Marisol Escobar

Marisol Escobar (22 de mayo de 1930 - 30 de abril de 2016), también conocida simplemente como Marisol , fue una escultora venezolano -estadounidense ^[1] nacida en París, que vivió y trabajó en la ciudad de Nueva York. ^[2] Se hizo mundialmente famosa a mediados de la década de 1960, pero cayó en una relativa oscuridad en una década. ^[3] Continuó creando sus obras de arte y regresó a la fama a principios del siglo XXI, coronada por una importante muestra retrospectiva de 2014 organizada por el Museo de Arte Brooks de Memphis . ^[3] La mayor retrospectiva de la obra de Marisol, Marisol: A Retrospective, ha sido organizada por el Museo de Arte AKG de Buffalo y curada por Cathleen Chaffee para estos museos: el Museo de Bellas Artes de Montreal (7 de octubre de 2023 - 21 de enero de 2024), el Museo de Arte de Toledo (marzo-junio de 2024), el Museo de Arte AKG de Buffalo (12 de julio de 2024 - 6 de enero de 2025) y el Museo de Arte de Dallas (23 de febrero-6 de julio de 2025). Aunque se complementa con préstamos de museos internacionales y colecciones privadas, la exposición se basa en gran medida en obras de arte y material de archivo que Marisol dejó al Museo de Arte AKG de Buffalo como legado tras su muerte. ^{[4] [5]}

María Sol Escobar nació el 22 de mayo de 1930, de padres venezolanos en París, Francia. ^[6] Le precedió un hermano mayor, Gustavo. ^[6] Su padre, Gustavo Hernández Escobar, y su madre, Josefina, eran de familias adineradas y vivían de activos provenientes del petróleo y de inversiones inmobiliarias. ^[6] Esta riqueza los llevó a viajar con frecuencia por Europa, Estados Unidos y Venezuela. ^[6] En algún momento, María Sol comenzó a ser conocida como Marisol, un apodo español común. ^[6]

Josefina Escobar se suicidó en 1941, cuando Marisol tenía once años. ^{[6] [7]} La ​​tragedia, seguida por el envío de Marisol a un internado en Long Island, Nueva York, por parte de su padre, la afectó profundamente. ^[6] Marisol decidió no volver a hablar después de la muerte de su madre, aunque hizo excepciones para responder preguntas en la escuela u otros requisitos; no habló en voz alta con regularidad hasta que cumplió veinte años. ^{[6] [7]}

Aunque Marisol quedó profundamente traumatizada, esto no afectó su talento artístico. Había comenzado a dibujar desde muy joven, y sus padres alentaron su talento llevándola a museos. ^[6] Con frecuencia ganó premios artísticos en la escuela antes de establecerse en Los Ángeles en 1946. ^[6] Marisol también mostró talento para el bordado, y pasó al menos tres años bordando la esquina de un mantel (incluso iba a la escuela los domingos para trabajar). ^[6]

De niña, Marisol era muy religiosa. Durante su adolescencia, afrontó el trauma de la muerte de su madre caminando de rodillas hasta que sangraban, guardando silencio durante largos períodos y atándose cuerdas firmemente alrededor de la cintura. ^[8]

Tras la muerte de Josefina y la salida de Marisol del internado de Long Island, la familia viajó entre Nueva York y Caracas, Venezuela. ^[6] En 1946, cuando Marisol tenía 16 años, la familia se mudó a Los Ángeles; ella se inscribió en la Marymount High School de Los Ángeles. ^[6] No encajó en esta institución y fue expulsada; se trasladó a la Westlake School for Girls en 1948. ^[6]

Marisol Escobar comenzó su educación artística formal en 1946 con clases nocturnas en el Otis Art Institute y el Jepson Art Institute en Los Ángeles, donde estudió con Howard Warshaw y Rico Lebrun . ^[6]

Marisol estudió arte en la École des Beaux-Arts de París en 1949. ^[9] Luego regresó para comenzar estudios en la Art Students League de Nueva York , en la New School for Social Research , y fue alumna del artista Hans Hofmann .

