Manav Gupta

Manav Gupta (nacido el 29 de diciembre de 1967) es un artista contemporáneo indio conocido por sus pinturas, instalaciones y proyectos de arte público a gran escala sobre la conciencia ambiental y el desarrollo sostenible. Ha reinventado ^[1] la identidad de la cerámica de arcilla rural india y ha reutilizado otros materiales como desechos de construcción para crear arte contemporáneo específico para el lugar ^[2] e instalaciones ambientales ^[3] y esculturas. Ha sido reconocido como uno de los artistas contemporáneos más versátiles y eruditos de la India ^[4] y es ampliamente considerado como un "genio inconformista" y un "visionario". ^[5]

Ha conceptualizado y creado múltiples capas de compromisos interdisciplinarios en sus instalaciones y exposiciones, con otras formas de arte y programas de extensión con estudiantes, institutos educativos, el público en general y todos los actores interesados ​​de la sociedad, para crear conciencia a través de sus programas 'arth - art for earth' sobre la vida sustentable con el mensaje de "respetar la verdadera riqueza de la vida en la tierra", con episodios recurrentes de 'Diálogos en la costa' en sus diversos proyectos de arte público. ^[6]

Durante el período 2010-2019, el artista trabajó de forma independiente a través de invitaciones de instituciones que acogieron su obra. Creó los siguientes proyectos de arte público individuales consecutivos que fueron aclamados por la crítica: 'Unsung Hymns of Clay – Shrinking River Bed on Museum Floor' (2013), National Ditsong Museum, Pretoria, Sudáfrica; ^[7] "Rain the Ganga Waterfront Along Time Machine" (2015), India Habitat Centre, Nueva Delhi, India; ^[8] "Excavated Museum in a Mall" (2017), DLF Mall of India Noida, India; ^[9] 'arth – art for earth, travelling excavated museum' (2018) IGNCA, Ministerio de Cultura, Gobierno de la India; ^[10] From Sand to Dust, ^[11] 'Public art museum on Water, Water- the New Gold, City in a city' (2019) Rasulgarh, Bhubaneswar. ^{[12] [13]}

La década terminó con Gupta recibiendo el crédito por haber creado algunos de los proyectos de arte público más emblemáticos y revolucionarios de la India. ^[14]

Ha adaptado sus prácticas artísticas en pinturas, poesía, música y sonido para crear películas de un minuto sobre el cambio climático, ^[15] el desarrollo sostenible, ^[16] los ecosistemas y la energía alternativa para mensajes de servicio público encargados por el Ministerio de Medio Ambiente y Bosques, Gobierno de la India (2005-2006, 2011).

Ha sido pionero en la co-creación con sus “Jugalbandis” (Colaboraciones) con músicos, poetas y bailarines de todo el mundo, donde traduce la obra de un artista escénico en vivo en el escenario sobre su lienzo (2003-2011).

Es coautor de un libro de poemas y pinturas con el ex presidente de la India, Dr. APJ Abdul Kalam , publicado por Penguin India (2002-2005).

Gupta creó esculturas funcionales de edición única e instalaciones públicas con diversos medios, incluidos hierro, acero, madera, raíces de árboles desechadas, vidrio, chatarra reciclada y arcilla para espacios corporativos y privados interiores y exteriores. ^[17]

Formado en Calcuta en la Academia de Bellas Artes con Rathin Maitra y su gurú Vasant Pandit, el artista trabaja actualmente en Nueva Delhi.

Gupta nació en una familia de clase media en Calcuta y se crió como padre soltero desde que tenía unos seis años. ^[18] Su madre era profesora en una universidad mientras que su padre era el subdirector de la Biblioteca Nacional de Calcuta. ^[19] A la edad de trece años, Gupta comenzó a enseñar y dar clases particulares para los grados primero a octavo, para apoyar a su madre. Hacía esto durante tres o cuatro horas al día hasta su graduación de la universidad de la presidencia. La familia de Gupta residía en las dependencias del personal del campus de la Biblioteca Nacional, donde pasaría su primera infancia y años de formación en los jardines de horticultura. Encontró consuelo en la naturaleza, que jugó un papel fundamental en la formación de su expresión artística. Recibió su primera caja de colores de regalo a la edad de 1 año, donde comenzó a expresarse en forma de poesía y pinturas; dibujando y pintando elementos precisos de la naturaleza a la edad de 5 años: a saber, ramas de árboles y troncos de árboles. ^[18]

El talento de Gupta fue reconocido a temprana edad. ^[20] Recibió varios premios y certificados en el campo de la pintura de instituciones educativas y culturales desde 1977 hasta 1989. Mientras exhibía sus obras de arte en cuatro exposiciones colectivas en la Academia de Bellas Artes en el mismo período. Gupta ganó atención por su poesía y arte cuando comenzó a publicar en periódicos y revistas desde 1986 hasta 1991. El poema de Gupta "Echoing Parables" fue seleccionado y publicado en la revista de la Feria del Libro de Londres de la India en el año 1988. En 1991, el poema de Gupta fue publicado en el Calcutta Observer. ^[20] Gupta se graduó en el Presidency College y trabajó en organizaciones corporativas privadas para apoyar a su familia antes de comenzar formalmente su carrera artística a tiempo completo en 1996. ^[18]

En 1996, Gupta realizó su primera exposición individual en la Academia Birla de Arte y Cultura de Calcuta. Si bien todas las salas convencionales estaban reservadas, Gupta eligió exhibir sus pinturas en los jardines de la academia. El lugar no era convencional porque en ese momento, la idea de exhibir acuarelas sobre papel al aire libre no era muy común. ^[21] Por la noche, cuando se encendían las luces, las obras de arte de Gupta se destacaban y atraían a cientos de visitantes. Esto también terminó con su primera exposición individual, su primera "con entradas agotadas". ^[22] Entre los asistentes se encontraban BK Birla y Sarala Birla, quienes compraron dos de sus obras de arte que luego pasaron a la colección permanente de la academia. ^{[21] [18]} En 1997, en su segunda exposición individual, del 15 al 17 de agosto, The Taj Bengal, Calcuta, albergó su exposición "Libertad para ser diferente". Fue su difusión pública de la conciencia ambiental a través del arte. ^[23] Un tema y un proyecto cercano a él, ya que tuvo un efecto vital en su infancia. ^[24] La exhibición consistió en esculturas e instalaciones de una sola edición creadas a partir de raíces y troncos de árboles desechados que se exhibieron junto con una serie de obras de arte en miniatura de Gupta llamadas la "serie de la tierra". ^[23] Recibió elogios de la crítica de los críticos de arte y los medios de comunicación indios. ^{[25] [26] [24]}

