Leo Ornstein

Leo Ornstein (nacido Lev Ornshteyn ; en ruso : Лев Орнштейн ; c. 11 de diciembre de 1895 ^{[ 1 ]} – 24 de febrero de 2002) fue un compositor y pianista experimental estadounidense de principios del siglo XX. Sus interpretaciones de obras de compositores de vanguardia y sus propias piezas innovadoras e incluso impactantes lo convirtieron en una figura célebre a ambos lados del Atlántico. La mayor parte de sus obras experimentales fueron escritas para piano . ^{[ 1 ]}

Ornstein fue el primer compositor importante en hacer un uso extensivo del clúster de tonos . Como pianista, era considerado un talento de clase mundial. ^{[ 2 ]} A mediados de la década de 1920, se alejó de su fama y pronto desapareció de la memoria popular. Aunque dio su último concierto público antes de los cuarenta años, continuó componiendo música durante medio siglo más. Olvidado en gran medida durante décadas, fue redescubierto a mediados de la década de 1970. Ornstein completó su octava y última sonata para piano en septiembre de 1990 a la edad de noventa y cuatro años, convirtiéndose en el compositor publicado de mayor edad en la historia en ese momento (una marca que luego superó Elliott Carter ).

Ornstein nació en Kremenchuk , gobernación de Poltava, Imperio ruso (actualmente parte de Ucrania ). Creció en un ambiente musical: su padre era cantor judío ( hazán ), mientras que un tío violinista lo animó a estudiar piano . Ornstein fue reconocido desde temprana edad como un niño prodigio ; en 1902, cuando el célebre pianista polaco Josef Hofmann visitó Kremenchuk, escuchó tocar al pequeño Ornstein, de seis años. Hofmann le dio una carta de recomendación para el prestigioso Conservatorio de San Petersburgo . Poco después, Ornstein fue admitido como alumno en la Escuela Imperial de Música de Kiev , entonces dirigida por Vladimir Puchalsky. Una muerte en la familia obligó a Ornstein a regresar a casa. En 1903, Ossip Gabrilowitsch lo escuchó tocar y lo recomendó al Conservatorio de Moscú . En 1904, con nueve años, Ornstein audicionó para la escuela de San Petersburgo y fue admitido. ^{[ 3 ]} Allí estudió composición con Alexander Glazunov y piano con Anna Yesipova .

A los once años, Ornstein se ganaba la vida dando clases a cantantes de ópera. ^{[ 4 ]} Para escapar de los pogromos instigados por la organización nacionalista y antisemita Unión del Pueblo Ruso , la familia emigró a Estados Unidos el 24 de febrero de 1906, exactamente noventa y seis años antes de su muerte. ^{[ 5 ]} Se establecieron en el Lower East Side de Nueva York , y Ornstein se matriculó en el Instituto de Arte Musical —predecesor de la Escuela Juilliard— donde estudió piano con Bertha Feiring Tapper . En 1911, debutó con éxito en Nueva York interpretando obras de Bach , Beethoven , Chopin y Schumann . Grabaciones dos años después de obras de Chopin, Grieg y Poldini demuestran, según el historiador musical Michael Broyles, «un pianista de sensibilidad, prodigiosa habilidad técnica y madurez artística». ^{[ 6 ]}

Ornstein pronto tomó un rumbo muy diferente. Comenzó a componer obras con sonidos disonantes y sorprendentes. ^{[ 5 ]} El propio Ornstein se sintió perturbado por las primeras de estas composiciones: «Al principio, realmente dudé de mi cordura. Simplemente dije: ¿Qué es esto? Estaba completamente alejado de cualquier experiencia que hubiera tenido». ^{[ 7 ]} El 27 de marzo de 1914, en Londres, ofreció su primera interpretación pública de obras entonces llamadas «futuristas», ahora conocidas como modernistas . ^{[ n 2 ]} Además de un arreglo de Busoni de tres preludios corales de Bach y varias piezas de Schoenberg , Ornstein interpretó varias composiciones propias. El concierto causó gran revuelo. Un periódico describió la obra de Ornstein como «la suma de Schoenberg y Scriabine al cuadrado». ^{[ 8 ]} Otros fueron más analíticos: «Nunca hemos sufrido semejante horror insoportable, expresado en términos de la llamada música». ^{[ 8 ]}

La siguiente actuación de Ornstein provocó un casi motín: «En mi segundo concierto, dedicado a mis propias composiciones, podría haber tocado cualquier cosa. Ni yo mismo podía oír el piano. El público silbaba, aullaba e incluso arrojaba objetos al escenario». ^{[ 7 ]} Sin embargo, la reacción no fue en absoluto negativa universalmente: el Musical Standard lo calificó como «uno de los compositores más notables de la época... [con] ese germen de realismo y humanidad que es indicativo de genialidad». ^{[ 9 ]} Al año siguiente, era la comidilla de la escena musical estadounidense por sus interpretaciones de obras vanguardistas de Schoenberg, Scriabin, Bartók , Debussy , Kodály , Ravel y Stravinsky (muchas de ellas estrenos en EE. UU.), así como de sus propias composiciones, aún más radicales. ^{[ 10 ]}