Después de experimentar con esculturas de terracota, bronce y madera inspiradas en la escultura precolombina y el arte popular estadounidense en la década de 1950, Marisol dejó Nueva York para ir a Roma en 1957, donde permaneció durante más de un año. A su regreso, Marisol rápidamente se asoció con el movimiento de arte pop que surgió en la década de 1960, lo que aumentó su reconocimiento y popularidad. En 1961-62, estaba concentrando su trabajo en retratos tridimensionales y representaciones de tipos de la sociedad, utilizando la inspiración "encontrada en fotografías o extraída de recuerdos personales". ^[10] Marisol se inspiró en objetos encontrados, como un trozo de madera que se convirtió en su escultura de Mona Lisa y un viejo sofá que se convirtió en La visita . ^[11]

Se hizo amiga de Andy Warhol a principios de la década de 1960; hizo un retrato escultórico de él y él la invitó a aparecer en varias de sus primeras películas, entre ellas El beso (1963) y Las 13 chicas más bellas (1964). ^{[3] [12]}

Durante el período de posguerra, hubo un retorno de los valores tradicionales que restablecieron los roles sociales, conformando la raza y el género dentro de la esfera pública. ^[13] Según Holly Williams, las obras escultóricas de Marisol jugaron con los roles sociales prescritos y las restricciones que enfrentaron las mujeres durante este período a través de su representación de las complejidades de la feminidad como una verdad percibida. ^[14] La práctica de Marisol demostró una combinación dinámica de arte popular, dadaísmo y surrealismo, ilustrando en última instancia una aguda percepción psicológica de la vida contemporánea. ^[15]

Al mostrar los aspectos esenciales de la feminidad dentro de un conjunto de construcciones improvisadas, Marisol pudo comentar sobre la construcción social de la "mujer" como una entidad inestable. ^[16] Utilizando un conjunto de moldes de yeso, bloques de madera, tallas de madera, dibujos, fotografías, pinturas y piezas de ropa contemporánea, Marisol reconoció de manera efectiva sus discontinuidades físicas. ^[17] A través de una combinación cruda de materiales, Marisol simbolizó la negación de la artista de cualquier existencia consistente de feminidad "esencial". ^[16] La "feminidad" se define como una identidad fabricada a partir de partes representativas. ^[16] Una identidad que era determinada más comúnmente por el espectador masculino, ya sea como madre, seductora o pareja. ^[18]

Utilizando una técnica feminista, Marisol alteró los valores patriarcales de la sociedad mediante formas de mimetismo. ^[17] Imitó y exageró los comportamientos del público popular. ^[19] A través de una parodia de las mujeres, la moda y la televisión, intentó provocar un cambio social. ^[16]

Marisol imitó el papel de la feminidad en su agrupación escultórica Mujeres y perro , que produjo entre 1963 y 1964. ^[20] Esta obra, entre otras, representó una respuesta crítica satírica sobre las apariencias de la feminidad fabricada al asumir deliberadamente el papel de la "feminidad" para cambiar su naturaleza opresiva. ^[19] Tres mujeres, una niña y un perro se presentan como objetos en exhibición, saboreando su estatus social con confianza bajo la mirada del público. ^[20] Las mujeres están esculpidas como calculadas y "civilizadas" en su manera, vigilándose a sí mismas y a quienes las rodean. ^[20] Dos de las mujeres incluso tienen varios rostros de yeso, inspeccionando la escena y siguiendo la trayectoria del sujeto en pleno movimiento. ^[20] Su personalidad rígida está encarnada desde dentro de la construcción de madera. ^[20]

La práctica escultórica de Marisol se distanció simultáneamente de su tema, al mismo tiempo que reintrodujo la presencia de la artista a través de una serie de autorretratos que se encuentran en cada escultura. ^[17] A diferencia de la mayoría de los artistas pop, Marisol incluyó su propia presencia dentro de la crítica que produjo. ^[17] Utilizó su cuerpo como referencia para una serie de dibujos, pinturas, fotografías y moldes. ^[21] Esta estrategia fue empleada como una autocrítica, pero también se identificó claramente como una mujer que se enfrentó a los prejuicios dentro de las circunstancias actuales. ^[15] Como Luce Irigaray señaló en su libro This Sex Which is Not One , "jugar con la mímesis es, por lo tanto, para una mujer, tratar de recuperar el lugar de su explotación por el discurso, sin permitir que simplemente se la reduzca a él. Significa volver a someterse ... a ideas sobre sí misma, que son elaboradas en/por una lógica masculina, pero de modo de hacer visible, por un efecto de repetición lúdica, lo que se suponía que permanecería invisible". ^[22]