Gupta trasladó su base a Nueva Delhi en 1998, ^[27] donde su gran avance en el mercado del arte contemporáneo indio se produjo en la capital, en el año 1999, cuando tuvo una exposición individual con entradas agotadas llamada "India esperando - Metáforas atemporales de sueños" organizada por el Taj Palace, Nueva Delhi. ^{[28] [29] [30]} Después de lo cual, las obras de Gupta se exhibieron en las instalaciones del Departamento de Cultura, Ministerio de Desarrollo de Recursos Humanos, Gobierno de la India. ^[19] Fue nominado en el Comité de Expertos, Celebraciones del Día Nacional de la República, Ministerio de Defensa, Gobierno de la India, como miembro para formar parte del comité. ^{[31] [32]} Las obras de Gupta se exhibieron en The Roosevelt House, residencia del Embajador de Estados Unidos en Nueva Delhi en 2001. ^[33] En el mismo año, fue invitado al panel asesor formativo del Museo de Historia Natural, Gobierno de la India.

Gupta fue pionero en el arte de performance en vivo en la India, como "Jugalbandis", donde tradujo la actuación del músico en vivo en el escenario desde un lienzo en blanco a un lienzo terminado sincronizando sus pinceladas con el recital/instrumento del artista intérprete o ejecutante. ^[34] Interpretó la versión de Shubha Mudgal de una canción, sobre la niña, donde la pintura fue subastada para recaudar fondos para la ONG: Amitasha. ^{[35] [36]} Fue comisionado por Times of India y Amity Foundation para dos obras especialmente concebidas sobre liderazgo como premios a Kumar Mangalam Birla y KV Kamath ^{[37] [38]} En el mismo año, el Palacio Leela, Bangalore albergó su exposición que fue inaugurada por el ex Ministro de Justicia de la India, Ram Jethmalani , Shatrugan Sinha y el ex Ministro Principal de Bangalore, Ram Krishan Hegde. ^{[39] [40] [41]}

"Sparks", un libro de poemas haiku de Shiela Gujral y pinturas de la artista, cuyo diseño fue conceptualizado por Gupta como una obra de arte, se publicó durante la misma época. ^[42]

Su asociación con el expresidente de la India, el Dr. APJ Abdul Kalam, comenzó en 2002 cuando fue invitado a traducir el poema "Una oración nacional" en su lienzo. Al ver la obra terminada, Kalam colocó la pintura en su oficina, ^{[43] [44]} durante todo su mandato, con un modelo en miniatura del 'charkha' al frente. La pintura se convirtió en la portada del libro, "El árbol de la vida", ^[45] publicado por Penguin. El libro marca una extensa colaboración entre Kalam y Gupta con una serie de pinturas que el artista creó interpretando los poemas de Kalam. Gupta se convirtió en el primer artista residente en el Rashtrapati Bhawan ^[46] ya que fue invitado a quedarse en el ala familiar durante una semana ^[47] para pintar los jardines mogoles y trabajar en el proyecto. En el discurso inaugural del presidente de la India en las celebraciones del centenario de la Galería Nacional de Arte Moderno , Kalam contó su experiencia, elogiando ampliamente al artista. ^{[37] [48] [49]}

En 2003, Gupta estableció su compromiso con el desarrollo sostenible y el cambio climático al iniciar su movimiento de concienciación medioambiental en el Día Mundial del Medio Ambiente . ^{[50] [51]} Concientizó sobre el tema al cooptar la participación pública en su arte en su exposición organizada por el Park Hotel, Nueva Delhi. Fue pionero en un programa de divulgación como un llamado a todos los interesados ​​de la sociedad para "plantar una muestra en mi lienzo". Empezando por el Presidente de la India hasta el ex Primer Ministro de la India, Dr. IK Gujral ^[52] y el entonces Ministro Principal de Delhi, movilizó a un gran sector de la sociedad ^[53] desde el gobierno, las industrias corporativas, el arte y la cultura, hasta las instituciones educativas y los niños de las ONG para co-crear arte con él como una metáfora de aceptar la responsabilidad como consumidores de los recursos de la Tierra. ^[50] En 2004, sus obras se exhibieron en Victoria Jones, Londres, para la cual creó una serie dedicada 'desde más allá'. ^[54]

Continuando con su serie de actividades de divulgación en su exposición 'Detente un momento' 'desde el más allá' en 2005, en la Academia Lalit Kala, Nueva Delhi, invitó a varios niños y directores de instituciones educativas de diferentes escuelas de Delhi para llevar su movimiento más allá. ^[55] Amplió el alcance a sus obras presentadas por Rahstrapati Bhawan en el mismo año. ^{[37] [48] [56]} Se convirtió en el único artista al que el Ministerio de Medio Ambiente y Bosques del Gobierno de la India le encargó películas de un minuto como mensajes de servicio público sobre el medio ambiente, donde utilizó sus pinturas, poesía, música y voz en off para conceptualizar y crear películas de un minuto y treinta segundos para televisión sobre el cambio climático, el desarrollo sostenible, los ecosistemas y las energías alternativas. ^{[34] [57]}

Gupta recibió el Sanatan Kalakriti Puraskar que le entregó Dominique Girard, embajador de Francia en la India, en 2006. En la misma ceremonia, realizó un concierto de performance con el Dr. L. Subramanium. ^[57] Christie's subastó su obra "Umbilical Cords of Earth" en Nueva Delhi en el mes de diciembre de ese año. ^[58]

