Iván Albright

Ivan Le Lorraine Albright (20 de febrero de 1897 - 18 de noviembre de 1983) fue un pintor, escultor y grabador estadounidense, conocido por sus autorretratos , estudios de personajes y naturalezas muertas . ^[1] Debido a su técnica y temática oscura, a menudo se lo clasifica entre los realistas mágicos y, a veces, se lo conoce como el "maestro de lo macabro ". ^{[1] [2]}

De una familia de artistas y artesanos, Albright surgió en la escena artística estadounidense en la década de 1930 y se ganó la reputación de ser uno de los realistas estadounidenses más enigmáticos . ^[3] Sorprendió, impresionó y perturbó al público con su énfasis en la fragilidad del cuerpo, la carne y la condición humana con obras como The Lineman (1928), That Which I Should Have Done I Did Not Do (The Door) (1931) y The Picture of Dorian Gray (1943). ^[1] Su trabajo para resaltar los detalles minuciosos y la textura de cada superficie a menudo requería que pasara años o décadas en una sola pintura. ^[3]

Si bien las obras de Albright se pueden encontrar en museos de todo Estados Unidos, el depósito más importante de sus obras se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago . ^[4]

Antes del nacimiento de Ivan Le Lorraine y su hermano gemelo idéntico Malvin Marr Albright, la familia Albright (anteriormente la familia Albrecht ) ya era conocida por sus obras de arte y su artesanía. El tatarabuelo paterno de Ivan, Andreas Albrecht, era un maestro armero en Turingia , Alemania , un oficio familiar transmitido al abuelo de Ivan, Zachariah. ^[6] Asimismo, el padre de Ivan, Adam Emory Albright, fue un pintor impresionista y alumno de Thomas Eakins , que construyó su reputación a partir de paisajes y pinturas idealizadas de niños. ^[7]

Ivan y Malvin nacieron en 1897 cerca de Chicago en North Harvey, Illinois, hijos de Adam Emory Albright y Clara Wilson Albright. Durante su juventud y hasta que los dos cumplieron once años, su padre los utilizó como modelos en sus pinturas. ^[8] Adam también comenzó a enseñarles a los dos a dibujar a los ocho años: esto incluía lecciones formales de dibujo al estilo de Eakins y visitas regulares al Art Institute of Chicago . A través de su padre, los niños conocieron a varios impresionistas y realistas estadounidenses destacados , entre ellos Childe Hassam , Robert Henri , William Glackens , Maurice Prendergast , Edmund Tarbell y John Twachtman . ^[8] Como describe Michael Croydon, el biógrafo de Ivan, estas experiencias sentaron las bases para las carreras posteriores de Ivan y su hermano como pintores. ^[9]

La educación formal y las perspectivas profesionales de Ivan en su juventud y adultez temprana fueron relativamente erráticas. Su familia se mudó con frecuencia debido a la carrera de su padre y no fue hasta 1910 que se establecieron en Hubbard Woods, donde Ivan y Malvin pudieron asistir a New Trier High School . ^[9] En 1915, Ivan ingresó en la Facultad de Artes Liberales de la Universidad Northwestern , en la que fracasó. Su hermano se inscribió en la misma escuela poco después. ^[10] En 1916 comenzó a estudiar en la Universidad de Illinois en Urbana , en ese momento considerando carreras en arquitectura o ingeniería química. No fue hasta 1918, después de un viaje de pintura familiar a Caracas , Venezuela , que Ivan comenzó a tomar en serio la posibilidad de convertirse en artista. Ese mismo año exhibió públicamente su primera obra, un estudio de acuarela de los árboles cerca de su casa en Hubbard Woods titulado The Oaks in Winter , en la exposición anual de acuarela del Art Institute of Chicago. ^[11] La entrada de los Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial también perturbó su vida adulta temprana, ya que tanto él como su hermano se alistaron en el Ejército de los Estados Unidos como parte del Cuerpo Médico de las Fuerzas Expedicionarias Estadounidenses . ^[12] Mientras estuvo destinado en Nantes, Francia , entre 1918 y 1919, Albright produjo al menos ocho cuadernos de bocetos de dibujos médicos que ilustraban cirugías y heridas en grafito y acuarela. Si bien Albright aún no era un dibujante consumado, los historiadores y críticos de arte a menudo citan estas ilustraciones como el catalizador de su interés en la fragilidad de la carne y la humanidad por los que sufren. ^{[13] [14] [15] [16]}

