Pascal Dusapin

Pascal Georges Dusapin (nacido el 29 de mayo de 1955) es un compositor francés. Su música se caracteriza por su microtonalidad , tensión y energía.

Alumno de Iannis Xenakis y Franco Donatoni y admirador de Varèse , Dusapin estudió en la Universidad de París I y París VIII durante la década de 1970. Su música está llena de "constricción romántica". ^[1] A pesar de ser pianista, se negó a componer para piano hasta 1997. Sus melodías tienen una calidad vocal, ^[2] incluso en obras puramente instrumentales.

Dusapin ha compuesto obras solistas, de cámara, orquestales, vocales y corales, así como varias óperas, y ha sido galardonado con numerosos premios y reconocimientos. ^[3]

Dusapin, nacido en Nancy , estudió musicología, artes plásticas y ciencias del arte en la Universidad de París I y París VIII a principios de la década de 1970. Sintió un cierto "shock" al escuchar Arcana (1927) de Edgard Varèse , ^[4] y un shock similar cuando asistió a la actuación multimedia Polytope de Cluny de Iannis Xenakis en 1972, aunque sintió "une proximité plus grande" ("una mayor cercanía") con este último compositor. ^[5] Debido a su atracción por la música de Xenakis, Dusapin estudió con el compositor en la Sorbona de París, donde permaneció como estudiante desde 1974 hasta 1978. Sus clases con Xenakis incluían materias como estética y ciencia. ^[6] Dusapin también estudió con el compositor italiano Franco Donatoni , quien fue invitado a la Universidad de Vincennes (París VIII) en 1976.

Si bien los estudios de Dusapin con estos compositores formaron una base para sus estudios de composición, en particular para su comprensión de las masas sonoras , desarrolló su propio lenguaje musical. Según I. Stoïnova, "Aunque está apegado a... Varèse, Xenakis, Donatoni, Dusapin es, sin embargo, completamente solitario porque no sólo es consciente de su legado, sino también de la distancia que lo separa de sus mentores: una distancia creativa de orden estético y de sensibilidad, una manera de existir en los sonidos". ^[7] Absorbió estilos e ideas de estos compositores, para luego transformarlos para que se ajustaran a sus propias necesidades musicales.

Además de estar influenciada por compositores como Varèse y Xenakis que trabajaron con masas sonoras, la música de Dusapin también muestra la influencia de otras tradiciones musicales, incluido el jazz . De hecho, alguna vez fue pianista de jazz, aunque hasta 1997 se negó a incluir el piano en sus composiciones. ^[8] A partir de finales de la década de 1980 con su pieza Aks (1987) y durante la década de 1990, Dusapin incorporó la música folclórica francesa a su lenguaje musical. En Aks , encargada por la Société des Amis du Musé des Arts et Traditions Populaires, Dusapin cita inmediatamente una melodía folclórica, pero el resto de la pieza está compuesta independientemente de la canción folclórica. ^[9] El trabajo de Dusapin de la década de 1990 ilustra aún más la influencia de la música folclórica a través de su uso frecuente de drones y el uso de modos restringidos , aunque la mayoría de las veces sin centros tonales obvios. ^[10] Otras fuentes de inspiración incluyen las artes gráficas y la poesía. ^[11]

Una de las formas en las que Dusapin se distingue de otros compositores contemporáneos es a través de su selección de ciertos instrumentos y el rechazo de otros. A diferencia de Xenakis, evita el uso de la electrónica y la tecnología en su música. ^[12] Asimismo, ha eliminado de sus obras el uso de instrumentos de percusión distintos de los timbales. Hasta hace poco, Dusapin también rechazaba el uso de instrumentos de teclado, a pesar de que toca el órgano ^[10] y el piano de jazz. ^[13] Como posible razón para el rechazo de Dusapin de estos instrumentos, Stoïnova sugiere: "La escala y el timbre estático del piano, así como las texturas ruidosas y uniformes de la percusión, son incorporados con dificultad por Dusapin en su perspectiva microtonal que parece definir la esencia misma de su melodismo dinámico". ^[14] Stoïnova, sin embargo, escribió este artículo cuatro años antes de que Dusapin completara el Trio Rombach (1997), para piano, violín o clarinete y violonchelo. Este trío para piano fue la primera obra en la que Dusapin incorporó el piano, ^[13] y no fue hasta 2001 que completó una pieza para piano solo, Sept Études (1999-2001).

