Mabel Dwight

Mabel Dwight (1875-1955) fue una artista estadounidense cuyas litografías mostraban escenas de la vida cotidiana con humor y tolerancia. Carl Zigrosser , quien la había estudiado detenidamente, escribió que «Su obra está impregnada de piedad y compasión, un sentido de la ironía y la comprensión que proviene de una profunda experiencia». ^{[ 1 ]} Entre finales de la década de 1920 y principios de la de 1940, alcanzó popularidad y éxito de crítica. En 1936, la revista Prints la nombró una de las mejores grabadoras vivas , y un crítico de la época afirmó que era una de las litógrafas más destacadas de Estados Unidos. ^{[ 2 ] [ 3 ]}

Nacida en Cincinnati y criada en Nueva Orleans , se mudó con sus padres a San Francisco a finales de la década de 1880. ^{[ 2 ]} Allí, estudió con Arthur Mathews en el Instituto Mark Hopkins . ^{[ 4 ] [ 5 ]} A principios de 1899, un crítico de una revista semanal local llamada The Wave dijo que sus retratos eran los mejores de la exposición, "tratados con un grado de delicadeza y sentimiento característico de la verdadera colorista". ^{[ 6 ]} Más tarde ese año, se unió y se convirtió en directora del San Francisco Sketch Club. ^{[ 7 ]} En 1898, dibujó la ilustración para la portada del catálogo de la exposición del club, que se muestra aquí, Imagen n.° 1. Dos años después, recibió un encargo para un retrato de una revista mensual llamada The Critic . ^{[ 8 ]} Casi al mismo tiempo, todavía viviendo con sus padres, se mudó a Manhattan, y allí un editor le encargó que hiciera ilustraciones para un libro sobre animales en el oeste de los Estados Unidos . Sus trece dibujos incluían un frontispicio de ciervos, que se muestra aquí, Imagen n.º 2. Un crítico calificó las imágenes de «encantadoras», añadiendo que atraerían a lectores de todas las edades. ^{[ 9 ]}

A mediados de sus veinte años acompañó a Helen Bartlett Bridgman, esposa del explorador Herbert Lawrence Bridgman , en una gira mundial que incluyó paradas en Egipto , Ceilán , India , Java y Gran Bretaña. ^{[ 10 ]} De regreso a los Estados Unidos en 1903, se reunió con sus padres en Greenwich Village . ^{[ 4 ] [ 5 ]} Durante los años siguientes continuó sus esfuerzos por establecerse como artista profesional y, de 1903 a 1906, se incluyó en el American Art Annual como pintora e ilustradora. ^{[ 11 ]} Conoció y se casó en 1906 con el también artista Eugene Patrick Higgins. Aunque ambos eran socialistas y, por lo tanto, defendían la igualdad de género, Dwight asumió el rol de ayudante y dejó de pintar. ^{[ 2 ] [ nota 1 ]}

Dwight y Higgins no tuvieron hijos. En 1917, se separaron y ella retomó su carrera como pintora. ^{[ 5 ]} Al año siguiente, se unió al recién fundado Whitney Studio Club de Gertrude Vanderbilt Whitney y se convirtió en secretaria de Juliana Force , la directora del club. ^{[ 2 ] [ nota 2 ]} Durante los años siguientes asistió a sesiones de dibujo del natural y expuso en las exposiciones anuales que organizaba el club. ^{[ 4 ]} Aunque hizo algunos experimentos con el grabado, en esta época trabajó principalmente con acuarela. ^{[ 2 ]} Cuando mostró una pintura llamada Nocturno en una exposición del club en diciembre de 1918, un crítico de American Art News la describió como una "pintura negra" que tenía "una figura femenina desnuda de líneas y tonos inusuales". ^{[ 12 ]} En 1923, realizó una acuarela de un tema que reaparecería más tarde como una de sus litografías más conocidas. Mostrando personas en un acuario público, era, según un crítico, "a la vez divertida y ejecutada con competencia". El crítico elogió otra de sus pinturas, titulada Retrato de un hombre , por su "fina caracterización" y su rico colorido que "funciona definitivamente en el logro de la forma". ^{[ 13 ]} Al reseñar otra exposición del Whitney Club, en 1926, un crítico del New York Sun dijo: "La señorita Dwight es ingeniosa y en sus pinturas de sujetos captados en el metro, los parques y otros lugares públicos teje mucha crítica insidiosa de sus conciudadanos". ^{[ 14 ]}