Después de trabajar brevemente en arquitectura y publicidad, en 1920 tanto él como su hermano ingresaron al Art Institute of Chicago. Mientras Malvin estudiaba escultura, Ivan estudió pintura; ambos recibieron una formación académica estándar en línea con la filosofía tradicional del instituto. ^[18] Permaneció allí hasta que se graduó en 1923, después de haber exhibido El filósofo (1922) y haber recibido una Mención Honorífica de la Facultad tanto en Pintura del Natural como en Pintura de Retrato. ^[17] Después de su tiempo en el Art Institute, continuó sus estudios en el alma mater de su padre, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, con la intención de aprender de George Bellows . Sin embargo, Bellows estaba en ese momento de año sabático en Europa, por lo que Ivan decidió mudarse a la Academia Nacional de Diseño para estudiar con Charles Webster Hawthorne . ^[17] Habiendo completado su educación formal, en 1925 él y su hermano Malvin alquilaron un estudio en Filadelfia y comenzó su carrera profesional como artista. ^[19]

Entre 1925 y 1926, el estilo formal "barroco" maduro de Albright comenzó a surgir, ^[19] y en muchos casos el público en general no estaba preparado para su "divulgación desnuda e intransigente de la condición humana". ^[20] A fines de 1926, Albright y su hermano pasaron tres meses en el sur de California, cerca de San Diego . Mientras estaban allí, Albright produjo varias obras que son representativas de la madurez de su estilo, entre ellas I Walk To and Fro Through Civilization y I Talk As I Walk (Follow Me, The Monk) y I Drew a Picture in the Sand and the Water Washed It Away (The Theosophist) . ^[21] En 1927, él y Malvin regresaron a Illinois, donde su padre Adam había reutilizado una antigua iglesia metodista para usarla como Galería Albright de Pintura y Escultura. ^[22] Debido a la proximidad de los hermanos durante los siguientes dos años, Malvin adoptó el seudónimo Zsissly para evitar confusiones con Ivan. ^[23] Fue durante los años en este estudio que el estilo de Ivan comenzó a causar controversia: en mayo de 1928 su pintura The Lineman fue utilizada como portada de la revista especializada Electric Light and Power . Los lectores de la revista pensaron que la figura del liniero era inexacta y deprimente; sin embargo, la pintura tuvo mucho más éxito entre los críticos de arte. ^{[24] [23]} No mucho después, Albright comenzó a trabajar en pinturas que enfatizaban la calidad microscópica de la superficie tanto como la forma barroca, comenzando con Woman (1928). Cuando Woman se exhibió en el Museo de Arte de Toledo en la 17.ª Exposición de Pinturas Seleccionadas de Artistas Americanos Contemporáneos en 1929, la pintura fue recibida con manifestantes que primero hicieron que la pintura fuera retirada, seguidos por otro grupo que protestaba por la eliminación de la pintura. ^[25]

En 1931, cuando comenzó la Gran Depresión , la carrera de Albright se estaba consolidando. En julio de ese año, expuso catorce pinturas en el Art Institute of Chicago junto a sus compañeros artistas George y Martin Baer. ^[26] Ese año también, tras completar la monumental Into the World There Came a Soul Called Ida (1929-30), comenzó su obsesión de una década con su obra maestra That Which I Should Have Done I Did Not Do (The Door) (1931). Según Albright, la Depresión no afectó significativamente su carrera porque la gente no compraba sus pinturas "ya fueran buenos o malos los tiempos, [así que] no hizo ninguna diferencia". ^[27] De hecho, el éxito de su padre en las ventas de arte y bienes raíces le permitió a Albright vivir cómodamente durante la década de 1930. ^{[28] [29]} No obstante, como muchos otros artistas de la época, Albright participó en el Proyecto de Obras Públicas de Arte en Illinois. ^[30] Se suponía que recibiría treinta y ocho dólares por semana en el programa como artista de "clase A", pero sostuvo que nunca recibió pago por sus obras. Mientras estaba en el proyecto, Albright completó dos pinturas: La cocina del granjero (1933-34) y Autorretrato (1934). ^[31] La cocina del granjero , ahora alojada en el Museo Smithsonian de Arte Americano , en particular se adecuaba a las expectativas del PWAP de imágenes de estadounidenses trabajadores y es de hecho temáticamente la pintura de Albright más cercana a las de los regionalistas populares . ^{[31] [32]} No obstante, el tema le permitió a Albright mostrar en la mujer cansancio y deterioro y, por lo tanto, criticar la perspectiva positivista de artistas regionalistas como Grant Wood y Doris Lee . ^[28]