La música de Dusapin también se caracteriza por su microtonalidad , que a menudo se logra mediante la integración de microglissandi y microintervalos (intervalos de menos de un semitono). ^[15] Dusapin combina tanto microintervalos como intervalos regulares en líneas melódicas de modo que el oyente nunca sabe qué esperar a continuación. Aun así, Dusapin logra que su uso de la microtonalidad parezca completamente natural. Como explica Stoïnova, "Los microintervalos y los microglissandi... en obras instrumentales como Inside (1980) para viola, Incisa (1982) para violonchelo y muchas otras piezas están, en efecto, completamente integrados como diferentes por componentes completamente 'naturales' en progresiones melódicas extremadamente flexibles". ^[15] El oyente ya está familiarizado con la división uniforme de la octava en intervalos iguales; Dusapin simplemente divide la octava por un número menos tradicional.

Dusapin rechaza las formas jerárquicas y binarias de la mayoría de la música europea, pero su música tampoco es aleatoria . Dusapin caracteriza la forma "jerárquica" europea como un pensamiento en términos de variaciones, de modo que ciertas partes son siempre de más importancia que otras. ^[16] En lugar de componer de esta manera, Dusapin parece componer compás por compás, decidiendo lo que quiere que suceda a continuación cuando llega a ese punto. ^[17] Este proceso alude ligeramente al aspecto casual de la música aleatoria, pero la música de Dusapin está compuesta con tanta precisión que no puede ser verdaderamente aleatoria. Stoïnova escribe: "Con respecto a la música de Dusapin, podemos observar un principio de autoorganización y complejidad en el sistema compositivo a través de la integración o asimilación de perturbaciones aleatorias". ^[18] En otras palabras, Dusapin deja que la música vaya donde quiera, a menudo evocando modismos aleatorios, mientras sigue notando todo y manteniendo el control de su música. Evita la repetición y rechaza la estabilidad y la redundancia en la música, lo que constituye otra característica distintiva de su música. ^[19]

Tal vez el elemento más destacado y único de la música de Dusapin es su tensión, energía y sentido del movimiento incorporados. De hecho, en su artículo sobre Dusapin, Julian Anderson cita las "tensiones envolventes" y el "vuelo explosivo" como los dos extremos de la música temprana de Dusapin y afirma que estos modismos son los que hacen que la música del compositor sea tan altamente individual. ^[20] Stoïnova también enfatiza la energía que está presente en las composiciones anteriores de Dusapin, dando crédito al uso que Dusapin hace de registros extremos , lengua aleteante , trinos , microintervalos, glisandos, multifónicos , articulaciones rápidas, dinámica drástica y respiración continua. ^[21] Estas características únicas hacen que la música de Dusapin sea increíblemente intensa y exigente para sus intérpretes. De hecho, la intensidad es tal que Dusapin hace conscientemente que piezas como Musique captive (1980) tengan duraciones cortas (en este caso, tres minutos), pues al final de ellas tanto los músicos como los oyentes están completamente exhaustos. ^[21]

Muchas de las características comentadas anteriormente son especialmente frecuentes en las obras anteriores de Dusapin, especialmente las de la década de 1980. A partir de la década siguiente, la obra de Dusapin se movió cada vez más hacia una mayor simplicidad armónica y melódica. ^[22] Paul Griffiths señala que las obras de Dusapin de la década de 1990 están concebidas de manera más armónica que su música anterior, y que incorporan más tradiciones folclóricas, incluido el uso de drones y modos. Además, sugiere que Dusapin continuó simplificando su música a medida que avanzaba hacia el siglo XXI, y que si bien el compositor todavía evita el diatonicismo , utiliza técnicas como oscilar entre dos notas y variar constantemente pequeños patrones, que implican más repetición que su música anterior. ^[10]

La instrumentación de la música de Dusapin se basa a menudo en los intérpretes disponibles, y durante los años 1980 y 1990, a menudo escribió para el Ensemble Accroche Note, ^[23] un nuevo grupo de música con sede en Estrasburgo fundado por un cantante y clarinetista. ^[24] Ian Pace propone que la influencia del clarinetista del grupo, Armand Angster, podría ser una razón para la prominencia del clarinete en gran parte de la música de Dusapin de este período de tiempo. ^[24] Griffiths, también, hace nota del importante papel del clarinete en la serie de piezas más cortas que Dusapin escribió después de la finalización de su primera ópera, Roméo et Juliette (1985-89). ^[10] La tendencia de Dusapin a escribir para instrumentistas específicos (en este caso, el clarinetista Angster) revela un lado práctico y realista del compositor.