Al igual que muchos otros artistas pop, Marisol recortó, amplió, reencuadró y replicó su temática de la cultura pop contemporánea y la vida cotidiana para centrarse en sus discontinuidades. ^[23] Prestar atención a aspectos específicos de una imagen y/o las ideas fuera de su contexto original, permitió una comprensión profunda de los mensajes que se suponía que eran transparentes. ^[24] A través de su enfoque mimético, la noción de "mujer" se descompuso en significantes individuales para volver a ensamblar visualmente las irregularidades de las partes representativas. ^[25] Al producir estos símbolos a través de materiales conflictivos, disoció a la "mujer" como una entidad obvia y la presentó más bien como un producto de una serie de partes simbólicas. ^[25]

Marisol deconstruyó aún más la idea de la verdadera feminidad en su agrupación escultórica The Party (1965-1966), que presentaba una gran cantidad de figuras adornadas con objetos encontrados de la última moda. ^[26] Aunque los vestidos, zapatos, guantes y joyas parecen ser genuinos a primera vista, son en realidad imitaciones baratas de bienes de consumo presumiblemente preciosos. ^[25] Los sujetos están adornados con suministros de vestuario, pintura y fotografías publicitarias que sugieren un sentido inventado de la verdad. ^[25] Este estilo disoció las ideas de feminidad como algo auténtico, sino que consideró el concepto como una repetición de ideas ficticias. ^[19] A través de la imitación teatral y satírica de Marisol, los significantes comunes de "feminidad" se explican como una lógica patriarcal establecida a través de una repetición de la representación dentro de los medios. ^[19] Al incorporarse dentro de una obra como la fachada "femenina" bajo escrutinio, Marisol transmitió efectivamente un sujeto "femenino" capaz de tomar el control de su propia representación. ^[19]

Marisol imitó la construcción imaginaria de lo que significa ser mujer, así como el papel de la "artista". ^[19] Logró esto mediante la combinación de sensibilidades tanto de la pintura de acción como del arte pop . ^[19] Marisol utilizó el gesto espontáneo de expresión dentro de la pintura de acción junto con la intención artística fría y serena del arte pop. ^[19] Las esculturas de Marisol cuestionaron la autenticidad del yo construido, sugiriendo que en cambio fue ideado a partir de partes representativas. ^[19] El arte no se utilizó como una plataforma de expresión personal, sino como una oportunidad para exponer el yo como una creación imaginada. ^[27] Al yuxtaponer diferentes significantes de la feminidad, Marisol explicó la forma en que la "feminidad" se produce culturalmente. ^[19] Pero, al incorporar moldes de sus propias manos y trazos expresivos en su trabajo, Marisol combinó símbolos de la identidad de "artista" celebrada a lo largo de la historia del arte. ^[19] Este enfoque desestabilizó la idea de la virtud artística como una construcción retórica de la lógica masculina. ^[19] Por lo tanto, "se derrumbó la distancia entre el papel de la mujer y el del artista al tratar los signos de la masculinidad artística como no menos contingentes, no menos producto de la representación, que los signos de la feminidad". ^[19] Marisol expuso el mérito de un artista como una identidad ficticia que debe ser representada a través de la repetición de partes representativas. ^[19]

La práctica mimética de Marisol incluía la imitación de celebridades como Andy Warhol , John Wayne y el presidente francés Charles de Gaulle , a través de una serie de retratos basados ​​en imágenes encontradas. ^[28] Las esculturas se basaron en fotografías existentes, que fueron interpretadas por el artista y transformadas en un nuevo formato material. ^[28] Al imitar una imagen de origen, la historia cargada del sujeto se preservó dentro de la obra. ^[23] Este enfoque de utilizar información prefabricada permitió que el producto conservara el significado como un artefacto cultural. ^[23] Además, esta forma de creación agregó distancia entre el artista y el sujeto que retuvo el adjetivo de arte pop, ya que la semejanza del personaje se formó puramente por la semejanza de una foto. ^[23]