Dwight cumplió 50 años en 1925. Conoció al marchante de grabados neoyorquino Carl Zigrosser alrededor de 1913, mientras vivía en la pobreza con Higgins. Zigrosser intentó sin éxito vender algunos de los grabados de Higgins, pero el primer encuentro con Dwight dio inicio a una amistad duradera. ^{[ 15 ]} Con el apoyo de Zigrosser, Dwight viajó a París en 1926 para pasar un año estudiando litografía en el Atelier Duchatel . ^{[ 16 ] [ nota 3 ]} Durante su estancia en París, realizó bocetos de personas realizando actividades cotidianas —viendo espectáculos de marionetas , sentadas en cafés, rezando, curioseando en los puestos del Sena — y convirtió los bocetos en grabados litográficos. Tanto en su postura y gestos como en sus expresiones faciales, los personajes que retrató mostraban sus personalidades y peculiaridades individuales. ^{[ 17 ]} Una acuarela que tituló Ajedrez en cubierta , que se muestra aquí, Imagen n.° 3, probablemente fue realizada durante su viaje de ida o de vuelta. Realizó la litografía titulada Iglesia vasca , que se muestra aquí, Imagen n.° 4, mientras estaba en el extranjero. Cuando el Philadelphia Print Club exhibió la obra litográfica completa de Dwight en 1929, C. H. Bonte, crítico del Philadelphia Inquirer , llamó la atención sobre grabados de escenas francesas como este, diciendo: «Está interesada sobre todo en las personas y sus caracteres. Es rica la habilidad empleada para dar distinción individual a todos los detalles de esta comedia humana, pues sin duda es la comedia tal como la ve la señorita Dwight». ^{[ 17 ]}

Un año después de su regreso, los grabados de París y los que comenzó a hacer en Nueva York ayudaron a establecerla como una de las mejores artistas litográficas de Estados Unidos. ^{[ 4 ]} En 1928, Zigrosser gestionó su primera exposición individual. ^{[ 2 ]} Ese año, un crítico del Brooklyn Daily Eagle señaló que tenía un "talento para lo fantástico y romántico y puede despertar la imaginación". El crítico añadió: "Mabel Dwight, cuya exposición se está celebrando en las Galerías Weyhe, ya se ha ganado una considerable reputación en este medio", añadiendo que era "apta para responder al aspecto humorístico de la vida". ^{[ 18 ]} En 1929, el Print Club de Filadelfia le ofreció una exposición individual que incluía todos los grabados que había hecho en París, Chartres y Nueva York hasta finales del año anterior. En una extensa reseña, Margaret Breuning del New York Evening Post escribió que la exposición contenía "litografías alegres y vivaces realizadas por una verdadera artista, cuyo pulso afectuoso está en perfecta sintonía con los latidos del corazón de aquellos a quienes retrata con tanta fidelidad". ^{[ 17 ]}

Una litografía realizada en 1928 titulada Mansión abandonada fue una de sus primeras obras en atraer considerable atención. El crítico del Brooklyn Daily Eagle llamó la atención sobre ella y sus otras "imágenes emotivas de casas antiguas abandonadas". ^{[ 18 ]} Un crítico del Philadelphia Inquirer escribió que había infundido al tema un "espíritu de misterio palpable" y, por lo tanto, había logrado un "truco emotivo de creación de imágenes". ^{[ 19 ]} Dwight dijo más tarde que el lugar le recordaba a Jane Eyre , y agregó: "Las ventanas superiores no estaban tapiadas ni contraventanas, y miraban a uno con esa expresión demente que adquieren las ventanas de las casas vacías durante mucho tiempo". ^{[ 20 ]} Esta impresión se muestra aquí, Imagen n.° 5.