La década de 1940 trajo una serie de cambios en la vida de Albright. Su madre, Carla Wilson Albright, murió el 8 de mayo de 1939 y, desconsolados, él, Malvin y Adam pasaron los siguientes veranos pintando en Maine. ^[33] Durante este período, en 1941, Albright completó el trabajo en The Door y comenzó a trabajar en su compañera de facto Poor Room – There Is No Time, No End, No Today, No Yesterday, No Tomorrow, Only the Forever and Forever and Forever Without End (The Window) , en la que Albright continuaría trabajando de forma intermitente durante los siguientes veintiún años. ^[34] El trabajo en The Window experimentó su primera interrupción cuando se les pidió a Ivan y Malvin que pintaran para la adaptación de Metro-Goldwyn-Mayer de El retrato de Dorian Gray , dirigida por Albert Lewin . ^[35] Para su retrato, Albright insistió en trabajar bajo las mismas duras luces que en el set, por lo que para compensar desarrolló una nueva sensibilidad agresiva en torno al color que persistiría en su trabajo hasta la década de 1970. ^[36] En 1946, la vida personal de Albright cambió aún más cuando el 27 de agosto se casó con Josephine Medill Patterson Reeve. Después del matrimonio, la pareja se mudó brevemente a Billings , Montana y luego al sur a Ten Sleep , Wyoming antes de regresar a Chicago. ^[37] Albright adoptó a los hijos de Josephine tras el matrimonio. En 1947, Ivan y Josephine tuvieron un hijo, Adam Medill, y dos años después, en 1949, tuvieron una hija, Blandina Van Etten. ^{[37] [38]}

El retrato y el autorretrato dominan gran parte de la producción de la parte final de la carrera de Albright. La interrupción final del trabajo de Albright en La ventana fue el encargo del Retrato de Mary Block (1955-1957). ^[39] Tras completar La ventana en 1962, comenzó inmediatamente a trabajar en un retrato póstumo de su suegro, el capitán Joseph Medill Patterson (1962-1964), un oficial durante la Primera Guerra Mundial y fundador del New York Daily News . ^[39] Asimismo, mientras él y su familia estaban de vacaciones en Aspen, Colorado en 1963, realizó el Autorretrato de Aspen , capturando objetivamente al artista a los sesenta y seis años. ^[39]

Las décadas de 1950 y 1960 presentaron pocas obras a gran escala de Albright, pero sí lo vieron expandir sus horizontes con los viajes. ^[40] Entre 1948 y 1964, Albright produjo una serie de óleos y gouaches con temas del oeste. ^[40] Esto se debió en parte a que, a través de Josephine y su hermana Alicia Patterson Guggenheim , el artista adquirió la propiedad parcial de un rancho en Dubois , Wyoming. ^[41] El rancho fue un escenario apropiado para una serie de obras de arte con temática del oeste, entre ellas Roaring Fork, Wyoming (1948) , The Purist (1949), The Wild Bunch (Hole in the Wall Gang) (1951), Tin (1952-54) y The Rustlers (1959, 1963-64). ^{[42] [43]} Asimismo, tras el fallecimiento de Alicia en 1963, Ivan y Josephine heredaron su plantación en Georgia , justo al norte de Jacksonville , lo que impulsó a Albright a interesarse especialmente por el pantano como tema. ^{[44] [45]} Sin embargo, el tiempo que Ivan pasó en Georgia entre 1963 y 1965 fue en parte por necesidad, ya que la ciudad de Chicago decidió derribar su estudio en Ogden Avenue para dar paso a un centro comercial. ^[44] Además, a pesar de haber sido honrado con una retrospectiva en el Art Institute of Chicago y el Whitney Museum of American Art en 1964-65, ^[46] Albright se sintió excluida por la comunidad artística de Chicago. El arte contemporáneo estaba dominado en ese momento por el pop-art y el minimalismo , muy a diferencia del estilo figurativo de Albright. En parte para escapar de esta "escena", Ivan y Josephine se mudaron a Woodstock , Vermont en 1963, pero solo pudieron comenzar a vivir allí a tiempo completo en 1965 cuando la propiedad fue completamente renovada. ^[47] Fue allí donde Albright completó lo que podría decirse que fue su último trabajo importante, If Life Were Life – There Would Be No Death (The Vermonter) (1966-77), utilizando el modelo de Kenneth Harper Atwood, un agricultor de arce jubilado y ex miembro de la Cámara de Representantes de Vermont . ^[48]

