Editor de sonido (producción cinematográfica)

El primer proceso de sonido que desplazó sustancialmente al cine mudo en el mercado cinematográfico fue el proceso Vitaphone . Con este proceso, un micrófono grababa el sonido grabado en el set directamente en una cinta maestra de fonógrafo , lo que hacía imposible cortar o resincronizar las grabaciones Vitaphone, como sí lo permitirían procesos posteriores. Esto limitaba el proceso Vitaphone a la captura de números musicales o escenas de acción en una sola toma, como rutinas de vodevil u otras recreaciones de actuaciones teatrales; esencialmente, escenas que no requerían edición alguna. Sin embargo, Warner Brothers , ya desde la época de El cantante de jazz , comenzó a experimentar con la mezcla de múltiples grabaciones de fonógrafo y la intercalación entre la toma maestra sincronizada y la cobertura de otros ángulos. La consola de mezcla original utilizada para realizar la grabación maestra de El cantante de jazz , que aún se puede ver en el Museo de los Estudios Warner Bros., no tiene más de cuatro o cinco perillas, pero cada una está claramente etiquetada con los "grupos" básicos que un diseñador de sonido moderno reconocería: "música", "multitud", etc.

Warner Bros. desarrolló una tecnología cada vez más sofisticada para secuenciar un mayor número de efectos de sonido de fonógrafo con la imagen utilizando el sistema Vitaphone, pero estos quedaron obsoletos con la adopción generalizada de los procesos de sonido en película a principios de la década de 1930.

En el proceso de grabación de sonido en película, un micrófono capta el sonido y lo convierte en una señal que puede ser grabada en la película. Dado que la grabación se aplica linealmente al soporte, y este se puede cortar y pegar fácilmente, los sonidos grabados se pueden reordenar y separar en pistas independientes, lo que permite un mayor control en la mezcla. Las opciones se ampliaron aún más cuando los procesos de grabación de sonido óptico fueron reemplazados por la grabación magnética en la década de 1950. La grabación magnética ofrecía una mejor relación señal-ruido , lo que permitía reproducir más pistas simultáneamente sin aumentar el ruido en la mezcla final.

La mayor cantidad de opciones disponibles para los editores dio lugar a bandas sonoras más complejas y creativas, y fue en este período cuando se estableció un conjunto de prácticas estándar que continuaron hasta la era digital , y muchos de los conceptos teóricos siguen siendo la base del diseño de sonido, informatizado o no:

• Los sonidos se ensamblan en pistas . Muchas pistas se mezclan (o se "doblan") para crear la película final.
• Generalmente, una pista contiene un solo tipo o grupo de sonidos. Una pista con diálogos solo contiene diálogos, y una pista con música solo contiene música. Varias pistas pueden contener todos los sonidos de un mismo grupo.
• Las pistas se pueden mezclar en grupos, en un proceso llamado pre-doblaje . Todas las pistas con diálogos se pueden mezclar a la vez, y todas las pistas con efectos de sonido (Foley) se pueden mezclar en otro momento. En el proceso de pre-doblaje, se pueden mezclar varias pistas en una sola.
• Las pistas pregrabadas se mezclan para crear la versión final . Durante la grabación final, se toman las decisiones definitivas sobre el equilibrio entre los diferentes grupos de sonidos.

Históricamente, el mezclador de doblaje (Reino Unido) o mezclador de regrabación (EE. UU.) era el especialista que mezclaba todas las pistas de audio proporcionadas por el editor de doblaje (con la adición de sonidos en vivo como efectos Foley) en una sala de doblaje especial. Además de mezclar, aplicaba ecualización, compresión y efectos de sonido filtrados, etc., sentado frente a una gran consola. A menudo, dos o tres mezcladores se sentaban a su lado, cada uno controlando secciones de audio, por ejemplo, diálogos, música y efectos.

En la época de las pistas de sonido ópticas, era difícil mezclar más de ocho pistas a la vez sin acumular un ruido excesivo . En el apogeo de la grabación magnética, se podían mezclar 200 pistas o más, gracias a la reducción de ruido Dolby . En la era digital, no hay límites. Por ejemplo, una sola pregrabación puede superar las cien pistas, y la grabación final puede ser la suma de mil pistas.

El sistema mecánico de edición de sonido permaneció inalterado hasta principios de la década de 1990, cuando las estaciones de trabajo de audio digital adquirieron características suficientes para su uso en la producción cinematográfica, principalmente la capacidad de sincronizarse con la imagen y la capacidad de reproducir muchas pistas a la vez con fidelidad de calidad de CD . La calidad del audio de 16 bits a una frecuencia de muestreo  de 48 kHz permitió mezclar cientos de pistas con un ruido prácticamente imperceptible.

La manifestación física del trabajo se informatizó: las grabaciones de sonido y las decisiones de los editores al ensamblarlas se digitalizaron, pudiendo gestionarse, modificarse, deshacerse y archivarse de forma instantánea y compacta. En la era de la grabación magnética, los editores de sonido poseían camiones para transportar sus pistas a la sala de mezclas, y las transferencias a película magnética se medían en cientos de miles de pies. Una vez que el material llegaba a la sala, una docena de técnicos de grabación y mezcla requerían media hora para cargar las tres o cuatro docenas de pistas que podía necesitar una pregrabación. En la era digital, 250 horas de sonido estéreo, editadas y listas para mezclar, pueden transportarse en un solo disco duro de 160 GB . Además, estas 250 horas de material pueden copiarse en cuatro horas o menos, a diferencia del antiguo sistema, que, como era de esperar, requería 250 horas.

Debido a estas innovaciones, los editores de sonido, a partir de 2005, se enfrentan a los mismos problemas que otros profesionales informatizados y "basados ​​en el conocimiento", incluida la pérdida de trabajo debido a la subcontratación a mercados laborales más baratos y la pérdida de derechos de autor debido a la aplicación ineficaz de los derechos de propiedad intelectual.

En el campo de la animación, tradicionalmente los editores de sonido han recibido el título más prestigioso de "editor de cine" en los créditos. Dado que las películas de animación suelen planificarse fotograma a fotograma, las funciones tradicionales de un editor de cine a menudo resultan innecesarias. Treg Brown es conocido entre los aficionados a los dibujos animados como el genio de los efectos de sonido de Warner Bros. Animation . Otros grandes del sector incluyen a Jimmy MacDonald de Walt Disney Studios , Greg Watson y Don Douglas de Hanna-Barbera , y Joe Siracusa de UPA y varios estudios de dibujos animados para televisión.