De la abstracción a la materia

Una vez que Burri regresó a Italia el 27 de febrero de 1946, su decisión chocó con la grave recesión posterior a la Segunda Guerra Mundial y el descontento de sus padres. Se mudó a Roma como huésped del violinista y compositor Annibale Bucchi, primo de su madre, quien lo alentó en su actividad como pintor. [ 15 ]

Durante su estancia en Roma, tuvo la oportunidad de establecer contacto con las pocas pero muy activas instituciones dedicadas a la pintura, que estaban creando una nueva plataforma para las artes visuales después de la guerra. [ 17 ]

Siguió siendo un artista reservado, trabajando y creando sin cesar, inicialmente en un pequeño estudio en Via Margutta , pero mudándose con frecuencia. De hecho, Milton Gendel , un periodista estadounidense que visitó el estudio de Burri en 1954, informó posteriormente: « El estudio tiene paredes gruesas, está encalado, es pulcro y ascético; su obra es "sangre y carne", tela desgarrada y enrojecida que parece reflejar la contención de las heridas que Burri sufrió en tiempos de guerra ». [ 18 ]

La primera exposición individual de obras figurativas de Burri tuvo lugar el 10 de julio de 1947 en la galería-librería La Margherita, en Roma, presentada por los poetas Leonardo Sinisgalli y Libero De Libero. Sin embargo, la producción artística de Burri evolucionó definitivamente hacia formas abstractas antes de finalizar ese mismo año, debido al uso de témpera de pequeño formato , resultado de la influencia de artistas como Jean Dubuffet y Joan Miró , cuyo estudio visitó Burri durante un viaje a París en el invierno de 1948. [ 19 ]

Alquitranes, mohos, jorobados

La investigación artística de Burri se volvió personal en poco tiempo; entre 1948 y 1950 comenzó a experimentar con materiales inusuales y poco convencionales como alquitrán , arena , zinc , piedra pómez y polvo de aluminio , así como con pegamento de cloruro de polivinilo , este último material elevado a la misma importancia que las pinturas al óleo. Durante esta transición artística, el pintor mostró su sensibilidad hacia la abstracción de técnica mixta de Enrico Prampolini , figura central del arte abstracto italiano . Sin embargo, Burri fue un paso más allá en sus Catrami (Alquitranes), presentando el alquitrán no como un simple material de collage , sino como un color real que, mediante diferentes tonalidades lúcidas y opacas en negro monocromo, se fundía con la totalidad de la pintura. [ 23 ]

Su obra de 1948, "Nero 1" (Negro 1), fue posteriormente adoptada por el artista como un hito inicial de su pintura y estableció la prevalencia del monocromo negro, que se mantendría como una identidad cercana a lo largo de su carrera, junto con el blanco, desde la serie Bianchi (Blancos) de 1949-50, y el rojo.

La siguiente serie de Muffe (Mohos) presentaba literalmente las reacciones espontáneas de los materiales empleados, permitiendo que la materia «cobrara vida» en goteos y concreciones que reproducían los efectos y la apariencia del moho real . En algunas obras de arte del mismo período que denominó Gobbi (Jorobados), Burri se centró en la interacción espacial de la pintura, logrando otro resultado original debido a la incorporación de ramas de árboles en el reverso del lienzo, lo que impulsó la bidimensionalidad hacia el espacio tridimensional . [ 24 ]

En 1949, el crítico Christian Zervos publicó la foto de un Catrame (exhibido en París el año anterior) en la renombrada revista Cahiers d'art . [ 24 ]

A pesar de la afinidad de Burri con el informalismo y su amistad con Ettore Colla, que acercó a Alberto al Gruppo Origine (fundado y disuelto en 1951 por el propio Colla, Mario Balocco y Giuseppe Capogrossi ), la investigación artística del pintor parecía cada vez más solitaria e independiente. [ 25 ]