Una litografía que Dwight realizó en 1929 llamada Ferry Boat fue elegida por el Instituto de Artes Gráficas como una de sus "Cincuenta Grabados del Año". ^{[ 21 ]} En 1931, un crítico dijo que era "muy divertida en su sátira". ^{[ 22 ]} Escribiendo en el New York Times , Edward Alden Jewell la consideró una de sus obras notables en 1932 y en 1937 dijo que entonces se la consideraba "desde hace mucho tiempo conocida". ^{[ 23 ] [ 24 ]} Unos años más tarde, en una reseña de cuatro grabadores contemporáneos, Zigrosser calificó esta litografía de "inmortal". ^{[ 16 ]} En 1930, la revista Fortune le encargó que ilustrara un artículo llamado "Para hacer que un circo pague". ^{[ 25 ]} La ilustración que realizó para las dos primeras páginas de la obra se muestra aquí, Imagen n.° 7. Cuando, en 1932, se le concedió una segunda exposición individual en la Galería Weyhe , mostró acuarelas y dibujos, además de sus grabados. ^{[ 23 ]} La exposición motivó a Edward Alden Jewell a evaluar su capacidad para evocar una gama de estados de ánimo en su obra. Escribió que representaba mansiones que se habían convertido en "fantasmas solemnes" junto con cementerios y otros temas sombríos, pero también presentaba obras "francamente despreocupadas", incluso "hilarantes", que mostraban circos y fiestas de alquiler. ^{[ 23 ]} Entre los extremos, citó cuadros, como Ferry Boat , que se habían vuelto "más cómodos" para los espectadores. ^{[ 23 ]}

Una litografía de 1931 titulada Life Class , que se muestra aquí como la imagen n.° 8, pasó prácticamente desapercibida en su momento, pero ha sido analizada con cierto detalle más recientemente. En 1952, un crítico destacó en ella la habilidad de Dwight para personificar eventos específicos, empleando un estilo «seguro y poco halagador». ^{[ 26 ]} En 1990, Christine Temin, en un artículo para el Boston Globe, explicó que la imagen conmemoraba el momento en que se permitió por primera vez a las mujeres unirse a los hombres para dibujar modelos desnudos en el Whitney Studio Club. Escribió: «La absoluta inocuidad de la escena ridiculiza el mundo del arte sexista». ^{[ 27 ]} En 2014, un catálogo de exposición señaló que la modelo mira a los artistas del mismo modo que ellos la examinan y afirmó que las mujeres dibujantes de la imagen podían interpretarse como «representantes de la idea feminista de la mirada masculina». ^{[ 28 ]} En 1942, Zigrosser comparó la imagen con una muy similar de Peggy Bacon diciendo que la de Bacon era una caricatura mientras que la de Dwight era "drama" y agregó que la de Dwight era "un conjunto de estudios individuales de personajes, que por la lógica de la situación también adquieren un aspecto cómico". ^{[ 16 ]}

Para 1933, la reputación de Dwight estaba firmemente establecida. Su obra había aparecido en exposiciones colectivas del Whitney Studio Club, el Philadelphia Print Club, la Philadelphia Art Alliance y en exposiciones individuales en la Weyhe Gallery y la Universidad de Duke . ^{[ nota 4 ]} Su obra había aparecido en Vanity Fair siete veces entre noviembre de 1928 y septiembre de 1930. ^{[ 31 ]} Para 1933, sus pinturas, dibujos y grabados estaban presentes en colecciones de museos prominentes, incluidos el Metropolitan Museum of Art , el Museum of Fine Arts, Boston , el Cleveland Museum of Art , el Art Institute of Chicago , el Fogg Museum de la Universidad de Harvard, el Victoria and Albert Museum y la Bibliothèque nationale de France . ^{[ 30 ] [ 32 ]} Escribiendo en Publishers Weekly , Walter Pach había señalado simplemente que había sido "aclamada en los últimos años". ^{[ 33 ]} Edward Alden Jewell la había llamado una "talentosa satírica estadounidense". ^{[ 23 ]}

En 1935, realizó un retrato que pasó prácticamente desapercibido para el público en aquel entonces. Este retrato, que se muestra aquí (Imagen n.° 9), junto con su autorretrato (que aparece en la parte superior del recuadro informativo), ilustra su habilidad para el retrato. Los críticos ya habían observado esta habilidad en 1899 y nuevamente en 1923, como se mencionó anteriormente. En 1997, un crítico del New York Times señaló un «estilo clásico» en sus retratos. ^{[ 34 ]}

En 1936, fue incluida en la lista de las mejores grabadoras de Estados Unidos en la revista Prints y, en un artículo periodístico, se dijo que había "escalado hasta la cima de un campo difícil y altamente competitivo". ^{[ 2 ] [ 3 ]} Ese año, realizó una litografía llamada Queer Fish que recibió elogios del público y de la crítica y que eventualmente se convertiría en su grabado más popular. ^{[ 4 ] [ 35 ]} La que se muestra aquí, Imagen n.° 10, proviene de bocetos que tomó en el Acuario de Nueva York en Battery Park . ^{[ 4 ]} Cuando se exhibió dos años después, un crítico dijo que "ya era famosa por su humor". ^{[ 36 ]} La propia Dwight habló más tarde sobre ella con cierto detalle, diciendo:

Está oscuro bajo el balcón y las siluetas de las personas se recortan contra los tanques iluminados. ... La gente se retuerce en formas grotescas mientras se apoya en la barandilla bastante baja; los traseros se alzan imponentes y las piernas largas se enredan. Un día vi un enorme mero y a un hombre gordo compitiendo por ver quién miraba más fuerte; fue un momento psicológico. El pez tenía la boca abierta y sus ojos telescópicos fijos. El hombre, sobresaltado por la repentina aparición, ... se quedó boquiabierto; ... se hipnotizaron mutuamente por un instante, y luego ambos nadaron lejos. ¡¡Peces raros!! ^{[ 4 ]}

En 1934, Dwight se unió al Proyecto de Obras Públicas de Arte . Una de sus biógrafas, Carol Kort, informa que, a pesar de su éxito profesional, en ese momento se encontraba en una situación financiera muy difícil. ^{[ 37 ]} Cuando ese proyecto se disolvió, se unió al Proyecto Federal de Arte de la Administración de Proyectos de Obras y permaneció como empleada federal hasta 1939. ^{[ 38 ]} Durante estos cinco años continuó siendo productiva, creando grabados que, "en la tradición de Honoré Daumier ", como dice una fuente, "combinaban el humor con el comentario político". ^{[ 35 ]} Además de sus dificultades financieras, su salud se deterioró durante estos años. Padecía asma y su audición se fue deteriorando progresivamente hasta llegar a la sordera. ^{[ 5 ] [ 39 ]}

En 1936, Dwight contribuyó con un ensayo a un libro que el Proyecto Federal de Arte tenía previsto publicar para demostrar la importancia y la calidad del programa y de sus artistas. El gobierno se negó a publicarlo en aquel momento, y en 1973 la New York Graphic Society finalmente lo publicó ( Arte para los millones; Ensayos de la década de 1930 por artistas y administradores del Proyecto Federal de Arte de la WPA , recopilado por Francis V. O'Connor, Greenwich, Connecticut ). En su ensayo, Dwight afirma que las exigencias estéticas entran en conflicto con el deseo satírico de mostrar «los inevitables defectos inherentes a la vida». Menciona a Francisco Goya y Honoré Daumier como dos de los pocos maestros que lograron resolver este conflicto. Sobre el arte del realismo social de su época, escribe: «Algunos de los jóvenes artistas, conscientes de clase, son demasiado arrogantemente vehementes en sus representaciones de la vulgaridad, la fealdad, la injusticia, etc., y uno percibe su esfuerzo agonizante por convertirlo todo en un patrón artístico. El resultado deja al espectador indiferente». Señala que otros artistas de su época muestran a personas marginadas, calles urbanas sórdidas y diversiones de mal gusto sin ser satíricos. «Disfrutan abiertamente pintando Coney Island, gasolineras, puestos de perritos calientes, calles principales baratas, casas de madera con bandas de rompecabezas: todo el crecimiento desmesurado de nuestras ciudades». El ensayo concluye con una afirmación que podría aplicarse a su propia obra. El artista, dice, debe mantener «la cabeza fría y el corazón cálido». Él o ella no necesita exagerar las debilidades de las personas, ya que es imposible "rivalizar con la naturaleza, que ha creado seres tan desproporcionados" [sino que] "solo tiene que mirar a estas personas con simpatía y traducirlas al arte para que sean tan trágicas o humorísticas como desee". ^{[ 40 ]}

Una década después de su primera exposición, la Galería Weyhe le ofreció a Dwight una tercera exposición individual, esta vez con unas 93 obras que, como comentó un crítico del New York Times , abarcaban "desde escenas parisinas de 1927 hasta los mordaces comentarios neoyorquinos de los años siguientes, pasando por Ferry Boat de 1930 y el muy admirado Queer Fish de 1936 ". ^{[ 41 ]} Citando su "rico y sano comentario humano", un crítico escribió: "Dondequiera que circulen multitudes, en los transbordadores y las esquinas de las calles, en los parques y los cines, la señorita Dwight ha encontrado material aparentemente inagotable. Su obra es un rico y sano comentario humano. Está llena de humor amigable. Pero la artista no oculta sus sentimientos tras la sátira. Sabemos dónde residen sus simpatías. Están con los agobiados vendedores de plátanos, no con los obesos vendedores de mantequilla y huevos". ^{[ 42 ]}

