Steven Pippin

Steven Pippin (nacido en 1960 en Redhill, Surrey) es un fotógrafo y artista de instalaciones inglés. Pippin trabaja con equipos fotográficos modificados o improvisados ​​y esculturas cinéticas que a menudo se basan en modelos físicos y son metáforas de mecanismos sociales. ^[1]

El trabajo de Pippin muestra un fuerte interés por lo mecánico, que según él proviene de un recuerdo de su primera infancia en el que veía a su padre rodeado de los cables y tubos de un televisor que estaba reparando. ^[2]

Estudió ingeniería mecánica en el Charles Keen College, Leicester ; Fundación de Arte y Diseño en el Loughborough College, Leicestershire ; Escultura de Bellas Artes en el Brighton Polytechnic y Escultura de Bellas Artes en la Chelsea School of Art , Londres ^{[1] [3]}

Durante su época de estudiante fue seleccionado para la beca del DAAD ( Servicio Alemán de Intercambio Académico ) ^[4]

Desde el principio de su carrera sus trabajos se centraron en la creación de fotografías atmosféricas convirtiendo objetos cotidianos en cámaras estenopeicas provisionales. Más tarde su fotografía se fue acercando a la ciencia al hacer las paces con este tipo de disciplinas.

Lo odiaba porque mi padre y mi abuelo eran ingenieros... Ahora he vuelto a la tecnología, pero durante mucho tiempo no la toqué; la bloqueé. ¡Intenté hacer engranajes de cartón cuando ya tenía los conocimientos para mecanizar las piezas! ^[5]

Los primeros trabajos de Pippin se basaban en convertir muebles y objetos cotidianos en cámaras estenopeicas improvisadas que luego utilizaba para tomar fotografías empáticas. La fotografía empática, tal como la ve el fotógrafo Allan Sekula (1951-2013), que utiliza la fotografía no solo con un propósito estético, sino como una herramienta para mostrar injusticias y sufrimiento corporal. ^[6]

Su trabajo suele implicar una importante cantidad de planificación para superar los problemas prácticos que plantea el objeto elegido. Pippin normalmente tiene que planificar y construir una cantidad significativa de equipo de apoyo para lograr sus imágenes. Con frecuencia, las fotografías resultantes están distorsionadas o comprometidas de alguna otra manera por la forma en que se construyeron, pero las imperfecciones se consideran una característica importante de la imagen, que proporciona un vínculo con el objeto que se utilizó como cámara. Las fotografías siempre se muestran junto con una imagen del objeto convertido y, para trabajos posteriores, gran parte del equipo real utilizado en la conversión junto con la documentación de apoyo. ^[7]

En el marco de la exposición A Non Event (Horizon) que tuvo lugar del 16 de junio al 2 de octubre de 2011 en el CEAAC (Centre européen d'actions artistiques contemporaines) se presenta una de las obras más conocidas de Steven Pippin: Point Blank.

A lo largo de esta serie, el artista exhibe cámaras analógicas de tamaño pequeño y mediano perforadas por balas junto con algunas de las fotografías que tomaron mientras el proyectil se dirigía hacia ellas, logrando que sus últimas fotografías reflejen el motivo de su destrucción. Este proyecto contiene 20 imágenes hasta la fecha. Comenzó en Wisconsin, EE. UU., y fue continuado en Londres posteriormente.

Es precisamente el hecho de obtener cámaras perforadas y la simbología que las acompaña lo que hace de esta serie un trabajo tan interesante. Como resultado se obtienen fotografías con imágenes distorsionadas y fracturadas con ramificaciones orgánicas que recuerdan al proceso químico que acompaña a las fotografías analógicas. En algunas de las imágenes obtenidas podemos ver la bala desenfocada debido a su velocidad. ^[8]

Durante los años ochenta se produjo una transición en el mundo de la fotografía que trajo consigo mucha polémica, dividiendo a los fotógrafos entre aquellos que abandonaron lo analógico para pasar al formato digital y aquellos que decidieron quedarse con la técnica tradicional.