Dos de las obras anteriores de Dusapin compuestas en el mismo año, Musique captive (1980) y Musique fugitive (1980), podrían estudiarse juntas en el sentido de que ambas son inestables y tienen como objetivo evitar cualquier tipo de repetición. Al mismo tiempo, sin embargo, las piezas tratan de lograr estos objetivos de dos maneras muy diferentes. Musique captive está escrita para nueve instrumentos de viento (flautín, oboe, saxofón soprano, clarinete bajo, clarinete contrabajo, contrafagot, dos trompetas y trombón bajo) y dura solo tres minutos, ya que, como sugiere Stoïnova, la tensión y las altas exigencias a los intérpretes son tales que la pieza no podría durar más. ^[21] Stoïnova describe además la pieza como una autodestructiva interna, escribiendo: "Las ideas musicales de esta pieza -texturas de trémolo, una figura cromática ascendente, crescendi violentos, una masa expansiva de detalles, etc.- se destruyen entre sí o, para ser más exactos, se aniquilan entre sí". ^[25] De esta manera, Dusapin combina muchas ideas musicales, un concepto que Pace relaciona con el free jazz. ^[24] La música resultante es muy inestable y simplemente no puede durar más de tres minutos. La pieza se interpretó por primera vez en julio de 1981 en La Rochelle, Francia.

Musique fugitive , por otro lado, logra su inestabilidad a través de "rupturas" musicales. ^[18] Escrita para trío de cuerdas, la pieza evita el proceso tradicional de declaración y variación, rompiendo así con cualquier sentido de unidad y continuidad. Dusapin logra este efecto al enunciar una idea y luego cambiar abruptamente de rumbo a través de un silencio repentino o la introducción de una nueva progresión musical. ^[25] Estrenada en Aix-en-Provence, Francia, en junio de 1980, Musique fugitive , afirma Pugin, se ha convertido "prácticamente en una pieza de repertorio en Francia". ^[26] La grabación de la pieza del Cuarteto de Cuerdas Arditti se puede escuchar en Spotify . ^[27]

La Rivière (1979) y L'Aven (1980-81) son dos piezas orquestales basadas en ideas de la naturaleza que, según Julian Anderson, muestran el "lado más exuberante y violento del estilo de Dusapin". ^[20] Ambas piezas se centran en las características del agua y simbolizan su fluidez y fuerza a través de la música. La primera pieza se abre con un violonchelo solista, que "se extiende a través" y "absorbe" toda la orquesta, como lo haría el agua. ^[28] De hecho, en esta pieza Dusapin pretende realizar el "movimiento de velocidades cambiantes, de la fuerza del flujo". ^[28] L'Aven , por otro lado, captura la imagen del agua goteando lentamente y abriendo un hueco en la piedra. Un concierto para flauta y orquesta, la obra comienza con la flauta apenas audible por encima de la orquesta, pero gradualmente se abre paso a través de la textura orquestal hasta convertirse en la voz prominente de la obra. ^[12] Así, la flauta representa el agua que gotea y la orquesta representa la piedra. La flauta toca sin parar durante diez minutos, siempre empujando a la orquesta y, al final, saliendo victoriosa. ^[28] Ambas piezas se estrenaron en Metz, Francia: La Rivière en noviembre de 1979 y L'Aven en noviembre de 1983.

Niobé ou le Rocher de Sypile (1982) es una obra de treinta y ocho minutos para doce voces mixtas, soprano solista (Niobé) y ocho instrumentos (oboe doblando corno inglés, dos clarinetes [el segundo doblando clarinete bajo], dos fagotes [el segundo doblando contrafagot], trompeta y dos trombones tenores), con un texto neolatino de Martine Irzenski. El texto de Irzenski está tomado de fragmentos de obras literarias latinas y no necesariamente sigue la cronología del mito griego de Niobe . ^[29] El propio Dusapin clasifica la obra como un "oratorio escenificado", más que una ópera o pieza de teatro musical, y en ella una vez más evita la repetición y la continuidad y busca hacer conexiones texturales libremente. ^[30] La voz solista de soprano se enfrenta a las doce voces del coro mixto, que cumplen una serie de funciones diferentes a lo largo de la obra, a veces ampliando el timbre de la voz de Niobé, a veces moviéndose en relación con el texto. ^[29] En su artículo sobre Dusapin, Anderson también destaca la variedad de técnicas vocales y texturas utilizadas en el oratorio, incluidos los acordes microtonales para el coro y la línea monódica de soprano al final de la obra. ^[22] A través de su texto no lineal y sus múltiples capas de textura, 'Niobé ou le Rocher de Sypile' mantiene la misma sensación de discontinuidad que las obras de cámara anteriores de Dusapin. La obra se estrenó en París el 16 de junio de 1984.