Cuando Albright tenía setenta y cinco años, su vista comenzó a deteriorarse con el desarrollo de cataratas. ^[49] Las cataratas se revirtieron en 1977 con su primer trasplante de córnea, que le dio al artista una nueva sensación de vida. ^[23] Ese año, donó gran parte de su trabajo al Art Institute of Chicago, y al año siguiente se publicó su primera biografía de Michael Croydon. ^{[50] [51]} Sin embargo, su salud pronto se deterioró. Su última serie de pinturas fue un grupo de autorretratos ejecutados entre 1981 y 1983. La serie se inició a pedido de la Galleria degli Uffizi en Florencia para un autorretrato para agregar a su colección de autorretratos de grandes maestros en honor a su 400 aniversario. Si bien una de las pinturas se encuentra ahora en los Uffizi, Albright produjo más de veinticuatro en total en una variedad de estilos y medios. El último de ellos lo completó después de un derrame cerebral y sólo unos días antes de morir el 18 de noviembre de 1983. ^[50]

No fue hasta la década de 1930 que Albright desarrolló una técnica consistente para sus obras. La técnica incluía la creación de numerosos dibujos detallados, la creación de su propia paleta de colores y la pintura con cientos de pinceles pequeños. La técnica de Albright, que requería mucho tiempo, no solo le permitió representar detalladamente el deterioro físico de los objetos y las personas, sino que también le permitió incorporar una multitud de ligeros cambios en el punto de vista y resaltar las relaciones entre los objetos. La combinación de Albright de realismo extremo con una paleta de colores violenta y estridente llevó a los críticos de arte a categorizar su trabajo con las obras de los realistas mágicos estadounidenses .

A finales de los años 50 y en los 60 utilizó punta de metal para sus dibujos. The Last of the Old WoodStock Inn fue dibujado en 1968, utilizando punta de plata, platino, oro, cobre y latón sobre papel VideoMedia. ^[53]

Los temas que se repiten en las obras de Albright incluyen la muerte, la vida, lo espiritual frente a lo físico y los efectos del tiempo. Los títulos de sus obras eran igualmente complejos. No nombraba una pintura hasta que la terminaba, momento en el que se le ocurrían varias posibilidades antes de decidirse por una. Por ejemplo, una pintura de una ventana se titula Poor Room – There is No Time, No End, No Today, No Yesterday, No Tomorrow, Only the Forever, and Forever and Forever Without End (The Window) (La habitación pobre: ​​no hay tiempo, no hay fin, no hay hoy, no hay ayer, no hay mañana, solo el para siempre y para siempre y para siempre sin fin (La ventana)) . Generalmente, se hace referencia a la pintura solo por estas dos últimas palabras. Otra pintura, And Man Created God in His Own Image (Y el hombre creó a Dios a su propia imagen) , tenía las palabras del título invertidas en God Created Man in His Own Image (Dios creó al hombre a su propia imagen) cuando estuvo de gira por el sur de los EE. UU . para evitar la controversia.

Esta pintura es una representación grotesca de una mujer que (según el título) se llama Ida. ^[54] Dentro de esta pintura hay varias referencias a la idea de que el cuerpo humano es débil y que todos estamos atrapados dentro de nuestras formas físicas. Parece haber un conflicto sucediendo entre el alma y el cuerpo. ^[55] La figura está sentada en una habitación desordenada y en mal estado. Se está mirando en un espejo de mano con una mirada de tristeza en su rostro. Una lectura de esto es que está triste debido a su edad y falta de belleza. ^[54] Algunas personas creen que es una actriz vieja o posiblemente una prostituta. ^[55] Ida es similar a muchas de las otras obras de Albright debido al aspecto muerto y decadente de la figura, así como a los significados más profundos (y a menudo oscuros) que se esconden en su interior.

Una de sus pinturas más famosas, titulada "Lo que debería haber hecho no lo hice (La puerta)" , le llevó diez años completarla y ganó el primer premio en tres importantes exposiciones en la ciudad de Nueva York , Chicago y Filadelfia en 1941. El premio en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York le valió un premio de compra de $3500 para la pintura y su lugar en la colección permanente, pero Albright fijó el precio de compra en $125 000. En cambio, se llevó la Primera Medalla, lo que le permitió quedarse con la obra. Esta pintura se exhibe actualmente en el Instituto de Arte de Chicago . ^[56]