Sacchi y el surgimiento estadounidense

A partir de 1952, Burri logró una caracterización fuerte y personal con los Sacchi (Sacos), obras de arte obtenidas directamente de tela de yute ampliamente distribuida por el Plan Marshall : el color desapareció casi por completo, dejando espacio para el material de la superficie de modo que la pintura coincidiera con su materia en su total autonomía, ya que no existía separación entre la superficie pictórica y su forma. [ 26 ]

La elegancia artística formal y los equilibrios espaciales obtenidos mediante vapores aeroformados, cráteres, rasgaduras, capas de color superpuestas y diferentes formas, diferenciaron el arte de Burri, basado en reflexiones atentas y cálculos precisos, de los gestos impulsivos que caracterizaron la pintura de acción durante el mismo período. [ 27 ]

Burri ofreció una visión inicial de estos elementos peculiares en 1949, con SZ1 (acrónimo de Sacco di Zucchero 1, que significa Saco de Azúcar, 1): la presencia de una porción de la bandera estadounidense en la obra anticipó el uso del mismo tema por parte del arte pop . En el caso de Burri, sin embargo, no había implicaciones sociales ni simbólicas; el equilibrio formal y cromático de la pintura era el único foco real. [ 28 ]

Censura y éxito

Los Sacchi de Burri no lograron la aceptación del público y, en cambio, fueron considerados extremadamente alejados de la noción de arte. En 1952, año de su primera participación en la Bienal de Venecia , los Sacks titulados Lo Strappo (El Desgarro) y Rattoppo (Parche) fueron rechazados. [ 29 ]

Nuevamente, en 1959, una cuestión de orden del Parlamento italiano solicitó la retirada de una de las obras del pintor de la Galleria Nazionale d'Arte Moderna de Roma. [ 25 ]

La obra de Burri recibió una consideración diferente y positiva en 1953, cuando James Johnson Sweeney (director del Museo Solomon R. Guggenheim ) descubrió las pinturas de Burri en la Galería Obelisco de Roma y posteriormente presentó la obra del artista en Estados Unidos, en una exposición colectiva representativa de las nuevas tendencias artísticas europeas. [ 30 ] Este encuentro dio lugar a una amistad de por vida con Sweeney, quien se convirtió en un defensor activo del arte de Burri en importantes museos estadounidenses y escribió la primera monografía sobre el artista en 1955. Durante ese mismo año, Robert Rauschenberg visitó el estudio del pintor en dos ocasiones: a pesar de que las diferencias lingüísticas entre ambos artistas les impedían comunicarse, las visitas de Rauschenberg aportaron información sustancial para la creación de sus Pinturas Combinadas. [ 31 ] [ 32 ] [ 33 ]

La estrecha relación de Burri con Estados Unidos se oficializó cuando conoció a Minsa Craig (1928-2003), bailarina de ballet estadounidense (alumna de Martha Graham ) y coreógrafa, con quien se casó el 15 de mayo de 1955 en Westport, Connecticut . Permanecieron juntos en las buenas y en las malas, durante el resto de sus vidas. [ 34 ]

Adopción del fuego

Después de algunos intentos esporádicos, en 1953-54 Burri llevó a cabo una experimentación cuidadosamente planificada con el fuego, mediante pequeñas combustiones sobre papel, que sirvieron como ilustraciones para un libro de poemas de Emilio Villa . [ 35 ] El poeta fue uno de los primeros en comprender el potencial artístico revolucionario del pintor, escribiendo sobre ello desde 1951 y trabajando con él en libros de artista. [ 36 ] Más tarde recordó una visita común a un campo petrolífero (para un reportaje de 1955 para la revista "Civiltà delle Macchine") como una fuerte influencia en el interés del artista por el uso del fuego. [ 37 ]

Combustión, madera, hierro, plásticos

El procedimiento adoptado para los Combustioni (Combustiones) pasó del papel a los Legni (Woods) alrededor de 1957, en finas láminas de chapa de madera fijadas a lienzo y otros soportes. [ 38 ]

En ese mismo periodo, Burri también trabajaba en los Ferri (Hierros), creaciones hechas con láminas de metal cortadas y soldadas con soplete , buscando el equilibrio general de los elementos. La aplicación más conocida de este procedimiento se alcanzó en los Plastiche (Plásticos) durante la década de los sesenta, cuando en Italia comenzó a manifestarse una apertura gradual de la crítica hacia el arte de Burri.