Sobre una exposición de sus grabados del Proyecto Federal de Arte en Miami, un crítico escribió, haciéndose eco de la reflexión de Dwight sobre la sátira en el arte: «Cuando la distorsión y la exageración aparecen en estas litografías, son sutiles, maduras y sugerentes porque surgen de la empatía más que de la arrogancia y el desdén». El crítico añadió: «Como litógrafa, Mabel Dwight se encuentra entre las mejores de Estados Unidos, aunque solo comenzó a trabajar en este medio en 1927, cuando ya había superado los 50 años». ^{[ 43 ]}

Los últimos años de la década de 1930 resultaron ser el punto culminante de la carrera de Dwight. A principios de la década de 1940, su obra continuó apareciendo en exposiciones colectivas de Nueva York, incluyendo la Galería Weyhe (1941, 1942), una exposición conjunta de galeristas en el American Fine Arts Building (1941) y la Academia Nacional de Diseño (1942), pero después de 1942 prácticamente no hubo ninguna. ^{[ nota 5 ]} Cuando un grupo de sus litografías apareció en el Museo de Arte de San Luis en 1947, un crítico señaló que habían sido impresas en la década de 1930. Calificándolas de "saturadas de atmósfera" y "agradables a la vista", el crítico elogió su habilidad para retratar "aspectos cómicos con alegría en lugar de sarcasmo" y dijo que las figuras humanas que mostraba eran "sólidas y cuidadosamente construidas tanto psicológica como físicamente". ^{[ 44 ]}

Durante la década de 1940, Dwight realizó una acuarela titulada « Casa de campo en otoño» , que se muestra aquí, Imagen n.° 12. Tras dedicarse a la litografía en 1926, continuó realizando acuarelas y dibujos a color. En 1933, una acuarela que tituló « Escuchando» se incluyó en la primera bienal del Museo Whitney de escultura, acuarelas y grabados estadounidenses contemporáneos. ^{[ 45 ]} A diferencia de «Ajedrez en cubierta» (Imagen n.° 3) y la mayor parte de su obra, su ambientación es rural y no contiene figuras humanas ni animales. En ese sentido, podría pertenecer a una categoría mencionada en su ensayo sobre la sátira, ya que parece abordar problemas de composición y dificultades técnicas, pero no lo que ella denominó «discrepancias entre lo real y lo ideal». ^{[ 40 ]} Desde sus primeros trabajos, la mayoría de sus cuadros estaban repletos de figuras humanas o temas que evocaban emociones humanas y eran, como dijo un observador, «sondeos a las profundidades del drama de la vida cotidiana». ^{[ 37 ]} En ellas, como dijo otro, se hace evidente la empatía de Dwight por sus sujetos, así como su agudo sentido del humor. ^{[ 46 ] : 135} En una breve biografía de Dwight, un curador del Museo Smithsonian de Arte Americano la caracterizó como "una aguda observadora de la comedia humana, que representó con humor y compasión en su obra". ^{[ 47 ]}

Dwight fue una socialista de toda la vida cuyas ideas se basaban principalmente, como escribió en su ensayo de 1936, "Sátira en el arte", en el odio a la enorme distancia que separaba a los pobres de los ricos en Estados Unidos. ^{[ 40 ]} En 1918, se unió a otras 49 personas de ideas afines en un grupo de presión llamado "Cincuenta Amigos" que abogaba por la clemencia para los hombres encarcelados por declararse objetores de conciencia durante la Primera Guerra Mundial. ^{[ 48 ]} Viviendo en Manhattan durante la década de 1930, se unió a uno de los clubes marxistas John Reed y apoyó a otra organización del Frente Popular , el Congreso de Artistas Americanos . Sin embargo, no deseando convertirse en propagandista y temiendo perder las ventas que necesitaba para mantener su precaria existencia, rara vez produjo obras de carácter abiertamente político. ^{[ 5 ]}