En 1943, Albright recibió el encargo de crear la pintura que da título a la adaptación cinematográfica de Albert Lewin de El retrato de Dorian Gray de Oscar Wilde . Sus representaciones naturalistas y exageradas de la decadencia lo hicieron adecuado para crear la imagen del corrupto Dorian. Su hermano fue elegido originalmente para hacer la pintura inicial, incorrupta, de Gray. Sin embargo, la pintura utilizada en la película final fue de Henrique Medina . Cuando se necesitaron cambios en la pintura de Medina para mostrar la caída de Gray, Albright los pintó. Su pintura del corrupto Dorian Gray actualmente reside en el Art Institute of Chicago. ^[57] Supuestamente, Albright siguió retocando la pintura mientras se exhibía en el Art Institute of Chicago. ^[58]

Las pinturas de Albright se pueden encontrar en algunas de las colecciones institucionales más importantes de los Estados Unidos, incluido el Museo de Arte Moderno , ^[59] el Museo Metropolitano de Arte , ^[60] el Instituto de Artes de Detroit , ^[61] la Galería Nacional de Arte , ^[62] el Museo Whitney de Arte Estadounidense , ^[63] y el Museo Solomon R. Guggenheim . ^[64] La colección más grande e importante de obras de arte y archivos de Albright se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago , lo que demuestra su relación singular con la institución. ^[65] Entre las donaciones del artista, su familia y sus mecenas, el Instituto ahora posee 137 pinturas, dibujos, grabados y esculturas. ^[66] A su vez, el instituto trabaja para promover su legado a través de la publicación de catálogos académicos y la exhibición de obras. ^[65] Se realizaron importantes retrospectivas de su obra en 1964 y 1997. Además, se realizaron exposiciones más pequeñas en 1978, 1984 y 2018. ^{[67] [68]}

La colección del Art Institute of Chicago fue el resultado de la propia habilidad de Albright para cimentar su reputación entre los museos y coleccionistas de alto nivel. ^[69] Durante las décadas de 1940 y 1950, Albright permitió repetidamente que instituciones prominentes intercambiaran obras por ejemplos superiores: en 1947, el Instituto intercambió Woman (1928) por Into the World There Came a Soul Called Ida (1929-30); y en 1956, junto con la financiación de donantes intercambiaron Ida junto con Heavy the Oar to Him Who Is Tired, Heavy the Coat, Heavy the Sea (1929) y Oh God, Herrings, Buoys, the Glittering Sea (1940) por la obra maestra de Albright The Door (1931-1941). ^[70] En 1977, Albright donó setenta y cinco de su colección personal al museo, devolviendo varias obras que habían sido intercambiadas antes. ^[71] Tras la muerte de Albright, su viuda Josephine Patterson Albright donó veinte autorretratos adicionales, así como una colección de materiales de archivo, que ahora se conservan en las bibliotecas Ryerson & Burnham del Art Institute of Chicago . El archivo incluye fotografías, álbumes de recortes, bocetos, cuadernos, una película y otros materiales que documentan su vida y su carrera. ^[71]

• Gertrude Abercrombie
• Aarón Bohrod
• William S. Schwartz

• Croydon, Michael (1978). Ivan Albright . Nueva York: Abbeville Press. ISBN 9780896590021.
• Donnell, Courtney Graham; Wenninger, Susan S.; Cozzolino, Robert (1997). Rossen, Susan F. (ed.). Ivan Albright . Chicago: Instituto de Arte de Chicago. ISBN 9781555951368.Catálogo de la exposición.
• Grayson, Gael, ed. (1978). Imagen grabada: las impresiones de Ivan Albright, 1931–1977 . Lake Forest, IL: Lake Forest College. OCLC  5220669.Catálogo de la exposición.
• Oehler, Sarah Kelly, ed. (2019). Pinturas de Ivan Albright en el Art Institute of Chicago. Chicago: Art Institute of Chicago. ISBN 9780865593039.{{cite book}}: Mantenimiento de CS1: falta la ubicación del editor ( enlace )Publicado después de la exposición Flesh: Ivan Albright en el Art Institute of Chicago , organizada y presentada en el Art Institute of Chicago, del 4 de mayo al 4 de agosto de 2018.
• Sweet, Frederick A. (1964). Ivan Albright: una exposición retrospectiva organizada por el Art Institute of Chicago en colaboración con el Whitney Museum of American Art . Chicago: Art Institute of Chicago. OCLC  472225602.Catálogo de la exposición.

• Entrevista de historia oral con Ivan Le Lorraine Albright, 5 de febrero de 1972. Archivos de Arte Estadounidense, Institución Smithsonian.
• "Michael Croydon". www.michaelcroydon.com . Consultado el 6 de marzo de 2019 .—Biógrafo de Albright.
• Cartas de Ivan Albright a Irene Helen McCabe Cantine y recortes relacionados, 1942-1983