Entre 1915 y principios de la década de 1920, cuando prácticamente dejó de actuar en público, Ornstein fue una de las figuras más conocidas (para algunos, notorias) de la música clásica estadounidense. En la descripción de Broyles y Denise Von Glahn, su "atractivo era inmenso. Constantemente actuaba ante salas abarrotadas, a menudo con más de dos mil personas, en muchos lugares la 'mayor audiencia de la temporada ' " . ^{[ 11 ]} Sus piezas para piano solo, como Wild Men's Dance (también conocida como Danse Sauvage ; ca. 1913-14) e Impressions of the Thames (ca. 1913-14), fueron pioneras en el uso integrado del clúster de tonos en la composición de música clásica , que Henry Cowell , tres años menor que Ornstein, popularizaría aún más. En la descripción del erudito Gordon Rumson, Wild Men's Dance es una "obra de ritmo vehemente e indomable, compuesta de densos grupos de acordes... y acentos brutales. Ritmos complejos y acordes gigantescos y estruendosos recorren todo el registro del piano. Esta sigue siendo una obra para un gran virtuoso capaz de infundirle una energía ardiente y feroz". ^{[ 12 ]} Aaron Copland recordó una interpretación de esta obra como el momento más controvertido de su adolescencia tardía. ^{[ 13 ]} En 2002, un crítico del New York Times declaró que "sigue siendo impactante". ^{[ 14 ]} Según el crítico Kyle Gann , Impressions of the Thames , "si Debussyan en sus texturas, usó acordes más punzantes de los que Debussy jamás se atrevió a usar, y también grupos en el registro agudo y un golpeteo grave que presagiaba Charlemagne Palestine , pero modulado... con una convincente sensación de unidad". ^{[ 15 ]}

Como ejemplo de lo que Ornstein describió como "música abstracta", su Sonata para violín y piano (1915; no 1913 como se suele dar erróneamente) ^{[ 16 ]} fue aún más allá; "al borde", como él mismo lo expresó: "Yo diría que [la sonata] había llevado la música justo al límite. ... Simplemente retrocedí y dije: 'más allá de eso se encuentra el caos total ' " . ^{[ 17 ]} En 1916, el crítico Herbert F. Peyser declaró que "el mundo ha pasado, en efecto, entre la época de Beethoven y la de Leo Ornstein". ^{[ 18 ]} Esa primavera, Ornstein ofreció una serie de recitales en la casa neoyorquina de uno de sus defensores; estos conciertos fueron precedentes cruciales para las sociedades de compositores en torno a las cuales prosperaría la escena musical moderna en la década de 1920. ^{[ 19 ]} Ornstein también viajó a Nueva Orleans en 1916, donde descubrió el jazz . ^{[ 20 ]} Al año siguiente, el crítico James Huneker escribió:

Nunca pensé que viviría para escuchar a Arnold Schoenberg sonar manso, sin embargo suena manso —casi tímido y vacilante— después de Ornstein, quien es, sin duda alguna, el único compositor futurista auténtico y genuino que vive. ^{[ 21 ]}

Además de "futurista", Ornstein también fue etiquetado a veces —junto con Cowell y otros de su círculo— como "ultramodernista". Un artículo en el Baltimore Evening Sun se refería a él como "el pianista intransigente, que ha puesto al mundo musical a prueba y que probablemente sea la figura más comentada en el escenario de conciertos". ^{[ 22 ]} En The Musical Quarterly fue descrito como "el fenómeno musical más destacado de nuestro tiempo". ^{[ 18 ]} El compositor suizo Ernest Bloch lo declaró "el único compositor en Estados Unidos que muestra signos positivos de genialidad". ^{[ 23 ]}

Para 1918, Ornstein ya era lo suficientemente famoso como para que se publicara una biografía completa sobre él. El libro, escrito por Frederick H. Martens, no solo deja entrever el nivel de fama de Ornstein a los veinticuatro años, sino también su controvertido impacto en el panorama cultural.