La imitación escultórica del presidente Charles de Gaulle (1967), por ejemplo, como líder de Francia conocido por su estilo autocrático de liderazgo. ^[28] Marisol eligió deliberadamente una imagen de De Gaulle, que era conocido por estar siempre sereno, como un hombre mayor. ^[28] Manipuló sus características cruciales, gestos y atributos para subvertir eficazmente su posición de poder como una de vulnerabilidad. ^[29] Los rasgos de De Gaulle se enfatizaron para crear una caricatura, exagerando su papada, distanciando sus ojos, estrechando su boca y torciendo su corbata. ^[29] Su uniforme, mano enyesada y porte estático hicieron que la escultura fuera abiertamente asimétrica para sugerir la preocupación del público en general por la corrección del gobierno. ^[29] El público fue informado de los defectos del sujeto, lo que sugiere tanto una similitud como una tensión entre el sujeto, la audiencia y ella misma. ^[15]

La práctica artística de Marisol ha sido excluida a menudo de la historia del arte, tanto por los críticos de arte como por las primeras feministas. ^[25] Para las feministas, su trabajo a menudo se percibía como una reproducción de tropos de la feminidad desde un punto de vista acrítico, repitiendo así modos de valorización que esperaban dejar atrás. ^[19] Sin embargo, los críticos de arte pop usarían su "feminidad" como marco conceptual para distinguir la diferencia entre su sentimentalismo y la objetividad de sus asociados masculinos. ^[30] Marisol produjo comentarios sociales satíricos en relación con el género y la raza, que son circunstancias en las que vive siendo una mujer de color. ^[30] En lugar de omitir su subjetividad, utilizó su "feminidad" como un modo de deconstruir y redefinir las ideas de "mujer" y "artista", dándose el control de su propia representación. ^[31]

Fue en la década siguiente de los años 1960 que Marisol comenzó a ser asociada con artistas pop como Andy Warhol y Roy Lichtenstein . Apareció en varias películas tempranas de Warhol, entre ellas El beso (1963) y Las 13 chicas más hermosas (1964). ^{[32] [33]} Una de sus obras más conocidas de este período es La fiesta , una instalación grupal de figuras de tamaño natural en el Museo de Arte de Toledo . Todas las figuras, reunidas en diversas apariencias de la élite social, lucen el rostro de Marisol. Marisol abandonó su apellido familiar de Escobar para despojarse de una identidad patrilineal y "sobresalir entre la multitud". ^[33]

Su predisposición hacia las formas del Pop Art se debe, en parte, a parte de su formación artística más temprana, que se remonta a su época con Howard Warshaw en el Jepson Art Institute. ^[34] En un artículo que explora las ilustraciones de anuarios de una Marisol muy joven, el autor Albert Boimes señala la influencia compartida, a menudo no citada, entre su trabajo y el de otros artistas pop. ^[34] Sugiere una fuerte influencia compartida tanto de la Ashcan School como de la forma de cómics en general. Explica que "Marisol heredó algunas de las características de esta tradición a través de su formación con Howard Warshaw y Yasuo Kaiyoshi". ^[35] Boimes también señala el profundo efecto que el arte del cómic tuvo en los artistas pop y en la propia Marisol, sin mencionar que los orígenes de la tira cómica están profundamente entrelazados con la Ashcan School , explicando que "los pioneros asociados con la Ashcan School surgieron de las mismas raíces que los dibujantes pioneros" y que "casi todos comenzaron sus carreras como dibujantes". ^[34] Escribe que las tiras cómicas y los cómics, así como los dibujos animados, tenían un atractivo particular para toda una generación de artistas nacidos alrededor de 1930, incluidos Claes Oldenburg , Mel Ramos , Andy Warhol , Tom Wesselmann , James Rosenquist y, por supuesto, Roy Lichtenstein , el mayor de este grupo", todos los cuales estaban asociados en un grado u otro con el pop. ^[34] Boime señala que "durante un tiempo Warshaw trabajó para Warner Bros. Animation dibujando a Bugs Bunny , y más tarde dibujó para The Walt Disney Company ", y que hubo "...numerosos puntos de contacto entre Disney y el Jepson Art Institute..." ^[36]

Marisol pasó por muchos movimientos artísticos. "¡No pop, no op, es Marisol!", tituló Grace Glueck su artículo en The New York Times en 1965: ^[10] "El silencio era una parte integral de la obra y la vida de Marisol. Se decía que no hablaba más de lo necesario y en su obra se la describía como alguien que tenía que darle al silencio 'forma y peso'. Hablaba poco de su carrera y una vez afirmó: 'Siempre he sido muy afortunada. A la gente le gusta lo que hago'". ^[10]