Grande Bianco Plastica (Gran Plástico Blanco) (1964) en Glenstone en 2023

El soplete era solo aparentemente un instrumento destructivo. De hecho, los cráteres modelados por la llama sobre celofán, plástico negro, rojo o transparente, o sobre la serie Bianchi Plastica (Plástico Blanco), en la que el plástico transparente se coloca sobre un soporte blanco o negro, fueron ligeramente dirigidos por el soplado del pintor. De este modo, se resaltaban una vez más los equilibrios de la materia, en una especie de «desafío» a la aleatoriedad de la llama, por un lado, y en una especie de intento de «dominar el azar», intrínseco a la filosofía de Burri, por el otro. [ 39 ]

De Cretto a Cellotex

A partir de 1963, Burri y su esposa comenzaron a pasar los inviernos en Los Ángeles. El pintor se fue distanciando progresivamente de la comunidad artística de la ciudad, centrándose profundamente en su propia obra. [ 40 ] Durante sus frecuentes viajes al Parque Nacional del Valle de la Muerte , el artista encontró en el agrietamiento natural del desierto el estímulo visual que lo llevó, a partir de 1973, a crear Cretti (Grietas), desarrollando el uso del efecto de pintura craquelada de sus obras de la década de 1940. [ 41 ]

Empleando una mezcla especial de caolín, resinas y pigmento, el pintor secaba la superficie con el calor de un horno. Burri detenía el proceso de calentamiento en el momento deseado mediante una capa de cola PVA, obteniendo así mayores y menores efectos de agrietamiento, que siempre se mantenían equilibrados gracias a los amplios conocimientos de química del pintor. [ 42 ]

Grande Cretto en Gibellina

Burri reprodujo el procedimiento utilizado para los Cretti, ya sean en blanco o negro, también en escultura, en grandes extensiones en la Universidad de California, Los Ángeles y Nápoles ( Museo di Capodimonte ) Grandi Cretti (Grandes Grietas) hechas de arcilla cocida (ambas de 49 x 16) y, más importante, en la vasta cubierta de cemento del Cretto di Burri en Gibellina , sobre las ruinas del antiguo pueblo siciliano destruido por el terremoto de 1968. [ 43 ] Iniciada en 1984 e interrumpida en 1989, la obra se completó en 2015, para el centenario del nacimiento del artista. Es una de las mayores obras de arte jamás realizadas, extendiéndose sobre un área de aproximadamente 85.000 metros cuadrados. Su cubierta de hormigón blanco se extiende sobre el pueblo, siguiendo el antiguo trazado de las calles en largas vías arteriales y corredores, que son transitables, trayendo así simbólicamente de vuelta a la vida al pueblo devastado.

Cellotex y los grandes ciclos de pinturas

Durante la década de los setenta, el arte de Burri experimentó una transición gradual hacia dimensiones más amplias, mientras que se sucedían retrospectivas por todo el mundo. Un ejemplo de ello es la gran exposición individual que recorrió Estados Unidos entre 1977 y 1978 y que culminó en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York.