En esta obra, Steven Pippin busca reflejar este cambio a través de un método que consiste en tomar simultáneamente la misma fotografía con una cámara digital y otra analógica. La imagen resultante de la toma sincronizada se expone dividida en dos, ya sea por bordes naturales (propios del paisaje o elemento fotografiado) o artificiales, separando ambos formatos.

El lado analógico se realiza mediante una impresión C , impresa a mano; y el lado digital es una impresión de inyección de tinta . ^{[8] [9]}

Esta obra es una de las más filosóficas, en ella podemos ver una cámara CANON de la que el artista ha decidido eliminar las dos primeras iniciales, hecho al que se hace referencia en el propio título del proyecto. El objetivo de esta cámara está rodeado por un sistema de tubos y espejos que giran sobre la cámara para enfocarse a sí misma. Esta obra carece de funcionalidad y se basa en la autorreflexión y el absurdo. ^{[8] [10]}

Nuestro universo se encuentra teóricamente, según las teorías astrofísicas , en un constante estado de equilibrio entre el colapso por implosión y la explosión total . Normalmente, los físicos utilizan un lápiz como metáfora para mostrar este delicadísimo estado de equilibrio de fuerzas, manteniendo su equilibrio apoyado únicamente en su punta. Durante aproximadamente 10 años Steven Pippin se dedicó a idear una escultura que pudiera representar esta metáfora.

La escultura se basa principalmente en dos luces que proyectan las sombras de un lápiz 2B sobre una placa metálica donde se encuentra sujeto. Estas sombras son monitorizadas por sensores que, al detectar el más mínimo cambio, modifican la posición de la placa donde reposa el lápiz con un margen de 20 milisegundos y de forma casi imperceptible para no perder el equilibrio. De esta forma, el lápiz se mantiene en posición vertical sin ayuda de nada más que su punta. ^{[5] [11]}

Esta obra parece detener el tiempo mientras mantiene al espectador en un estado constante de expectativa y nos enseña la fragilidad del equilibrio. ^[12]

Las primeras imágenes de esta serie fueron realizadas en Londres en 1991. En 1997 Pippin amplió su idea y la trasladó a una lavandería de Nueva Jersey , donde colocó papel fotográfico sobre cada uno de los fondos de 12 lavadoras que estaban unidas a cuerdas de algodón. Esas cuerdas se activaban a su paso para captarlo caminando. Como podemos intuir por el nombre, esta obra es un homenaje a Animal Locomotion (1887) de Eadweard Muybridge . En esta obra, Muybridge intentó confirmar o desmentir la siguiente hipótesis: Hay un momento en el trote de un caballo en el que ninguna de sus patas está en contacto con el suelo. Para probar esta apuesta, Muybridge hizo correr a un caballo delante de 12 cámaras que se activaban mediante cuerdas a su paso, captando instantáneas del movimiento.

Gracias a ello, no sólo consiguió demostrar que la hipótesis era en efecto cierta, sino que sentó las bases del cine, de la fotografía en movimiento y, por si fuera poco, ayudó al mundo en general a comprender mejor el movimiento del caballo. Más adelante realizaría más proyectos capturando danzas y movimientos cotidianos de los seres humanos.

El homenaje de Pippin se acercó aún más a las imágenes originales obtenidas por Muybridge porque las lavadoras giraban a 500 rpm .

(Esto le dio a las imágenes) un cierto grado de autenticidad, haciéndolas parecer un original de Muybridge de hace cien años. Los rasguños en la superficie del negativo se convierten en un sustituto del tiempo, un proceso de envejecimiento artificial que le da a las imágenes un aire accidental de autenticidad. ^[13]

• Sr. Pippin – Sitio oficial de Steven Pippin
• Informe especial del Guardian (octubre de 1999)
• Exposición del Museo de Arte Moderno de San Francisco (1998)