Para muchos, Leo Ornstein representa a un genio musical perverso que vaga sin el más mínimo atisbo de ortodoxia tonal, en una extraña tierra de nadie plagada de sonidos tortuosos, de lamentos de desesperación futurista, de chillidos cubistas y gritos y estruendos postimpresionistas. Es el gran anarquista, el iconoclasta. ^{[ 24 ]}

Cowell, quien conoció a Ornstein mientras estudiaba en Nueva York, cultivaría un estilo igualmente radical como parte de una gran misión intelectual y cultural, que también incluía ambiciosos escritos sobre teoría musical y esfuerzos editoriales y promocionales en apoyo de la vanguardia. Ornstein, el iconoclasta vanguardista de la música clásica estadounidense, seguía una musa mucho más idiosincrásica: «Me guío únicamente por mi instinto musical en cuanto a lo que considero trascendental o intrascendente». ^{[ 25 ]} Prueba de ello es el hecho de que, incluso en la cúspide de su notoriedad ultramodernista, también compuso varias obras líricas y tonales, como la Primera Sonata para violonchelo y piano: ^{[ 26 ]} «[Fue] escrita en menos de una semana bajo una compulsión irresistible», dijo Ornstein más tarde. «Por qué escuché esta pieza romántica en el mismo período en que estaba inmerso en el primitivismo de [otras obras] es algo que escapa a mi comprensión». ^{[ 27 ]} Comentando la pieza después de la muerte de Ornstein aproximadamente tres cuartos de siglo después, el crítico Martin Anderson escribió que "rivaliza con la [sonata para violonchelo] de Rachmaninov en melodías magníficas". ^{[ 28 ]}

Antes del cambio de década —probablemente en 1918 o 1919— Ornstein produjo una de sus obras más distintivas que involucra clústeres de tonos, Suicide in an Airplane . ^{[ 29 ]} Su partitura requiere un patrón de ostinato de bajo de alta velocidad destinado a simular el sonido de los motores y capturar la sensación de vuelo. ^{[ 30 ]} La pieza serviría de inspiración para la Airplane Sonata (1923) de George Antheil , quien reflejó la influencia de Ornstein en otras obras como Sonata Sauvage (1923). ^{[ 31 ]} En 2000, el pianista e historiador Joseph Smith citó Suicide in an Airplane entre las piezas de Ornstein que "representaban (y quizás aún representan) la máxima expresión de la violencia pianística". ^{[ 32 ]}

Ornstein, agotado, abandonó prácticamente su célebre carrera como intérprete a principios de la década de 1920. ^{[ 33 ]} Su «música pronto cayó en el olvido», escribió el estudioso Erik Levi, convirtiéndolo en «una figura esencialmente marginal en la vida musical estadounidense». ^{[ 34 ]} Como describe Broyles, «Ornstein ya se había retirado casi por completo cuando surgieron las nuevas organizaciones musicales de la década de 1920. Demasiado joven e independiente, Ornstein tenía poco interés en participar en el movimiento modernista cuando este se afianzó en Estados Unidos. ... [Él] parecía poco preocupado por la publicidad o la falta de ella. Solo escuchaba su propia voz». ^{[ 35 ]}

El estilo compositivo principal de Ornstein también estaba cambiando. Como lo describió el crítico contemporáneo Gordon Rumson, su

El lenguaje musical se organiza en una gradación brillante y luminosa entre la sencillez y la aspereza. Las melodías tienen un matiz hebreo, y Ornstein no duda en yuxtaponer música disonante y tonal. Este cambio de estilo es solo una de las herramientas creativas de Ornstein. Más importante aún, hay una franqueza emocional que hace que la música sea genuinamente atractiva. Cabe destacar también que su música está idealmente escrita para piano y es claramente obra de un pianista virtuoso. ^{[ 21 ]}

Esta transformación contribuyó a que Ornstein cayera en el olvido. Aquellos a quienes había inspirado ahora lo rechazaban, casi con la misma vehemencia con la que los críticos a quienes había escandalizado una década antes. «[Él] había sido el símbolo del modernismo radical durante la década de 1910, y cuando abandonó ese estilo por uno más expresivo, los ultramodernos reaccionaron como un amante despechado», según Broyles. «Ni siquiera Cowell, conocido por su carácter tolerante, pudo perdonar a Ornstein». ^{[ 36 ]}

Habiendo abandonado no solo los escenarios de conciertos, sino también los ingresos que estos conllevaban, Ornstein firmó un contrato exclusivo con el sello Ampico para grabar rollos de pianola . ^{[ 37 ]} Grabó más de dos docenas de rollos para Ampico, en su mayoría de un repertorio no modernista; los compositores que interpretó con mayor frecuencia fueron Chopin, Schumann y Liszt . Dos rollos contenían composiciones propias: Berceuse (Canción de cuna) (ca. 1920–21) y Prélude tragique (1924). ^{[ 38 ]} Ornstein nunca grabó, en ningún formato, ni siquiera un solo ejemplo de sus piezas futuristas que le habían dado fama.