En el ciclo de pinturas de 1979 titulado Il Viaggio (El viaje), Burri recreó, a través de diez composiciones monumentales, los momentos clave de su producción artística. [ 44 ]

El material privilegiado durante esta fase es Celotex (el autor añadió una l a su nombre), una mezcla industrial de restos de la producción de madera y adhesivos, muy utilizada en la fabricación de paneles aislantes. [ 45 ] Hasta entonces, el pintor había utilizado este material en sus obras anteriores desde principios de la década de 1950 como soporte para sus obras de acetato y acrílico. [ 46 ]

Después de eso, Cellotex se utilizó para series cíclicas concebidas como polípticos sobre una estructura geométrica dominante y clara, a través de tonos rayados extremadamente finos o yuxtaposiciones de partes lisas y rugosas como Orsanmichele (1981), o en variaciones monocromáticas negras como Annottarsi (Hasta la noche, 1985), así como en formas multicolores como Sestante ( Sextante , 1983) o el homenaje al oro de los mosaicos de Rávena en su última serie Nero e Oro (Negro y Oro). [ 47 ]

Escultura y diseño de escenografía

La obra artística completa de Burri fue concebida por el autor como un todo inseparable de forma y espacio, tanto en pintura como en escultura. Un ejemplo es el motivo recurrente de la arquivolta , vista en su forma simple en la pintura y en perspectiva en esculturas de hierro como Teatro Scultura —una obra presentada en la Bienal de Venecia de 1984— y en la serie Ogive de cerámica de 1972. [ 48 ]

La fuerte continuidad de las obras escultóricas de Burri con sus pinturas también puede apreciarse en la cerámica Grandi Cretti de la UCLA de Los Ángeles y Capodimonte de Nápoles (con la ayuda del ceramista Massimo Baldelli, con quien mantuvo una larga colaboración), o en el Grande Ferro (Gran Hierro) expuesto en Perugia con motivo del encuentro de 1980 entre el artista y Joseph Beuys . [ 49 ]

El Gran Cretto de Gibellina no se ajusta propiamente a la categoría de land art , pero posee características que combinan arquitectura, escultura y espacio. Otras esculturas sobre hierro se conservan de forma permanente en los museos de Città di Castello, Ravenna, Celle (Pistoia), Perugia y Milán, donde las alas giratorias del Teatro Continuo son a la vez un espacio escénico real y una escultura, utilizando el parque del Castillo Sforza como telón de fondo natural. [ 50 ]

Decorados teatrales

El teatro desempeñó un papel fundamental en la producción artística de Burri. Si bien en intervenciones aisladas, el pintor trabajó en los campos de la prosa, el ballet y la ópera. En 1963, Burri diseñó la escenografía de Spirituals , el ballet de Morton Gould en La Scala de Milán. Sus obras plásticas enfatizaron la fuerza dramática de obras como la adaptación teatral de Ignazio Silone de 1969 en San Miniato (Pisa) y Tristán e Isolda , representada en 1975 en el Teatro Regio de Turín.

En 1973, Burri diseñó la escenografía y el vestuario de November Steps , concebida por su esposa Minsa Craig, con música de Toru Takemitsu . El ballet interactuaba con un ejemplo temprano de arte visual mediante un fragmento de película que mostraba cómo se formó progresivamente el ballet Cretti .

Trabajo gráfico

Burri nunca consideró que el arte gráfico fuera de importancia secundaria con respecto a la pintura. Participó intensamente en la experimentación de nuevas técnicas de impresión, como la reproducción de Combustioni en 1965 , en la que el matrimonio formado por Valter y Eleonora Rossi logró imitar a la perfección el efecto de la quema sobre el papel, o las irregulares cavidades de Cretti (1971) con los mismos impresores.