Según Ian Pace, la primera ópera de Dusapin, Roméo et Juliette (1985-1988), es la "obra fundamental" en la carrera del compositor, ya que es en esta obra donde combina "adecuadamente" por primera vez sus ideas de narrativa con el ámbito teatral. ^[31] Pugin ve la ópera de Dusapin como un regreso al estilo "más fructífero" de Niobé , y cita las piezas vocales de Dusapin Mimi (1986-1987), Il-Li-Ko (1987) y Anacoluthe (1987) como piezas de estudio para la creación de su primera ópera, particularmente para la ambientación en francés. ^[12] Anderson, por su parte, señala la mayor cantidad de lirismo que existe en la ópera de Dusapin en comparación con sus obras anteriores. ^[22] Los tres autores parecen estar de acuerdo en que la ópera es un punto destacable en la carrera compositiva de Dusapin.

El libreto, escrito por Olivier Cadiot , está dividido en nueve números: los primeros cuatro tratan de los acontecimientos anteriores a la revolución, los últimos cuatro tratan de los acontecimientos posteriores a la revolución y el quinto y número central es la revolución misma. ^[31] Este movimiento central es el único interpretado puramente por la orquesta. La ópera se centra no solo en Roméo y Juliette, sino también en sus dobles, Roméo 2 y Juliette 2, que aparecen antes de la revolución y parecen simbolizar "una expansión de sus personalidades". ^[31] La ópera también incluye un coro que comenta la acción y un cuarteto vocal que sirve de intermediario y enseña a Roméo y Juliette conceptos revolucionarios. ^[31] Finalmente, está el personaje de Bill, que enseña a cantar a Roméo y Juliette, pero que solo habla hasta el octavo número, cuando finalmente canta también. ^[31] En la segunda mitad de la obra, los personajes discuten la posibilidad de crear una ópera real, solo para descubrir la "imposibilidad de la ópera, la historia e incluso el lenguaje mismo", y la música se descompone en microtonalidad y fragmentación. ^[31] La ópera se estrenó el 10 de junio de 1989 en Montpellier, Francia.

Su siguiente gran proyecto fue el ciclo orquestal de gran formato Siete solos para orquesta, compuesto entre 1992 y 2009. Consta de siete obras que pueden interpretarse de forma independiente pero que desde el principio fueron concebidas como un todo. ^{[32] [33]}

En palabras del propio compositor:

A principios de los años noventa quise alejarme de las duraciones de entre diez y veinte minutos que se asocian invariablemente a los encargos para orquesta. Como nadie me ofrecía encargos para producir formas sinfónicas más largas, decidí esperar el momento oportuno. Soñé con una forma extensa y compleja compuesta por siete episodios autónomos que se regeneraran desde dentro, fertilizaran otras posibilidades y proliferaran en los intersticios que quedaban abiertos... " ^[32]

El ciclo trata a la orquesta como un gran instrumento solista ^{[32] [34]} y es lo más cercano que ha llegado Dusapin al pensamiento sinfónico tradicional. ^[32]

En mayo de 2016, Alisa Weilerstein y la Orquesta Sinfónica de Chicago estrenaron Outscape , el segundo concierto para violonchelo de Dusapin, con una recepción crítica positiva. ^{[35] [36]} Ese mismo año, Dusapin fue invitado a Ginebra en el marco del programa Arts at CERN . ^[37]

Su ópera más reciente, Macbeth Underworld , se estrenó en La Monnaie de Bruselas en septiembre de 2019.