En 2007, Gupta realizó la primera edición de su "trilogía itinerante" ^[59] en Mascate, Omán, compuesta por sus pinturas, proyecciones de películas ambientales y su arte escénico. ^[34] Su serie de conciertos incluyó "jugalbandi" con Anup Jalota, ^[60] una compañía de danza contemporánea y músicos con necesidades especiales, ^[61] y con Rahul Sharma, Rakesh Chaurasia y Vijay Ghate, ^[62] como tres actuaciones separadas respectivamente, para recaudar fondos para las víctimas de Gonu en Omán. Gupta recibió elogios de la crítica por sus pinturas y fue cubierto por todos los principales medios de comunicación de Omán. ^{[63] [47]} La ​​exposición de Gupta en Mascate recibió grandes elogios en Omán. ^[64] Obras seleccionadas de esa exposición también se encuentran en la Colección Permanente de la Casa Real de Omán. Su Alteza Shihab bin Tariq al-Said citó ^[65] el siguiente extracto de la exposición de Gupta organizada por la Sociedad de Bellas Artes de Omán: "Estuve muy contento de haber tenido este momento para ver el trabajo de Manav Gupta en la exposición de la Sociedad de Bellas Artes de Omán. Este es un gran trabajo de un famoso artista de la India, que para nosotros los omaníes es una adición a nuestro conocimiento cultural. Deseo a Manav una exitosa gira por Omán y esperamos ver más de su excelente trabajo". La exposición en OSFA ^[57] fue inaugurada por el Sr. Darwish bin Ismail bin Ali Al Balushi, Secretario General, Ministro de Finanzas, el Sr. Abdul Razak Ali Issa, CEO del Banco Muscat y el Sr. Anil Wadhwa, Embajador de la India en Omán. ^[57] Gupta también dio conferencias y charlas sobre arte y sostenibilidad, una de las cuales fue organizada por el Banco Muscat. ^[66] A principios de ese año, su obra "Non Limiting Horizons" fue subastada por Bonhams , Londres. ^[67] Más tarde ese año, Hitachi , Singapur, le encargó una edición limitada de sus obras para sus pantallas de plasma. ^{[68] [69]}

En 2009, con motivo de la Cumbre de Copenhague, CNN IBN publicó una documentación serializada de su trabajo en progreso, donde el artista creó la pintura "Copenhagen Wall of Hope" como respuesta al cambio climático. ^[70] Hacia finales de año, el Consejo Indio de Relaciones Culturales lo invitó a la muestra individual inaugural después de su galería recientemente renovada en Nueva Delhi, para el telón de apertura de la segunda trilogía del artista sobre Estados Unidos y Europa sobre el cambio climático: "on my eyot - rainforests & the timeless methodology of dreams" ^[71] . The Pioneer, junto con Hindustan Times ^[34] y Delhi Times ^[72] cubrieron un artículo exclusivo sobre Gupta y la exhibición reconociendo el trabajo de Gupta sobre el medio ambiente y el movimiento por el cambio climático. Un extracto de Pioneer: La cumbre sobre el cambio climático en Copenhague podría haber terminado, pero el tema sigue existiendo en las obras del artista Manav Gupta, cuyas pinturas exhibidas en una exhibición hablan sobre el cambio climático en general, nuestra asociación con nuestras raíces y también con la Madre Naturaleza y la tierra. Gupta dijo: “La idea es mostrar un cambio climático que va mucho más allá de los asuntos políticos, las nacionalidades y otros temas. Afecta a toda la raza humana”. ^[71]

En la primera mitad de 2010, Gupta recibió un encargo de Bharti Airtel, donde creó "El árbol de la vida" , que se convirtió en el mural de escalera interior más alto y más grande de la India. ^[73] Fue inaugurado por Sunil Bharti Mittal . Después de su proyecto de tres meses en la sede de Bharti Airtel en Gurgaon, el artista llevó la segunda edición de su trilogía itinerante: "on my eyot - rainforests & the timeless methodology of dreams" ^[74] Sus obras, que se extienden a pinturas e instalaciones, películas y arte escénico junto con colaboraciones públicas en sus lienzos, se exhibieron en Nueva York, Des Moines, Amherst, San Francisco, Berlín y Londres. ^[59] Durante la gira, fue invitado a charlas y demostraciones de conferencias por la Universidad Estatal de San José, el Instituto de Diplomacia Cultural, Berlín y otros lugares locales como el Des Moines Social Club. ^[75]

En 2011, el Ministerio de Asuntos Exteriores del Gobierno de la India le encargó que conceptualizara un mural de la amistad entre la India y Bután como contribución del Gobierno de la India al Museo BIFA en Pheuntshilling, Bután. Delineó las relaciones entre Bután y la India como documentación de archivo después de una investigación exhaustiva. La obra consiste en una serie de lienzos de dieciocho y doce pies de alto que trazan la geografía política, sociocultural, espiritual y natural de los puntos en común entre los dos países. Ahora se encuentra en la colección permanente del edificio BIFA en Pheuntsholing, Bután. ^[76] Después de la instalación de la obra, Su Alteza lo invitó al Palacio, donde el Rey compartió momentos de la pareja real con el artista. Inspirado por su historia, Gupta creó el retrato de Su Alteza con modismos de momentos de la vida de la pareja real. La pintura ahora es parte de la colección permanente de la Casa Real de Bután. ^[65]

Gupta acuñó su movimiento sobre la conciencia ambiental, 'arth - art for earth' en 1996. Su movimiento consiste en pinturas, cortometrajes y esculturas; ahora tomó forma como instalaciones de arcilla contemporáneas en 2013, donde reutilizó objetos de cerámica cotidianos de arcilla de terracota en instalaciones. ^[6] Creó el 'río menguante' haciendo un ' Duchamp ' ^{[4] [6]} en ellos, invirtiendo 'lámparas de barro' en su serie 'himnos anónimos de arcilla' en su exposición 'selvas tropicales y el círculo de la vida' organizada por la Alta Comisión de la India y la Increíble India en el Museo Nacional de Historia Natural Ditsong , Sudáfrica. ^[77] Fue invitado a dar conferencias en UNISA y la Universidad de Pretoria. La exposición se amplió como una extensión de la Cumbre BRICS y viajó a Ciudad del Cabo y Grahams Town. ^[78] Más tarde, ese mismo año, Limca Book of Records lanzó cuatro discos en su edición de 2013 para el artista. ^{[73] [79]}