En 1966-67, completó Hugh Hefner , un retrato escultórico del editor de revistas de celebridades . Lo representó con dos copias de su característica pipa para fumar , una pintada y la otra real que sobresalía agresivamente del frente de la pieza. La escultura apareció en la portada del 3 de marzo de 1967 de la revista Time . ^[37] La ​​obra fue adquirida por Time y ahora se encuentra en la colección de la National Portrait Gallery del Smithsonian Institution . ^[38] La curadora Wendy Wick Reaves dijo que Escobar "siempre usa el humor y el ingenio para inquietarnos, para tomar todas nuestras expectativas de lo que debería ser un escultor y lo que debería ser un retrato y jugar con ellas. Entonces, cuando le preguntan por qué hay dos pipas, dice: 'Bueno, Hugh Hefner tiene demasiado de todo'". ^[39]

La diversidad, la mirada única y el carácter de Marisol la distinguen de cualquier escuela de pensamiento. A menudo ha incluido retratos de figuras públicas, miembros de la familia y amigos en sus esculturas. En una exposición, " Los Kennedy de Marisol Escobar criticaba la imagen más grande que la vida de la familia" (Walsh, 8). En 1982-1984, su respeto por Leonardo da Vinci la llevó a hacer una representación escultórica de tamaño natural de ella misma contemplando su cuadro de tamaño natural de La Última Cena . ^[40] También hizo una obra basada en La Virgen con Santa Ana de Da Vinci. ^[10]

La imagen de Marisol está incluida en el icónico cartel de 1972 Algunas mujeres artistas estadounidenses vivas de Mary Beth Edelson . ^[41]

En el arte pop, el papel de una "mujer" se refería constantemente como madre o seductora y rara vez se presentaba en términos de una perspectiva femenina. ^[42] Esta representación, ambientada en el arte pop, estaba determinada predominantemente por artistas masculinos, que comúnmente retrataban a las mujeres como objetos sexuales mercantilizados. ^[14] Como Judy Chicago le explicó a Holly Williams en su entrevista para "The Independent" en 2015, había muy poco reconocimiento para las artistas femeninas y los artistas de color. ^[14] Ella fue una de las muchas artistas ignoradas debido al canon modernista existente, que la posicionó fuera del núcleo del pop como el opuesto femenino a sus contrapartes masculinas establecidas. ^[43]

Al trabajar en un campo patriarcal, las mujeres a menudo ocultaban su identidad de género por temor a que su trabajo se redujera a una "sensibilidad femenina". ^[44] Marisol fue una de las pocas que abrazó su identidad de género. ^[45] La evaluación crítica de la práctica de Marisol concluyó que su visión femenina era una razón para separarla de otros artistas pop, ya que ofrecía una sátira sentimental en lugar de una actitud inexpresiva. ^[44] Como muchos artistas de esa época temían, la sensibilidad femenina fue la razón por la que Marisol a menudo fue marginada. ^[46]

Los críticos de arte, como Lucy Lippard , comenzaron a reconocer a Marisol en términos de arte pop en 1965. ^[43] En ese momento, su escultura fue reconocida en relación con ciertos objetivos pop. ^[47] Sin embargo, Lippard habló principalmente de las formas en que el trabajo de Marisol se diferenciaba de las intenciones de las figuras del pop como Andy Warhol , Frank Stella , Roy Lichtenstein y Donald Judd . ^[43] Lippard definió a un artista pop como un espectador imparcial de la cultura de masas que representa la modernidad a través de la parodia, el humor y/o el comentario social. ^[43] A través de una actitud objetiva, afirmó que un artista podía mantener una posición de desapego "masculino" de los sujetos representados. ^[43] Como artista femenina de color, los críticos distinguieron a Marisol del pop como una "primitiva sabia" debido a las cualidades folclóricas e infantiles dentro de sus esculturas. ^[43]