Dwight nació el 31 de enero de 1875 y se llamaba Mabel Jacque Williamson. ^{[ 37 ] [ nota 6 ]} Era la única hija de Paul Huston Williamson (1837–algún tiempo después de 1910) y su esposa Adelaide (o Ada) Jacque (nacida en 1875). ^{[ nota 7 ]}

Paul Williamson era propietario de una granja cerca de Cincinnati, en el municipio de Colerain, condado de Hamilton, Ohio . Cuando Dwight aún era niña, la familia se mudó a Nueva Orleans y Dwight fue inscrita en un colegio de monjas en Carrollton , a las afueras de la ciudad. ^{[ 5 ] [ nota 8 ]} En 1893, los Williamson se mudaron a San Francisco, donde Dwight recibió clases particulares mientras cursaba la escuela secundaria. ^{[ 5 ]} A mediados de la década de 1890, Dwight completó su educación secundaria y, como se mencionó anteriormente, comenzó sus estudios con Arthur Mathews en el Instituto Mark Hopkins . ^{[ 4 ]}

Antes de separarse de Higgins, el amigo de Dwight, Carl Zigrosser, le presentó a un dibujante arquitectónico llamado Roderick Seidenberg. Era un objetor de conciencia y socialista militante, catorce años menor que ella. ^{[ 5 ]} Su relación se estrechó y durante algunos años vivieron juntos. ^{[ 5 ]} Terminó en 1929 cuando él aceptó un trabajo en la Unión Soviética y, al regresar, se enamoró de otra mujer y se casó con ella. ^{[ 37 ]} Dwight y Seidenberg se reconciliaron cuando Dwight sufrió periodos de enfermedad durante las décadas de 1930 y 1940, y Seidenberg y su esposa Catherine la acogieron en su casa para cuidarla. ^{[ 51 ]}

Tras su divorcio de Higgins, no mantuvo su apellido de casada ni recuperó su apellido de soltera, sino que, por razones que no reveló, eligió el apellido Dwight. ^{[ 4 ]} Su reticencia respecto a su nombre no era inusual en ella. Aunque escribió una autobiografía (inédita), se desconoce mucho sobre su vida. ^{[ 5 ]} Su pérdida auditiva es un ejemplo. Algunos resúmenes biográficos no mencionan una discapacidad auditiva. Algunos dicen que era sorda, pero no especifican el grado de pérdida auditiva. ^{[ 47 ]} Una fuente dice que era casi sorda y otra dice que era profundamente sorda. ^{[ 52 ] [ 53 ]}

En 1929 o 1930 viajó a Nuevo México y parece que esta fue la primera y única vez que viajó fuera de los estados del Atlántico Medio después de su regreso de París. ^{[ 54 ]} Por esta época se mudó de Greenwich Village a Staten Island y algún tiempo después se mudó a Pipersville, Pensilvania . ^{[ 55 ]} Después de que Dwight cumpliera 65 años en 1940, su sordera, asma crónica y pobreza empeoraron. ^{[ 5 ]} Aunque continuó trabajando, su producción disminuyó y estuvo confinada en residencias de ancianos en el período previo a su muerte tras un derrame cerebral en 1955. ^{[ 4 ]}

______________. Un siglo de autoexpresión: Arte estadounidense moderno en la colección de John y Joanne Payson (Bryn Mawr, Pensilvania, Bryn Mawr College, 2014)

Dwight, Mabel, "Sátira en el arte", en Arte para millones; Ensayos de la década de 1930 de artistas y administradores del Proyecto Federal de Arte de la WPA , editado por Francis V. O'Connor (Boston, New York Graphic Society, 1975, págs.  151-154).

Henkes, Robert. Pintoras estadounidenses de las décadas de 1930 y 1940: Vidas y obra de diez artistas (Jefferson, Carolina del Norte, McFarland, 1991).

Kort, Carol y Liz Sonneborn. De la A a la Z de las mujeres estadounidenses en las artes visuales (Nueva York, Facts on File, 2002).

Robinson, Susan Barnes y John Pirog. Mabel Dwight: Catálogo razonado de las litografías (Washington, DC, Smithsonian Institution Press, 1997).

Zigrosser, Carl. "Mabel Dwight: Maestra de la Comédie Humaine" ( Artnews , Vol. 6, No. 126, junio de 1949, págs.  42-45)

Ibíd. El artista en América; veinticuatro primeros planos de grabadores contemporáneos (Nueva York, AA Knopf, 1942)

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