En 2014, el artista creó un reloj de arena usando tazas de barro - la 'Máquina del Tiempo' junto con Lienzos de 20 pies de Alto de su serie 'Cordones Umbilicales' en Aerocity, Nueva Delhi para su colección permanente. ^[80] En la segunda mitad de 2015, Gupta investigó más durante 3 meses en Minneapolis, Des Moines, Nueva York, Washington DC y Miami en su serie de instalaciones donde reutilizó cerámica de arcilla para tomar nota de las reacciones del público en diferentes lugares de reunión y dibujar similitudes entre las conexiones socioculturales importantes de las personas y las prácticas con sus respectivos ríos - 'cómo los indios rinden homenaje a sus ríos con lámparas de barro y cómo la gente deposita tabaco como una forma de ofrenda a Mississippi.' ^[4] Dio una charla en el Minneapolis College of Art and Design como parte de la Serie de Conferencias del Presidente y Forecast Public Art. ^[2] A principios de 2015, creó su primer "Río" en su exposición titulada "Lluvia, la ribera del Ganges a lo largo de la máquina del tiempo", donde hizo una obra de 75 pies de largo x 60 pies de ancho x 45 pies de alto de diyas (lámparas de barro), Kulhads (tazas de barro) y Chillams (puros rurales indios) para representar el río Ganges en los escalones de la Plaza, para una exposición de 3 meses en el India Habitat Centre en Nueva Delhi. Fue esta instalación específica del sitio ^[81] , vanguardista ^{[5] [82]} y su compromiso único con el espacio y la arquitectura lo que revivió la aclamación crítica de Gupta y el reconocimiento en el mercado del arte contemporáneo. ^[3] La audiencia tuvo un récord de cien mil "pisadas" para el arte público de Gupta. ^[83] La instalación resultó ser un punto de inflexión para Gupta, ya que fue reconocido como un "pensador y visionario" y como "uno de los artistas contemporáneos más eruditos y versátiles de la India" ^{[5] [84]} por instituciones internacionales, ^[2] diarios y revistas ^[3] y periódicos nacionales en la India. Outlook (revista india) lo citó en su artículo como "el próximo gran éxito en el arte". ^[85] El Ministerio de Asuntos Exteriores (India) recurrió a Twitter para escribir sobre Gupta como el poder blando de la India, ^[86] y luego habló sobre el arte de Gupta en la edición de la revista. ^[84]El proceso que Gupta ha seguido durante toda su carrera de involucrar a todos los actores de la sociedad para tener conversaciones significativas a través del compromiso con su arte que genere conciencia sobre el cambio climático, la conciencia ambiental y el desarrollo sostenible fue iniciado por él en la forma de su serie "Diálogos en la costa". Este fue un evento y taller que abarcó conferencias, charlas, mesas redondas, recitación de poesía, meditación y su "jugalbandi" que ahora toma forma como su recitación de poesía compuesta por él mismo sobre la conciencia ambiental al ritmo de una bailarina contemporánea o clásica india que actúa al frente de sus instalaciones. ^{[83] [6]} Su Waterfront incluyó a varios actores de la sociedad invitados por Gupta. Inaugurada por el Ministro de la Unión para el Agua y el Saneamiento, Gobierno de la India, ^[87] la exposición también fue presenciada y criticada por Richard R. Verma , Sakti Burman , Maite Delteil , Kiran Karnik , Meghnad Desai, Baron Desai , Kamal Meattle , Kiran Nadar , BN Goswamy , Yogendra Narain , junto con varias otras personas. ^[65]

En 2017, Gupta exhibió su proyecto de jardín en forma de colmena junto con otras cuatro instalaciones (El Arca de Noé, La Cama del Amor, La Máquina del Tiempo y la ribera del río) en su experiencia "Museo en un Centro Comercial" ^[5] en el DLF Mall de la India, que luego fue criticada como una "bienal individual" ^{[88] [89]} por críticos de arte y medios de comunicación. ^[90] La cronología de la exposición se amplió por demanda del público. ^[91] Gupta invitó a varias partes interesadas de la sociedad a sus diálogos en la serie de la ribera para discutir cuestiones sobre el cambio climático y el desarrollo sostenible en una mesa redonda con la ribera de fondo. ^[5] Ese mismo año, Gupta donó una pintura que se subastó para recaudar fondos para Water Health Charity, EE. UU. ^[92]

En la segunda mitad de 2017, Gupta fue recibido por uno de sus coleccionistas en su casa en Amrita Shergill Marg, Nueva Delhi. ^[6] Gupta creó su primer prototipo de museo privado en sus jardines y abrazando árboles y arquitectura. ^[93] Gupta creó Rain, que había conceptualizado y creado por primera vez en su estudio en 2012. ^[94] Gupta creía firmemente que el activismo no necesita ser ruidoso. ^{[6] [95]} Y por lo tanto, se comprometió con su movimiento sobre el cambio climático, la sostenibilidad y la conciencia ambiental invitando a las partes interesadas influyentes de la sociedad a su estudio y manteniendo conversaciones significativas para llevar adelante su movimiento sobre la conciencia ambiental y el cambio climático. ^[74] Invitó a Max Rodenbeck , Ashok Chauhan, Mahesh Sharma , Hari Bhartia y Kavita Bhartia, Uma Sharma , Anita Meattle, junto con varios embajadores en la India, a saber, Sir Dominic Asquith , Alto Comisionado británico en la India, Nadir Patel, Alto Comisionado canadiense en la India, Sr. José Ramón Barañano Fernández, Alto Comisionado español en la India, Sra. Mariela Cruz Alvarez, Alta Comisionada de Costa Rica en la India y Dnyaneshwar Mulay , ex Cónsul General de la India en Nueva York. ^[65]