A mediados de la década de 1920, Ornstein dejó Nueva York para aceptar un puesto de profesor en la Academia Musical de Filadelfia, que más tarde formaría parte de la Universidad de las Artes . ^{[ 39 ]} Durante este período, compuso algunas de sus obras más importantes, incluido el Concierto para piano, encargado por la Orquesta de Filadelfia en 1925. ^{[ 35 ]} Dos años después, compuso su Quinteto para piano. Obra tonal épica, marcada por un uso audaz de la disonancia y arreglos rítmicos complejos , es reconocida como una obra maestra del género. ^{[ 40 ]}

A principios de la década de 1930, Ornstein dio su última actuación pública. ^{[ 41 ]} Unos años más tarde, él y su esposa, la ex Pauline Cosio Mallet-Prèvost (1892–1985), también pianista, fundaron la Escuela de Música Ornstein en Filadelfia. ^{[ 42 ]} Entre los estudiantes, John Coltrane y Jimmy Smith alcanzarían importantes carreras en el jazz. ^{[ 43 ]} Los Ornstein dirigieron y enseñaron en la escuela hasta su cierre tras su jubilación en 1953. Prácticamente desaparecieron de la vida pública hasta mediados de la década de 1970, cuando fueron localizados por la historiadora musical Vivian Perlis : la pareja pasaba el invierno en un parque de caravanas de Texas (también tenían una casa en New Hampshire). ^{[ 44 ]} Ornstein había seguido componiendo música; dotado de una memoria prodigiosa, no era diligente en escribirla toda y no había intentado darla a conocer durante décadas. Aunque su estilo se había moderado considerablemente desde la década de 1910, conservaba su carácter único, y con su redescubrimiento llegó un nuevo estallido de productividad. En la descripción de Gann, las obras para piano compuestas por Ornstein en sus ochenta, como Solitude y Rendezvous at the Lake , presentaban melodías que «surgieron a través de interminables y ornamentados arabescos que no recordaban a ningún otro compositor». ^{[ 15 ]}

En 1988, Ornstein, de noventa y dos años, escribió su Séptima Sonata para piano. Con esta composición, Ornstein se convirtió, por un par de años, en el compositor publicado de mayor edad, hasta Elliott Carter , en producir una obra nueva sustancial. ^{[ 45 ]} El 23 de septiembre de 1990, a la edad de noventa y cuatro años, Ornstein completó su obra final, la Octava Sonata para piano. ^{[ 46 ]} Los nombres de los movimientos de la sonata reflejan no solo el paso de un notable lapso de tiempo, sino también un sentido del humor y un espíritu exploratorio inalterados: I. "La agitación de la vida y algunos fragmentos de sátira" / II. "Un viaje al ático: una o dos lágrimas por una infancia perdida para siempre" (a. "El trompetista" / b. "Un lamento por un juguete perdido" / c. "Una cuna medio mutilada: berceuse" / d. "Primer paseo en carrusel y sonidos de una zanfona") ^{[ n 3 ]} / III. "Disciplinas e improvisaciones". Al reseñar el debut de la obra en Nueva York, el crítico Anthony Tommasini escribió: "Entre la locura rugiente del primer y tercer movimiento, el movimiento central es una suite de cuatro breves reflexiones musicales sobre recuerdos de la infancia descubiertos en un ático. Aunque completamente incongruente, el cambio de tono es audaz y la música cautivadora. El público escuchó absorto y luego estalló en aplausos". ^{[ 14 ]}

El 24 de febrero de 2002, Ornstein falleció por causas naturales en Green Bay, Wisconsin . Con una edad estimada de 106 años, fue uno de los compositores más longevos. ^{[ 47 ]}

• Lista de composiciones para piano solo de Leo Ornstein

• Partituras gratuitas de Leo Ornstein en el Proyecto de Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP).
• Leo Ornstein en Music of the United States of America (MUSA)
• Página web del artista Leo Ornstein , que incluye una lista de obras (muchas con partituras y archivos MP3 bajo demanda), preparada por su hijo Severo.
• Los documentos de Leo Ornstein en la Biblioteca Musical Irving S. Gilmore de la Universidad de Yale: un registro de documentos archivados que abarcan toda su carrera.
• "Re: 100 In The Shade", una versión más detallada del obituario de Ornstein escrito por Martin Anderson.
• Leo Ornstein y el futurismo en LTM
• Entrevista con Leo Ornstein , 18 de julio de 1987

Escuchando

• Programa del Centenario de Leo Ornstein, 1 de diciembre de 1992: el compositor, con motivo de su centenario, visita a Charles Amirkhanian.
• Leo Ornstein: El último de los rebeldes originales del siglo XX. Entrevista a Ornstein y su esposa realizada por Vivian Perlis.
• Música para piano de Ornstein Interpretación de Suicide in an Airplane por Marc-André Hamelin del Hyperion Leo Ornstein: Música para piano
• Vídeo de Sarah Cahill interpretando a Ornstein: una actuación de 2002 de " A Morning in the Woods " (28 de septiembre de 1971) para piano solo.