Otros desarrollos innovadores se pueden encontrar en las serigrafías Sestante (1987–89) –con la ayuda del viejo amigo y colaborador de Burri , Nuvolo– hasta la serie Mixoblack (1988), creada con el taller de impresión Mixografia de Los Ángeles utilizando polvo de mármol y arena para crear superficies de impresión con ciertos efectos tridimensionales texturales. [ 51 ]

Un hecho revelador es que Burri utilizó el dinero del Premio Feltrinelli de artes gráficas —que le fue otorgado en 1973 por la Accademia dei Lincei— para promover y apoyar la restauración de los frescos de Luca Signorelli en el pequeño oratorio de San Crescentino, a pocos kilómetros de la casa de campo de Burri en Città di Castello; un ejemplo más de la cercanía mental entre lo moderno y lo contemporáneo en el arte de Burri. [ 52 ]

Legado

Alberto Burri murió sin descendencia el 13 de febrero de 1995 en Niza, en la Riviera francesa , donde se había mudado para mejorar su calidad de vida y debido a un enfisema pulmonar . [ 53 ]

Poco antes de su muerte, el pintor fue condecorado con la Legión de Honor y la Orden del Mérito de la República Italiana , además de ser nombrado miembro honorario de la Academia Estadounidense de Artes y Letras . Su serie gráfica Oro e Nero (Oro y Negro) fue donada por el artista, entre otros, a la Galería Uffizi de Florencia en 1994, momento en el que ya comenzaba a ser considerado más un artista «clásico» que «contemporáneo». [ 54 ]

El arte de Alberto Burri captó el interés de muchos colegas artistas contemporáneos, desde Lucio Fontana y Giorgio Morandi hasta Jannis Kounellis , Michelangelo Pistoletto y Anselm Kiefer , quienes reconocieron la grandeza de Burri —y, en algunos casos, su influencia— una y otra vez. [ 55 ] [ 56 ] [ 57 ] [ 58 ]

Fundación y los museos

De acuerdo con la voluntad del pintor, la Fondazione Palazzo Albizzini se estableció en Città di Castello en 1978 para registrar los derechos de autor de la obra de Burri. La primera colección del museo, inaugurada en 1981, es la que se encuentra en el edificio de apartamentos renacentista Albizzini. La casa patricia del siglo XV, que perteneció a los mecenas de Las bodas de la Virgen de Rafael , fue restaurada por los arquitectos Alberto Zanmatti y Tiziano Sarteanesi según los planos del propio Burri. [ 59 ] [ 60 ]

La segunda colección corresponde a los antiguos secaderos de tabaco de Città di Castello, una estructura industrial abandonada gradualmente durante la década de 1960 e inaugurada en 1990, que abarca una superficie de 11.500 metros cuadrados. Actualmente, la estructura alberga la totalidad de los grandes ciclos pictóricos del artista, esculturas monumentales y, desde marzo de 2017, toda su producción gráfica. [ 60 ]

El exterior negro de la estructura y las adaptaciones espaciales particulares representan un último intento de Burri por crear una obra de arte total, en continuidad con la idea de equilibrio formal y psicológico que persiguió constantemente. [ 59 ]

Evaluación crítica

Alberto Burri es reconocido como un innovador radical de la segunda mitad del siglo XX, como precursor de las soluciones encontradas por movimientos artísticos como el Arte Povera , el Neodadaísmo , el Nuevo Realismo , el Postminimalismo y el arte procesual , dejando abiertas muchas interpretaciones críticas y metodológicas de su obra. [ 61 ] [ 62 ]

En su monografía de 1963, Cesare Brandi destacó la esencialidad de la pintura de Burri y su rechazo tanto del detalle decorativo como de las provocaciones de las vanguardias históricas (por ejemplo, el futurismo ), favoreciendo un nuevo enfoque a través de un concepto de "pintura sin pintar". [ 63 ]

Por otro lado, Enrico Crispolti interpretó el uso que Burri hacía del material desde un punto de vista existencial —como ya lo había hecho James Johnson Sweeney en la primera monografía sobre Burri publicada en 1955—, lo que implicaba una crítica hacia cierta deriva ética de la posguerra.