En enero de 2018, Gupta presentó Rain, que creó por primera vez en la segunda mitad de 2017, en su estudio en Amrita Shergill Marg. ^[94] Su museo itinerante fue organizado ^[82] por el Centro Nacional Indira Gandhi para las Artes y el Ministerio de Cultura, ^[96] Gobierno de la India y fue lanzado en el Día Mundial del Medio Ambiente ^[97] e inaugurado el 5 de julio por el Dr. Mahesh Sharma, Ministro del Gabinete, Ministerio de Cultura. ^[98] La exposición consistió en Rain, el Proyecto Beehive Garden, Noah's Ark, tres Time Machine's, the Bed of Life y River Waterfront. ^[99] Se extendió por demanda del público hasta el 25 de noviembre de 2018. Aquí, Gupta revisó el " movimiento Chipko " para abrazar los árboles Neem y Arjuna, ^[100] con medio acre de "lluvia" y abrazó el espacio y la arquitectura para desplegar su ribera fluvial como una oda a Matighar, en IGNCA. Gupta creó tres máquinas del tiempo, como en un modismo, para representar el sonido de aum (OM) y creó el Arca de Noé en la fuente, frente a sus jardines Mansingh Lawns. Los panales o colmenas de su "Proyecto de jardín de colmenas" se colocaron en los árboles junto con su lluvia. Gupta lanzó su campaña para la ciudad con sus instalaciones de arte ambiental ^[101] como: "la ciudad necesita el río, necesitamos nuestros árboles". Con el Índice de Calidad del Aire de Nueva Delhi en su peor momento en la historia de la ciudad, el mensaje del artista destacó y enfatizó la importancia de los árboles como pulmones de la ciudad y cómo la "lluvia" los nutre, por lo que el "río" necesita estar limpio. ^[102] Continuó su serie "Diálogos en la costa", que fue un llamado único a todos los actores interesados ​​de la sociedad para un discurso para encontrar soluciones transformadoras para una vida sostenible. ^{[6] [95]} La exposición fue visitada y criticada por Vandana Shiva , Pheroza Godrej, Shyam Benegal , Lokesh Chandra , Amitabh Kant , Yogendra Narain , Anjolie Ela Menon , entre varios otros. ^[65]

^{En 2019, la Autoridad Nacional de Carreteras de la India (NHAI) [103]} encargó a Gupta la creación de una instalación bajo el paso elevado de Rasulgarh en Bhubaneswar, Odisha, India. Gupta creó medio acre de una "ciudad dentro de una ciudad: ciudad sostenible" ^[104] denominada "Agua, el nuevo oro", que tenía un pozo tubular de 20 pies de altura, instalaciones y murales construidos con bloques de hormigón desechados y materiales de desecho de la construcción de carreteras. Este proyecto marcó el mérito de Gupta por crear seis proyectos artísticos icónicos y revolucionarios en la India durante la década de 2010 a 2019 por parte de Indian Media Houses. ^[14] Más tarde ese año, Gupta recibió la beca sénior del Ministerio de Cultura, Gobierno de la India, como Persona Destacada en el Campo de la Cultura, para el campo de las Artes Visuales. ^[105]

Gupta comenzó a explorar cuestiones de conciencia ambiental usando la lámpara de barro ('diya') como metáfora, en 2012-13. ^{[106] [59]} Desplegó su investigación sobre cómo la percepción y el contexto interactúan entre sí en su instalación. ^[107] Su investigación exploró cómo la lámpara de barro está tejida en el tejido cultural-religioso de la India ^[108] desde su inicio como nación y antes (Civilización del Valle del Indo). Según el artista, este pequeño cuenco de arcilla tiene una existencia anodina, ^[109] y solo durante ese uso momentáneo se convierte en el medio para "gratificar los deseos del alma o los sentidos". Gupta, inspirado por Marcel Duchamp , invirtió la lámpara de barro para simbolizar una gota de agua, ^{[6] [4]} y creó "el río que se encoge" en una exposición organizada por la Alta Comisión de la India y la India Increíble en el Museo Nacional, Pretoria, Sudáfrica. El lema de Gupta para el río era "Maano toh mai Ganga Maa hoon, na maano toh behta paani", ^[110] "si me consideras sagrado soy puro, de lo contrario, mera agua que fluye" ^[3] simbolizaba el viaje de la "lámpara de barro" sobre cómo la moldean los alfareros pobres que las guardan en grandes cantidades al costado del camino en montones para vender. "A veces al lado de vertederos de basura o al lado de desagües de aguas residuales, hasta el momento en que las personas que las compran las traen a casa. Una vez en casa, solo en el momento del culto, o como material de uso temporal para ser desechado, se usan como una herramienta en el altar o en existencias llenas de acontecimientos que son fugaces y transitorias. Ese es el único momento en que se las reconoce o se las valora". Gupta dice, mientras observa más a fondo y llama la atención del espectador: "El mismo cuenco de arcilla que no tenía significado, importancia ni existencia en la psique humana se convierte de repente en el medio para transmitir los deseos del alma o en el recipiente temporal de gratificación. Es sagrado sólo cuando se coloca en el altar o en la mesa. La lámpara de barro asume el estatus del Santo Grial que lleva las oraciones del alma a los dioses y nuestro espíritu despierta. Una vez que la oración termina, la lámpara de barro se descarta de nuevo para sumergirse en el Ganges". ^{[2] [107]} Crítica adicional como respuesta a la instalación de Gupta: "Dado el mundo actual de problemas complejos actuales de tratamiento y percepción de las mujeres, así como de la tierra (a la que se hace referencia como madre tierra en muchos sectores de la espiritualidad india), el artista traza una referencia de espectro cruzado de erosión de los valores humanos utilizando el río Ganges como idioma". – Uma Nair, historiadora y crítica de arte india. ^[80] Después de crear el río menguante en 2013, Gupta creó el "River Waterfront" en el India Habitat Centre, Nueva Delhi en 2015. Una instalación específica del sitio de 45 pies de largo x 6 pies de ancho x 45 pies de alto en los escalones de la plaza, miles de lámparas de barro se colocaron invertidas, a lo largo de varias filas mientras chillams (puros indios rurales) colgaban de la pared por las columnas, para crear una ilusión del flujo de agua. Cuando cayó el anochecer y el área se iluminó, el público y los medios de comunicación exclamaron que casi se podía escuchar el sonido de las olas debido a la calma y serenidad que agregó a unos escalones de la plaza sin uso. La instalación, "River Waterfront" de la serie "Excavations in Hymns of Clay", representa una cascada en la que Gupta utilizó el Ganges, el río reverenciado en la India, como idioma y lámparas de barro y chillums como metáforas para enfatizar el punto: "Si me consideras sagrado, soy puro, de lo contrario, mera agua que fluye". Como se critica: "El factor más sorprendente de la instalación fue la ilusión óptica que Gupta había logrado crear con las lámparas de barro y los chillums colgantes de un río real fluyendo. El compromiso arquitectónico de la cerámica con las paredes donde está colocada transformó el lugar habitual en un paisaje ribereño". ^[111] "El compromiso arquitectónico del arte con el espacio y la construcción es algo que me preocupa y es muy importante para que el arte pertenezca allí", dice Gupta. ^[3] Según él, la lámpara de barro y los chillums tienen una existencia insignificante y se descartan una vez utilizados, y lo mismo ocurre con el Ganges y otros recursos naturales que la humanidad utiliza y descarta con alarmante despreocupación. ^[112] Las lámparas y chillams no sólo alimentan la necesidad de metáforas, sino que también proporcionan la superficie necesaria para representar un río sin orillas, especialmente cuando se colocan invertidos. "Es un producto de alfarero pobre que es típicamente indio y en términos de situación de microfinanzas, estoy tratando de rehabilitarlos mientras compro diyas en grandes cantidades. Es profundamente satisfactorio". ^[3] Las ondulaciones y las olas son discernibles incluso en la instalación, ya que la cerámica ha sido colocada inteligentemente, densamente en ciertos lugares para dar el efecto correcto. ^[109] Esta disposición del río es la base de la oportunidad del artista para el diálogo entre diferentes partes interesadas de la sociedad y mundos interculturales. ^[5]