A diferencia de los artistas pop de la época, la escultura de Marisol actuó como una crítica satírica de la vida contemporánea en la que su presencia se incluyó en las representaciones de la feminidad de la clase media alta. ^[48] Al mismo tiempo, al incluir su presencia personal a través de fotografías y moldes, la artista ilustró una autocrítica en relación con las circunstancias humanas relevantes para todos los que viven el "sueño americano". ^[49] Marisol representó la vulnerabilidad humana que era común a todos los sujetos dentro de una crítica feminista y se diferenciaba del punto de vista masculino controlador de sus asociados del arte pop. ^[49] En lugar de omitir su subjetividad como mujer de color, Marisol redefinió la identidad femenina al hacer representaciones que se burlaban de los estereotipos actuales. ^[14]

La evaluación crítica de la práctica de Marisol concluyó que su visión femenina era una razón para separarla de otros artistas pop, ya que ofrecía una sátira sentimental en lugar de una actitud inexpresiva. ^[31] Como muchos artistas temían, esta sensibilidad femenina fue la causa de que los críticos la marginaran por estar fuera del marco conceptual del arte pop. ^[31] El ingenio de Marisol fue desestimado como una alegría femenina, por lo tanto, carecía de la objetividad y la actitud inexpresiva de los artistas pop masculinos. ^[31] Su superioridad masculina fue celebrada en su oposición a la posibilidad de una perspectiva "femenina" articulada. ^[14] Como Whiting aclaró más en su artículo Figuring Marisol's Femininities, "sin el pop femenino, no podría haber habido un pop masculino en oposición; sin la periferia blanda, no podría haber habido un núcleo duro". ^[31]

Marisol recibió premios, incluido el Premio Gabriela Mistral de 1997 de la Organización de los Estados Americanos por su contribución a la cultura interamericana. ^[50] Fue elegida miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Letras en 1978. ^[51] Marisol creó una serie de esculturas de madera en la década de 1990, que en su mayoría representaban a nativos americanos. Dos exhibiciones de estas obras no fueron bien recibidas y se sintió incomprendida. ^[52] En 2004, el trabajo de Marisol se presentó en "MoMA en El Museo", una exposición de artistas latinoamericanos celebrada en el Museo de Arte Moderno . ^[53] El trabajo de Marisol ha atraído un creciente interés, incluida una importante retrospectiva en 2014 en el Museo de Arte Memphis Brooks en Memphis, Tennessee , ^[32] que también se convirtió en su primera exposición individual en la ciudad de Nueva York, en el Museo del Barrio . ^[54]

Escobar vivió por última vez en el distrito TriBeCa de la ciudad de Nueva York y tuvo una salud frágil hacia el final de su vida. ^[32] Sufría de enfermedad de Alzheimer , ^[3] y murió el 30 de abril de 2016 en la ciudad de Nueva York por neumonía , a los 85 años. ^{[9] [55]}

En abril de 2017, se anunció que todo el patrimonio de Marisol había sido dejado a la Galería de Arte Albright-Knox en Buffalo, Nueva York, ahora rebautizada como Museo de Arte Buffalo AKG . ^[56]

En 2022, el Museo de Arte Pérez de Miami presentó Marisol y Warhol toman Nueva York , en la que se comentan las carreras artísticas en ascenso tanto de Escobar como de Andy Warhol . El PAMM publicó un catálogo complementario con motivo de la exposición. ^{[57] [58]}

Además de la colección más grande de su obra en el mundo en el Buffalo AKG Art Museum , su trabajo está incluido en las colecciones del Pérez Art Museum Miami , ^[59] el Metropolitan Museum of Art , ^[60] el Currier Museum of Art , ^[61] ICA Boston , ^[62] el Museum Boijmans Van Beuningen , ^[63] y el Museum of Modern Art , ^[64] entre muchos otros.

• Medalla de Arte Paez 2016 de VAEA (otorgada en vida, otorgada post mortem) ^[65]

• Premio Nacional de Artes Plásticas de Venezuela
• Niki de Saint Phalle

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• Gardner, Paul "¿Quién es Marisol?" ARTnews 88 mayo de 1989: págs. 12-15.
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• 'Marisol Escobar- Biografía", Rogallery, sf Web. 21 de septiembre de 2015..

• Obituario de Artnet News
• Entrada de artículo (idioma francés)
• Entrada de Artcyclopedia
• Pagina del Museo de Arte Latino en español
• Biografía del Pop Art
• Escultura: Retrato de Georgia O'Keeffe, bronce fundido, 1982