Pierre Restany lo consideraba un «caso especial» en la historia del Minimalismo , por haber sido « el forastero monumental y el precursor genial al mismo tiempo ». [ 64 ] Maurizio Calvesi adoptó una lectura psicoanalítica durante esos años, encontrando «valores éticos» en su arte, identificando a la vez los orígenes renacentistas de la tierra natal de Burri: Piero della Francesca habría inspirado en Burri el sentido del espacio y la solemnidad de las masas que el pintor luego transfirió a los bosques quemados o a los sacos desgastados. [ 65 ]

Más recientemente, la posición de Burri ha sido reevaluada gracias a la importante exposición retrospectiva de 2015 Alberto Burri: El trauma de la pintura, comisariada por Emily Braun para el Museo Solomon R. Guggenheim, y a la exposición colectiva de 2016 Burri Lo spazio di Materia tra Europa e USA, editada por el actual presidente de la Fundación, Bruno Corà, que puso de relieve el cambio radical en la pintura occidental tradicional y el collage moderno provocado por Burri, al tiempo que se centró en su recuperación «psicológica» de los equilibrios formales de la pintura clásica. [ 66 ]

Entre las numerosas lecturas históricas, el juicio de Giulio Carlo Argan (escrito en el catálogo de la Bienal de Venecia de 1960 ) sigue siendo emblemático: « Para Burri debemos hablar de un trampantojo subvertido , porque ya no se trata de pintar para simular la realidad, sino de que la realidad simule la pintura ». [ 67 ]

Exposiciones

La carrera de Burri comenzó en Roma con su primera exposición individual en 1947 en la librería La Margherita, propiedad de Irene Brin , donde presentó sus primeras obras abstractas al año siguiente. Brin y su esposo, Gaspero del Corso, fundaron la Galería Obelisco, la primera galería de arte que abrió en la Roma de posguerra, donde se exhibieron en 1952 la exposición individual Muffe e Neri (Mohos y Negros) y en 1957 la primera Combustion. La primera exposición de Burri con los Sacchi fue presentada por el poeta Emilio Villa en la Fundación Origine en 1952, lo que confirmó su producción cada vez más original. La exposición Ferri (Hierros) se realizó en la Galleria Blu de Milán.

A partir de 1953, Burri expuso regularmente sus obras en Estados Unidos, en la Galería Allan Frumkin (Chicago), la Galería Stable y la Galería Martha Jackson en Nueva York. Ese mismo año, el director y curador del Museo Guggenheim, James Johnson Sweeney, incluyó a Burri en la trascendental exposición « Pintores europeos jóvenes: Una selección», lo que dio a conocer su obra a la comunidad internacional.

La relación inicialmente fluctuante de Burri con la Bienal de Venecia marcó un punto de inflexión en 1960, cuando Giulio Carlo Argan le ofreció su primer espacio individual . En 1962, Cesare Brandi presentó la serie Plastiche en la galería Marlborough Fine Art de Roma. Las primeras retrospectivas antológicas se celebraron en torno a esta época y durante la década siguiente, como las exposiciones individuales en el Musée National d'Art Moderne de París (1972), la del Convento de San Francisco de Asís (1975) y la gran exposición itinerante que comenzó en la Frederick S. Wight Gallery de la UCLA en Los Ángeles, se trasladó al Marion Koogler McNay Art Institute de San Antonio (Texas) y finalizó en 1978 en el Museo Solomon R. Guggenheim .

A partir de 1979, los Grandes Ciclos de pinturas sobre Cellotex dominaron toda la producción posterior de Burri, concebida para grandes espacios como catedrales (como el Ciclo de 1981 en Florencia titulado Gli Orti ) o antiguos complejos industriales, como los antiguos astilleros de la isla de Giudecca en Venecia, donde expuso la serie cromática Sestante . En 1994, Burri presentó el ciclo titulado Burri The Athens Polyptych. Architecture with Cactus para la exposición comisariada por Giuliano Serfafini en la National Gallery (Atenas) , y posteriormente en el Instituto Italiano de Cultura de Madrid (1995).