Gupta creó su primera iteración de lluvia en la terraza de su estudio en 2012. Presentó formalmente un estreno mundial en su estudio en Amrita Shergill Marg, Nueva Delhi en la segunda mitad de 2017. ^[94] Gupta revisó la lluvia para crear, "lluvia, selva tropical y el jardín de la colmena" para crear medio acre de lluvia en Man Singh Lawns en el Centro Nacional de Arte y Cultura Indira Gandhi, organizado por el Ministerio de Cultura, Gobierno de la India, en 2018. . ^{[6] [100]} Lluvia, la obra de arte de Gupta, incorpora el uso de chillum, una pipa de fumar de arcilla tradicional asociada con la intoxicación. Los chillums están intrincadamente ensartados con alambres delgados, creando hábilmente una representación poética de la lluvia. Gupta ha empleado hábilmente arcilla, típicamente asociada con la materialidad del agua, para representar la naturaleza fluida de la lluvia. Además, coloca diyas (lámparas de aceite tradicionales) sobre los cables, lo que añade un elemento lúdico a su interpretación de la lluvia y sus patrones geométricos. Al enfatizar el significado de cada hebra y cuerda, Gupta resalta los intrincados detalles de su obra de arte. A través de este despliegue, Gupta captura de manera efectiva la esencia de la lluvia, lo que permite al espectador percibir las gotas en cascada y experimentar el sonido rítmico de las gotas de lluvia. Gupta captura la geometría fragmentada de la lluvia, lo que proporciona una visión íntima de la textura de las gotas de lluvia que caen. La verdadera esencia de la obra de Gupta se entiende y experimenta mejor cuando uno se encuentra en medio de la lluvia que cae colgando de las ramas de los árboles. Este encuentro inmersivo permite a los espectadores apreciar la hábil representación de Gupta del fenómeno simple pero profundo de la lluvia. El efecto creado por la instalación de Gupta es similar a la experiencia visual de un objeto colocado entre espejos paralelos, evocando una sensación de fascinación e inmersión. Curiosamente, esta sensación supera la intoxicación típicamente asociada con el propio chillum. Gupta anima a su público a "empaparse bajo la lluvia" metafóricamente, incitándolos a abrazar por completo el encuentro artístico. ^[102] Como citan los críticos y los periódicos: Es notable cómo la obra de arte de Gupta continúa evolucionando y transformándose a lo largo de los meses a medida que la instalación permanece expuesta a los elementos en entornos al aire libre. Considera los árboles como su laboratorio, habiendo utilizado anteriormente árboles caídos como elementos escultóricos. En la exhibición actual, el simbolismo de la lluvia cayendo de las ramas de los árboles tiene un significado. La lluvia depende de los árboles, al igual que los árboles riegan la tierra con lluvia. Esta interacción entre la lluvia y los árboles profundiza aún más las capas conceptuales de la obra de arte de Gupta.

Las colmenas fueron creadas por primera vez por Gupta en 2013, donde creó dos iteraciones para su proyecto de jardín de colmenas: una colmena singular creada con chillums y desplegada en interiores. ^[95] Y una instalación de múltiples colmenas de una sola edición junto con una versión más grande creada por Kulhads (Earthen Cups) exhibida como instalación en 2017. ^[5] Gupta luego desplegó estas colmenas al aire libre abrazando árboles en 2018 para ser parte de su "lluvia, selva tropical y jardín de colmenas" que cubría medio acre de espacio. Las abejas, a menudo pasadas por alto pero significativas en la cadena de evolución y la sostenibilidad de la humanidad, juegan un papel central en el proyecto global de jardín de colmenas de Gupta. Este esfuerzo sirve como una declaración ambiental, destacando la importancia de la biodiversidad y su conexión crítica con el desarrollo sostenible. El arte de Gupta apunta constantemente a trascender su propia existencia al generar conciencia sobre el medio ambiente. Mediante el uso innovador de "chilams" (puros rurales de barro) y "kullars" (tazas de barro) para crear colmenas, la obra de arte no solo cautiva los sentidos del espectador, sino que también sirve como un suave recordatorio diario para hacer una pausa y considerar su papel en la preservación de las abejas y la biodiversidad. ^{[112] [100]} Como citan los críticos y los aficionados: "La presencia de las colmenas de Gupta, que simbolizan la artesanía del artista, el diseño reflexivo, la paciencia, el control, la precisión y una forma estéticamente agradable, actúa como una metáfora de las abejas que ejecutan lo mismo al crear las propias colmenas. Cada elemento de la instalación representa la vitalidad de la vida". Gupta enfatiza los desafíos que se enfrentan al capturar la esencia natural de la naturaleza, particularmente al representar colmenas. Mantener la autenticidad de la forma de la colmena fue un aspecto crucial para él. Se tuvo especial cuidado en evitar que la colmena pareciera artificial, ya que es propensa a hacerlo. La dedicación de Gupta a la preservación de la integridad natural de la colmena es evidente. El proyecto artístico sugiere que estas colmenas, hechas con materiales no convencionales, pueden encontrar un lugar en cada jardín y hogar. Actúan como un recordatorio constante para contribuir, incluso de manera pequeña, a la preservación de las abejas y la biodiversidad, y en última instancia, tienen un impacto positivo en el vasto océano de esfuerzos de conservación. ^[5]