• Dentro, para viola (1980)
• Incisa, para violonchelo (1982)
• Si, para clarinete (1984)
• Ítem, para violonchelo (1985)
• Itou, para clarinete bajo (1985)
• Aquí, para flauta (1986)
• Iti, para violín (1987)
• De hecho, para trombón (1987)
• I Pesci, para flauta (1989)
• In et Out, para contrabajo (1989)
• Invece, para violonchelo (1991)
• Ipso, para clarinete (1994)
• Immer, para violonchelo (1996)
• En nomina, para viola (2000)
• Sept études, para piano (1999-2001)
• Imago, para violonchelo (2001)
• Memoria, homenaje criptográfico y monomodal a Ray Manzarek para órgano (2008)
• Ictus, para clarinete bajo (2008-2009)
• In Vivo, para violín solo (2015)

• Música fugitiva , para trío de cuerdas (1980)
• Trois Instantanés , para 2 clarinetes y 3 violonchelos (1980)
• Poco a poco (1986)
• Sly , para cuarteto de trombones (1987)
• Laps , para clarinete y contrabajo (1988)
• Neuf Musiques pour «Le Fusil de chasse» , para clarinete, trombón y violonchelo (1989)
• Cuarteto de cuerdas nº2 Time Zones (1989)
• Attacca , para 2 trompetas y timbales (1991)
• Estancias , para quinteto de metales (1991)
• Ohimé , para violín y viola, homenaje a Besty Jolas (1992)
• Cuarteto de cuerdas n°1 (1982–1996)
• Cuarteto de cuerdas n°3 (1993)
• Ohé , para clarinete y violonchelo (1996)
• Cuarteto de cuerdas n°4 (1997)
• Trio Rombach , para piano, violín o clarinete y violonchelo (1997)
• Cuarteto de cuerdas n°5 (2004-2005)
• Cuarteto de cuerdas n°6 (2009), con orquesta
• Cuarteto de cuerdas n°7 (2009)
• Microgrammes , 7 piezas para trío de cuerdas (2011)
• Por cierto , para clarinete y piano (2014)
• Slackline , para violonchelo y piano (2015)
• Forma fluens , para violín y piano (2018)

• Recuerdo del silencio (1976)
• El Balón (1978)
• Tiempo (1978)
• La Rivière, para orquesta (1979)
• Música cautiva, para 9 instrumentos de viento (1980)
• Tre Scalini, para orquesta (1981-1982)
• Puño (1982)
• Salto (1983-1984)
• La conversación (1984)
• Treize Piezas para Flaubert (1985)
• Assaï, para orquesta (1985)
• Haro (1987)
• Coda (1992)
• Siete solos para orquesta (1992-2009)
  • Go, solo n°1 para orquesta (1992)
  • Extenso, solo n°2 para orquesta (1993-1994)
  • Apex, solo n° 3 para orquesta (1995)
  • Clam, solo n° 4 para orquesta (1997-1998)
  • Exeo, solo n° 5 para orquesta (2002)
  • Reverso, solo n°6 para orquesta (2005-2006)
  • Sin cortes, solo n°7 para orquesta (2009)
• Khôra, para orquesta de cuerdas (1993)
• Loop, para dos cuartetos de violonchelo (1996)
• Cascando (1997)
• Suite Perelà, para orquesta (2004)
• Una mañana en Long Island (2010)

• Flauta
  • L'Aven , concierto para flauta (1980-1981)
  • Galim , 'Requies plena oblectationis', para flauta y orquesta de cuerdas (1998)
• Violonchelo
  • Celo , concierto para violonchelo (1996)
  • Outscape , concierto para violonchelo (2016)
• Violín
  • Quad , 'In memoriam Gilles Deleuze', para violín y 15 músicos (1996)
  • Aufgang , concierto para violín (2011-2012)
• Piano
  • A Quia , concierto para piano (2002)
  • ¡Jetzt Genau! concertino para piano y 6 instrumentos (2012)
• Otro
  • Aria , concierto para clarinete (1991)
  • Watt , concierto para trombón (1994)
  • En Swim-Two-Birds , concierto doble para violín y violonchelo (2017)
  • Ondas , para órgano y orquesta (2019)

• Igitur (1977)
• Lumen (1977)
• L'Homme aux gravámenes, para 2 sopranos y 3 violines (1978)
• Shin'gyo, para flauta soprano y piccolo (1981)
• Niobé ou le rocher de Sypile (1982)
• A Dios, para soprano y clarinete (o saxofón soprano) (1985)
• Mimi para dos voces femeninas y conjunto (1986-1987)
• Aks (1987)
• Roca Roja, de «Roméo y Juliette» (1987)
• Anacoluthe (1987)
• Para O., para 2 voces de mujer y 2 clarinetes (1988)
• So Full of Shapes is Fancy, para clarinete soprano y bajo (1990)
• Comoedia (1993)
• Canto, para soprano, clarinete y violonchelo (1994)
• Two Walking, cinco piezas para dos voces de mujeres (1994)
• Doña Eis (1998)
• Momo (2002)
• Ô Berio, para soprano y 13 instrumentos (2006)
• ¡Oh Mensch! (Inventaire raisonné de quelques passions Nietzschéennes), para barítono y piano (2008-2009)
• Los huesos de Beckett para soprano, clarinete y piano (2013)
• Wenn du dem Wind... (3 escenas de la ópera Pentesilea) para mezzosoprano y orquesta (2014)
• Wolken , para voz femenina y piano (2014)