La exposición antológica póstuma de 1996 en el Palazzo delle Esposizioni (Roma) se repitió con éxito en el Lenbachhaus (Múnich) y en el Centre for Fine Arts de Bruselas . En 2015-16, la importante exposición retrospectiva The Trauma of Painting, organizada por Emily Braun en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York (y posteriormente en la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf en 2016), atrajo mucha atención internacional hacia la obra del pintor.

Al concluir el centenario del nacimiento de Alberto Burri, la exposición titulada Burri Lo spazio di materia tra Europa e USA, comisariada por Bruno Corà, estableció una comparación entre los epígonos del arte material del siglo XX. La muestra tuvo lugar en Città di Castello, en el espacio expositivo de los antiguos secaderos de tabaco que, desde 2017, albergan la colección gráfica del pintor. [ 68 ]

Mercado del arte

En una subasta de Sotheby's en Londres de obras de una colección privada en el norte de Italia, Combustione legno (1957) de Burri se subastó por 3,2 millones en 2011. [ 69 ] El 11 de febrero de 2014, Christie's estableció el récord del artista con la obra Combustione Plastica , vendida por 4.674.500 libras esterlinas (rango estimado de 600.000 a 800.000 libras esterlinas). La obra (firmada y fechada en el reverso) en plástico, acrílico y combustión (4  pies x 5  pies) fue realizada entre 1960 y 1961. [ 70 ]

El récord del artista se estableció en 2016 en Londres cuando, durante la velada dedicada por Sotheby's al contemporáneo Sacco e Rosso de 1959, la obra de arte se vendió por más de 9 millones de libras esterlinas, duplicando así el récord anterior. [ 71 ]

Homenajes

El arte de Alberto Burri ha inspirado a muchos directores italianos, entre ellos Michelangelo Antonioni , quien se inspiró en la investigación material del pintor para su película El desierto rojo de 1964. [ 72 ]

El compositor Salvatore Sciarrino escribió un homenaje para conmemorar el fallecimiento del pintor en 1995, por encargo del Festival delle Nazioni de Città di Castello. Para el mismo festival, los antiguos secaderos de tabaco sirvieron de escenario para una composición de Alvin Curran en 2002. [ 73 ]

El Gran Cretto de Gibellina ha funcionado varias veces como escenografía para el Festival Orestiadi y para una actuación de 2015 de los artistas Giancarlo Neri y Robert Del Naja ( Massive Attack ). El ballet November Steps de 1973 , con escenografía y vestuario de Burri, fue propuesto nuevamente en 2015 por el Museo Guggenheim de Nueva York. En 2016, el coreógrafo Virgilio Sieni creó la obra Quintetti sul Nero , [ 74 ] inspirada en el maestro umbro. En 2017, John Densmore ( The Doors ) actuó frente al Grande Nero Cretto (Gran Grieta Negra) en UCLA , Los Ángeles, durante el evento Burri Prometheia . [ 75 ]

A lo largo de los años, los diseñadores de moda se han inspirado en Burri, desde Roberto Capucci , con su prenda de 1969 Omaggio a Burri, que presenta rasgos asimétricos que recrean los efectos de Cretti , hasta Laura Biagiotti para su (última) colección de 2017.

En 1987, Burri creó los carteles oficiales de la Copa Mundial de la FIFA de 1990. El Festival de Jazz de Umbría utilizó la serie Sestante para el cartel de la edición de 2015, conmemorando el centenario del nacimiento del artista.