La máquina del tiempo fue creada por primera vez por Gupta en 2014, donde incorporó tazas de barro para crear la estructura de un reloj de arena. Explora el concepto del tiempo y su naturaleza fugaz, incitando la contemplación de sus espectadores. Según Gupta, la arcilla, que simboliza la esencia cruda de la existencia y la sostenibilidad, se utiliza metafóricamente para representar la naturaleza limitada del tiempo, invitándonos a reflexionar sobre nuestro papel en la utilización de los recursos de la tierra. ^[4] "La naturaleza delicada de la arcilla yuxtapuesta con la naturaleza finita de la "taza del tiempo" aumenta la conciencia sobre nuestros hábitos de consumo, la percepción del tiempo y nuestra interacción con la Tierra dentro de las limitaciones de nuestras vidas en una sociedad rápidamente modernizada, capitalista y dirigida por el consumo". ^[80] Gupta introduce luz dentro de la instalación, simbolizando el despertar de la conciencia humana y su potencial para la esperanza. Esta escultura-instalación tiene como objetivo evocar la contemplación filosófica y espiritual, explorando la intrincada relación entre la inteligencia humana, la profundidad emocional y la apreciación del arte. Al mismo tiempo, mantiene una elegancia discreta e invita con gracia al compromiso del público con el arte, mostrando el uso innovador que hace el artista de la cerámica como medio artístico de consumo masivo. ^[5]

Esta obra de arte creada por Manav Gupta incorpora el simbolismo del Arca de Noé para enfatizar la importancia de la preservación del medio ambiente. Actuando como una metáfora de la tierra y la humanidad en su ciclo de creación, destrucción y renacimiento, el artista explora el papel fundamental que desempeña el arca. En su interpretación, el Arca de Noé representa una civilización antigua en la que Noé y su nave alcanzaron importancia histórica al salvar la vida en la Tierra de una catástrofe inminente. ^[5] La visión artística de Gupta profundiza en el concepto de un museo enterrado imaginario, donde se descubren el Arca de Noé y otras creaciones, como la Máquina del Tiempo. Estos artefactos simbolizan los secretos de la vida sostenible y sirven como recordatorio de la responsabilidad colectiva que tiene la humanidad en la salvaguardia de la naturaleza de su propia interferencia. ^[102] La obra de arte anima a sus espectadores a reflexionar sobre su papel como individuos en la protección no solo de sí mismos, sino también de las generaciones futuras y otras especies. Enfatiza la noción de que los humanos están interconectados y son maleables como la arcilla, capaces de asumir el papel de Noé al detenerse y adoptar prácticas sostenibles. Al adoptar un enfoque consciente para preservar el medio ambiente, uno puede guiar a sus propias familias y a otras especies hacia una vida evolucionada y segura. ^[101]

Gupta creó dos versiones de la cama: “Meet me by the Riverside, the bed of love” ^[112] en 2017 y “bed of life” ^[100] en 2018. Gupta creó su primer prototipo de la cama en 2012 en su estudio. Gupta explora el tema del amor y su naturaleza delicada, entrelazándolo con el concepto de desarrollo sostenible. Utiliza representaciones simbólicas de elementos masculinos y femeninos para transmitir una expresión íntima del amor, resaltando su fragilidad y calidad etérea.

En la obra de arte, se crea un lecho de "río" con lámparas y tazas de barro, lo que crea una representación visual de un arroyo que fluye y parece originarse de una fuente profunda y desbordarse sin interrupción. Este lecho de río sirve como representación simbólica de la historia, el amor y un sentido específico de esperanza evocado por la frase "encuéntrame en la orilla del río". ^[5]

El uso de materiales de barro, como lámparas y tazas, sugiere una conexión con la naturaleza y una comprensión más profunda del medio ambiente. Este aspecto se alinea con el tema subyacente del desarrollo sostenible, enfatizando la importancia de preservar los recursos naturales de la Tierra y fomentar relaciones armoniosas entre los seres humanos y el planeta.

A través de estos elementos simbólicos, la obra de arte fomenta la contemplación sobre la naturaleza transitoria del amor, el entrelazamiento de la existencia humana y el potencial para el crecimiento y el desarrollo sostenibles. ^[6]

Las pinturas de Gupta son conocidas por su naturaleza contemplativa y espiritual que explora la conexión entre el mundo interior del alma y el mundo natural. Su obra abarca una amplia gama de medios, que incluyen acuarelas, acrílicos, óleos, esculturas y multimedia. El recorrido artístico de Gupta ha llevado a la maduración y desarrollo de su estilo. "La conciencia del medio ambiente", "la luz" y "la esperanza" son los temas centrales de las obras de Gupta. Algunas de sus series notables de pinturas son las tituladas "Susurros íntimos", "Selvas tropicales", "Horizontes sin límites", ^[67] "Letras de luz", "Shoonya-from Beyond" y "Cordones umbilicales de tierra, aire, agua, fuego y espacio".

Para entender mejor la serie de “selvas tropicales” y “cordones umbilicales” de Gupta, su metodología de creación, su trabajo y su estilo de pintura, Keshav Malik ha criticado: “El arte de Manav Gupta, que mira tanto hacia adelante como hacia adentro, es una contemplación de la comunión espiritual y natural. Y así, sus imágenes actúan como un vehículo de un mundo visionario que es en sí mismo el instrumento de la autotrascendencia. Su disposición es hacia la invocación del mundo interior del alma como el escenario de la inminencia divina. Su obra ha experimentado un gran desarrollo. La maduración es palpable.

Trabajando en una amplia gama de instalaciones, acuarelas, acrílicos, óleos, esculturas y multimedia, pone el medio al servicio de nuevas tareas creativas. Técnicamente, en lo que se refiere al color y la luz, es altamente profesional. Además, tiene una comprensión precisa del color como el lenguaje con el que la naturaleza intenta comunicar significados y valores. Para él, el color es una función de la vista, lo que implica una cualidad similar a la del sol en el ojo.

He aquí, pues, un discurso silencioso sobre la música de los colores. De este modo, elabora visualmente notas y escalas para producir melodía y armonía. Se puede seguir el desarrollo de Manav desde las armonías de colores de gran refinamiento, incluso en sus primeros trabajos, hasta una liberación progresiva de la luz del objeto, o quizás la resolución del objeto en luz. El artista ha llegado a entender la luz como aquello de lo que están hechos los objetos que vemos.