• Romeo y Julieta (1985-1988)
• Material medeano (1990-1991)
• La melancolía (1991)
• Para ser cantada (1992-1993)
• Perelà, hombre de humo (2001)
• Fausto, la última noche (2003-2004)
• Pasión (2009)
• Pentesilea (2015)
• Macbeth y el inframundo (2019)

• Semino (1985)
• El rey de los sueños (1987)
• Granum sinapis (1992-1997)
• Umbrae mortis, para coro mixto (1997)
• Disputatio, para coro infantil, coro mixto, orquesta de cuerdas, percusión y armónica de cristal (2014)

Dusapin ha ganado los siguientes premios y reconocimientos:

• 1979 – Premio Hervé Dugardin (SACEM)
• 1981–83 – Becario en la Villa Medici de Roma
• 1993–94 – Compositor residente de la Orquesta Nacional de Lyon
• 1993 – Premio de la Academia de Bellas Artes
• 1993 – Prix du Syndicat de la Critique (Premio del Círculo de Críticos)
• 1994 – Premio SACEM de Música Sinfónica
• 1995 – El Ministerio de Cultura francés le otorga el Gran Premio Nacional de Música.
• 1998 – Victoire de la Musique en 1998 por un CD grabado por la Orquesta Nacional de Lyon y 'Compositor del año' en 2002.
• 2007 – Premio Dan David (compartido con Zubin Mehta )

En 2019, los escritores de The Guardian clasificaron a Passion (2008) como la 14.ª mejor obra de arte musical desde 2000, y Tim Ashley escribió: "La partitura alude sutilmente a Monteverdi y al barroco francés, pero el mundo sonoro que crea es exclusivamente de Dusapin: tenso, silenciosamente hipnotizante y austeramente hermoso". ^[38]

• Amblard, Jacques. Pascal Dusapin, la entonación o el secreto . París: Música falsa Société de Presse, 2002.
• Anderson, Julian. "Dusapin, Pascal". En Compositores contemporáneos , editado por Brian Morton y Pamela Collins, 250–52. Chicago: St. James Press, 1992.
• Cazé, Antoine (2006). "Lirismas". Críticas de Sillages 8 (2006): 159–71 (8): 159–171. doi : 10.4000/sillagescritiques.593 . Consultado el 20 de septiembre de 2013 .
• Cazé, Antoine. "'Pas de Deux:' Dusapin canta/Stein para ser cantado". En Sound as Sense: Contemporary US Poetry &/In Music , editado por Michel Delville y Christine Pagnoulle, 141–53. New Comparative Poetics 11. Bruselas, Bélgica: Presses Interuniversitaires Européenes – Peter Lang, 2003.
• Cohen-Levinas, Danielle . "El compositor n'est pas la musique". En Causeries sur la musique: Entretiens avec des compositeurs , editado por Danielle Cohen-Levinas, 203–50. París: L'Itinéraire, 1999.
• Grabócz, Márta . "Arquetipos de iniciación y temporalidad estática en la ópera contemporánea: obras de François-Bernard Mâche, Pascal Dusapin y Gualtiero Dazzi". En Music and Narrative since 1900 , editado por Michael L. Klein y Nicholas Reyland, 101–24. Bloomington, IN: Indiana University Press, 2013.
• Stoïanova, I. "Pascal Dusapin: Música febril". Revista de Música Contemporánea 8, núm. 1 (1993): 183–96.

• Página de Dusapin en la editorial Durand-Salabert-Eschig, compositora
• Reseñas de conciertos y CD en classicsource.com
• Breve biografía del conjunto Sospeso
• Biografía y lista de obras del Proyecto Compositores Vivientes
• Ganador del premio Dan David 2007
• «Pascal Dusapin (biografía, obras, recursos)» (en francés e inglés). IRCAM .