Documentales

  • 1960 Carandente, Giovanni. Burri , Roma
  • 1974 Simongini, Franco. Brandi, César. Alberto Burri: La aventura de la ricerca (RAI/TV)
  • 1976 Quilici, Folco. Brandi, César. La Italia vista del cielo. Umbría (Esso)
  • 1995 Rubini, Rubino. Burri (PPM, Roma)
  • 2011 Gambino , Davide. Guarneri, Darío. Alberto Burri, La vita nell'arte (Centro experimental de cinematografía sección documental Sicilia)
  • 2015 Severi, Luca. Alberto Burri y Piero della Francesca le due rivoluzioni (Zen Europe/Sky)
  • 2015 Noordkamp, ​​Petra. Il Grande Cretto di Gibellina (Fundación Solomon R. Guggenheim)
  • 2015 Valeri, Stefano . Alberto Burri El tiempo del arte (Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri)
  • 2016 Moneta, Mateo. Alberto Burri e la sua città (3D Produzioni/ Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri)
  • 2017 Sterparelli, Giuseppe. VARIAZIONI: una polifonía visual

Notas a pie de página

  1. ↑ Brandi 1963. Originalmente, la pintura significaba para Burri una catarsis a través de la acción, motivada por su situación de prisionero de guerra, sin simpatía por ninguno de los principales antagonistas del conflicto. La práctica de la medicina habría representado para él la supervivencia de un pasado que el curso de los acontecimientos había truncado definitivamente.

Referencias

  1. ↑ Kimmelman 1995 .
  2. ↑ Rozner 2015 , pág. 15.
  3. ↑ Christov-Bakargiev, Carolyn (2005). Sobrevalorado y subestimado . Columna publicada por la revista de arte estadounidense Art News. Citado en Sheets, Hilarie M. (1 de enero de 2005). "Subestimado/Sobrevalorado" . Recuperado el 31 de mayo de 2020 .
  4. ↑ Rozner 2015 , pág. 16.
  5. ↑ Rozner 2015 , pág. 20 ; Zorzi 1995 , pág. 69  
  6. ↑ Rozner 2015 , págs .
  7. ↑ Palumbo 2007 , pág. 24.
  8. ↑ Palumbo 2007 , pág. 30.
  9. ↑ Zorzi 1995 , pág. 15.
  10. ↑ Rozner 2015 , pág. 21.
  11. ↑ Palumbo 2007 , págs. 33–40.
  12. ↑ Zorzi 2016 , pág. 15.
  13. ↑ Zorzi 2016 , págs. 19–20.
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  23. ↑ Burri no comenzó con el collage: las primeras obras de 1948 son todas pinturas. Pero en la más antigua de ellas, la primera Nero (Negra), con un pequeño cuadrado azul (y elementos redondos y ovalados), el paso del negro brillante al negro opaco no actúa como un color sino como un material, como el derecho y el revés de una pieza de satén . [ 20 ] La intuición de Burri fue decisiva. Durante siglos, la historia del arte ha postulado una especie de dualidad en la que la materia servía como herramienta del artista, como el factor que, para convertirse en forma, debe necesariamente someterse a una operación de sublimación. [ 21 ] La pintura de Burri no pretendía sustituir la realidad por la realidad del material, sino, por el contrario, convertir el material en una forma pura . [ 22 ]
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  32. ↑ Serafini, Giuliano (2015). p. 27: « Su objetivo, desde el primer momento, fue siempre y únicamente realizar un acto sanador. El material más humilde que Rauschenberg iba a utilizar en las pinturas combinadas como señal social, en una función explícitamente "nueva dadaísta", y el Arte Povera de una manera intelectualmente "pobre", fue "redimido" por Burri a través de medios estéticos, convirtiéndose en instrumento para el logro de una meta inevitable y totalmente necesaria: la belleza ».
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  50. ↑ La obra fue construida con motivo de la Trienal de Milán de 1973 y demolida en 1989 por el municipio. Fue reconstruida en 2015 para el centenario del nacimiento del artista (con el apoyo del bufete de abogados NCTM) y donada al Ayuntamiento de Milán y a la Fundación Trienal. Scardi, Gabi (2015). Il Teatro Continuo di Alberto Burri . Mantua: Corraini. Italiano/Inglés. ISBN 9788875705091
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  • Tráiler Alberto Burri y Piero della Francesca: el documental Las dos revoluciones de Luca Severi (2015)
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