El lenguaje pictórico de Manav, que se nutre de una profunda intuición, surge del proceso creativo y lo supera para existir de manera objetiva. Es entonces cuando surge el instrumento de una experiencia de nivel que se puede comunicar en términos que se relacionan con el conocimiento y la sabiduría de lo alcanzado interiormente. El saber técnico del artista, como colorista, no se utiliza por sí mismo, sino porque su técnica tiene su propio contenido meditativo.

En resumen, aquí se evidencia una imaginación autoespiritualizadora, en la que el pintor intenta integrar todos esos conjuntos de experiencias que nos permiten unirnos con la realidad esencial. A través de sus sentidos externos, el pintor es capaz de percibir el mundo visible. A través de sus sentidos internos, intenta percibir el microcosmos, incluido el nivel gemelo del cuerpo y el alma. El pintor tiene un mensaje que transmitir a su yo ordinario, un mensaje que concierne a nuestro ser más profundo. Significa un despertar a un plano de vida más elevado. Finalmente, su "cordón umbilical-selva tropical" simboliza una epifanía del universo que se abre continuamente desde una fuente sagrada, el centro del nacimiento de la vida. Una epifanía de la que es a la vez expresión y símbolo" ^[113]

Un extracto de su entrevista en Classic Feel, "una búsqueda de luz", destaca el uso y el significado que Gupta hace de la "luz" y la "esperanza" en sus pinturas: "La luz es una preocupación común entre los artistas visuales. Tanto los pintores como los fotógrafos siempre están buscando encontrar luz que ilumine a sus sujetos de la manera correcta y capturarla, de alguna manera atraparla dentro de los confines físicos de su medio. Para Manav Gupta, sin embargo, la preocupación por la luz va más allá de los problemas del medio para convertirse en el tema en sí. "Para mí siempre ha sido una búsqueda de luz", dice. "Busco luz en los huecos, en las grietas y en los ventrículos de las selvas tropicales. Para mí la luz es esperanza. Te busca en medio de la oscuridad. Así que el proceso de buscar y encontrar el camino a seguir con ese único rayo de luz ha sido el viaje de mi vida y mi trabajo". ^[106]

Las pinturas de Gupta suelen describirse como capturas de momentos y emociones fugaces. Sirven como un diario de sus pensamientos y eventos más íntimos, aunque no sean de naturaleza autobiográfica. ^{[114] [115]} Se ha criticado que las pinturas de Gupta poseen una cualidad universal debido a su conexión con el inconsciente colectivo; su pincelada exhibe una sensación de tranquilidad y relajación. Su uso de colores, particularmente azules, ocres, verdes, naranjas, rojos e índigos, crea un cautivador juego de sombras y formas. ^[25]

Un aspecto notable de las obras de Gupta es el uso de títulos en forma de poemas de estilo haiku. Los títulos, escritos como poemas cortos, no solo explican sus pensamientos sino que también contribuyen a la estética general de las pinturas. ^[23] El amor de Gupta por la naturaleza está profundamente arraigado, y proviene de sus experiencias de la infancia y su estrecha conexión con la tierra y la naturaleza. Se critica que este aspecto sea evidente en sus obras de arte. ^{[116] [117]}

La serie "Tierra" de Gupta llama la atención sobre la belleza de la naturaleza y refleja su amor por la música y la poesía. Cada obra de la serie está acompañada por un poema, que resalta los elementos místicos y poéticos de sus pinturas. ^[118] El estilo de Gupta combina sin esfuerzo sus habilidades como poeta y artista, y se le critica que a veces no está claro si la poesía o la pintura son lo primero en su proceso creativo. ^[23]

Gupta también ha utilizado sus pinturas junto con su poesía para crear películas de un minuto y treinta segundos como mensajes de servicio público encargados por el Ministerio de Medio Ambiente y Bosques del Gobierno de la India para la televisión sobre el cambio climático, el desarrollo sostenible, los ecosistemas y las energías alternativas. ^{[34] [70]}

Gupta también ha utilizado sus pinturas para crear instalaciones de vídeo de doble y triple canal en Sudáfrica en 2013 y prototipos de "salas de visualización digital" del período 2009-2012. ^[79]

Ha ganado reconocimiento internacional por su primer mural de seis pisos de alto, 5000 pies cuadrados de fachada y 10000 pies cuadrados de superficie total pintada, encargado por mega mural ^[119] en la sede de un gigante corporativo líder de telecomunicaciones en Gurgaon cerca de Delhi, India en 2010, donde pintó Live durante tres meses mientras involucraba las pinceladas de miles de empleados en su creación ^[120] "The Tree of Life" ^[121] . The Tree of Life es el mural de escalera interior tridimensional más alto y más grande ^[122] del artista Manav Gupta. Cubre aproximadamente 5000 pies cuadrados de frente visible a través de una fachada de vidrio y 10 000 pies cuadrados de superficie total pintada. Su importancia radica en la metodología de creación como una obra de arte contemporáneo, con el primer uso simultáneo de su tipo de cuatro prácticas artísticas diferentes en arte conceptual, específico del sitio, colaborativo y de performance. ^[123]

Cuando Bharti Airtel Ltd le encargó que creara una "obra de arte en escalera" ^[124] en su sede central, el artista introdujo un proceso de desarrollo sostenible único en la entidad corporativa, al establecer que el arte también puede contribuir al entorno empresarial, al renovar la calidad intangible de su poder blando entre los empleados. Añadiendo una dimensión colaborativa, conceptualizó el mural como un proyecto de arte público al permitir que miles de empleados tuvieran la experiencia de dar pinceladas. En el proceso, una serie de juegos de rol de enseñanza y motivación de los empleados surgieron como arte escénico. En la segunda mitad del proyecto, tomó forma una composición tridimensional específica del sitio. Con Gupta trabajando solo durante todo el día, en vivo frente a 3500 empleados y casi la misma cantidad de visitantes en el campus corporativo, el mural tardó tres meses en completarse como una historia en evolución de cinco elementos de la naturaleza. Teniendo en cuenta la visibilidad de la escalera en todo el campus a través de una fachada de vidrio de 60 pies de alto, ^[125] la intervención específica del sitio fusionó la pared de fondo y la cara frontal de las perspectivas de la escalera de cinco pisos en un solo lienzo fusionando los lados circundantes y el techo dentro de una composición.